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Reivindican la obra del artista español

Francisco Iturrino en la ciudad de Málaga



María Esther Beltrán Martínez  Fotos: J.Carlos Santana

Andalucía, España.-  El Museo Carmen Thyssen Málaga presenta medio centenar de obras en  la exposición La furia del color. Francisco Iturrino (1864-1924). Artista español  renovador singular de la plástica española de la primera década del siglo XX, introdujo una nueva manera de interpretar la figura femenina  en relación con la Naturaleza, coherente con la corriente internacional.

“Aportó una visión distinta de los temas tradicionales, con una pintura gozosa y vitalista, y lo hizo desde un tratamiento técnico que mostraba recursos novedoso, con una pincelada líquida, alargada y gestual y una cromática intensa y exaltada su obra supuso la fusión de elementos heredados de maestros del postimpresionismo con la aventura regionalista. En la temática escogida, mostró un paralelismo con su tiempo. Cuando Iturrino comenzó a pintar, hacia 1982, confluye en el ámbito internacional un gusto por este asunto. En otros aspectos tuvo una estrecha vecindad con el fauvismo, llegando a ser considerado un precursor del mismo, pero Iturrino, nómada de espiritu viajero incansable realizó su obra en soledad”, explica la curadora de la exposición Lourdes Moreno.

Agrega que nacido en Santander en 1864, pero vasco de adopción, a pesar del gusto artístico de la burguesía local e Bilbao no optó por la temática realista y rural en torno al caserío o de arrantzales y remeros, a la manera Anselmo Guinea o Manuel Lozada; tampoco se vinculó al compromiso social de autores como Adolfo Guiard. Su aportación fue otra, desde una perspectiva más radical e innovadora.

Recibió una formación cosmopolita e internacional. Estudió en Bélgica y trabajó en París y recorrió de forma intensa toda la geografía española, expuso con Picasso y pintó mano a mano con Matisse y fue uno de los artistas españoles de su tiem`po que trabajo con mayor libertad en sus obras. Rindió culto al color y estuvo cercano a miembros del grupo fauvista, pero Iturrino fue un creador que mantuvo una clara independencia estilística y vital. Un autor de compleja clasificación, entonces y ahora.

Sin duda alguna, la exposición revisa  una perspectiva inédita, la pintura de Iturrino. La muestra ahonda en la reivindicación de su arte, destacando el carácter  marcadamente personal de su obra, pero sobre todo las numerosas influencias e intercambios con el poliédrico contexto nacional y europeo de su tiempo, que le sitúa en una renovadora corriente internacional de exaltación del color como elemento expresivo y compositivo.

Junto con los mejores lienzos de Iturrino se muestran obras de otros doce artistas, entre los que se encuentran Matisse, Derain, Maurice de Vlaminck, Zuloaga, Anglada- Camarasa, Regoyos, Nonell, Juan de Echevarría, Vázquez Díaz, Ismael Smith, Fernando de Amárica y Manuel Ortiz de Zárate.

Se  exhibe un retrato que le hizo en 1914 su amigo André Derain, uno de los iniciadores del fauvismo, abre la exposición La furia del color, ilustrando las conexiones que Iturrino estableció en París con los protagonistas de las corrientes renovadoras del arte de su tiempo, y que en esta muestra se presentan como fundamentales para su pintura.

Moreno enfatiza que todas las amistades del pintor entre las que se incluyen los principales protagonistas de las vanguardias de comienzos del siglo XX o literatos como Unamuno y Gómez de la Serna, y sus puntos de encuentro muestran, en definitiva, que Iturrino, pese a su absoluta singularidad den la España de su tiempo, no fue un artista aislado o al margen de las grandes corrientes pictóricas.

En la inauguración de la exposición se contó con familiares del artista entre los que se encuentra su nieto.

 


 

 

 

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Miic: Un proyecto de acupuntura social a través del arte

 

·     Una iniciativa que busca dar un piquete que revitalice a las comunidades que no tiene acceso a infraestructura cultural en México, para que conecten con el arte.

·     Una plataforma con vocación artística cuya intención es enfatizar los puntos de unión de los humanos, más allá de lo que nos diferencia.

 

Miic Museo Itinerante Individuo – Colectivoes una iniciativa del artista plástico Guillermo Roelpara abrir el diálogo al arte e impulsar formas de inclusión a la cultura, a través de una plataforma itinerante que invita a la reflexión sobre un tema que nos implica y concierne a todos: lo humano. Repara en nuestros puntos de unión, más allá de en lo que nos diferencia.

El Museo Itinerante Individuo Colectivo nace de la necesidad de permitir la mayor difusión posible de obras artísticas y al mismo tiempo de la revalorización del arte como parte medular de la sociedad. 

“Miic comunica, exhibe, educa, lleva el arte a lugares en los que la población no tiene acceso a infraestructura cultural. Tenemos programadas ya las primeras exhibiciones de arte, talleres didácticos y estamos en la búsqueda de alianzas para que este proyecto pueda exponenciarse”, nos dice Roel.

La acupuntura se puede dar en una comunidad con la introducción de una nueva costumbre un nuevo hábito, que crea condiciones positivas para la transformación. “Miic tiene la intención hacer acupuntura social, queremos que sea el piquete que cree una reacción positiva y en cadena ante el arte en las comunidades”, aclara Guillermo.

“Es cierto que no es la primera vez que se hace un museo itinerante. Sin embargo, creo que a la luz del XXI tenemos que volver a probar fórmulas que abren perspectivas en el campo artístico con respecto a las comunidades. Necesitamos voltear a ver a esa audiencia”, comenta el artista plástico

MiiC abre sus puertas al público con la primera pieza “La Nueva Clonación”, instalación del propio Roel, el 13 de diciembre en el Parque La Mexicana en la Ciudad de México; continuará en 2019 primero en la Universidad Autónoma de México (UNAM) y luego emprender el rumbo por la República Mexicana, comenzando por municipios de Morelos y Puebla.

Guillermo Roel es un artista visual cuya obra incluye pintura e imagen en movimiento. Ha tenido diversas exposiciones, principalmente en países de Europa, donde vivió por muchos años. Entiende al arte como un fenómeno humano, no como la conceptualización de pequeños trozos de géneros que están ahí para dar nombre a las diferentes técnicas de creación que siempre terminan produciendo lo mismo. Para él, no existe una serie de pasos organizados; el proceso creativo y la vida son una misma cosa. Trabaja para mantener despierta la conciencia de la conciencia. De este estado de alerta nacen de manera espontánea lineamientos en todas direcciones y adquieren diversas formas.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 


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La voz de Picasso se escucha en la

exposición del Museo Picasso Málaga



María Esther Beltrán Martínez  Fotos: J.Carlos Santana

Málaga, España.- El Museo Picasso Málaga presenta la exposición  El sur de Picasso. Referencias andaluzas. El público disfruta de un recorrido sintético por la historia del arte español destacando las obras de Pablo Picasso junto a valiosas piezas arqueológicas y pinturas de grandes maestros del arte español.

El recorrido comienza con una muestras del arte íbero, pasando por la antigüedad clásica.La contribución e influencia de Picasso en la historia del arte occidental del siglo xx es indiscutible. Todo comenzó en la marítima ciudad de Málaga, donde nació a finales del siglo xix, iniciando con precocidad una prolongada carrera artística de ocho décadas que asimismo finalizó junto al mar Mediterráneo en la costa azul francesa, con similar exuberancia creativa, indica José Lebrero Stals, curador  general de la exposición.

“Varias son las premisas que esta exposición plantea para defender la idea de que Picasso nunca dejó de interesarse por los orígenes y tradiciones de la pintura, del mismo modo que su condición migrante lo mantuvo emocionalmente afianzado a su país, sin despojarse de la lealtad a su filiación cultural: Málaga, Andalucía y España forman parte de su ser meridional, no solo artístico. Así, la influencia del Mediterráneo, la mirada mágica, el retrato en la historia, lo clásico, la representación de la vida y la muerte en el Barroco, las dolorosas, los arquetipos y los rituales son algunos de los argumentos que permiten una aproximación a temas que forman parte de la iconografía del artista malagueño como son la tauromaquia, el bodegón, la vanitas, la maternidad, los ritos o su filiación pictórica con los maestros barrocos españoles, permitiendo desvelar diversos aspectos su notable identificación y novedosa interpretación del legado artístico español. La llamada del sur también queda reflejada en los textos poéticos de Picasso, una escritura libre y espontánea en la que trabajó durante dos décadas a partir de 1935, con abundantes referencias a ese sur, y que también forman parte de la muestra mediante una cuidada selección que de una manera relevante dan fe de la identidad española de Pablo Picasso”.

Un plus que tiene esta exposición es poder escuchar la voz de Picasso, gracias a las grabaciones de dos entrevistas que un periodista español le realizó para Radio Paris en Vallauris con motivo de su 80 cumpleaños.

Un total de 204 piezas componen la exposición  que muestra pinturas, esculturas dibujos y obra gráfica de Pablo Picasso junto a un grupo relevante de vestigios arqueológicos de las culturas íbera y fenicia y de época greco-romana, así como pinturas, grabados y esculturas polícromas de reconocidos maestros de nuestra historia del arte: Juan Sánchez Cotán, Juan van der Hamen, Francisco de Zurbarán, Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, Alonso Cano, Antonio de Pereda, Bartolomé E. Murillo, Pedro de Camprobín, Juan de Zurbarán, Pedro de Mena, Luis E. Meléndez y Francisco de Goya, María Blanchard, Juan Gris, Moreno Villa, Manuel Ángeles Ortiz e Ismael González de la Serna.

La muestra cierra con música, la de Manuel de Falla y Le tricorne, ballet ambientado en España que el compositor estrenó en Londres en 1919 con la colaboración de Pablo Picasso, quien diseñó la decoración y el vestuario, cuyos bocetos están también presentes en esta exposición.

 


 

 

 

 

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Está de fiesta el Museo del Prado

al conmemorar su bicentenario

María Esther Beltrán Martínez  Fotos: Cortesía del Museo del Prado.



Madrid, España.-  El Museo del Prado conmemora su bicentenario con decenas de actividades culturales para todos los gustos. El 19 de noviembre de 1819 se abrió el Museo Real con fondos procedentes de las colecciones reales y es hasta hoy en uno de los principales depositarios  de la memoria pictórica occidental y es un punto de referencia en el arte nacional español como internacional.

Aunque el Museo del Prado no se encuentra entre los veinte más visitados del mundo, destaca por ser el segundo más visitado de España, en el 2017 reportó más de 2 millones de visitantes.

Para comenzar la celebración por el bicentenario, se inauguró la exposición  Museo del Prado 1819-2019. Un lugar de memoria. La muestra incluye un total de 168 obras originales, 34 procedentes de distintas instituciones nacionales e internacionales, además se tiene material auxiliar  como: cartelas, mapas, gráficos, reproducciones fotográficas e instalaciones audiovisuales.

El curador de la obra es Javier Portús, Jefe de Conservación de Pintura Española (hasta 1700) del Prado.

“La muestra propone un recorrido cronológico por el devenir del museo, que es un criterio que permite subrayar lo que tiene de institución viva y especialmente permeable a los vaivenes históricos del país. Entre los hechos que se han tomado como puntos de referencia principales a la hora de hilvanar esa historia figuran la conciencia patrimonial española, la forma como se ha ido resolviendo el diálogo de la institución con su público y la sociedad, el reflejo que han tenido en el museo algunos momentos críticos de estos dos siglos de historia nacional, los criterios por los que se ha guiado el enriquecimiento de sus colecciones y la política expositiva, el desarrollo de la historia del arte como disciplina humanística, el impacto que han tenido el museo y sus colecciones sobre el arte y los artistas de los siglos XIX y XX o los contenidos simbólicos que se han ido asociando a la institución.

El recorrido cronológico se articula en ocho etapas a través de las que se muestra cómo la institución ha desarrollado una personalidad propia, que a su vez ha sido reflejo del devenir histórico del país”.

Destaca que entre los temas tratados, por su relevancia artística, el de la importancia que ha tenido el museo como espacio de reflexión e inspiración para sucesivas generaciones de artistas nacionales e internacionales, que se encuentra representado con obras de Renoir, Manet, Chase, Sargent, Arikha o Pollock, entre los artistas foráneos, y de Rosales, Saura y, muy singularmente, Picasso, entre los nacionales.

El recorrido ilustra también, sirviéndose de todo tipo de documentos y obras de arte representativas en cada caso, los avatares institucionales del Prado; la manera como han ido creciendo sus colecciones, y la variedad de fórmulas que se han empleado para ello; los criterios de organización y exposición de la colección; la forma como ha ido asumiendo la promoción de los estudios histórico-artísticos; y las formas a través de las cuales ha ido plasmando su vocación pedagógica, y se ha expresado su relación con la sociedad.

Entre las secciones se encuentra El franquismo, data  1939-1975, décadas centrales del siglo XX  donde el museo estaba consolidado en la cultura occidental. Y su historia estaba marcada debido que muchos escritores e intelectuales utilizaron sus salas y sus obras para reflexionar sobre cuestiones que trasciendían las puramente histórico artísticas. Esa tendencia se agudizó desde mediados de siglo, y ha dado lugar a un corpus de ensayos, poemas, piezas de teatro y otras obras literarias de una notable envergadura y gran variedad.

Explican que paralelamente, fueron muchos los artistas contemporáneos que -como en el siglo XIX- utilizaron las obras del Prado para enfrentarse no solo a su propia tradición profesional, sino también a asuntos generales de las condición humana, y que en sus propias pinturas, esculturas o fotografías reflejaron ese diálogo.

La nómina de creadores atraídos por el museo y sus obras es muy elevada y variada, e incluye a nombres como Pollock, Motherwell, Zoran Music, el Equipo Crónica, Antonio Saura y un largo etcétera. Algunos de ellos se sintieron especialmente atraídos por Las meninas, una obra cuya complejidad narrativa y estructural la hace muy atractiva al pensamiento contemporáneo, muy interesado en la metaficción, tanto literaria como artística. Entre los muchos que se sintieron atraídos por el cuadro figuran artistas como Hamilton, Oteiza, o Arikha, pensadores como Foucault, o dramaturgos como Buero Vallejo. También Picasso, cuya famosa serie de 1957 está basada en el recuerdo personal que tenía de la obra.

Era un recuerdo vinculado a su instalación en la llamada "Sala de Las meninas", por lo que en esta parte de la exposición habrá un espacio dedicado a ese lugar tan singular dentro de la topografía del museo. El notable desarrollo de la fotografía y la filmografía durante la segunda mitad del siglo XX hace que haya quedado una gran cantidad de imágenes y grabaciones que muestran el museo y sus salas habitados por visitantes, la mayoría de ellos son anónimos, pero otros son personajes importantes de la vida artística, intelectual, cultural y social de la época. Por eso, esta será la sección en la que se dará cabida a los visitantes del Prado, a través de fotografías y grabaciones. Entre todos estos apartados, este capítulo de la exposición será el que describa de manera más nítida hasta qué punto el museo había alcanzado ya un lugar importante en nuestro imaginario colectivo”.

 


 

 

 

 

 

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La obra de José Luis Puche cruza

fronteras y se presenta en Turquía

María Esther Beltrán Martínez  Fotos: J.Carlos Santana



Andalucía, España.-  El artista español José Luis Puche pone el sello de éxito en su carrera y finalizar el año con una exposición individual en la galería Merkur de Estambul, Turquía.

Los rivales del mar, es el título de la muestra compuesta por siete obras cuatro de ellas en gran formato y el resto en formato mediano.

En una breve charla, Puche determina que sus obras son figurativas y que están nutridas de una investigación que hace y revisa de archivos fotográficos en los que encuentra aspectos anestesiados o dormidos que le gustan a él darle una nueva realidad. Lo que da como resultado un conflicto de imágenes y de un proceso de idealización. “Me recuerda un poco como los clásicos trabajaban y sacaban sus ideas”, expresa el artista.

Es la primera exposición de este malagueño en Turquía. José Luis destaca que ésta es la cuarta  exposición individual de este año, recordaremos que se realizó con gran éxito y acogida a mediados del año  su primera muestra en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (CAC).

Para entrevistarlo, acudimos al estudio de Puche en la ciudad de Málaga, donde observamos obras de gran formato, dibujos en blanco y negro relacionados con el mar. Una gran ola que lleva una gran fuerza y una figura femenina pequeña sale de ella. Realizados con carbón graso y pastel graso.

La energía y  fuerza que contienen elementos en la Naturaleza se ven plasmados en las obras y destaca Puche que también se ve reflejado en en el proceso creativo de sus obras. El resultado es ofrecer obras que cautivan desde el primer instante y que envuelve al espectador con sus detalles.

El trabajo de este malagueño encierra elementos creativos que son parte de sus vivencias, quién también es músico en algunos cuadros deja ver su gusto por la música clásica, en algunos con aspectos más abiertos a todo el público y en otras ocasiones como detalle de la obra.

Asimismo encontramos su cariño por los animales que se hacen presente en algunos cuadros.

Los rivales del mar permanecerá instalada hasta el 1 de diciembre, no es la última de este 2019. José Luis estará presente con su obra en Valencia en un homenaje al Equipo Crónica y se preparará para que el 2020 siga siendo de viajes entre los que se encuentra visitar Estados Unidos.

 


 

 

 

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A PUNTO DE INICIAR LA GRAN FIESTA POR LOS 30 AÑOS DEL FESTIVAL DE MÚSICA DE MORELIA MIGUEL BERNAL JIMÉNEZ

 

Con el #Mi Festival, el FMM invita a disfrutar de sus conciertos, actividades paralelas, eventos para niños y clases magistrales.

Morelia, Michoacán, a 6 de noviembre de 2018.- Se encuentra todo listo para vivir la fiesta grande de la música y celebrar los 30 Años del Festival de Música de Morelia Miguel Bernal Jiménez (FMM), que del 9 al 24 de noviembre extenderá su oferta a los municipios de Pátzcuaro, Zamora y Tacámbaro, así como a la Ciudad de México.

En rueda de prensa Mariol Arias Sánchez, Directora General del FMM ofreció detalles de la programación que busca rebasar fronteras, compartir y hacer partícipes de #MiFestival a  públicos de otras latitudes.

Mariol Arias Sánchez recordó la programación del 30FMM que arrancará la noche del 9 de noviembre con la presencia de la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato (OSUG), que tendrá la dirección de Roberto Beltrán Zavala y la participación del arpista colombiano Edmar Castañeda como solista invitado.

A partir de ahí se desarrollará una fiesta que incluye a quince países invitados, quince Conciertos, tres Actividades Paralelas, tres Actividades para Niños y tres Clases Magistrales, así como la entrega de la Presea Miguel Bernal Jiménez que en esta ocasión se otorga al Cuarteto Latinoamericano, agrupación destacada entre otras cosas, por su papel decisivo en la formación de músicos dentro de nuestro país, por estar al frente de la Academia Latinoamericana de Cuartetos de Cuerda y por haber sido residente en la Universidad Carnegie Mellon, de Pittsburgh, Estados Unidos.

En la parte de extensiones, el Collectif9, ensamble contemporáneo de cuerdas procedente de Cánada que estará en el Auditorio Jaime Torres Bodet del CREFAL, de Pátzcuaro, el próximo 14 de noviembre a las 19:00 horas.

En Zamora, el Festival se hará presente gracias a la participación de Ricardo Herrera Ensamble, que ofrecerá un concierto de percusiones en el Teatro Obrero el 21 de noviembre a las 18:00 horas.

El 24 de noviembre, el Trío Immerso de Austria, y HEO Trío, agrupación que reúne a Corea y Francia, harán lo propio en la Catedral de San Jerónimo, de Tacámbaro a las 20:00 horas, y en el Auditorio Blas Galindo del Centro Nacional de las Artes (CENART), de la Ciudad de México a las 17:00 horas, respectivamente.

Asimismo, el FMM estableció colaboración con la Secretaría de Cultura de Morelia (Seculmo) para hacer tres conciertos en las tenencias del municipio, los cuales son: un recital didáctico de piano por parte de María Hanneman Vera, quien estará en la Casa de Artes y Oficios de la tenencia de Santa María de Guido, a las 11:00 horas del 11 de noviembre próximo; sigue el concierto con Tambor Hembra, que estará en la plaza principal de la Tenencia Morelos, a las 13:00 horas del 18 de noviembre; una presentación de Roberto Vizcaíno y Son de Primera, en el Colegio de Morelia, a las 18:00 horas del 23 de noviembre.

La directora general del FMM, invitó a participar en el festejo por los 30 años del Festival de Música de Morelia, que surgió del sueño de uno de los más insignes michoacanos, Miguel Bernal Jiménez y que se ha hecho realidad gracias a la vocación musical que posee la ciudad.

El programa detallado del 30 Festival de Música de Morelia puede consultarse a través de www.festivalmorelia.mx. Los boletos para los conciertos se encuentran disponibles en línea a través de www.festivalmorelia.mx  y puntos de venta autorizados del Festival.

La música es celebración y es por ello que a través de #MiFestival el exhorto es a que vivamos juntos esta gran fiesta.

 


 

 

 

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Picasso más vivo que nunca en el mes

de octubre en el centro de Málaga

 

María Esther Beltrán Martínez  Fotos: Cortesía Ayuntamiento de Málaga

 

Málaga, España.-  En octubre el centro de Málaga es el punto de atracción para realizar diversas actividades en torno a la vida y obra de Pablo Ruiz Picasso. Se conmemora el 137 aniversario del nacimiento del artista malagueño. Y el que fuera su hogar en la infancia recibe miles de visitantes nacionales y extranjeros para conocer parte de sus muebles, ropas y fotografías que dan fe de la convivencia con diversas personalidades del mundo de la cultura. Así como el gusto por diversas aficiones como la tauromaquia.

El 25 de octubre, fecha en la que nace el artista malagueño así como en los alrededores de la Casa Natal de Picasso se realizan: exposiciones, visitas guiadas, conferencias, talleres e instalaciones para conmemorar la fecha del nacimiento de Picasso.

Las actividades están pensadas para que toda la familia, visitantes y residentes disfruten de la obra del artista malagueño. Las Bibliotecas hacen un ciclo que alcanza su duodécima temporada. Esta iniciativa lleva a las bibliotecas públicas municipales talleres y charlas para conocer de primera mano el inagotable legado picassiano. AL mismo tiempo en la Casa Natal se proyectaron los diez capítulos que componen la segunda temporada de la serie Genius: Picasso protagonizada por el actor malagueño Antonio Banderas y Alex Rich.

Entre las exposiciones se encuentra Picasso:La huella sobre el papel, un conjunto de grabados y dibujos de Picasso, junto a grabados de otros artistas como Chagall, Ernst, Léger, Braque, Miró, Villon entre otros en algunos casos poseen el carácter de inéditos, y que son poco conocidos y otra exposición es Picasso, El pintor de grabados. El Aguatinta.

Palomas de papel e inside out  se pone en la fachada de Casa Natal, la instalación artista de palomas de papel multicolores titulada Manantial y en el centro de la Plaza de la Merced se expondrán un millar de fotos que retratan a creadores, gestores y trabajadores del ámbito cultural malagueño bajo el título Arte y Utopía.

Las celebraciones no sólo serán en octubre sino se extienden a noviembre donde se presentará el libro Picasso (1922), Pablo Picasso y su obra (1924). Otros escritos de Pierre Reverdy a cargo de Alvaro Galán Castro.

Un año más con decenas de actividades que hacen presente la vida y obra de Pablo Ruiz Picasso, artista que encierra historias de vida y cómo se relacionó con diversos personajes que han trascendido en la historia del arte.

Las autoridades malagueñas luchan día a día porque Pablo Ruiz Picasso se conozca entre los ciudadanos y no sólo sea un punto de visita por los miles de visitantes que reciben los museos en la ciudad de Málaga durante el año.

Nadie puede negar que Málaga es la ciudad ofrece aspectos interesantes del artista malagueño.

 


 

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Belleza, sensualidad, modernidad, estética y erótismo

son esencia de Carmen que presenta Víctor Ullate


María Esther Beltrán Martínez  Fotos: Compañía Víctor Ullate

Málaga, España.- La Compañía de Víctor Ullate se encuentra haciendo gira por las principales ciudades de España, presenta Carmen; obra de Georges Bizet en una versión actualizada y que emociona y admira al público.

Ullate, considerado por el coreógrafo; Maurice Béjart, como uno de los bailarines relevantes de este siglo, con su visión renovadora y amante de la danza ofrece una propuesta cautivadora, sensual, exótica y perfeccionista. En cada coreografía que presenta Ullate confirma porque es uno de los grandes maestros de la danza internacional.

Carmen, es la propuesta respetuosa de la esencia de su historia. Es una ventana abierta  a la modernidad y sin duda está compañía, capta la atención de nuevas generaciones, por su actualidad escénica, vestuario, iluminación y técnica perfeccionista que distingue a esta compañía.

La compañía indica que está coreografía tiene los grandes momentos de la  ópera de Bizet, con fragmentos menos conocidos que han sido sido revisados y  orquestados respetando el material original.

El público escucha música sinfónica, percusiones étnicas o tambores japoneses se mezclan con temas de raíz más popular para recorrer la historia de esta Carmen, contemporánea.La Carmen  del siglo XXI, expresan en su programa de mano  “más de un siglo después de su estreno, está nueva propuesta quiere alejarse de los tópicos y lugares comunes para adentrarse en la esencia de la historia y arrojar nueva luz sobre uno de los personajes más poliédricos de la ficción contemporánea Carmen. Para ello ha sido necesaria una actualización:recrear un espacio atemporal alejado de todo costumbrismo, de manera que no se  interponga entre el espectador y la protagonista ningún tipo de barrera temporal; y una revisión:porque una pieza que tiene más de un siglo de antigüedad, necesita de una mirada nueva y audaz pero absolutamente respetuosa con la esencia de la historia. Con estas premisas ha planeado la escenografía y el vestuario moderno y atemporales”.

Como es conocido Carmen nos muestra la historia de la mujer fatal, coqueta, seductora, es el concepto de la mujer apasionada que encuentra en la sociedad que la rodea un marco estrecho que la encorseta y del que quiere escapar.

“Está versión sitúa a la protagonista en una nueva dimensión de lujo glamour: una modelo de alto nivel que por las noches se convierte en escort. Como Buñuel hizo en Belle de Jour, nuestra Carmen es una mujer con doble vida: por el día es una mujer llena de  glamour, por la noche es una mujer apasionada que se enamora de cualquiera, una mujer ávida de experiencias y aventuras. Un personaje lleno de luces y sombras, atractivo, enigmático y trasgresor. Se ha incluido un elemento fundamental en la trama y totalmente  novedoso que es el personaje de la muerte como hilo conductor, alertando del peligro latente y anunciando un signo ineludible; otro elemento a destacar es la inclusión de los personajes de las amigas de Carmen, una mirada hacia los clásicos donde tradicionalmente la protagonista va acompañada de sus amigas, que la rodean”, explican.

Sin duda alguna Víctor Ullate se mantiene como uno de los grandes maestros de la danza contemporánea y seguro se siente orgullo de su hijo quien lleva los mismos pasos que él en la ejecución y técnica. Su estilo se hace visible: elegante.

La compañía de Víctor lleva marcado el sello de perfección. En todas sus coreografías lucen sus bailarines y qué decir cómo se apropian del escenario.

Un gran equipo forma y el uso de vídeo es un elemento que da un toque especial y sorprende hasta el momento de llevarnos a una elegante fiesta rodeados de modelos.

Si tuviera que definir esta coreografía sería impecable.

 

 

 

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EL FESTIVAL DE MÚSICA DE MORELIA MIGUEL BERNAL JIMÉNEZ CELEBRA 30 AÑOS DEL 9 AL 24 DE NOVIEMBRE

#MiFestival invita a la celebración de la música, la ciudad viva y los 30 años del festival de música de concierto más importante de México.

Dieciséis países se unen a la gran fiesta de la música en Morelia.

 

El Festival de Música de Morelia Miguel Bernal Jiménez (FMM) invita a la celebración por sus primeros 30 años de honrar, reconocer y difundir lo mejor de la música de concierto, con un selecto programa que logra englobar la pluralidad de estilos, propuestas y géneros emanados desde lo local, nacional e internacional 

El anuncio de la programación para el 30 FMM a cargo de su Directora General, Mariol Arias Sánchez, se da desde El Colegio Nacional, institución pública dedicada a la cultura y la academia, que en el marco del 75 aniversario de su fundación se une también a esta gran fiesta de la música.

Con el lema #MiFestival, del 9 al 24 de noviembre la Ciudad de Morelia se engalanará con la presencia de los más sobresalientes intérpretes, agrupaciones y creadores, provenientes de Alemania, Austria, Canadá, Colombia, Corea, Cuba, Estados Unidos, Francia, Israel, México, Reino Unido, República Checa, República de Georgia, Serbia, Suiza y Ucrania.

La selección de artistas invitados estuvo a cargo del Consejo Artístico del FMM, integrado por Javier Álvarez, Ricardo Gallardo y Rodrigo Sigal.  Tras una cuidadosa curaduría se convocó a exponentes de la música como la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato (OSUG), que bajo la dirección de Roberto Beltrán Zavala, será la encargada de inaugurar las actividades, la noche del 9 de noviembre, a las 20:30 horas, en el Teatro Morelos, donde se contará con la presencia del arpista colombiano, Edmar Castañeda como solista.

El programa oficial distribuido en tres fines de semana, abarca la música tradicional, la clásica y la contemporánea, incluyendo la sinfónica y el jazz, contando con la participación de invitados especiales como Janáček String Quartet y el propio Edmar Castañeda en su faceta jazzística con Andrea Tierra como invitada.

Así mismo, se tendrá la oportunidad de escuchar las propuestas del británico Gabriel Prokofiev, con su música fresca e innovadora; el violinista estadounidense William Harvey; el ensamble de cuerdas canadiense Collectif9 con Anthony Culverwell en las tornamesas; el Trio Immersio, proveniente de Viena; y HEO Trio, actual proyecto jazzístico del pianista y compositor coreano Daeuk Heo.

La Orquesta Sinfónica de Michoacán (OSIDEM), siempre presente en esta celebración, hará su aparición el segundo fin de semana, para llevar a cabo el estreno de la obra del insigne músico michoacano Miguel Bernal Jiménez titulada “Noche Mexicana”, previo al acompañamiento orquestal que dará al violinista norteamericano William Harvey.

En su 30 aniversario el FMM celebra también la música tradicional con la presentación de la agrupación Bola Suriana y de Na’iki, en el Tianguis Gastronómico del domingo 11 de noviembre. 

Para el sábado 17, el Grupo P’urhembe del maestro Francisco Bautista, Media Luna y el Ballet Folklórico Corcovi, coincidirán en el marco de la inauguración de los tradicionales Tapetes Florales de Patamban, en una Fiesta Michoacana en la que además se presentará la Orquesta y Coro de la Transformación Miguel Bernal Jiménez, proyecto social del FMM que brinda a los niños y niñas de la Tenencia de Jesús del Monte un acercamiento al arte y nuevas oportunidades en sus vidas.

En su cumpleaños número 30 el FMM estará lleno de sorpresas también a través de sus actividades paralelas, como es el caso de la proyección del documental Rita, que celebra la vida de la fallecida cantante y vocalista de Santa Sabina, agrupación leyenda del rock que ahora bajo el nombre Los Sabinos formarán parte también del Festival, con la musicalización en vivo del clásico del cine Nosferatu.

Entre los artistas que engalanarán con su música el Festival, se cuenta también con Edgardo Espinosa, Jérémie Cloutier y Andrea Stewart, quienes al lado de Prokofiev, presentarán Cello Multitracks. Exponentes de la música tradicional de su país, el ensamble coreano Noreum Machi ofrecerá un concierto de música del mundo fusionando la música tradicional coreana a otros ritmos. A manera de clausura se tendrá una segunda presentación de la OSUG, orquesta residente del FMM que en esta ocasión estará acompañada por el violinista suizo David Nebel.

Clases magistrales, conciertos de extensión en otras ciudades del estado y una programación dedicada al público infantil completan el programa. Los más jóvenes de la casa podrán deleitarse con la presencia de la niña prodigio del piano María Hanneman Vera y Marionetas de la Esquina.

Todo esto y más sorpresas completan la gran celebración de la música, en una ciudad viva que vive en el corazón de su gente y que promete una experiencia inigualable que nos une y nos conmueve a todos por igual.

El programa detallado del 30 Festival de Músi ca de Morelia Miguel Bernal Jiménez puede consultarse a través de www.festivalmorelia.mx y en sus redes sociales.

La música es celebración y es por ello que a través de #MiFestival el exhorto es a que vivamos juntos esta gran fiesta musical.


 

 

 

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La mentira tema principal en la Cronología de las

bestias de gira por diversas ciudades de España

 

María Esther Beltrán Martínez   Fotos: Cortesía Teatro Cervantes

 

Andalucía, España.-   La actriz Carmen Machi roba escena en Cronología de las bestias,  comedia negra donde el tema principal es la mentira. Lautaro Perotti es el responsable de la dirección y es el escritor. Una obra que entretiene y no deja distracción alguna. Se presenta en diversas ciudades de España obteniendo la ovación del público por varios minutos.

Cronología de las bestias nace de la necesidad de indagar hasta dónde es capaz el ser humano de mentir, de mentirse. Y de la sospecha de que una mentira fundacional, requiere de un gran tejido de otros (pequeños o grandes) engaños y auto convencimientos indispensables para sostenerla. Y de que rápidamente se puede ir la vida en ello. En definitiva me inquietaba averiguar hasta dónde puede llegar el ser humano en su compromiso con la mentira. Así nace la necesidad de esta comedia negra de suspense”, explica el director en el programa de mano.

Por más de una hora Perotti mantiene una línea importante de suspenso y en unos minutos nos explica lo que realmente sucede en una magnifica dirección de escena. El escenario es  el interior de una casa de campo donde se teje un  alcance de la mentira en el núcleo familiar, en la “construcción del entretejido de engaños y falsedades y el indispensable compromiso para sostenerlo”.

El elenco está encabezado por: Carmen Machi, Pilar Castro, Santi Marín, Patrick Criado y Álvaro Lavín para esta “cronología del dolor” que se despliega en una casa en el campo, en el marco de una familia que esconde un drama durante años de silencio, oscuridad y embustes.

La historia nos lleva a una familia destrozada debido la desaparición de su hijo hace más de diez años, que debe enfrentarse a sus propias oscuridades ante su repentino regreso. Un reencuentro inesperado que los obliga a defenderse, hasta las últimas consecuencias. Van a descubrir que la mentira requiere de mucho compromiso.

Una familia incapacitada de soportar el dolor que les causa lo que les pasó, lo que hicieron y lo que no pudieron hacer, decide evadir la realidad mintiéndose y engañándose. Con palabras, acciones, recuerdos. Va a descubrir hasta dónde llega su compromiso para evadir la dolorosa verdad.

Es una manera de ver el dolor que puede tener una madre de perder asu hijo y la impotencia ante la mentira que deja al público boquiabierto al descubrir la verdad.

“Una crónica que, de alguna manera, incomode al espectador sacándolo de ideas preconcebidas y suposiciones sobre los acontecimientos narrados, aprovechando idas y vueltas en su cronología y mostrándole distintas miradas sobre los mismos, convenciéndolo sobre la verdad de relaciones de madres e hijos que a medida que avanza la historia son imposibles de seguir sosteniendo, pero que cuenta con personajes capaces de seguir adelante obstinadamente, que mienten y se mienten y así construyen un mundo, su mundo, hasta el punto de no saber ellos mismos, cuál es la verdad .

El público ve a seres con códigos para sobrevivir a lo inimaginable y que prefieren (o les conviene) no conocer, y mucho menos mirar así atrás, y que se aprovechan de este entretejido para provecho personal. En fin, ahondar en historias y personas que construyeron su identidad a partir del engaño y dependen desesperadamente de él, para sostener su existencia”, indica Perotti.

Una obra que deja pensando al público y deja muchas interrogantes sobre el poder de la mentira y hasta donde puede ser usada.

 


 

 

 

 

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Despliegue del diseño italiano en la Ciudad de México

La Embajada de Italia en México presentó hoy una tríada de exhibiciones las cuales, bajo su coordinación, viajarán desde el país europeo hacia la Ciudad de México para hacer un despliegue de las diversas aplicaciones que a lo largo de la historia y en el presente, tiene uno de los aspectos icónicos de la cultura italiana: el diseño. La expresión creativa en diversas esferas de la vida cotidiana, la cultura de excelencia y vanguardia característicos del país, así como la sustentabilidad, se verán reflejados en las exposiciones que permitirán observar el papel fundamental que desempeña el diseño en los ámbitos industrial, económico, social, cultural, económico y tecnológico. Luigi Maccotta, Embajador de Italia en México expresó: “Con esta serie de exposiciones, la Embajada de Italia y el Instituto Italiano de Cultura, continuamos con el objetivo de promover la cultura y fortalecer los vínculos culturales entre Italia y México. Esta es una oportunidad en que nos complace hacer una aportación a las actividades que han integrado este año a la CDMX World Design Capital 2018 y contribuir así a su misión de promover el diseño como una disciplina que ayuda a mejorar la calidad de vida de las personas, las ciudades y las comunidades”.

A través de la perspectiva de tres íconos de la cultura y diseño italianos, la Embajada de Italia trae a México la visión del Arq. Italo Rota, de la sociedad Olivetti y de la Trienal de Milán:

¿Dónde está el diseño italiano? Es una muestra que, en colaboración con el estudio del Arq. Italo Rota de Milán, ofrece un amplio panorama de los diferentes ámbitos que ha cubierto el diseño italiano en los últimos 100 años: desde la industria y el mobiliario, hasta objetos lúdicos y el lujo. La muestra permitirá adentrarse en el diseño italiano desde diversos enfoques del uso y consumo cotidianos.

La exhibición expone los cambios de ritmo de vida a través de las épocas, la mutación de los materiales y dimensiones y la evolución del diseño con la evolución de la sociedad y sus necesidades para concluir que el diseño está presente en todos los ámbitos. ¿Dónde está el diseño italiano? se presentará del 26 de octubre de 2018 al 3 de marzo de 2019 en el Museo de Arte Carrillo Gil, Av. Revolución 1608, San Ángel.


 

 

 

 

 

 

 

 

 


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LIBRERÍAS GANDHI INAUGURA LA GALERÍA EXPRESARTE MAURICIO ACHAR, CON LA EXPOSICIÓN “MÉXICO: CUNA DE GRANDES MAESTROS”

 

Librerías Gandhi, siempre comprometida con la difusión de la cultura en México, abre un nuevo espacio de expresión para artes plásticas y fotografía: la Galería Expresarte Mauricio Achar.

 

Fieles a nuestra historia, retomamos un espacio de Galería que en 1974 dio a conocer a muchos artistas mexicanos. Es por esta razón que abrimos la Galería Expresarte en nuestra librería más emblemática, que lleva el nombre de nuestro fundador”, subraya al respecto Alberto Achar, Director Comercial de Librerías Gandhi.

 

La Galería Expresarte Mauricio Achar tiene como primera exposición la muestra México: Cuna de grandes maestros: “Los lectores que asisten a nuestras librerías podrán estar en contacto con grandes piezas de artistas mexicanos. Un breve recorrido por el devenir de la plástica mexicana, deseando atravesar las fronteras del pensamiento y las teorías de la vida”, señala Alberto Achar.

 

De este modo, Librerías Gandhi cierra y abre un círculo a la vez, ya que la inauguración de la Galería Expresarte Mauricio Achar contó con la presencia del maestro Javier Padilla, quien en 1974 expuso en la apertura original del espacio: “Javier Padilla, uno de los pintores más importantes de nuestros tiempos, presentó su obra en nuestra primer Galería hace 44 años”, comenta; Paul Achar, presidente de la Asociación Nacional de Artistas Plásticos.

 

México: cuna de grandes Maestros proyecta el arte mexicano en estado puro, dejando ver obras de Siqueiros, Dr. ATL, Olga Acosta, Frida Kahlo, Leonora Carrington, Rufino Tamayo, entre otros. Paul Achar destaca: “Grandes artistas engalanan esta muestra con trabajos que van desde lo figurativo hasta lo abstracto, de lo clásico a lo contemporáneo. Todas ellas de una forma sencilla y plural dan a conocer el sentir de nuestra nación”.

 

La Galería Expresarte Mauricio Achar, se encuentra en el mezzaninne de Librerías Gandhi, sucursal Miguel Ángel de Quevedo, ubicada en el número 121 de dicha calle, en la colonia Guadalupe Chimalistac, al sur de la Ciudad de México. La exposición México: cuna de grandes Maestros estará disponible hasta el 5 de noviembre.


 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 


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La comedia protagonizada por Flo,

Mota y Segura de gira por España.

María Esther Beltrán Martínez    Fotos: Daniel Pérez / Teatro Cervantes

 

Málaga, España.-  Inicia la gira en Málaga del espectáculo El sentido del humor . Dos tontos y yo protagonizada por los actores, productores, directores:Florentino Fernández (Flo), José Mota y Santiago Segura (el amiguete).

Por más de una hora y media, el público disfruta de los personajes y actuaciones de este trío que ha logrado el reconocimiento del público por su trabajo. Como prueba se tiene que agotaron todas las funciones que dieron en el Teatro Cervantes de Málaga, ciudad donde dan inicio a una gira que visitará varias ciudades de España.

El espectáculo ha sido escrito, dirigido y protagonizado por los tres cómicos. Comienza el show con las acostumbradas recomendaciones donde contrariamente te dan instrucciones como:  tomar fotos, toser, contestar whasap o llamadas sin bajar la voz.

Se apagan las luces y presentan varios vídeos cómicos que se encuentran en  you tube. En seguida salen: Flo, Mota y Segura. Los dos primeros haciendo sus mejores pasos de baile mientras que Segura hace eco a su “seriedad” quien se ve arrastrado a seguir a sus compañeros en un baile rítmico mientras el público los aplaude.

Con un guión donde el objetivo es desde su punto de vista analizar el sentido del humor, transcurre más de una hora y media riendo y disfrutando de las actuaciones de este trío. Afianzando él porque son de los mejores en la escena española.

La producción está apoyada por vídeos de compañeros de escena de comedia que dan su definición de las diversos géneros de la comedia.

Sin duda internacionalmente se le conoce a Santiago Segura quién ha interpretado a Eduardo en la película Jack and Jill, junto con el actor Eugenio Derbez. Además de participar  con Guillermo del Toro en Blade II, Hellboy y Titanes del Pacífico. Además que es el productor y director de películas de Torrente donde colaboran decenas de actores y personajes españoles;  sin duda, no podían faltar Florentino Fernández y José Mota.

Durante su presentación no podían faltar los personajes:  Krispín Klander (Flo), La vieja del visillo (Mota) y Torrente (Segura) que son el  disfrute del público que explotan en risa.

Es una gira asegurada de éxito como lo demostró en Málaga donde fueron ovacionados, juntos, por separado o parejas.

 


 

 


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Machismo y discriminación muestran

las obras del mexicano Erik Rivera


María Esther Beltrán Martínez

Ciudad de México.- En el Museo de las Culturas de Iztapalapa da la bienvenida a los visitantes nacionales y extranjeros para ver las obras del artista mexicano, Erik Rivera. Diez obras al óleo de formato mayor con un desafiante título: Maricones, propone una reflexión sobre el machismo y discriminación.

La obra de Erik Rivera ha sido siempre especial y tiene su sello particular. Son niños de grandes ojos y su paleta tiene diferentes tonalidades. Su trayectoria es extensa y sus personajes han viajado por diversos lugares de México, España, Francia y otras ciudades. Encontramos personajes históricos, religiosos, cantantes y en muchas ocasiones no duda en tocar temas sociales.

Cada obra ofrece tener una reflexión sobre su misma existencia. El que la observa, puede sorprenderle la ternura, la rabia o la soledad de los personajes y en muchas ocasiones encontrar dudas sobre la misma existencia o desarrollar aspectos de la sociedad.

Sobre Maricones  comenta Rivera que es parte de la serie Maricón, Desafío al desafío, que se ha presentado en diversas sedes de la Ciudad de México. La inauguración de la exposición se celebró el 31 de agosto.  

Los hombres retratados por Erik Rivera, el “niño terrible”, son maricones en ese sentido, y no se avergüenzan de serlo. Se arriesgan a exhibir sus sentimientos. “No temen transgredir las normas de género. Incluso, pareciera que lo disfrutan. Sin duda, no les asusta ser objetos de deseo, papel normalmente asignado a las mujeres. Nos miran descaradamente, con sus ojos enormes, como retandonos a insultarlos o a burlarnos de ellos. Nos desafían y nos seducen. Tienen diversas actitudes, distintos tonos de piel, diferentes clases sociales, pero todos son coquetos, son frágiles, son traviesos. Y nos vuelven cómplices de su travesura. Exhiben sin pudor su vulnerabilidad y, al hacerlo, nos hacen enfrentarnos con la nuestra. Por eso, también son incómodos.

Paradójicamente, al renunciar al privilegio de la masculinidad tradicional, estos maricones no pierden poder. Al contrario: ejercen sobre el espectador que se atreve a sostenernos la mirada una especie peculiar de dominación, sutil pero implacable. La obra de Rivera nos invita (mejor dicho: nos obliga) a cuestionar nuestras nociones sobre lo masculino y lo femenino, sobre la fuerza y la debilidad, sobre la seguridad y el peligro. Sus personajes, que como él, son niños terribles, pueden enamorarnos, pueden incomodarnos, incluso pueden repugnarnos, pero difícilmente pueden dejarnos indiferentes”, indica Luis de Pablo Hammeken, historiador.

Sin duda la obra de Rivera nos impone deleitarnos con su estética, pero también puede causarnos mover muchas ideas.

Conocido como el Niño terrible, Erik lucha y pinta con gran vocación y sigue abriendo espacios para que sus obras sean vista por todos los interesados por el arte.

 


 


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Jean Dubuffet artista prolífico y poco convencional

presente temporalmente en el Pompidou Málaga

 

María Esther Beltrán Martínez  Fotos: J.Carlos Santana

 

Andalucía, España.- Jean Dubuffet. El viajero sin brújula, exposición que  presenta un intenso recorrido por las preocupaciones  plásticas que marcaron las distintas etapas del artista francés Jean Dubuffet ( 1901- 1985). Quién es sin duda uno de los artistas imprescindibles en la segunda mitad del siglo XX.

En un recorrido  retrospectivo por las salas del Centre Pompidou Málaga destaca los hitos de la trayectoria através de 88 pinturas dispuestas en cuatro secciones  que muestran el trabajo de innovaciones pictóricas.

Sophie Suplaix curadora de la muestra explica: “Los primeros trabajos subrayan el interés del pintor por los dibujos infantiles, los grafitis y la producción artística de personas totalmente ajenas al mundo de la cultura. En estas obras, Dubuffet renuncia a todo orden estético, predominan rasgos como la frontalidad, la torpeza del dibujo y la libertad en el manejo de los colores. En la sección 2, Las turbulencias de la materia, se evocan las investigaciones matéricas, Visiones a ras de suelo, concebido como un tejido continuo y vibrante. Estas “celebraciones del suelo”, desarrolladas por el artista durante la década de los años 50 hasta principios de los años 60, se recuerdan aquí con tres conjuntos de litografías. La sección 3, “L’Hourloupe” o la invención de un nuevo lenguaje, basado en un vocabulario pictórico con una reducida gama de colores (negro, blanco, rojo y azul), y compuesto por una alternancia de células lisas y rayadas. “L’Hourloupe” ocupó a Dubuffet durante doce años, de 1962 a 1974, aplicando su nuevo vocabulario tanto a las obras bidimensionales como a la exploración  de volúmenes y la arquitectura, así como a la creación de un espectáculo sin precedentes. Finalmente, la sección 4, acoge otras grandes series como « Psycho-sites », « Mires » y « Non-lieux » que proponen nuevas lecturas del mundo y que permiten cuestionar la percepción del visitante”.

La obra que da nombre a la exposición El viajero sin brújula, 1952. Forma parte de la serie [“Tablas paisajísticas, paisajes mentales, piedras filosóficas” (1951-1952). Lo que el visitante ve son altorrelieves, principalmente a base de óleo sobre masonita, por lo general se distinguen dos zonas: una celeste, en forma de banda estrecha y sinuosa, y otra terrestre, amplia extensión de suelo, pero escalas y puntos de vista son aberrantes.” Aquí, el viajero sin brújula, que vaga al mismo tiempo por el espesor y la superficie de un terreno increíblemente pródigo en incidentes, parece menos perdido que decidido a manifestar su condición de ser en el mundo, en perfecta simbiosis con los elementos”, explica Suplaix. 


 

 


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Málaga está de feria su origen se

remonta a finales del siglo XV

 

María Esther Beltrán Martínez    Fotos: J.Carlos Santana

Málaga, España.- La ciudad de Málaga se encuentra de fiesta con su tradicional feria. La algarabía inunda la  ciudad y está edición contará con un día más de fiesta al caer el día en que la ciudad fue conquistada por los Reyes  Católicos en 1487.

Como en todas las ciudades Málaga tiene su feria, una fiesta que involucra a toda la familia y encuentra diversión por ocho o más días.

Son dos sedes:en el centro de Málaga, donde la cita es de mañana a tarde y el Cortijo de Torres, en el que se encuentran las casetas que empiezan a ser visitadas a temprana hora de la noche hasta la madrugada.

La Feria de Málaga 2018 dio inicio con un espectáculo piromusical cuya  producción realizada, por primera vez en la ciudad fue por la empresa valenciana Ricasa (Ricardo Caballer) con una trayectoria internacional de reconocido prestigio. Creó un espectáculo cultural exclusivo para la ciudad denominado “Málaga mira al mar”.

Para los siguientes días, las calles principales del centro se encuentran diversos escenarios donde la música es uno de los principales protagonistas, así como los puestos donde se venden las tradicionales flores de tela en colores vivos en el que predomina el rojo. Aunque no luzcan vestido de flamenca, muchas mujeres se compran estas flores y las lucen en sus caballeras. Sombreros para caballeros y decenas de juguetes para los niños están a la venta.

En la calle Larios que es la principal del centro de Málaga desfilan mujeres con garbo luciendo todo tipo de trajes de flamenca desde bebés hasta mujeres de 80 o más años. Caminan luciendo sus vestidos con escotes en la espalda, sus bolsas a juego y perfectamente maquilladas. En estas fechas la sonrisa luce y alegres se reúnen con sus grupos para bailar y cantar.

En las casetas se brinda con vino y se come jamón, queso, mariscos y gazpacho. Además de que se baila.

Es una fiesta de familia. Por la mañana y tarde los padres llevan a sus hijos a las actividades que se tienen desde cuenta cuentos, juegos, talleres, teatro, títeres y decenas de entretenimiento y cultura.

Los jóvenes pueden estar en el centro como en el Cortijo de Torres reuniéndose con amigos y disfrutando de las actividades y los juegos mecánicos, además que hay conciertos para todos los gustos, actividades para la tercera edad; como discotecas, que son visitadas por jóvenes nacionales como extranjeros donde muchos de ellos encuentran total embriaguez y en algunas ocasiones consumen drogas, lamentablemente este año se ha tenido un caso de exceso de estupefacientes.

A pesar de estas noticias, la mayoría son de un porcentaje de visitantes felices que viven sanamente

Y la feria sigue creciendo y siendo un símbolo de Málaga de distracción en el mes de agosto. Cabe señalar que la feria data de 1489, por  Real Cédula de los RRCC, se concede a Málaga una feria  mercado, que conectaría con una institución medieval clásica, presente en buena parte de las ciudades  españolas y europeas en aquella época.

“Pero el inicio efectivo de los festejos actuales se producirá dos años después, en Abril de 1491,  cuando por Acuerdo de Cabildo, el Ayuntamiento establece celebrar una Feria anual, el día de la Virgen de Agosto, para conmemorar la conquista de la ciudad. Esta sería la primera referencia sobre la celebración de nuestras Fiestas.

A lo largo de la historia los festejos tienen un carácter discontinuo e irregular, y en ocasiones se mezclan y diluyen con otras celebraciones religiosas como el Corpus,  que durante algunos años llega a tener el valor de Feria.

Existen experiencias curiosas, como el hecho de que entre los años 1884 y 1886   se decide vincular los Festejos de la Ciudad a la Virgen del Carmen en un intento de darle un carácter marcadamente marítimo  y de favorecer un turismo incipiente que empezaba a desarrollarse por aquellos años.Un hito clave en la Historia de nuestra Feria será el año 1887, IV Centenario de la Reconquista. Tras la intermitencia en la celebración de siglos anteriores se establece ya definitivamente una celebración con regularidad anual, con una duración de unas dos semanas y un contenido más fastuoso” explican voceros de la feria.

 


 

 

 


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Warhol. El arte mecánico cautiva Andalucía

María Esther Beltrán Martínez   Fotos: J.Carlos Santana



Andalucía, España.- El Museo Picasso de Málaga cautiva a los visitantes con la exposición Warhol. El arte  mecánico, incluye un total de 397 piezas entre pinturas, esculturas, dibujos, instalaciones, libros del artista, películas, portadas de discos, carteles, revistas, objetos de diseño y fotografías procedentes de cuarenta y cinco prestadores.   

Cuando se habla de las obras de Andy  Warhol (1928-1987) lo primero que se nos viene a la mente son las obras de retratos creados por él.  Marilyn Monroe, Jackie Kennedy, Elvis Presley o Liz Taylor entre otros así como la emblemática lata de sopa Campbell’s.

La curaduría de la exposición está a cargo del director artístico del Museo Picasso Málaga, José Lebrero Stals, quien presenta una versión amplia y completa  tras haberse presentado en las sedes de CaixaForum de Barcelona y Madrid, con éxito tras sumar 485 mil 875 visitantes.

Siendo Málaga ahora sede de la exposición Lebrero hace una exhaustiva radiografía del artista pop.

La exposición parte de los inicios profesionales de Warhol en la Nueva York de 1949, cuando Andrew Warhola empezaba una exitosa carrera como diseñador gráfico para revistas de gran prestigio, así como grandes sellos discográficos como Columbia Records o Prestige Records, e importantes marcas comerciales.

“Coleccionista empedernido, Warhol también demostró pronto un marcado interés por el arte contemporáneo, que triunfaba por aquel entonces en la ciudad. No tardó en abordar como artista el mundo de las galerías de arte, consagrándose como el artista pop por excelencia en torno a 1960-1961. Lo hizo estetizando productos de consumo, como sus célebres series de las sopas Campbell’s, o transformando en grandes iconos del arte contemporáneo a los mitos del cine de la época, como Marilyn Monroe o Liz Taylor. Con el tiempo Andy Warhol se convierte en un mito capaz de producir una amplia gama productos de consumo masivo: los Rolling Stones, Jean M. Basquiat, Marcel Duchamp o David Bowie son transformados en mercancía cultural por su mano y como tales parecen confirmar la verdad que reside en los principios de Mi filosofí­a de A a la B y de B a la A escrita por Warhol”, explica Lebrero durante la inauguración de la exposición.

Y señala que el singular punto de encuentro que representó The Silver Factory se convirtió en un laboratorio cultural experimental, a la vez que sede de un nuevo tipo de empresa cultural.” Fue el escenario para desarrollar sus radicales proyectos cinematográficos o sus trabajos multimedia como productor musical. Tras superar un intento de asesinato en 1968, Warhol cambió de táctica creativa y se convirtió a sí mismo en personaje. Trasladó la sede de sus operaciones comerciales y estéticas a The Office, un espacio más burgués y ordenado logísticamente. Superada la muerte, se convirtió en un artista-empresario: dirigió la revista Interview, pintó retratos de famosos entre otros, los del boxeador Muhammad Alí o del escultor Miguel Berrocal (presente en esta exposición gracias a la colaboración de la Fundación Escultor Berrocal para las Artes) y respondió a todo tipo de encargos comerciales, hasta su inesperado fallecimiento”.

Todas las etapas de Warhol se pueden ver através de sus obras, desde sus primeros dibujos que datan de los años cincuenta hasta encontrarse con sus obras icónicas como: Before and After (1961), Three Coke Bottles (1962), Brillo Soap Pads Box (1964-1968), Gold Marilyn (1962), Liz (1963), Mao (1973), Cow Wallpaper  (1966), Campbell Soup (1962), Triple Rauschenberg (1962), Nine Jackies (1964) y doce lienzos de Mao (1973), así como los largometrajes Blow Job (1964), Eat (1964) y Sunset (1967) y también obra gráfica y material documental adicional.

Se incluye un espacio de documentación  procedente de la Colección de Paul Maréchal (Canadá), que recoge multitud de colaboraciones de Warhol para portadas de discos, carteles, anuncios, libros o televisión.

Lebrero recalca que la exposición focaliza la atención en cuestiones esenciales para comprender el alcance universal de la obra de Warhol, como por ejemplo la innovadora forma en que aplica la idea de proceso a su polifacética obra seriada, los fuertes vínculos entre biografía personal y producción artística y, por supuesto, su originalidad y talento para combinar de un modo transversal y cíclico diferentes técnicas, medios y repertorios iconográficos.

Con motivo de esta exposición el Museo Picasso Málaga y La Fábrica han editado la publicación Andy Warhol. El arte mecánico, con textos de Robert Rosenblum, John Finlay, Peter Schjeldhal y Rosalind E. Krauss, así como una entrevista que Benjamín H.D. Buchloh realizó al artista en 1985. Profusamente ilustrado, el catálogo se ha editado tanto en español como en inglés, y cuenta con 260 páginas.

Una excelente propuesta es sin duda esta exposición que cautiva a todos sin importar la edad.

 


 

 

 


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Una vez más, ¡Liverpool inaugura el Festival de las Letras!

 

El día de ayer (jueves 02 de agosto) se llevó a cabo el corte de listón en Liverpool Polanco para dar inicio al Festival de las Letras, el cual consiste en acercar a los mexicanos a la literatura con precios competitivos en todas las tiendas Liverpool.

Durante la inauguración, nos acompañó Anamar Orihuela, autora de “Sana tus heridas en pareja” y Mario Guerra, autor de “No te compliques”; de la misma manera Gustavo López, comprador corporativo, otorgó unas palabras a clientes y medios de comunicación como agradecimiento por acompañarlos en este día tan especial.

Finalmente, los autores invitaron al público a explorar todo lo que la tienda departamental tiene para ofrecerles en cuanto a literatura durante todo el mes de agosto.

 

 


 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 


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El Centre Pompidou ofrece un recorrido por sus

colecciones con la exposición Utopías Modernas

María Esther Beltrán Martínez   Fotos: J.Carlos Santana

 

Málaga, España.-  El Centre Pompidou Málaga presenta la exposición Utopías Modernas marcadas por seis grandes capítulos . Son 63 obras de sesenta artistas  que estarán hasta marzo del 2020. Con un recorrido de obras vemos relatado la historia de las grandes utopías de los siglos XX y XXI.

Con la llegada del siglo XX se abría un nuevo capítulo en la historia de la humanidad, que dejaba atrás las sombras del pasado y miraba con optimismo y esperanza al futuro, explica la curadora de la exposición  Brigitte Leal.

Las antiguas desigualdades sociales y la decadencia que había desgastado al siglo anterior motivaron una acogida entusiasta de los ideales revolucionarios, que fueron entendidos como una promesa de perfección social en un mundo nuevo y mejor. “La Revolución rusa de 1917, la Primera Guerra Mundial, el auge de los nacionalismos y de los  totalitarismos europeos o la guerra civil española marcaron aquellos tiempos de la revolución, de los que los artistas de la vanguardia se convirtieron en profetas. La romántica reivindicación de autonomía del artista moderno, al margen de la sociedad, dio paso a un compromiso y político, especialmente fuerte en una época en la relación tan directa entre arte y poder impuso la creación artística como instrumento de propaganda.En el seno de los debates entre realismo, surrealismo y  abstracción, ante el dilema entre expresión individual y contribución a la causa, los artistas acabaron proclamando una síntesis de arte y vida: fuerzas opuestas pero en total equilibrio, y al servicio, ante todo, de la revolución del espíritu”.

Brigitte, explica que las exposiciones dedicadas a la historia de las utopías del siglo XX se han servido de las obras de arte para ilustrar sus propósitos y han tratado las imágenes como mensajes ideológicos. Frente a esta concepción, hemos decidido partir de las obras de sí mismas elegidas entre aquellas que pertenecen a las colecciones del Centro Pompidou, para poner de relieve la libertad del artista moderno con respecto a los yugos ideológicos. El recorrido de la exposición temática internacional y multimedia reúne representaciones visionarias que han reformulado los mitos universales emblemáticos de las utopías, como el de la Edad de Oro o el de la Ciudad Radiante.

“Desde la gran utopía de la Revolución Rusa de 1917 hasta las utopías contemporáneas, veremos cómo los artistas perpetuamente divididos entre el sueño y la realidad han respaldado la idea de progreso como horizontes históricos y han opuesto su propio imaginario sus contras utopías a los sistemas autoritarios cómo combatir la tiranía de los autónomos con la convicción de que el arte no es un discurso ni una bandera del arte es la utopía suprema”.

Entre los artistas que podemos disfrutar de sus obras están:Vassily Kandinsky, Marc Chagall, Antonio Saura, Shirley Jaffe,Le Corbusier, Carlos Arroyo, Peter Doing, Tania Bartana, Equipo Crónica, Julio González,Joan Miró, Pablo Picasso, Frank Stella y Martial Raysse, entre otros.

La gran Utopía,El final de las ilusiones,Juntos, La ciudad Radiante,Imaginar el futuro y la Edad de Oro. Son los seis capítulos que forman la exposición.


 

 


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Homenaje a Leonard Cohen realiza La

Banda del corazón con Flamencohen

 

María Esther Beltrán Martínez  Fotos:  Daniel Pérez / Teatro Cervantes

Málaga, España.-  En el marco de  Terral 2018, que se realiza este verano en el Teatro Cervantes de Málaga, se presentó la cantante malagueña Paula Domínguez acompañada de estupendos músicos que  forman parte de la Banda del corazón, para ofrecer un espectáculo poético-musical en homenaje al cantautor canadiense Leonard Cohen.

Flamencohen espectáculo donde la buena ejecución musical impera bajo la ejecución de los artistas  flamencos: Alexandru Bublitchi; el bajista, Carlos Ródenas; el guitarrista, Francisco Guisado ‘Rubio’; los percusionistas, Jordi Rallo (tablas y udu) y Josema Martín (cajón y batería) y el propio Alberto Manzano en el rol de rapsoda.

Flamencohen, subtitulado Homenaje flamenco a Leonard Cohen, es un espectáculo que rinde tributo al legendario cantautor y poeta y al mismo tiempo a los artistas flamencos que lo han versionado a partir de mis adaptaciones al castellano”, explica Alberto Manzano.

Manzano, a quien conocemos al recoger las entradas, expresa la admiración que tiene por Cohen, a quien denomina como ‘genio’. Sencillo y carismatico comenta que tuvo la experiencia de conocerlo así como trabajar en conjunto con Enrique Morente durante la producción  de su legendario álbum Omega, en el que Enrique Morente y Lagartija Nick fundieron flamenco y rock industrial sobre textos de Lorca.

Por más de una hora escuchamos temas de Cohen en español en la voz de Paula Domínguez, quien atrapa la atención del público y a los cinco minutos de escucharla uno se queda atrapado por su entonación y dulce voz con toque flamenco.Su figura en el centro del escenario luce acompañada de muy buenos músicos que dan un toque especial a cada tema. La iluminación es suave predominando los tonos azules.  

El viaje por la creación de Cohen es cautivadora,  Manzano va marcando el camino con cada tema informa y descubre aspectos que sólo puede conocer quien compartió tiempo con el creador y con algunos de los artistas que han llevado por buen puerto los éxitos del canadiense.

Empezando por Enrique Morente y continuando por Mayte Martín, Duquende, Argentina, Pasión Vega, Son de la Frontera o Rocío Segura.

Por más de varios minutos al término de la velada el público ovacionó a todos los participantes que mostraron la calidad que hay en tierras andaluzas.

Este espectáculo se estrenó el verano pasado en el festival Pirineos Sur con extraordinarias críticas. La prensa destacó los “arreglos imaginativos” de una diferente y “espléndida” celebración flamenca. “El salmo se hizo flamenco y habitó entre nosotros. Al gran Leonardo le habría gustado el homenaje”, escribió Javier Losilla en El Periódico de Aragón.

Manzano quien publicó  en la editorial Planeta el libro Leonard Cohen y el zen ya preparada la traducción del poemario inédito del canadiense, que editará Salamandra próximamente.

 

 


 


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El verano llega con notas musicales a

toda España con importantes conciertos

María Esther Beltrán Martínez     Fotos: Teatro Cervantes

 

Andalucía, España.- El verano llega y los carteles de las principales ciudades presentan excelentes conciertos nacionales e internacionales. Luis Miguel, Salvador Sobral, J.Balvin, Santana, Alejandro Fernández, La niña Pastori y muchos nombres más brillarán en los carteles de los foros españoles.

En el caso de la Costa del Sol como cada año se celebra Terral, en esta edición son diez conciertos en los que se espera.

Voceros del Terral explican que “la programación de Terral evidencia el fuerte impulso de calidad y la proyección internacional de un cartel que apela a las músicas de raíz o del espíritu, a la mezcla de  contemporaneidad, tradición e invocación a los sentidos y las emociones.

En esta edición, estrellas de la música latina como Rubén Blades y Jorge Drexler, los dos vocalistas hoy en día más universales del país vecino, Salvador Sobral y Teresa Salgueiro, el añadido de prestigio que aporta Wim Mertens y la savia nueva de Ala.Ni comparten espacio con algunas de las jóvenes pero consolidadas figuras de nuestra música y danza más inquieta, como Rocío Molina, Sílvia Pérez Cruz, Soleá Morente o Rocío Márquez.

La propuesta de 2018 rubrica una línea de trabajo que apuesta por una programación abierta a figuras de la música mundial: en 2015 vinieron a Málaga Maceo Parker, Lila Downs, The Blow Monkeys y Pablo Milanés; en 2016, lo hicieron Melody Gardot, John Grant, Carminho, Jean-Luc Ponty o Quilapayún, y el año pasado Franco Battiato y James Rhodes figuraron en el cartel con Vicente Amigo, Dulce Pontes o Salif Keita.

Uno de los más esperados en Málaga es Salvador Sobral quién ganará el Festival de Eurovisión 2017 con la canción Amar pelos dois. Cantante de voz suave que basa su música entre los géneros la bossa y el espíritu del fado.

“Me entraron ganas de llorar al llegar al teatro, viéndolo tan bonito y azul, tan italiano y la vez tan distinto a todos los demás, que suelen ser rojos”, comentó el intérprete, entusiasmado por tocar “en el mismo cartel que Jorge Drexler y Rubén Blades”.

“Me gusta ese concepto de tierra y raíces que tiene Terral”, aseguró. “El repertorio consistirá básicamente en ‘Amar pelos dois’ ocho veces, en reggae, en funk, en jazz…”, bromeó Sobral antes de revelar el contenido del concierto, que estará formado por algunos temas del primer disco, composiciones nuevas, boleros y alguna sorpresa relacionada con la música malagueña (“en cada sitio quiero hacer algo típico”). En resumen, canciones en portugués, en español y algunas en inglés.

El portugués ha renacido tras un trasplante de corazón, y tras cantar en Ponta Delgada (capital de Las Azores) y Évora abre en la capital de la Costa del Sol un recorrido por ciudades españolas que también incluye citas en Barcelona, Valencia, San Sebastián, Cartagena, Madrid, Córdoba, Pamplona, Santander, Santiago de Compostela o Palma de Mallorca, la ciudad en la que conoció “la esencia de la música” aprendiendo desde abajo después de haber pasado por Ídolos –el Operación Triunfo portugués-. Allí pudo investigar en el jazz, el bolero y la bossa nova, “por ese orden”, según ha confesado, en su época de Erasmus, cuando actuaba como músico itinerante en bares y pequeños locales.  

 


 


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Mediterráneo encuentro de tradición

y modernidad en la Costa del Sol

 

* Más de sesenta obras, entre pintura, escultura, grabado y cerámica.

 

María Esther Beltrán Martínez   Fotos: J. Carlos Santana

 

Málaga, España.- Através de 60 obras, el Museo Carmen Thyssen de Málaga presenta la exposición Mediterráneo una arcadia reinventada  de Signac as Picasso. Está exposición  analiza el papel clave que, entre finales del siglo XIX y mediados del XX tuvo el Mediterráneo como punto de encuentro entre tradición y modernidad artística para muchos de los principales artistas españoles y franceses del periodo.

Las obras que se exhiben  revelan cómo el arte y las culturas del Mediterráneo antiguo fueron  estímulo y fuente para la vanguardia, para una nueva revisión y modernización  del clasicismo, a comienzos de la centuria y en el periodo de entreguerras, como sus paisajes  ofrecieron, hasta avanzados los años cincuenta, escenarios para vibrantes experiencias luminosas y coloristas.

Lourdes Moreno, directora Artística del Museo y curadora de la exposición, explica que a través de más de sesenta obras, entre pintura, escultura, grabado y cerámica, que abarca desde el postimpresionismo, el simbolismo, el noucentisme catalán, el fauvismo o un clasicismo revisado en el periodo de entreguerras, está exposición recorrerá ese Mediterráneo entre la tradición y la modernidad, entre la recuperación del clasicismo y el arrebato colorista, através de diversos géneros.

“Los creadores franceses, pioneros en descubrirlo, incidieron en la luz  brillante, en escenarios pletóricos de vegetación y color, para llegar a una renovación plástica desde la expresión. Auguste  Rodin, Aristide Maillol, Paul Signac, Émile Bernard, Henri Matisse, George Braque, Charles Camoin, Pierre Bonnard o Raoul Dufy, entre otros, son los responsables de una mirada emancipada que hunde sus raíces en la tradición. Los artistas españoles, muy de cerca hicieron de esta temática la protagonista de sus obras en escenas plenas de vida y en conjunción con una naturaleza idílica. Joaquim  Mir, Joaquín Sorolla, Hermen Anglada-Camarasa, Darío Regoyos, Santiago Rusiñol, Joaquín Sunyer, Manolo Hugué, Julio González o Pablo Picasso. Reflejaron el paisaje junto a la figura humana en asuntos cotidianos. Su visión renovada ofreció obras con un lenguaje clásico rejuvenecido, un reencuentro con la antigüedad, alejado de la Academia, en la que se vertieron hallazgos del lenguaje de la vanguardia”.

Sin duda explica Moreno que seducidos por la belleza del paisaje, por la luz y sus colores, y por la herencia artística de las antiguas culturas mediterráneas, estos artistas ensalzan y reinterpretan ese espacio como elemento de identificación histórica colectiva y de tradición común.

“En España, la resplandeciente luz mediterránea, con sus distintos matices, se adueña de los paisajes levantinos de Sorolla o de las vistas mallorquinas de Mir y Anglada-Camarasa. Y se convierte, gracias a la lección de artistas como Cézanne, en modelo estético de clasicismo moderno en la Cataluña noucentista de Sunyer y Togores. En Francia, la definitiva renovación formal del paisaje mediterráneo está representada por Signac o por las propuestas fauve de Braque y Dufy. Una visión paradisíaca de la Costa Azul que alcanza el grado de obra maestra en los pinceles de Matisse, Bonnard o Picasso.

Entre las obras que el visitante puede disfrutar  son obras maestras en la producción de sus autores. Destacan La edad se bronce de Rodin, Mediterráneo y Pastoral de Sunyer, Mediterranée de Maillol, Marina L’Estanque de Braque, El abismo. Mallorca de Mir, La nadadora de Sorolla una obra de aspecto simbolista y peculiar ejecución dentro de la realización del pintor valenciano y algunos grabados de la Suite Vollard de Picasso.

Moreno destaca que esta muestra  se trata de un nuevo proyecto de producción propia del Museo Carmen Thyssen Málaga. “Durante sus siete años de historia el Museo ha formado un grupo de trabajo de nivel cientifico y academico capaz de llevar a acabo proyectos expositivos de trascendencia internacional, que ofrece una alternativa singularizada  en la ciudad”.

 


 

 

 

 

 


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La Capital Mundial del Diseño 2018 ya tiene un color

 

·  Celebran la designación de la Ciudad de México como World Design Capital 2018, con la presentación del color Rosa Chilango

·         El objetivo de la designación como Capital Mundial del Diseño es contribuir -a través de la democratización del color y diseño- al impulso del desarrollo económico, social, cultural y ambiental de la Ciudad de México

 

Bajo el concepto de ‘diseño socialmente responsable’ se designó a la CDMX como World Design Capital 2018, gracias a los programas que en materia de diseño y producción creativa se están implementando en obras de regeneración urbana, a la red de movilidad en la megalópolis y al desarrollo de la marca “CDMX”.

La Ciudad de México es la sexta ciudad en recibir este nombramiento a nivel mundial y la primera en el continente Americano. Es así que, en el marco de esta designación, Comex –una marca de PPG- empresa líder en pinturas y recubrimientos en el país, presentó el color ‘Rosa Chilango’, elemento que da identidad y cohesión a los habitantes de una de las Ciudades más grandes del mundo.

Este color fue elegido para conmemorar a la capital del país, que a lo largo de los años se ha vestido de color rosa a través de elementos característicos como: los techos de los mercados, las buganvilias, sus dulces típicos (algodón de azúcar y merengues), así como de las creaciones de uno de sus máximos exponentes en arquitectura, Luis Barragán.

“Los colores son -en inicio- una herramienta para después convertirse en un símbolo. En esta ocasión ‘Rosa Chilango’ representa el orgullo de ser chilango; vivimos en una ciudad cosmopolita, de las más grandes del mundo con amplia oferta cultural y social. Este rosa tan particular va a tono con el carácter del chilango, así como con la cultura en general del mexicano”, comentó Héctor Escamilla, Director del programa ColorLife® de PPG Comex.

Contribuyendo al objetivo de un ‘diseño socialmente responsable’, Comex busca iniciativas para impulsar el color como elemento primordial en la eficacia del diseño para atender las necesidades de las personas, mejorar su calidad de vida, así como ayudar a mejorar la economía y el desarrollo social de la Ciudad de México.

Durante la presentación, Aurelio Vázquez, Director General de DIN Interiorismo, comentó que “el diseño hoy en día es para todos, quienes estamos en la industria de la creatividad e inspiración, debemos facilitar las herramientas para democratizarlo y que cualquier persona tenga acceso a éste. Los resultados del esfuerzo son innegables: con solo un poco de diseño y color los negocios aumentan su productividad.”

“La CDMX está comprometida con el crucial papel del diseño y la arquitectura, no sólo en la rehabilitación de espacios, sino también como elementos fundamentales en el desarrollo de las comunidades. La iniciativa que estamos presentando hoy pone de manifiesto el compromiso de todos los aquí presentes por transformar vidas a través del diseño y el color”, puntualizó el arquitecto Emilio Cabrero, Director General de Design Week México y World Design Capital CDMX 2018.

Como parte de esta conmemoración, Comex pintará de Rosa Chilango más de 15 mil metros cuadrados en diversos puntos de la Ciudad.

 

 


 

 

 


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El teatro español renace con la obra

que está de gira  Luces de bohemia

María Esther Beltrán Martínez Fotos: Teatro Clásico de Sevilla

 

Andalucía, España.-  La versión de Luces de bohemia de Teatro Clásico de Sevilla se encuentra de gira por las principales ciudades de España con gran éxito y cargada de premios, entre los que se encuentran los ocho galardones obtenidos en los VI Premios Loca del Teatro Andaluz 2018 y con la recién anunciada candidatura al Max a la Mejor Dirección de Escena  por el trabajo del director de Alfonso Zurro.

“Está obra revolucionó el teatro. Se inaugura con ella un género nuevo: el espermento, que rompe  con las convenciones escénicas anteriores. Valle Inclán vuelve su mirada a una España caduca, sin aliento, sin ética. Una España que era la caricatura de sí misma. Una España sorprendida en trance de ruina, es desmoronamiento irremediable. Está obra arremete contra toda una sociedad. Luces de Bohemia es un viaje a la muerte... Una época que se descompone ... Unos personajes cuya única ética parece ser la de la subsistencia. Sobrevivir. Un mundo en descomposición.. Espermento como expresionismo hispano. Realismo borracho de tinto peleón. La palabra, la fuerza de la palabra de Valle, como ladridos,o acuchillados, caricias, lametones, aullidos..”

Acompañan a Quintana en este montaje de Luces de bohemia Manuel Monteagudo en el  papel (su ‘Don Latino’ mereció el Lorca al mejor Intérprete Masculino), Juan Motilla (‘Simón’, ‘Zaratrustra’, ‘Valle Inclán’), Antonio Campos (‘Pica Lagartos’, ‘Don Gay’, ‘Clarinito’), Juanfra Juárez (‘Rey Portugal’, ‘Serafín’, ‘Filiberto’), José Luis Bustillo (‘Dorio De Gadex’, ‘Borracho’, ‘Preso’), Amparo Marín (‘Madame Collet’, ‘Ministra’, ‘Vieja’), Rebeca Torres (‘Pisa Bien’, ‘Vecina’, ‘Guardia’, ‘Ujier’) y Silvia Beaterio (‘Claudinita’, ‘Chica’, ‘Chico’, ‘Clarinito’).

Luces de bohemia, piedra fundacional del esperpento, rompió con las convenciones escénicas anteriores con su mezcla del mundo bohemio y literario y de la realidad revolucionaria de su tiempo. Según Teatro Clásico de Sevilla, Luces de bohemia “es un viaje a la muerte” que representa mejor que nadie la problemática del artista moderno y su trágica lucidez. La obra teatral más influyente de Valle es modernidad en estado puro. En ella convergen la ‘deshumanización’ vanguardista con reveladores anticipos de la teoría sobre el ‘distanciamiento’ del teatro de Bertolt Brecht y del teatro del absurdo de postguerra. La alienación del hombre moderno se refleja en un texto que también plantea un ataque feroz contra la España de su época, una obra de teatro que integra el expresionismo y arremete contra toda una sociedad.

“Luces de bohemia es Max Estrella, el visionario poeta ciego que en su propio viacrucis se arrastra hasta el último aliento. Unos personajes cuya única ética parece ser la de la subsistencia. Sobrevivir. Un mundo en descomposición. Un espacio en descomposición. La palabra, la fuerza de la palabra de Valle, como ladridos, o cuchilladas, caricias, lametones, aullidos…

El autor vuelve su mirada a una España caduca, sin aliento, perdida. Una España que era la caricatura de sí misma. Una España sorprendida en trance de ruina, en desmoronamiento irremediable”.

Es una obra cuya producción es sencilla y el peso lo llevan los actores quienes escenifican personajes que muestran una sociedad que no pasa a la historia. Hombres y mujeres que tienen que enfrentarse a la mala política y a la pobreza. Y con ello todo lo que conlleva.

Es sin duda una obra clásica que conquista y reconquista al público.

 



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La mirada viajera que muestran los

artistas rusos en la Costa del Sol

 

María Esther Beltrán Martínez     Fotos: J.Carlos Santana




Málaga, España.- La Colección del Museo Ruso de San Petersburgo Málaga presenta la exposición titulada La mirada viajera . Artistas  rusos alrededor del mundo, que cuenta con 105 obras en las que se muestran el trabajo de artistas rusos que realizaron bajo la inspiración de sus viajes.

Por medio de esta exposición podemos observar  la impresión que causaron los lugares que visitaron los artistas rusos. En una época que nada tiene que ver con la nuestra. Los tiempos eran distintos y la forma de conservar las imágenes era distinta. Por lo que esta muestra pictórica  enseña una vida distinta a los viajes que podamos realizar a los mismos sitios que visitaron estos rusos.

José María Luna Aguilar, director de la Agencia Pública para la Gestión de la Casa Natal Pablo Ruiz Picasso, expresa  que “Los artistas rusos, situados como los españoles en un extremo de Europa, tuvieron su propia versión del Grand Tour. Enfocados también, como lo europeos del norte, hacia Italia y un Mediterráneo para ellos exótico y ajeno, destellante de luz y sensualidad, tuvieron también un acceso más natural a los países asiáticos que les otorga un marchamos de mayor exotismo frente a sus homólogos europeos. En cualquier  caso, fuese a oriente o a occidente, el viaje los transformó como hace siempre con los temperamentos estéticos. El retorno de la primera generación de artistas viajeros abrió en el rígido armazón  academicista las primera grietas por las que se colaron los aires de libertad e inspiración que darían lugar a la época gloriosa del arte ruso”.

Sobre la exposición Evgenia Petrova, curadora de la exposición expresa  que el viaje refresca, agudiza y enriquece la percepción del mundo, despierta ideas y sentimientos latentes y da luz a otros nuevos. El viaje  puede encender la llamada creatividad incluso en los lugares menos proclives a ello.

“Este es el caso, en no poca medida, de los artistas rusos, sobre todo si tenemos en cuenta  la estricta disciplina académica a la que estuvieron sometidos hasta e pasado el siglo XVIII. Los estudiantes de arte tenían que limitarse a un cierto conjunto de temas históricos mitológicos y bíblicos. El principal punto de referencia para ellos no era tanto la naturaleza  como las muestras del arte antiguo y del Renacimiento, las imágenes de esculturas clásicas, arquitectura y paisajes recogidas en un puñado de libros. También los trabajos de decoración de las numerosas iglesias y catedrales construidas en la época tuvieron que llevar a cabo conforme a estrictas regulaciones tanto de la iglesia como de la academia de las artes. Sólo a mediados del siglo XIX cambió la situación para los artistas, que se encuentran en relativa libertad de elegir sus motivos y su lenguaje artístico, y pudieron marchar a otros países”.

Agrega que no es extraño que las mejores obras de los clásicos del arte ruso de este periódo -Karl Briulov, Silvester Schedrin, Aleksandr Ivánov, entre otros-  fueran ejecutadas en Italia. El temperamento meridional, e interés por la vida, la admiración por la Luna y el Sol que cambian los colores de la Naturaleza se manifiestan en toda su plenitud en cada una de sus obras. La mirada fresca de estos forasteros sobre los países que visitan les permite a menudo, capturar peculiaridades de personajes y comportamientos que escapan al observador local.

“Desde la segunda mitad del siglo XIX los artistas rusos se sintieron en Rusia mucho más libres que antes. Sin embargo en las obras de muchos de ellos se mantiene el entusiasmo por lo que se vio en los viajes, ya sean sólo unas violetas entre hojas verdes en un carro, como sucede con Joseph Krachkovsky (“violetas de Niza”, 1902), París y los parisinos en Clement Redko (1920), El Cairo con su distintivo aire oriental en Konstantin Makovsky (“Traslado de una alfombra Santa en el Cairo”, 1876) o los Estados Unidos en Alexander Deineka (mediados de 1930) con Rascacielos, hermosas avenidas y automóviles.

Italia, Francia, Egipto, Palestina, Japón, China, Marruecos y Estados Unidos... es difícil encontrar un país que no visitan los artistas rusos una vez abierta las puertas. En esta exposición, a partir de los fondos del Museo Ruso, se encuentra una cuidada selección de trabajos”.

 

 


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CENTRO DE ARTES VIVAS
APERTURA

 

El domingo 10 de junio, a partir de las12:00 hrs , nuestra primera tarde familiar, con se llevará a cabo la presentación de la compañía de teatro para niños Triciclo Rojo, un bazar de diseño mexicano y un concierto a cargo de Mabe Fratti con Camile Mandoki.

 

 

El Centro de Artes Vivas, ubicado en el corazón de Coyoacán, en la zona sur de la Ciudad de México, nace a partir de la necesidad de transformar nuestro entorno por medio del quehacer cultural, el arte, la educación y el cuidado del medio ambiente; a fin de activar el intercambio de conocimiento entre todas las personas, sin distinción de género, edad, o nivel socioeconómico.

Cuenta con una sala de conciertos, un jardín central con área para exposiciones y diversas actividades (desde lúdicas, hasta íntimas o deportivas); aulas y salas abiertas al público general para talleres y laboratorios; así como la terraza que ocupa el restaurante Frida.

 

 

ACTIVIDADES

 

Exposiciones de arte | jóvenes, y de los resultados de los talleres infantiles.

 

Conciertos | sica académica, música popular, música experimental.

 

Audiovisuales | Cine, video, multimedia, nuevos medios.

Conversatorios | Conferencias, mesas de diálogo, semi- narios, clases magistrales

 

Laboratorios | Espacios para el desarrollo de proyectos a largo plazo, con destacados guías

Talleres | Con la participación de una diversa muestra de académicos, profesionistas, artistas.

 

Biblioteca | Clubs de lectura, comprensión lectora y una explo- ración detallada por la oferta editorial contemporánea comercial e independiente, con un enfoque para bebés, niños, jóvenes y adultos.

Para niños | Cada una de las actividades antes descritas, en versión infantil.

 

 

Transformar la forma en que los ciudadanos mexicanos se relacionan con la cultura, alejándose de la acepción solemne que se tiene de ella, y acercándose más a una experiencia amplia, generosa, entretenida y atractiva, al alcance de todos y capaz de transformar nuestro entorno y la forma en que vivimos, con un alto impacto en las relaciones interpersonales y ambientales. Y de esta forma, ayudar a que el centro de Coyoacán sea visto nuevamente como una de las capitales culturales de la Ciudad de México.

www.centrodeartesvivas.com

 






 


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Despierta el interés por su obra José Luis Puche

en su primera exposición en el CAC de Málaga



María Esther Beltrán Martínez      Fotos: J.Carlos Santana

Málaga, España.- José Luis Puche, artista malagueño, va con paso firme para ser reconocido como un referente de las artes plásticas de Málaga y España. Licenciado  en Historia del Arte ha estado en diversas exposiciones colectivas y por su talento ha destacado en proyectos internacionales y de la Costa del Sol como fue la intervención de las escalera del Museo Pompidou Málaga.

Como nieve que baila es la exposición que Puche presenta por primera vez en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (CAC), son  veintinueve pinturas que muestran un diálogo entre lo natural y lo artificial. El título viene por el gusto del artista de la música clásica y explicó que  Claude Debussy (St. Germain-en-Laye, 1862 - París, 1918) compuso The snow is dancing dentro de una suite en la que Puche encuentra cierta relación con su trabajo.

Detalla, el artista, que compone entre ambientes de bruma como Debussy, muestra de ello es la obra Cómo nieve que baila (2018) donde un paisaje vertical muestra a cuatro soldados, dos de ellos arrodillados, que con un violín parecen tocar para los otros dos compañeros que permanecen de pie. Todo ello conformando una composición en L, desde la montaña más alta a la izquierda, al soldado arrodillado a la derecha. En el fondo, un paisaje nevado, con montañas rocosas.

Para Fernando Francés, director del Centro de Arte Contemporáneo de Málaga y curador de la exposición explica  que Puche muestra unas inquietantes imágenes pop que se presentan como fotogramas de algo ya pasado o soñado: saltos al vacío, coches conducidos  en la noche, un perro en el espacio, escenas de animales y humanos o envoltorios de pastillas que entremezclan con la realidad de los personajes. “Como si de un déjà vu se tratase, su obra se filtra en la mente del espectador con una extraña familiaridad con sutiles matices surrealistas. Imágenes de cine negro como una suerte de reliquias de un mundo perdido. Con una obra de sólida formación académica, Puche se aleja de esa noción de truculencia, oscuridad y cinismo que contamina cierto arte actual, gracias a esa peculiar visión “optimista” que caracteriza sus obras”.

Através del ejercicio del dibujo que domina  toda la obra. Puche incluye en un mismo bucle  narrativo aspectos meramente naturales y otros puramente artificiales o de civilización- agrega Francés- El cine y el pulso silencioso de los parajes naturales se funden en su obra sin solución de conciliación, o quizá armoniosamente reconciliados. Sus escenas componen una arqueología de vestigios visuales, donde el hiperrealismo evoca la inmaterialidad de hábitat contemporáneo mediante el recurso de distintos momentos históricos que dialogan entre sí hacia el pasado y hacia el futuro incierto pero próximo.

José Luis Puche, trabaja sin condiciones no importa el formato ni el tema. Cada uno de los trabajos que realiza entrega la perfección.

Puche indica que “esta exposición es un trabajo completo donde cada cuadro está hecho de un modo personalizado, una exposición hecha golpe a golpe, gota a gota y obra a obra. La violencia en la labor procesual está presente, pero no visto desde el lado perverso humano, sino desde el modo orgánico al que la naturaleza crea sus territorios, desde la belleza, como a la manera en que un volcán con su erupción y lava crea una isla. Son dibujos, que nacen con el espíritu de ser pintura al someterse al agua, pero que finalmente no pueden renunciar a la esencia de para lo que fue creado, que es el dibujo”.

La exposición es una muestra del trabajo y talento que tiene éste malagueño que capta la atención del público en cada uno de sus cuadros y hace posible tener la atención en cada uno de los detalles, en algunas ocasiones roba una sonrisa al ver animales acompañando a personajes o simplemente por ser el eje central de un cuadro. La atención es la misma el los diversos formatos la calidad es la misma y sin duda pone su firma firme para seguir el camino del reconocimiento nacional e internacional.

 


 


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¿Dejas de valer cuando no produces? es

el cuestionamiento de  Paola Villanueva

María Esther Beltrán Martínez   



Málaga, España.-  En el marco del Festival de Málaga, cine en español se presentó el documental Mientras se espera, producido y dirigido por  la mexicana Paola Villanueva. El trabajo muestra la vida de mujeres  que viven en un asilo público donde comparten todo hasta el único ataúd que se tiene en el lugar.

Durante su visita a Málaga, Paola indicó lo emocionada que estaba de participar en su segunda presentación internacional.

“Mientras se espera abre un espacio de reflexión y diaólogo sobre la calidad de vida en la tercera edad- especialmente en las mujeres- y la relevancia de la memoria en está etapa. La historia se enfoca en la vida de Lola que vive en un asilo de ancianas público donde vemos su día a día y la manera que tienen de vivir. Comparten todo -ropa interior, cepillos, ataúd- . Llamar a su madre por teléfono y cuidar de su marido, ambos fallecidos hace tiempo, son parte de sus esfuerzos para llenar su vida de sentido y enfrentar el final. La memoria de sus grandes amores es la única pertenencia que le queda y el único lugar en el que se reconoce ”,explica emocionada Paola.

Con gran fuerza y ánimo Paola recuerda que durante días de grabación tuvo la oportunidad de convivir con mujeres que se encuentran olvidadas por la sociedad y sus seres queridos. Muchas de ellas viven con sus recuerdos lo cual es su pila para levantarse día a día para, dar algunos paseos por el asilo. Cantar alguna canción con algunas compañeras o simplemente vivir.

En el documental vemos ancianas con diversas capacidades físicas, algunas con menos movilidad y otras que se ocupan de algunas compañeras. Mientras viven en un mundo irreal, comentan entre ellas parte de su historia, de sus amores y de sus sueños. Existen momentos de confesión donde resaltan que están en espera de la muerte. Algunas lo aceptan otras no. Pero en todas ellas lo que las salva de la tristeza es la memoria de sus recuerdos.

Es un documental que enfrenta al público a cuestionarse sobre la existencia y lo que vale la vida en la soledad y sin tener los recursos para sobrevivir y tener una vida digna. Para extranjeros, como sucedió en Málaga, causaba admiración el asilo y preguntaron sobre la calidad de vida que tenían esas mujeres que vieron reflejadas en la pantalla con tantas carencias.

Paola dio respuesta a todos los cuestionamientos y explica que más allá de las salas de cine, busca encontrar espacios alternativos donde pueda acercar a un público preocupado por el tema, para seguir produciendo contenidos que ayuden a afrontar un futuro en el que, según las estadísticas, habrá más adultos mayores de 60 años que niños menores de 15 para el año 2050.

“Y dentro de este panorama de envejecimiento demográfico, pensar en las mujeres en concreto es crucial, ya que llegamos a vivir hasta 20 años más que los hombres y en los países en vías de desarrollo, la gran mayoría formamos parte del comercio informal, somos freelance o amas de casa, por lo que carecemos de acceso a las garantías de salud, sistemas de vivienda y pensiones que el gobierno ofrece. Las mujeres mayores enfrentan la tercera edad siendo dependientes de la pensión de sus esposos, si es que algún día se casaron; sino, envejecen en el desamparo, convertidas en una suerte de “fantasmas en el sistema”, donde su bienestar y salud se ven seriamente comprometidos”, resalta Paola.

Sobre los foros que han visto este documental la directora nos revela que: “ No sólo ha sido visto en el extranjero Mientras se espera participó en el Docs Forum Marke en 2013, donde se le otorgó un fondo de desarrollo. En 2014 formó parte del prestigioso taller de producción Morelia Lab, dentro del marco del Festival Internacional de Cine de Morelia, donde obtuvo un apoyo en especie. Finalmente, en Febrero de 2017, Mientras se espera vio la luz y en marzo de ese año tuvo su estreno mundial en la 32ª edición del Festival Internacional de Cine de Guadalajara, dentro de la sección de competencia. Ese mismo año participó en la 25ª edición de Raindance Film Festival y formó parte del Ciclo de Cine Mexicano organizado por el Cinemes Texas en Barcelona, una cadena de cines de arte del prestigioso director Ventura Pons. En México se ha proyectado en distintos ciclos de cine en varias ciudades del país y formó parte de una función a beneficio para los damnificados del sismo del 19 de Septiembre, organizada por la asociación de alumnos mexicanos de Cambridge, en Inglaterra”.

Después de su presentación en Málaga, Paola está gestionando su asistencia en diversos festivales nacionales y comenzar la distribución a nivel nacional que pueda llevar a diversas pantallas la historia de mujeres que nos hacen reflexionar sobre la vida misma. Y está preparando su próximo trabajo relacionado a la infancia.

 

 

 

 


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Javier Camarena regresa al Festival de Pentecostés de Salzburgo con un recital que rinde homenaje a Manuel García.

·        El concierto se llevará a cabo el 20 de mayo a las 3 pm en la Fundación Mozart en Salzburgo, Austria.

 

 Después de dos exitosos conciertos, el primero en Andorra acompañado por el pianista Angel Rodríguez, el segundo marcando su debut junto con la soprano mexicana Rebeca Olvera en el National Concert Hall de Dublín, Irlanda; el tenor Javier Camarena regresa al Festival de Pentecostés de Salzburgo con un recital que rinde homenaje al sevillano Manuel García.

El homenaje incluirá arias de este compositor como: “Yo que soy contrabandista” y “Formaré mi plan…” de la ópera El poeta calculista; “Mais que voi je? Une lire!... Vous dont l´image...” de la ópera La morte du Tasse; así como arias de Rossini y Zingarelli.

El programa de este concierto es resultado de una investigación del propio tenor de la mano de la Fundación Cecilia Bartoli, para rescatar y dar a conocer la obra de este importante compositor, cantante, maestro y empresario español. 

Al respecto Javier Camarena nos comenta:

“Manuel García fue una figura trascendental en la historia de la música. Su gran legado no solo se limita a su faceta interpretativa como tenor, siendo el primero en dar vida al Almaviva del “Barbero” de Rossini, el más grande “Don Giovanni” de su tiempo, un Otello (de Rossini) de referencia por generaciones; también su faceta creativa, como compositor viviendo en la plena transición del bel canto hacia el romanticismo, nos deja un acervo de más de 50 óperas, música de cámara, numerosas canciones, sinfonías, que aún en nuestro tiempo no han sido seriamente estudiadas, ni publicadas. Me llena de emoción traer nuevamente a la luz una pequeña parte de ese archivo, con estas obras llenas de belleza, virtuosismo y, sobre todo, mucha pasión. Estoy seguro que para los amantes de la ópera de nuestros días será, como lo fue para mí, un gran descubrimiento.”

 

Gracias a Manuel García, las óperas de Rossini y Mozart fueron escenificadas en Italia, Francia e Inglaterra, y conocidas en Nueva York y México. Además, García fue el compositor quien dio vida al género de la ópera española en el siglo XVIII.

Después de este concierto, Camarena cantará el rol de Leicester en la ópera “María Stuarda” de Donizetti en la Deutsche Oper de Berlín. A Salzburgo regresará en agosto para interpretar a Nadir en “Los Pescadores de Perlas” de Bizet al lado del legendario Plácido Domingo.

Adicionalmente, en meses próximos emitirá un comunicado de la cantidad recaudada durante las dos galas en México con el fin de apoyar la reconstrucción y equipamiento del Centro de Salud en Asunción de Ixtaltepec en Oaxaca.


 

 


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CONCURSO UNIVERSITARIO DE DISEÑO Y ARQUITECTURA IMPULSA EL TALENTO DE LOS JÓVENES MEXICANOS

·         Este año #ComexTrends Universitario busca impactar a un universo de 5 mil nuevos talentos

·         Involucrarse en la industria y buscar oportunidades de vinculación para adquirir experiencia profesional, son clave para un posicionamiento exitoso en el ámbito laboral.

En apoyo al talento mexicano Comex, una empresa de PPG, regresa con la 4ta edición del Concurso #ComexTrends Universitario, invitando a los jóvenes a trascender haciéndolo bien, a explotar su creatividad y comenzar a trazar su camino profesional.

Ante un mundo laboral cada vez más competitivo y distinto al de hace unas décadas, la constante actualización y el acercamiento temprano con las empresas son piezas clave para el crecimiento de los estudiantes. Por ello, Stefanie Suárez Carrasco, Gerente de Vinculación con Profesionales y Universitarios de PPG Comex, expuso que, “Para Comex el apoyo a los nuevos talentos resulta fundamental. Como empresa, buscamos impulsarlos a través de la capacitación y alternativas que les permitan complementar su formación profesional y ser más competitivos”

Refirió que de acuerdo con datos del INEGI, 48% de los desempleados en el país cuenta con estudios medio superior o superior, “Lo que demuestra la importancia de involucrase en la industria y buscar oportunidades de vinculación para adquirir experiencia durante la preparación académica, y así lograr posicionarse exitosamente en el ámbito laboral. Es así que, por cuarto año consecutivo acercamos una edición más del Concurso #ComexTrends Universitario, buscando beneficiar a 5 mil jóvenes talentos mexicanos provenientes de 378 universidades”

De esta manera, desde el 6 de febrero y hasta el 1 de junio, estudiantes de entre 18 y 30 años de edad pueden participar en el concurso #ComexTrends Universitario a través de la plataforma digital http://comextrendsconcurso.com.mx/, creando y compartiendo una pieza o espacio inspirado en alguna de las cuatro Tendencias de Color 2018: Reacción, Explosión, Inclusión Conexión o Locura, el color del año de ColorLife® Trends de Comex, cuyo eje rector es la identidad.

Además, #ComexTrends Universitario ofrece macro talleres en diversas ciudades del país como Guadalajara, Tijuana, Monterrey, CDMX, Xalapa y Puebla, en donde máximos referentes creativos de la industria como Emiliano Godoy, Laura Noriega e Ignacio Cadena, por mencionar algunos, otorgan capacitación profesional en temas de color y diseño a los jóvenes, lo que les brinda experiencia y oportunidad única para su formación. Asimismo, los asistentes a los macro talleres reciben herramientas, producto Comex  y materiales de inspiración para dejar volar su creatividad, contando con los recursos necesarios para crear obras de calidad.  

El Concurso difundirá masivamente los proyectos participantes en medios de comunicación tradicionales y digitales. En esta ocasión, premiará las obras ganadoras en sus dos categorías: Calidad y Popularidad:

·         El premio Calidad se otorgará a la mejor pieza gráfica participante en cada una de las áreas: Espacios, Objetos, Arte/Diseño, Color del Año e Innovación. Los ganadores serán elegidos por un jurado experto y podrán recibir un viaje a una exposición internacional relacionada con arquitectura y diseño o productos de tecnología.

·         El galardón Popularidad se otorgará a la pieza gráfica, fotografía o material que al final del concurso tenga el mayor número de votos en la plataforma digital y el ganador obtendrá una Apple Laptop Macbook Pro de 13 pulgadas.

Por su parte, Arantxa Ximena Rodríguez de la Parra, ganadora del primer lugar por la categoría Tendencia Balance en Dibujo de la 1ra. Edición del Concurso #ComexTrends Universitario 2015, aseguró: Las oportunidades que se presentan, las puertas que te abre y las personalidades a quienes te acerca son enormes. Estoy tremendamente agradecida con Comex no sólo por la posibilidad de magnificar y proyectar mi creatividad, sino por el apoyo que me ha brindado en todo momento, pues además patrocinó la última de mis exposiciones en México para la que intervine 24 fotografías inéditas del fotógrafo Alberto Vázquez, mismas que realizó durante la época del Cine de Oro Mexicano, y con la que me despedí para estudiar la maestría Fine Arts en Nueva York, consecuencia de la participación en #ComexTrends Universitario.

Con iniciativas como ésta, Comex mantiene su compromiso con la sociedad mexicana de apoyar y motivar a las jóvenes promesas mexicanas, para que sean cada vez más los que se dediquen a mejorar la vida de las personas a través del embellecimiento y la protección de los espacios que habitan.

Para más información visita http://comextrendsconcurso.com.mx/

 


 

 

 


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FINI 2018. Derribando Muros

Texto y fotos. Rafael Del Valle Contreras.

   

En su octava edición el Festival Internacional de la Imagen, centra sus actividades en el tema  “Fronteras” teniendo como invitado especial a la República Checa, dando esta combinación y las ya tradicionales actividades del FINI un festival con una fuerte carga emotiva y cultural.

Comenzando actividades el pasado 26 de abril, con la exposición fotográfica del alemán Kai Wiedenhöfer, la muestra “Confrontier” se instaló en Expobarda de la Ciudad del Conocimiento. Dicha muestra fotográfica, reúne los diversos muros que aún dividen al mundo en específicas poblaciones, como los son la frontera de México con los Estados Unidos, los territorios ocupados en Palestina, la población católica y protestante en Irlanda entre otros igualmente importantes. Destacando la museografía empelada que nos hace sentir por el amplio formato de las imágenes, el estar realmente frente a los muros que conforman la muestra. En la inauguración el artista alemán, relató sus diversas experiencias al recorrer estas zonas de conflicto ideológico, económico y territorial, destacando que las fronteras están en la mente de las personas. Siendo sin duda Wiedenhöfer,  alguien que sabe lo que expresa, al haber sido  testigo de la división que sufrió Berlín con su ya desaparecido muro y  el haber podido captar con su cámara su caída en el año de 1989.

 Otro platillo especial del festival, lo fue la presencia del diseñador checo Aleṧ Najbrt, quien reunió una serie de carteles que abarcan diversas épocas de su actividad artística, muestra que se pudo recorrer con la voz y comentarios del creador,  editor y también actor.

Sin duda una de las joyas del festival, fue la presencia del cineasta checo Jan Ṧvankmajer, cineasta de culto,que ha creado con sus animaciones, un mundo que se origina en los escritos de Lewis Carroll y Edgar Allan Poe, siendo es la base de futuros cineastas que al igual que el han creado un universo único que sorprende y encanta al espectador. Para el casi de Jan Ṧvankmajer, basandose en elementos como la plastilina, juguetes, objetos de la vida diaria e incluso actores, en un mundo surrealista y fantástico, que a la vez conlleva crítica y muestra las características humanas.

 Como parte del festival en la ciudad de México, la Cineteca Nacional ha programado la proyección de los cortos de dicho cineasta durante los primero días del mes de mayo, representando sin duda una buena oportunidad para descubrir o bien reencontrarse con este creador checo.

A las 11:00 horas del viernes 27 de abril, se llevó a cabo el acto inaugural del Festival Internacional de la Imagen,  en el Salón de Actos. Ing. Baltazar Muñoz Lumbier, del Centro Cultural Universitario. La Garza. En dicho acto el Rector de la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo, Adolfo Pontigo Loyola, tras la muy aplaudida presentación de la Orquesta Sinfónica de la Universidad  Autónoma del Estado de Hidalgo. Cuya interpretación de la Marcha Húngara No 2 de Franz Litszt emocionó a todos los asistentes. Dio luz verde a la actividades restantes el FINI En evento posterior, el rector resaltó que la orquesta sinfónica es uno de los tres pilares culturales de la universidad junto al FINI y la Feria Universitaria del Libro.

De regreso a la ceremonia de inauguración, se resaltó el tema central del festival, las Fronteras, dando como ejemplo del saber asimilarlas de manera positiva, justamente el país invitado, quienes realizaron su separación de Eslovaquia de forma pacífica.

     

Alex Webb, fotógrafo norteamericano y exdirector de la legendaria agencia fotográfica Magnum, fue otro de los invitados especiales. Su exposición titulada “La Calle” montada en Centro Cultural Casa Grande en el pueblo mágico de Real del Monte,  es un trabajo de cerca de tres décadas, que el autor ha llevado a cabo en las calles de diversas ciudades de México, especialmente en el estado de Oaxaca. “México me hizo adoptar la fotografía en color” Comenta Alex Webb a Revista Erre. Sus imágenes ricas en contrastes, sombras marcadas y colores muy saturados, captan como lo hiciera en su tiempo el fundador de Magnum,  Henri Cartier-Bresson, el momento justo. Un vendedor de algodones de dulce, en la ciudad de Oaxaca que divide el campo en dos esferas de intenso color rosa, con un saturado cielo azul de fondo, . Es la foto que cambia la vida del autor y lo hace encontrarse justamente con el color y con su pasión por México. Así, las fotografías que van desde vendedores de aguas frescas, gente comiendo en el rincón de una cortina comercial, ante un desfile de gente que sale movidas  por la baja velocidad empleada en el obturador, figuras humanas dibujadas en negro, sobre una pared amarilla, letreros luminosos, se repiten como la constante técnica y estilo fotográfico de Webb.

 

    

En la parte nacional la calidad se hace sentir y se coloca de igual forma a nivel internacional. El fotógrafo Lorenzo Armendáriz, presenta la exposición de su trabajo “Gitanos” una amplia muestra en blanco y negro que refleja la vida de estas personas, con una fuerte tradición e historia, que a lo largo de la historia incluso han sido perseguidos por diferentes gobiernos y regímenes como el caso de la Alemania Nazi.

     

En la parte cinematográfica, Sergio Arau, músico, artista plástico y cineasta, presenta de acuerdo al tema Fronteras, su película “Un día sin mexicanos” Ficción que paraliza al estado de California, ante la ausencia de trabajadores tanto en el campo como en la ciudad con las consecuentes repercusiones que esto significa en la economía y sociedad norteamericana.

 

 Finalmente, de acuerdo a Lorena Campbell, directora del FINI, en ocho años de existencia, se tiene una gran satisfacción, en primer lugar  por que una universidad pública se interese en organizar el evento, primero pensando en la comunidad universitaria y habitantes del estado de Hidalgo, además de hacerlo más allá de las fronteras del país, pudiendo llegar a muchos países que uno ni se imagina que tendrían una respuesta y acercamiento, entendiendo que estamos en la era de las comunicaciones. Resaltando también la opción turística que representa el festival para los visitantes de otras ciudades.


 


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El VIII Festival Internacional de la Imagen (FINI) girará en torno al tema Fronteras

 Del 26 de abril al 4 de mayo: exposiciones, conferencias, ciclos de cine, presentaciones, talleres, foros de análsis, eventos especiales y espectáculos

                República Checa, País Invitado de Honor

• Artistas Invitados: Jan Ŝvankmajer / Kai Wiedenhöfer / Aleŝ Najbrt / Alex Webb & Rebeca Norris / Rodrigo Moya / Lorenzo Armendáriz / Fritz Torres - Colectivo Plural / Sergio Arau / José Ramón Alcalá / Benito Cabañas / Eric Olivares / Mathieu Willcocks  / Mariella Furrer / Meggan Gould / James Stone

El Festival Internacional de la Imagen (FINI) es un encuentro multidisciplinario para promover, difundir y apreciar la creación artística y la comunicación visual en un espacio de reflexión y debate en torno a la estética, los significados y el valor de las imágenes en sus diversos géneros, expresiones y aplicaciones.

La VIII Edición del Festival Internacional de la Imagen (FINI), organizado por la Universidad Autónoma de Hidalgo y su Patronato, se llevará a cabo del 26 de abril al 4 de mayo y tiene como País Invitado de Honor a la República Checa.

En esta ocasión, el FINI propone una reflexión y análisis sobre un tema de actualidad y relevancia mundial: Fronteras, en torno al que se desarrollan las diferentes actividades del festival, tales como el Coloquio Internacional (con la presencia de destacados investigadores y especialistas nacionales y extranjeros), conferencias, clases magistrales, ciclos de cine, talleres, conciertos, exposiciones y actividades culturales, entre otras.

La palabra “frontera” se utiliza generalmente para referirse a la delimitación de la soberanía de un país. Como resultado de la globalización, las fronteras en algunos territorios se han flexibilizado; sin embargo, en otros, se han endurecido. Actualmente, las fronteras se encuentran en un proceso de transformación con la participación de diversos actores políticos y sociales, donde la tecnología, la economía y la sociedad del conocimiento tienen un papel protagónico, siendo un desafío para la tolerancia, el respeto al otro y la efectiva aplicación de los derechos humanos.

El FINI 2018 entregará un Reconocimiento por su Trayectoria Profesional al fotógrafo mexicano Lorenzo Armendáriz, especializado en la documentación de grupos étnicos y nómadas, quien presenta la exposición La gente del viaje: Gitanos sin fronteras. De esta manera, Armendáriz se integra a un conjunto de artistas que han recibido esta distinción, como Ariel Guzik, Pedro Valtierra, Ambra Polidori, Elsa Medina, Maya Goded, Francisco Mata Rosas y Alfredo De Stéfano.

Además, el FINI realiza un Homenaje a los creadores que han contribuido con su obra al enriquecimiento cultural de nuestro país. Entre los artistas que han recibido esta distinción están se encuentran Ramón Valdiosera, pintor, ilustrador, caricaturista, diseñador gráfico y de moda; Eduardo Terrazas, arquitecto y artista multidisciplinario; Carlos Jurado, pintor y fotógrafo; Vicente Rojo, artista plástico y diseñador gráfico; Felipe Cazals, director de cine; y Julio Souza, fotógrafo de la Agencia Hermanos Mayo.

En esta edición se rendirá Homenaje al extraordinario reportero gráfico Rodrigo Moya, que se ha distinguido como uno de los fotodocumentalistas más importantes de América Latina por su extraordinario trabajo sobre los movimientos sociales en la segunda mitad del siglo XX. Moya es, sin duda, uno de los protagonistas y precursores de la fotografía contemporánea.

 El FINI 2018 recibe un selecto grupo de Artistas Invitados. Nos acompaña en esta ocasión el galardonado cineasta checo Jan Ŝvankmajer, autor de una obra con gran influencia surrealista, quien por primera vez visita México. El director de cine dictará una Conferencia Magistral y se han programado, como parte de las actividades del festival, su película Alicia así como una selección de sus cortometrajes, obras excepcionales de la animación y el stop-motion.

Por su parte Kai Wiedenhöfer, destacado fotógrafo y diseñador editorial alemán, presentará la exposición Confrontier, una muestra de su trabajo sobre los muros más emblemáticos del mundo que han dividido a naciones y personas.

Gracias a la colaboración de Fundación Televisa, el FINI tendrá la oportunidad de mostrar el trabajo del estadounidense Alex Webb, uno de los fotógrafos contemporáneos más influyentes, integrante de la agencia Magnum, quien presentará La calle, una exposición que da cuenta de la vida cotidiana de algunas ciudades fronterizas en nuestro país, un proyecto excepcional en el que ha trabajado durante más de 30 años.

El diseñador checo Aleŝ Najbrt, egresado de la Academia de Artes, Arquitectura y Diseño de Praga, dirige desde 1994 el reconocido Estudio Najbrt, cuyo trabajo en el diseño gráfico le ha merecido numerosos premios por su calidad en el ámbito editorial, fotográfico, musical y artístico, quien inaugurará una exposición retrospectiva de su trabajo.

Además, entre los Artistas Invitados que nos acompañan en esta edición se encuentra Sergio Arau, artista, pintor y cineasta, de quien se proyectarán su película Un día sin mexicanos y su galardonado cortometraje El Muro; José Ramón Alcalá, artista y académico de la Universidad de Castilla-La Mancha, España quien dictará la Conferencia Magistral “Laboratorio de la mirada en la era de la post-imagen”; los diseñadores gráficos mexicanos Benito Cabañas y Eric Olivares, quien dará un Taller Especializado sobre Cartel; Mathieu Willcocks, fotógrafo ganador del World Press

Photo 2017; Mariella Furrer, fotógrafa suizo-libanesa; Meggan Gould, artista, fotógrafa y académica graduada en Antropología por la Universidad del Norte de Carolina; y James Stone, profesor, escritor y ensayista, Jefe del Departamento de Artes Cinematográficas de la Universidad de Nuevo México, Estados Unidos.

Al finalizar la Clausura del FINI 2018 se presentará el espectáculo multimedia Flujo Natural, producido especialmente para el festival por el Colectivo Plural, dirigido por Fritz Torres, con la participación musical de Pepe Mogt (ambos, creadores del exitoso proyecto Nortec Collective, de gran influencia en la escena musical y visual de Tijuana), Liliana Ospina en la ilustración y Ernesto Aello en animación, cámara y edición. Flujo Natural es un espectáculo audiovisual que reflexiona sobra la vida en la frontera norte de México y los fenómenos trasfronterizos alrededor del muro que nos separa de los Estados Unidos.

Por su parte, el Concurso Internacional de la Imagen 2018, una de las actividades más representativas dentro del festival, que convoca a creadores nacionales y extranjeros para participar en los géneros de Fotografía (análoga y digital), Técnicas Alternativas (collages, montajes o arte digital), Video Documental (corto y largometraje) y Cartel (técnica libre), en las categorías de Estudiantes y Profesionales, tuvo una gran respuesta por parte de los creadores de México y el mundo.

Las obras ganadoras del Concurso se podrán conocer en la Magna Exhibición de los Trabajos Finalistas el sábado 28 de abril del 2018, a las 7:30 horas, en el Patio La Garza del Centro Cultural Universitario La Garza de la UAEH, ubicado en Abasolo 600, Centro, Pachuca de Soto Hidalgo.

Cabe mencionar que los premios ascienden a más $45,000 USD y que la reciente edición contó con la participación de cerca de 1,400 trabajos, provenientes de 78 países alrededor del mundo. La Convocatoria estuvo abierta del 3 octubre de 2017 al 3 de febrero de 2018.

Con la realización del Festival Internacional de la Imagen, la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo refrenda su compromiso con la comunidad universitaria y la sociedad en general al abrir espacios incluyentes y multidisciplinarios para la creación, la reflexión y el debate en torno a temas de trascendencia social, contribuyendo así al desarrollo de la cultura local y global.

Para consultar la información completa: www.fini.mx

Para ver nuestro magazine:
https://www.uaeh.edu.mx/fini/2018/magazine-2018/ 


 

 

 


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En la Bienal Huichol

PARTICIPA J. GARCÍA LOPEZ CON ATRACTIVAS PIEZAS

 

·        En este encuentro artístico la empresa funeraria expone un cráneo monumental, urnas y hasta un ataúd

·        El objetivo es preservar y mantener vivas nuestras tradiciones

 

En el marco de la Segunda Bienal de Arte Huichol, la empresa funeraria J. García López participa con urnas para resguardar cenizas, un cráneo monumental, varios litocráneos y hasta un ataúd, todos ellos elaborados por un grupo de artistas wixárika de la zona central de Jalisco, quienes conservan su identidad espiritual, tradiciones culturales y religiosas desde hace miles de años y que ahora las expresan a través de estas piezas

En la exposición llevada a cabo en el lobby del hotel Presidente de Polanco, destacan las urnas elaboradas con más de 30 mil chaquiras y 40 horas de dedicación, para rendir homenaje a nuestros seres queridos.

Mientras tanto el ataúd -en el que se representa la crucifixión de Cristo en la tapa y la Pasión alrededor del mismo, le llevó a cuatro artistas huicholes un trabajo de tres meses, utilizando tres millones de chaquiras.

Asimismo, se presenta el cráneo monumental llamado “Xoloitzcuintle, perro sagrado de los Aztecas”, elaborado por siete personas con nueve millones de piezas de chaquiras a lo largo de dos meses y medio.

El evento alberga 30 piezas hechas por artistas wixárikas de la región de San Andrés Cohamiata de Jalisco y Santa María del Oro en Nayarit y permanecerá abierta hasta el 25 de junio.


 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 


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El MODO presenta su nueva exposición: “Ciudadanía, Democracia,  y Propaganda Electoral en México: 1910 – 2018”

 

  • La exposición es una crónica de los procesos electorales que ha vivido México desde 1910 hasta 2018, narrada a través de más de dos mil objetos de propaganda electoral.
  • Es una muestra que acompañará el proceso electoral de 2018 para contribuir a generar una conciencia ciudadana e incentivar la participación democrática.
  • La exposición recoge la memoria histórica de los procesos electorales y las luchas por la democracia que ha vivido México a lo largo de su historia.
  • El voto de las mujeres, los movimientos ciudadanos, la historia de las instituciones electorales  y la política en la nueva era digital, son algunos de los núcleos que los visitantes encontrarán en esta exposición.

 

 Fiel a su estilo de buscar siempre una manera original de presentar, a través de objetos, los temas más relevantes de la vida cotidiana de los mexicanos, el Museo del Objeto del Objeto (MODO) presenta su nueva exposición: “Democracia, Ciudadanía y Propaganda Electoral en México de 1910 a 2018”.

La exposición busca acompañar el proceso electoral de 2018 con una muestra que contribuya a generar conciencia ciudadana e incentivar la  participación democrática, a través de la memoria histórica de los procesos electorales y las luchas por la democracia que ha vivido el país a lo largo de su historia

El visitante podrá encontrar en la exposición una crónica de los procesos electorales que ha vivido México desde 1910 hasta 2018, narrada a través de más de dos mil objetos de propaganda electoral, como carteles, gorras, camisetas, botones de campaña, ceniceros y todo tipo de la parafernalia que han repartido candidatos y candidatas en campaña, así como fotografías, videos y aplicaciones digitales que hoy en día son parte esencial de la vida política.

Se podrá ver desde un ejemplar original del libro “La sucesión presidencial de 1910” de Francisco I. Madero, hasta unas botas con las iniciales del candidato Vicente Fox o los paquetes de semillas que repartía Miguel de la Madrid “para el florecimiento de México”; desde los boletos de camión que invitaban a votar por Miguel Alemán hasta el Plan Sexenal con el que se promovió Lázaro Cárdenas; los discos de 45 rpm que regalaba José López Portillo con un corrido alusivo a su vida en una cara y otro dedicado al general Arturo Durazo;  un lápiz labial que invitaba a votar por Felipe Calderón; o un impactante cartel impreso en seda que llamaba al voto por Francisco I. Madero y José María Pino Suárez en 1911.

Objetos de la picaresca popular como un copete de plástico de Peña Nieto, hasta objetos de uso doméstico y cotidiano como llaveros, pastillas de jabón y juegos de geometría marcados con los nombres de diversos partidos y candidatos.

Paulina Newman, Directora del MODO señaló que: “Con esta nueva exposición, el MODO busca contribuir a la revisión de los procesos a través de los cuales nos hemos transformado en una sociedad civil cada vez más movilizada y organizada y el camino que se ha recorrido en búsqueda de una sociedad política más representativa, vigilada, cuestionada y exigida”.

Es por ello que la exposición está dividida en 7 núcleos temáticos: “El sistema político mexicano”, “El voto de las mujeres”, “Movimientos sociales”, “Ciudadanía”, “Los medios digitales”, “La historia electoral en México” y “La evolución del órgano electoral”.

De acuerdo al curador de esta muestra, Juan Manuel Aurrecoechea:  “Las historias de la ciudadanía, la democracia y la propaganda electoral se yuxtaponen y atraviesan todas las historias del México moderno, desde que Francisco I. Madero exigió “Sufragio efectivo, no reelección” en 1909, hasta las competidas y debatidas elecciones políticas de la actualidad”.

Por esta razón, la exposición se complementa con infografías y videos que proporcionan la información necesaria para que el visitante pueda hacer una mejor lectura de los temas que se presentan, por ejemplo: la historia de los partidos políticos, la historia de la participación de las mujeres en la política electoral o las principales reformas electorales de los últimos años.

Se trabajó de la mano del INE, organismo que colaboró prestando objetos de su colección nunca antes mostrados como  boletas electorales, spots de los partidos políticos, actas de escrutinio y cómputo, liquido indeleble, marcador de credenciales, lápices y crayones para votar,   , canceles electorales, urnas, sellos, y credenciales para votar, desde los que se utilizaban en el siglo XIX hasta la credencial actual. Adicionalmente, el INE realizó, para esta muestra, un video con los testimonios de las primeras mujeres que votaron en 1953.

Cabe señalar que para Lorenzo Córdova, Consejero Presidente del INE, “Las campañas electorales constituyen el lapso estelar para la confrontación política y el debate informado en una sociedad democrática. Es por ello que los carteles, slogans y materiales repartidos durante las campañas no sólo reflejan el tipo de propaganda política, sino la creatividad y las estrategias de los competidores para acercarse a la ciudadanía en una elección específica. De ahí que para recordar una elección tengamos al menos, dos formas: revisar los resultados electorales y, hurgar en la propaganda política y los materiales utilizados en las campañas.”

Se mostrará también, video integrado con imágenes de actos de campaña de prácticamente todos los candidatos que han alcanzado la presidencia en los últimos cien años —de Porfirio Díaz a Enrique Peña Nieto—, así como de sus principales opositores, para mostrar una historia panorámica del país, en poco más de diez minutos.

“Democracia, Ciudadanía y Propaganda Electoral en México de 1910 a 2018” estará presente en El MODO hasta el próximo 29 de julio de 2018.

 


 


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El Centre Pompidou Málaga nos descubre

al artista rumano Constantin Brancusi

María Esther Beltrán Martínez    Fotos: J. Carlos Santana



Andalucía, España.- En la Costa del Sol conocida actualmente como la ciudad de los museos, Málaga, se exhibe la diversidad de obras del artista Constantin Brancusi (Hobita, 1876- París, 1957), rumano de nacimiento, pero parisino de adopción.

Brancusi destaca como uno de los artistas más singulares de su generación y es en el Centre Pompidou donde se exhiben un centenar de fotografías, negativos y grabaciones así como esculturas y dibujos.

Son cinco partes en las que se observan: la figura de Brancusi, su taller, el diálogo entre la forma en bruto y la forma lisa, lo orgánico y finalmente un homenaje a La Columna sin fin, que es un rombo que aparece como aislado en un primer momento de la obra de este artista. Para luego transformarse en pedestal y en 1918 gana protagonismo con la primera escultura de La columna sin fin.

Julie Jones curadora de la exposición indica que a pesar de trabajar solo, sin asistente, el artista no se encuentra aislado de los creadores de su época: cuando se muda a Parçis en 1907, se hace  íntimo amigo de personalidades entre los que figuran: el compositor y pianista; Erik Satie, el artista; Marcel Duchamp, el poeta; Tristan Tzara, el fotógrafo Edward Steichen, además de frecuentar a las bailarinas

contemporáneas Lizica Codrano o Florence Meyer.

“Si bien su actividad como escultor es la más prolífica, Brancusi también dibuja, filma y fotografía  regularmente, eligiendo como temas principales sus esculturas, y el taller que ellas habitan. Estas imágenes del pasado  devienen instrumentos inestimables para apreciar la obra de un artista enteramente apegado a expresar el principio generador de la vida. A partir de 1914, Brancusi  declara que las reproducciones fotográficas de sus obras no le satisfacen y decide realizar el mismo fotos de esculturas. Según Él, sus fotografías nos hacer “ver” más su escultura que un comentario escrito”.

Explica la curadora que el movimiento, su principio y su filmación, revela la obsesión constante del escultor por el proceso natural de la metamorfosis.  

“Metamorfosis. La vida es fermentación y debe  transformarse para seguir viva”, afirmaba el artista. Julia señala que el interés por la energía generadora, en movimiento perpetuo, es ampliamente compartido por sus contemporáneos de principio  del siglo XX.

“La época está marcada por un  interés sin precedentes por los estudios  sobre el tiempo, el movimiento y la desmaterialización  de la materia, tanto en el ámbito de la filosofía como en los de las ciencias exactas, el arte o el esoterismo. De hecho, los nombres de algunas esculturas  Móviles como Leda, hace directamente referencia a la metamorfosis. La transformación se observa en la obra. en las diferentes versiones realizadas a partir de un mismo motivo, en mármol, madera o bronce”.

Un aspecto que presenta la exposición es que a menudo Brancusi posa como modelo para sus fotografías y películas, lo cual observamos durante el recorrido por la exposición que nos envuelve con la creación del artista. Observamos un hombre despeinado y  cubierto de yeso. Otro aspecto que nos presentan es que es un hombre que le gusta la música y en su taller cuentan tenía una buena colección de discos y que fue siempre un espléndido anfitrión en su taller para sus amigos, músicos, bailarines y escritores. Un amante de las mascotas, descubrimos varias fotos de sus dos perros uno blanco y otro negro.  

La madera es el material favorito del artista, lo que se confirma al ver sus esculturas, pedestales y muebles domésticos que él artista confeccionará para su taller algunos  con motivos del arte tradicional rumano por lo que dejan entrever el interés de Brancusi por el arte fuera de los cánones occidentales, especialmente el africano.

La exposición ha editado un catálogo en donde se puede apreciar las obras del artista, además que cuenta con textos muy bien explicados de los curadores sobre la obra y vida del artista. Se cuenta con la recopilación de afirmaciones de amigos del artista que dan cuenta de la vida y obra de Brancusi.

 

 

 


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la actriz española Neus Sanz

María Esther Beltrán Martínez   Fotos: Moises Fernandez



Málaga, España.- Se presenta en gira el monólogo Un pedacito de mi, escrito por la actriz Neus Sanz. En una hora y con el sólo uso de fotografías, Sanz se descubre ante el público y nos habla de su vida.

Sanz quien ha participado en diversos proyectos como: Los hombres de Paco, Águila Roja o  la película Volver, se pone frente al público en un monólogo con un porcentaje de comedia y habla de su vida.

Es extraño que una obra empiece con agradecimientos y Neus rompe el patrón e inicia su monólogo con una decena de agradecimientos a familiares, amigos y compañeros de trabajo  por medio de un vídeo. Lo cual sorprende como espectador. Seguidamente sale al escenario y pide disculpas por los más de cinco minutos de agradecimientos.

“Siguen ahí”, dice sorprendida. Y comienza por explicar su decisión de agradecer a todos los que la han ayudado en su vida y empieza a narrar anécdotas de su infancia, juventud y vida.

El hilo conductor son fotografías que al verlas ella narra lo que hay alrededor de la imágen. El público se convierte en cómplice de sus aventuras. Mini historias que son como las que se cuentan muchas veces en reuniones de amigos y familiares. Recordando esos momentos de la juventud e infancia. Cuando los padres, amigos o conocidos actuaban de tal o cual manera, que causaban el dolor, la pena o la alegría de quien lo cuenta.

Y sin duda alguna es así como nace este proyecto. Así lo comenta Neus que “un día le contó la historia de una foto a una amiga y está le dijo que, tanto esa historia como todas las que siempre cuenta, da para un monólogo de comedia donde todo el mundo pudiese disfrutar de sus alocadas historias y las de su familia”.

Es un monólogo íntimo y en algún momento se siente uno incómodo o simplemente sorprendido. Es tal vez de esas veces que se acerca alguien y te cuenta alguna situación familiar que no entiendes porque lo hace o qué espera de tí.

Neus termina por agradecer la asistencia de todos. Y sale al vestíbulo al dar abrazos al público. Antes de que salga los asistentes le dan una gran ovación.

 

 

 

 

 

 

 


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MEXICRÁNEOS, SUBASTA CON CAUSA

·        2 cráneos monumentales y 12 litocráneos forman parte de Esto es Ahora Subasta de Arte Contemporáneo de Morton Subastas.

·        Lo recaudado beneficiará a fundaciones y comunidades indígenas del país.

 

Tal como anunció J. García López durante la presentación de la edición de MEXICRÁNEOS de este año, algunas de las piezas que formaron parte en 2017 se subastarán en beneficio de la Fundación “Un Granito de Arena” en pro de la asistencia a personas mayores; “Casa Hogar Pas”  para menores de escasos recursos; “Fundación Juntos para el Bienestar de Niños Contra el Cáncer IAP”; así como para la comunidad Huichol de la zona de Jalisco y la comunidad de artesanos de alebrijes de San Martín Tilcajete, Ocotlán en Oaxaca.

El próximo 19 de abril Morton Subastas, subastará 12 litocráneos. Entre los artistas se encuentran Gaby Villanueva, Marco Zamudio, Cocolvú; Sofía Castellanos e Ignacio Villanueva, por mencionar algunos. Además de dos cráneos monumentales, Mexicolor del artista Lao Gabrielli y Buenas Intenciones de Ángel Ricardo Ricardo Ríos.

Estas piezas que lograron gran sorpresa entre los asistentes a la muestra en Paseo de la Reforma, la cual fue visitada por mas de dos millones de personas. Los amantes del arte y coleccionistas podrán encontrar dichas obras en el catálogo Esto es Ahora Subasta de Arte Contemporáneo de la reconocida casa de subastas.


 


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Antonio Banderas soñó con el

último paseo de Picasso por Málaga



María Esther Beltrán Martínez   Fotos: J. Carlos Santana

Málaga, España.-  Antonio Banderas lleva la mirada internacional a su ciudad natal, Málaga. Con el preestreno de la serie Genius. Y su cita del domingo de ramos para salir como todos los años junto con la cofradía de Lágrimas y Favores.

Después de superar los problemas de salud que tuvo de corazón, vemos un Antonio Banderas dando todo y trabajando continuamente. Ha sacado sus productos de diseño, viaja continuamente para filmar y está presente en los proyectos culturales como es el centro de Teatro en el Soho de Málaga.

Como cada año hace una parada en su Málaga en Semana Santa para estar junto con su Virgen de Lágrimas y Favores. Este año ha llegado antes para presentar  la serie de Genius.

Antes de su llegada estuvo en Madrid para dar diversas entrevistas a medios nacionales españoles y fue  Málaga, la protagonista para hacer el preestreno. Estuvo en el Auditorio del Museo Picasso donde dio una rueda de prensa y habló del trabajo tan arduo que realizó para interpretar un Picasso de los 40 años a los 80.

Ha reiterado que está  en el momento para representar a Picasso.  Y que deseaba que hubiera un reencuentro de Picasso con su Málaga. “No quería que Málaga fuera la niña tonta en la vida de Picasso”

A declarado que no ha sido fácil sacar las flaquezas del artista malagueño, sin embargo ha sido un placer encarnar un hombre con tanto talento.

Después de cumplir con el compromiso del reestreno. Se sumó a las actividades de cofrade. Participó en un coloquio durante la presentación de un corto sobre la Semana Santa Malagueña, además de estar en las diversas actividades de su cofradía que presta atención a diversas actividades sociales durante todo el año.

Para Antonio Banderas, indicó que es muy importante saber que se quiere hacer de la Semana Santa de Málaga. Si se considera que debe promocionarse más o perfeccionar lo que se tiene.  Además de señalar que para muchos es un acto de fe, mientras para otros una forma de espectáculo.

Antonio recalcó su compromiso porque está Semana Santa 2018 sea buena para todos las cofradías, que son más de cuarenta las que hay en la capital de Málaga.

Con un retraso de casi una hora salió la procesión a causa de la lluvia. Banderas ejerce como mayordomo, quien se encarga de dar toques de campana, de guiar el trono por las calles del centro de Málaga. También participa  su hermano Francisco Javier. La noche del sábado colocaron un crespón negro en la campana del trono para recordar a su madre Ana Banderas, que fue camarera de la Virgen y es de las que se encargan de vestir y ornamentar a la Virgen para salir en procesión.

El joyero de Málaga salió dirigido por Antonio. En la salida del desfile  estuvo a su lado su compañera Nicole Kimpel, el director de la serie de Genius Ken Biller, como familiares y amigos.

Al finalizar y regresar a la iglesia de San Juan, Banderas abrazado por todos los cofrades emocionados   cantaron la marcha Lágrimas de San Juan escrita por el propio actor.

 


 


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Le seguimos echando cráneo a México…

ARTE, CULTURA Y TRADICIÓN CONQUISTARÁN LA CIUDAD DE MÉXICO

CON LA EDICIÓN DE MEXICRÁNEOS 2018

·  En conjunto con el Gobierno de la Ciudad de México, J. García López y Operadora Locos por el Arte, se desarrollaráMEXICRÁNEOS 2018.

·  Luego del éxito de la exposición con 54 cráneos monumentales y visitados por más de dos millones de personas,MEXICRÁNEOS inaugura su Galería de Arte en Pabellón Altavista, compuesta por más de 400 litocráneos intervenidos

 

El pasado mes de noviembre en conjunto con el Gobierno de la Ciudad de México, J. García López y Operadora Locos por el Arte se presentó en Paseo de la Reforma la exposición MEXICRÁNEOS “Orgullo de México”, la cual fue visitada por más de dos millones de personas; siendo esto un parteaguas en la difusión activa de la cultura y tradiciones de nuestro país. De ahí que MEXICRÁNEOS2018 sea una realidad, con el reto de acercar la cultura a todos y abrir la oportunidad a los artistas emergentes.

El desafío de MEXICRÁNEOS 2018 es superar las 54 obras monumentales de la primera edición en una de las avenidas más importantes de la CDMX, intervenidos por artistas con amplia trayectoria y nuevos talentos. El objetivo es integrar nuevas experiencias interactivas, sin perder la esencia de nuestra cultura y tradición; además de incluir la realidad aumentada a través de dispositivos móviles y contenido multimedia.

Al respecto, Óscar Padilla, director general de J. García López subrayó “gracias al apoyo del Gobierno de la CDMX será posible esta segunda edición, por que estamos convencidos de que el arte y la cultura deben estar al alcance de todos; siendo las tradiciones el ADN de nuestro pueblo, por lo que debemos trasmitirlas a las nuevas generaciones en el contexto tecnológico en el que hoy vivimos”.

Asimismo, en el marco del evento se anunció que luego del éxito de la primera edición, MEXICRÁNEOS inaugura su Galería de Arte en Pabellón Altavista, donde los amantes del arte contemporáneo podrán deleitarse con los litocráneos exhibidos o adquirir alguna de estas piezas únicas, acompañadas por su título de autenticidad.

Durante su participación, Paul Zarkin, director de Operadora Locos por el Arte, subrayó que las obras reflejan la grandeza de nuestro país y forman parte de todos los mexicanos, por lo que a partir del 15 de marzo, los visitantes de Pabellón Altavista podrán disfrutar de la Galería de Arte MEXICRÁNEOS. 

Asimismo, añadió “el aprendizaje obtenido el año pasado, fue en el sentido de que la interacción con los artistas y sus obras es fundamental para crear esa conexión de la cultura con los visitantes, así como la importancia de incluir la parte tecnológica para generar interés por el arte entre los más jóvenes; de ahí la importancia de contextualizar MEXICRÁNEOS 2018 con nuevas experiencias interactivas”.

 

 



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#AnimalesDeLaNada

Un libro para fortalecer los valores de amor y respeto hacia la vida animal

Sabías que… por cada 7 habitantes que hay en la Ciudad de México existe un perro abandonado.

 

Para concientizar a los niños sobre la difícil situación que viven los animales de la calle, Funeral Pet, de la mano de Figallo No Format Agency, creó #AnimalesDeLaNada, una campaña social dividida en tres fases.

La primera etapa consistió en convocar al público en general para que compartiera su historia sobre cómo rescató a un animalito sin hogar. Para ello, se habilitó el site http://www.animalesdelanada.com/, una página que albergó más de 2000 anécdotas y que tuvo un alcance de más de 600 mil personas.

En la segunda fase se eligieron las 10 historias más conmovedoras y éstas fueron transformadas en cuentos por los escritores Libia Ortiz, Aydeé Bravo, Carlos Camaleón, Gerardo Castillo, Guillermo Murray y Mirella Rivera.

Posteriormente los cuentos fueron ilustrados por Tabata Bandin, Aarón Martínez, Alex Arizmendi, Fernanda Castro, Miguel Cárdenas, Eugenia Cano, Mariana Pliego, Efren Victoria, Lucero Martínez y Mariana González.

Para cerrar con broche de oro esta iniciativa, se creó el libro #AnimalesDeLaNada, el cual no sólo busca entretener a los niños, sino que a partir de sus cuentos quiere concientizar a los pequeños sobre la difícil situación que viven los animales de la calle y fortalecer los valores de amor y respeto hacia la vida animal.

De acuerdo con el Instituto Nacional de Estadística y Geografía (Inegi), en México 70% de los hogares cuenta con una mascota, pero el 40% de ellos los abandona. Asimismo, por cada 7 habitantes que hay en la Ciudad de México existe un perro abandonado.

Con #AnimalesDeLaNada será más fácil explicarle a un niño la difícil situación que viven los animales de la calle; pero también los niños –y los adultos- verán la adopción de una manera diferente, pues en el amor no hay razas y menos precios.

Por otro lado, con el libro se pretende reducir un problema de salud que tenemos en la CDMX; en la actualidad hay 1.3 millones de perros defecando en las calles, si las heces brillaran no necesitaríamos luz. Al adoptar a canes sin hogar también se podrá hacer frente a esta situación.

#AnimalesDeLaNada fue presentado este 28 de febrero en KidZania Cuicuilco. Al evento de lanzamiento asistió Miguel Ángel Cancino Aguilar, Procurador Ambiental y del Ordenamiento Territorial (PAOT); Alejandro García, director general de Funeral Pet; el Youtuber “Yorsh de Polanco” y Beto Castillo, presidente de El Muro A.C.

 

El libro está disponible en Gandhi, Kichink y en la página oficial de la campaña.

Un cuento forma parte importante en la vida de un niño y pronto también lo será para un animalito abandonado, Funeral Pet.

Historias ganadoras

·        Ximena De Anda López

·        Flor Nayelli Carreón García

·        Kitzia Mitre Jiménez O’farrill

·        Marco Antonio Beltrán García

·        Rodolfo Daniel Noriega Legorreta

·        Jorge Luis Gómez-Pimienta Meneses

·        Iliana Karina Ramírez Espinosa De Los Monteros

·        Óscar Daniel Torres Juárez

·        Leticia Muñoz Cruz


 

 


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Y Fellini soñó con Picasso exposición

de dos talentos unidos por el arte



María Esther Beltrán Martínez  Fotos: J.Carlos Santana

Andalucía, España.-  El Museo Picasso Málaga inicia el año con la exposición Y Fellini soñó con Picasso. Los visitantes disfrutan de la obra de dos grandes figuras del siglo XX: Pablo Ruiz Picasso y Federico Fellini.

La curadora es Audrey Norcia, doctora en Historia del Arte. Muestra el mundo del cineasta italiano Fellini en torno a los sueños que tuvo con el artista español Pablo Ruiz Picasso.

La exposición contiene el mundo de Fellini con una selección de dibujos, películas, fotografías y otros documentos del director de cine italiano que, junto a pinturas, esculturas, dibujos y obra gráfica de Pablo Picasso. Que pone de manifiesto  la similitud de abordar temas como la sexualidad, la exaltación de a vida, la exuberancia y la metamorfosis.

La curadora explica  que el encuentro que se presenta de éstos artistas  no es una comparación sino por el contrario forma un diálogo: “Son estos  los elementos que le unen a Picasso, sin duda alguna, , aunque estén sumidos en los sueños. Lo mismo que su amor a la vida”.

“Una mañana de 1962, el célebre director italiano Federico Fellini (1920-1993) se levantó y describió un encuentro con Picasso en El libro de los sueños, cuadernos en los que -a modo de antología onírica- escribía y dibujaba sus ensoñaciones a petición de su psicoanalista, Ernst Bernhardt, discípulo de Carl Gustav Jung. Así, entre noviembre de 1960 y agosto de 1990, Federico Fellini completó dos gruesos volúmenes con un extenso imaginario de personajes e imágenes, germen de escenas inolvidables en sus películas”, explica.

No fue un sólo sueño hubo varios. Un primer sueño del 22 de enero de 1962, en el que Fellini y su esposa Giuletta Masina visitan la casa de Picasso, se reúnen en su cocina donde comparten una confortable escena de amistad. En sus memorias, el director afirma que “estábamos en una cocina, era claramente la cocina de su casa, una enorme cocina repleta de comida, de cuadros, de colores… Hablamos toda la noche”.

Norcia revela que el 18 de enero de 1967, el cineasta  sueña de nuevo con Picasso y anota en su cuaderno: “Toda la noche con Picasso, que me hablaba, me hablaba… Éramos muy amigos, me mostraba un gran cariño, como un hermano mayor, un padre artístico, un colega que me coloca a su altura, alguien de la misma familia, de la misma casta…”. Hay un nuevo sueño en 1968, que no dibuja pero sí redacta, en relación a una falsa noticia sobre la muerte de Picasso. Finalmente, en julio de 1980, Fellini describe su cuarta y última ensoñación, en la que asegura que éste vuelve a hablarle como un amigo y un maestro: “Sueño con Picasso (un poco más desmejorado, consumido, pero todavía muy vital) que me habla sin parar”.  

La exposición cuenta con un audiovisual  del director español Isaki Lacuesta con voz de la actriz Emma Suárez. Es un film de 22 minutos  en el que se han insertado fragmentos de películas de Fellini. Y se ha realizado un cartel del artista Curro González que es a la vez una hoja de sala ilustrada por el artista. En el anverso, a modo de pequeño cartel de cine felliniano, un dibujo nos muestra personajes, escenarios y elementos en los que  coexisten ambos artistas, mientras que en el reverso se reproducen los textos introductorios de las diversas secciones de esta exposición. 

 

 

 

 

 

 


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Picasso. El deseo atrapado se exhibe en

la Casa Natal de Pablo Ruiz Picasso



María Esther Beltrán Martínez      Fotos: J. Carlos Santana

Andalucía, España.- Picasso. El deseo atrapado, indaga en las diferentes expresiones de deseo, anhelo, fantasía y el erotismo a través de  45 obras entre grabados y libros ilustrados de Picasso realizadas entre 1905 y 1971.

Mario Virgilio Montañez, curador de la exposición expresa que es un placer mostrar parte de la colección de la Fundación de Picasso Museo Casa Natal.

El deseo atrapado se divide en ocho secciones agrupadas por temáticas: El cuerpo reconstruido, Los cuerpos creados, Los cuerpos observados, La mujer observada, La mujer que observa, Nuda veritas, El deseo y Fantasías del harén. El recorrido de esta exposición revela a un Picasso que, en diferentes etapas de su vida, siente y plasma el deseo de una forma diferente. En El cuerpo reconstruido, siguiendo los principios del Cubismo, descompone los cuerpos para que sea el propio espectador el que devuelva la forma a las figuras (Mujer desnuda con guitarra, 1913). En algunas escenas emplea elementos autobiográficos, como en la sección Los cuerpos creados, incluyendo en sus grabados a otros artistas para representar las escenas (Escultor y dos cabezas esculpidas, 1933)”.

Agrega que en la serie Los cuerpos observados presenta las figuras desnudas, sacando a la luz un acto íntimo (El taller del viejo pintor, 1954). En el apartado La mujer observada representa la imagen femenina más sensual, detallando en sus grabados pasajes bíblicos, como en la obra Salomé, (1905). Pero la mujer también adopta un papel activo en la serie La mujer que observa. La protagonista asiste a la escena y contempla lo que en ella ocurre, dando lugar a grabados que compaginan el clasicismo grecolatino con el frenesí erótico (Modelo y gran cabeza esculpida, 1933).

Hay una serie más titulada  Nuda veritas, la contemplación del cuerpo femenino también adopta otro papel, más cercano a ser un objeto de culto, de veneración, expresando un deseo casi inalcanzable (Desnudo con collar, 1944).

En ésta exposición Picasso desarrolló la atracción hacia los cuerpos vista desde diversos ángulos, en cada una de las obras nos muestra su talento con el manejo de diversas técnicas y principalmente por los temas.

Sin duda alguna ésta exposición invita al deseo. Al ver la belleza del cuerpo femenino como ser espectador de la  intimidad.

 


 


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Un libro de arte sacro colonial para disfrutar

 

Ha sido un gran éxito la publicación del nuevo libro de Ábside Editores: “Iglesias del Centro Histórico de la Ciudad de México”. A un par de meses de su incursión en el mercado, los ejemplares de pasta dura se encuentran casi agotados y los de pasta rústica están teniendo una gran aceptación.  

Y es que es un libro único en su tipo que, a través de panorámicas y nítidas fotografías de Epstein y Morera, coloca en relieve el tesoro religioso, cultural y artístico que esconden las iglesias y los templos religiosos del Centro Histórico de la ciudad capital a través de sus pinturas, retablos, fachadas, altares, arquitectura colonial, tradiciones y reliquias.

Es un tesoro que pasa inadvertido para muchos visitantes de la zona, incluso aún para muchos de los más fieles devotos que frecuentemente rezan en tan hermosas iglesias sin advertir toda su riqueza. 

Y es que la Comisión de Arte Sacro generalmente no cuenta con recursos económicos suficientes para restaurar y hacer lucir al máximo sus monumentos católicos y todo el arte que encierran. Así lo comunica el Padre José Hernández Scheffler, director de dicha Comisión. 

No obstante, el restaurador de monumentos y autor del libro, Rafael Cal y Mayor Leach, en un esfuerzo por preservar este valiosísimo patrimonio religioso e histórico de todos los mexicanos, desempolva los mejores ángulos, hurga en la historia y recupera la tradición que hay detrás de cada obra de arte. 

Con el mérito de que es la única obra de consulta completa, que incluye también mapas y un cronograma.

Esta segunda edición del título (la primera se publicó en 2011 y se agotó) incluye 83 templos, once más que la primera, de los cuales dos son sinagogas. Y se vende en cadenas como Gandhi, San Pablo, en el pasaje Catedral, en la Libraría Bellas Artes y en la Antigua Librería Madero, así como en librerías religiosas. También es posible comprarlo vía online y con envío gratis dentro de la Ciudad de México a través del sitio: https://sites.google.com/view/ichcm

FB: absideeditores 


 


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Hors Pistes enlaza deporte y cultura

en el Centre Pompidou Málaga

 

*El ayuntamiento de Málaga y el Centro Pompidou  prórroga su acuerdo de colaboración hasta el 2025.



María Esther Beltrán Martínez Fotos: J. Carlos Santana

Málaga, España.-  Uno de los museos que se visitan más en Málaga es el Centre Pompidou Málaga cuyo éxito ha llevado a prorrogar el acuerdo de colaboración  entre el Ayuntamiento de Málaga y el Centre Pompidou por cinco años más.

Y sin dejar de parar presenta la exposición Hors Pistes, evento anual multidisciplinar que propone cada año un conjunto de obras relacionadas con un tema de actualidad, que se presentan  mediante un dispositivo participativo reinventando  en cada edición. Como su título indica Hors Pistes: fuera de pista se trata de replantear, producir y dar a conocer creaciones que se sitúan fuera del camino trillado.

“Desde hace dos años, Hors Pistes analiza el universo del deporte desde un prisma político y crítico desarrollando paralelismo con la sociedad. Al tiempo que poético, sobre la reapropiación  por parte de los artistas de las formas, códigos e imaginario del deporte, para captar su absurda y poesía. La propuesta del evento desarrolla desde el ángulo descrito. Del estudio de las proporciones del cuerpo humano al de los desplazamientos y sus movimientos dentro del espacio, el deporte  lleva siendo representado en el arte desde  la antigüedad, esculturas, cerámicas o fotografías muestran la potencia física del cuerpo humano durante el esfuerzo”, explica  Gemma del Corral, Concejala de cultura.

En la exposición se presentan ocho proyectos en vídeo,  con diversa temáticas entre las que se encuentra:  Crap Days, 2010. Solas frente a la cámara, personas anónimas entonan los cánticos de los hinchas de fútbol  británicos, con lo que se crea un vínculo entre lo familiar y lo ajeno, explica la curadora Géraldine Gómez.

Explica  que en la obra Infinity, 2006 de Mai Yamashita + Nao Kobayashi  se les ve correr  formando un signo infinito que, día tras día, va quedando  físicamente marcando en el césped. Al obligarse a cumplir una misión  aparentemente sin objetivo, los dos artistas adoptan aquí  una actitud  sincera, no exenta  de humor, que permite que los espectadores se replanteen los innumerables  rituales sin sentido que marcan el ritmo de nuestra vida cotidiana.

Ne vous laissez pas consoler, 2009 y No hay espectadores, 2010. Son proyectos  cuyo tema son los hinchas. El primero  realizado en colaboración con los Ultramarines, los ultras del equipo de  fútbol Girondins de Burdeos. El 27 de septiembre  de 2009, durante  el partido del Girondins de Burdeos y el Stade Rennes, se insertaron sentencias de carácter político que cuestionan la lógica misma del espectáculo. La segunda es sobre el proyecto realizado en colaboración con la barra de fútbol Santiago Wanderers de Valparaíso, Chile. Se trata de una  serie de material publicitario  con eslóganes que remiten a la lucha política  y deportiva, y un vídeo de  dos canales  que simultáneamente da cuenta de los preparativos  de la barra  brava y de los carabineros para un partido  que tuvo lugar entre Santiago Wanderers y la Universidad de Chile en febrero de 2010.

Entre otro de los proyecto está  La nadadora, 2006.  Maite Cajaraville  muestra una proyección múltiple en una sala cerrada. Presenta a una nadadora de élite  realizando unos ejercicios acrobáticos que se modifican  por pequeños errores imperceptibles hasta un inesperado desenlace.

 


 


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The Beatles  vs The Rolling Stone

en la Térmica de la Costa del Sol

María Esther Beltrán Martínez Fotos: J.Carlos Santana


Málaga, España.- La exposición The Beatles vs The Rolling Stone  que presenta la Térmica. Centro de Arte Contemporáneo de Málaga muestra fotografías de Gered Mankowitz y Terry O’Neill. Imágenes que  llevan al tiempo mágico en que los Beatles se convirtieron en los Beatles y los Rolling en lo que son.

Está exposición muestra los comienzos de dos bandas que son referentes de la música internacional. Vemos el trabajo de dos fotógrafos ingleses que inmortalizaron personajes internacionales y conocidos de la historia  contemporánea.La curadora de la exposición es Cristina Carrillo de Albornoz, recopila las fotos realizadas  por O’Neill y Mankowitz.  

“Una clave de la exposición es desmontar la supuesta rivalidad de ambos grupos. A pesar de toda la  habladuría anti-Beatles, ambos grupos eran amigos. Se conocieron en abril 1963; por entonces The Beatles estaban  ya en la cima con singles como: From me to you, She loves you o I want to hold  your  hand, mientras que los Rolling Stones estaban aún comenzando. Tras su aparición en el programa Thank Your  Lucky Stars, The 4 Fabs fueron a ver cantar a Mick Jagger en el pub  Richmons. Este fue su primer apoyo. Curiosamente Los Beatles aparecieron vestidos muy modernos con chaquetas de cuero y gorros a juego  que habían comprado en su concierto en Hamburgo, mientras que los Stones tenían un aspecto desaliñado. No fue la única vez que fueron a Richmond, donde por entonces cantaban habitualmente los Rolling”, explica la curadora y agrega.

“El primer gran éxito de los Rolling Stone se lo deben a los Beatles. Ocurrió en septiembre de 1963 y fue Andre Loog Oldham y sus conexiones con Los Beatles lo que les procuró a Los Rolling Stones  su primer  empuje importante, una noche  que Oldham salía descontento  del club, se topó con Lennon y McCarney y les llevo  al Richmond. Allí, detrás de escena tocaron  varios temas que estaban componiendo  ambos Beatles titulado I wanna be your  man, fue toda una lección magistral  durante  la que Oldham  les pidió que le dejaran cantar a los Rolling  uno de esos temas titulado I wanna be your man; Lenon y McCarney accedieron, los Rolling realizaron su versión y se convirtió en un éxito. Así fue como gracias al apoyo de ambos componentes de los Beatles, Los Rolling lograron la atención del público situándose  dentro del Top  10  británico y de los medios”

Voceros de prensa indican que: “O’Neill fue el primero en fotografiar a los Beatles y a los Rolling Stones al comienzo de sus carreras musicales publicando el material en prensa y Mankowitz  fue asimismo uno de los que más contribuyó a crear la imagen peligrosa asociada a la banda de Jagger, Richards, Jones, Wyman y Watts con la portada del mítico álbum Between the Buttons”.

Durante su visita a la Costa del Sol, Terry O’Neill aseguró que las tres reglas imprescindibles de un fotógrafo son: “ser invisible, tener paciencia y saber combinar la discreción y relaciones públicas”. Lo que le ha valido un éxito indiscutible plasmando imágenes espontáneas y cercanas.

Durante el recorrido por la exposición vemos imágenes inéditas de las dos bandas, algunas llegan a sorprender al ver la cercanía que tenían los elementos de las bandas entre si.

La exposición se completa con el vídeo del documental Eight days a Week,  trabajo de Ron Howard nominado y ganador de varios premios este año (grammy, bafta, satellite awards…) que recoge los primeros años de la carrera del grupo de John, Paul, George y Ringo desde sus comienzos en el pub The Cavern de Liverpool hasta la actuación que hicieron en 1966 en San Francisco.

Se exhiben LP’S originales de la época y memorabilia provenientes de los fondos de la colección de Antonio Jurado que ha reunido a lo largo de  tres décadas; destacan las portadas de discos diseñados  por Andy Warhol, gran amigo de The Rolling Stones, y lo más llamativo es una carta excepcional en la ue Brian Jones, el prodigio musical  que realmente unió al grupo en 1963, explica cómo dejó de ser el líder del grupo en favor de Mick Jagger.

 


 


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El Centro de Arte Contemporáneo de

Málaga festeja sus XV años a lo grande

María Esther Beltrán Martínez     Fotos: J. Carlos Santana Ruiz



Málaga, España.-  Con decenas de actividades culturales y recreativas el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (CAC) celebra sus XV años.

En un comunicado de prensa el centro  agradece a todos los malagueños y visitantes su apoyo incondicional, que junto al trabajo diario del museo han conseguido situar en “estos quince años como un centro de referencia tanto a nivel nacional como internacional. Este centro abrió sus puertas en febrero de 2003, así lleva Quince años siendo el arte de Málaga. El primer museo que abría sus puertas a la ciudad de Málaga, de una serie de brillantes museos que han conformado está Málaga Ciudad de Museos”.

Son quince años de arduo trabajo que busca la calidad de sus exposiciones y ha llevado a la ciudad de Málaga lo más representativo del arte contemporáneo, además de acercar al público con toda clase de expresiones artísticas: pintura, escultura, instalaciones y vídeo.

Ubicado en el antiguo Mercado de Mayoristas de Málaga, se ha destacado por presentar más de un centenar de exposiciones de creadores individuales y decenas de colectivas. Su director, Fernando Francés, ha sido un luchador y amante del arte. Expone  lo más representativo del arte contemporáneo internacional por lo que en la lista de artistas que se han presentado se encuentran: Gerhard Richter, Louise Bourgeois, William Kentridge, Tracey Emin, Jake y Dinos Chapman, Erwin Wurm, Yan Pei- Ming, Philippe Parreno, Marc Quinn, Adrian Ghenie y recientemente Mark Ryden, artista entre los más cotizados y de los que sin duda dejó un gran número de visitantes al CAC.

No sólo es un centro de exposiciones, ofrece  visitas guiadas; para colegios, institutos o grupos por lo que regularmente siempre hay visitantes jóvenes que se recrean con las obras que se presentan.

Sin duda alguna es uno de los espacios expositivos de prestigio en España y seguirá siendo uno de referencia para el arte internacional como nacional.

 

 

 

 


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Termina el 35 Festival de Teatro de Málaga

cierra telón: Priscila, reina del desierto.

María Esther Beltrán Martínez  Fotos:  Festival de Teatro



Andalucía, España.-  Con una tasa media de asistencia del 78 por ciento en las 74 funciones de las 42 obras programadas el 35 Festival de Teatro de Málaga baja el telón con gran alegría de  ver como supera los porcentajes de asistencia de los años anteriores.

Sin duda alguna Miguel Gallego, director de producción de los teatros Cervantes y Echegaray,  tiene razón al decir: “cuando hay calidad se nota en la asistencia a los foros”. Con un total 22 mil 167 espectadores cierra esta edición que tuvo una programación variada y atractiva.

Priscila, reina del desierto, basado en la película ganadora de un Oscar, narra las  aventuras de tres artistas drag que atraviesan el desierto australiano a bordo del autobús que da nombre al musical, es un viaje cuya banda sonora está formada por  I will survive y las canciones más bailadas de historia.

Es un espectáculo  que consta con una extraordinaria puesta en escena original con la que  fue estrenado en Londres, incluido cuarenta artistas en escena, el exuberante vestuario galardonado con un Oscar.

Con un total de siete funciones Priscila conquistó al público siendo el broche de oro en el cierre del festival y en el marco del Carnaval 2018.  

El libreto es Stephan Elliott & Allan Scott, la adaptación y director residente: Miguel Antelo, actúan:       Armando Pita, Jaime Zatarain, Christian Escudero, José Navar, Ana Dachs, Teresa Ferrer, Aminata Sow, Etheria Chan, Cristina Rueda, Carlos J. Benito, Joaquín Oliván, Pau Quero, Ricardo Mata, Joan Salas, Raúl Pardo, Guillermo Flores, Israel Trujillo, Álex González-Chávarri, José Antonio Torres y María José Capel.

Priscila sin duda fue una buena opción para cerrar la programación. Un musical que deja muy buen recuerdo, además que la producción es muy buena y colorida. Las actuaciones tienen calidad y se entregan en cada función, por lo que se justifica que el público ovaciones por varios minutos a los actores.

Este año el festival ha mostrado lo mejor  la escena teatral de España obras que se siguen presentando en las principales ciudades. Esperando la próxima edición seguiremos conservando los recuerdos que ha dejado la calidad y las buenas interpretaciones de primeros actores y actrices.

Así como las producciones en las que el vídeo es el retoque que refuerza cada argumento y las iluminaciones que dan la atmósfera deseada en las historias.

 

 


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Los carnavales de Cádiz y Málaga dan voz

al pueblo por medio de las chirigotas

María Esther Beltrán Martínez    Fotos: Carnaval de Málaga



Andalucía, España.- Comienza el año y todo está listo para hablar de carnaval. El trabajo es ardúo para centenares de personas que se esmeran en dar su mejor esfuerzo y viven con la ilusión de presentarse ante decenas de personas y cantarles sus coplas en diferentes ritmos.Los miembros de las agrupaciones luchan lucir los mejores vestuarios, tener una escenografía esmerada y principalmente tener una comparsa, cuarteto o  murga lista para deleitar.

El escenario que recibe decenas de agrupaciones en Cádiz es el Gran Teatro de Falla y en Málaga el Teatro Cervantes.

Cádiz es referencia del carnaval en Andalucía, sin embargo Málaga cada año presenta renovadas agrupaciones que se esmeran en sus estrofas y ponen el listón muy en alto en calidad y estilo. Y no sólo son éstas ciudades hay interes por formar sus grupos. La tradición se extiende y llegan a Cadiz grupos de: Sevilla,  Córdoba, Estepona y Granada entre otras.

La impresión que causa al escucharlas por primera vez es de admiración.  La calidad vocal es muy buena. Sus vestuarios y maquillaje es una muestra del cariño y pasión que tienen por resaltar el carnaval y ser reconocidos por la población, que es el público que disfruta de sus participaciones con  temas que son los de actualidad y se identifican con lo que escuchan.

Los carnavales de Andalucía son familiares, hay espacios y tiempos para todos. Aún para los niños que siguen la tradición de ser parte de alguna agrupación y concursar, este año han sorprendido por sus temas que si bien ponen su punto de vista en los problemas sociales, también mandan mensajes a los adultos sobre la desigualdad que les ha sido heredada.

Padres e hijos se ven disfrazados y escuchando en las calles principales del centro a las  chirigotas, que son  coplas que poseen géneros de pasodobles, rumbas, sevillanas, tanguillo, seguidilla, jota o cualquier estilo musical moderno. Lo que llama la atención son las letras que mencionan personajes políticos, sociales, espectáculos o de cualquier otro que éste en las noticias del día. Pero también hacen referencia a la situación social y lugar que está el pueblo, con sus problemas de desempleo, falta de ayudas y esperando lo prometido por los líderes políticos.

Pero la época del carnaval no sólo es en el sur de España. En las islas Canarias como entre otras principales ciudades se realizan desfiles y los concursos de carrozas.

Una particularidad que tienen estos carnavales es que se piensa mucho en la familia. Por lo que existe mucha seguridad en cada lugar, las chirigotas las disfrutan en las calles y los desfiles son coloridos para que todos los miembros de la familia disfrute de unos momentos de alegría.

Así como para los adultos hay espacios para poder disfrutar de la gastronomía de cada región y beber con los los amigos.

Por lo que sin duda el carnaval se espera y se disfruta.

 

 

 

 


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Javier Camarena regresa al Metropolitan Opera House para debutar el rol de Idreno en la ópera Semiramide de Rossini.

·         La premier será el próximo 19 de febrero con funciones subsecuentes el 24 y 28 de febrero, y 3, 6, 10, 14 y 17 de marzo de 2018.

·         Semiramide es una reposición de la producción de John Copley de 1990 en el MET.

 El tenor Javier Camarena retorna al MET, después de haber participado en la Gala del 50 Aniversario del recinto el 8 de mayo de 2017.

La premier de la ópera “Semiramide”(1823) del compositor italiano Gioacchino Rossini (1792-1868), tendrá lugar el próximo 19 de febrero en el Metropolitan Opera House de Nueva York, después de casi 25 años de no haberse presentado en esteprestigioso teatro.

Javier Camarena da vida por primera vez a Idreno, príncipe de las Indias que busca el amor de la princesa Azema. El elenco lo conforman: Angela Meade en el rol de Semiramide, la mezzosoprano Elizabeth DeShong como Arsace y los bajos Ildar Abdrazakov como Assur y Ryan Speedo Green como Oroe; la dirección musical corresponde al maestro Maurizio Benini.

Respecto a este nuevo rol en su carrera, Javier Camarena nos comenta:

“Un nuevo rol siempre representa nuevos retos, nuevos desafíos. Después de un año en que he abordado roles más líricos, volver al estilo musical de Rossini ha sido toda una aventura. Esta ópera, la última ópera seria que compuso el cisne de Pesaro, muestra su madurez creativa en todo su esplendor. Las melodías deliciosas, las coloraturas vigorosas y el conocimiento profundo de las voces y sus capacidades, hacen de cada personaje un verdadero despliegue de virtuosismo vocal. Para mi, siempre es una gran alegría volver a este maravilloso teatro y mucho más esta vez, pues será mi primera vez en una producción que se transmite en HD directo a todo el mundo. Así que: ¡Nos vemos pronto en la pantalla grande!”

Semiramide será transmitida por SIRIUS Radio/MET Live Stream el día del estreno, 19 de febrero y el 6 y 10 de marzo. El 10 de marzo será también transmitido por HD en cines en todo el mundo y en nuestro país y en el caso de la Ciudad de México, en el Auditorio Nacional. 

A través de sus redes sociales, el tenor nos ha mantenido al tanto de los avances en la puesta de esta producción de estilo clásico, así como de la dificultad de las arias que interpretará tales como “Ah! dov’è il cimento” (Donde se encuentren los retos) y “La speranza più soave” (La esperanza más dulce).

Adicionalmente, se prevé la presencia de Javier Camarena en la Ciudad en México para el próximo mes de abril, donde ofrecerá dos galas, los días 12 y 15 en el Palacio de Bellas Artes, las cuales serán a beneficio de las víctimas del pasado sismo del 19 de septiembre.

Para estas funciones, el programa será dedicado a Rossini y servirá para conmemorar los 150 años del fallecimiento del compositor de bel canto. Los boletos para estas galas de beneficencia saldrán a la venta aproximadamente en diez días.

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Inauguran macro-intervención de arte urbano más grande del mundo

 

·  Abarca 41 mil metros cuadrados y se suma al programa de impacto social ‘Comex por un México Bien Hecho´

·  Tlajomulco refuerza su objetivo de convertirse en la capital del street art y en un semillero de artistas urbanos

 

En conjunto, PPG Comex, el Gobierno de Tlajomulco, Jalisco y el Instituto de Alternativas para los Jóvenes (INDAJO), inauguraron la Macro-intervención de arte urbano más grande del mundo que abarca 41 mil metros cuadrados y se suma al programa de impacto social ‘Comex por un México Bien Hecho´, con el objetivo de recuperar espacios públicos que generen lazos de respeto y paz entre la comunidad.

El programa de PPG Comex tiene el objetivo de generar un impacto social para mejorar la calidad de vida de los mexicanos, mediante la recuperación de espacios públicos que permiten la sana convivencia, así como la transformación del tejido social por medio del color, el arte y la protección de cada rincón del país.

Al igual que nuestro programa de impacto social, la Macro-intervención en Tlajomulco da identidad a la cultura de sus habitantes, creando vínculos sociales positivos que impactan en mayor seguridad”, mencionó Gilberto Alcaraz, Director del Programa de ‘Comex por un México Bien Hecho’. “Estamos seguros que al ser la intervención de arte urbano más grande del mundo, se convertirá en un referente turístico obligado” añadió.

La macro intervención se encuentra ubicada en los parques, espacios públicos y bardas de las principales avenidas del Fraccionamiento Santa Fe, el cual fue construido de manera amurallada, con bardas que en su momento fueron utilizados para grafitear de manera vandálica, y que actualmente son espacios recuperados con el esfuerzo del Presidente Alberto Uribe Camacho y en esta ocasión, también de PPG Comex.

Para realizar esta macro-intervención se utilizarán más de 10 mil litros de pintura y 3 mil aerosoles, con los que 30 artistas urbanos locales, nacionales e internacionales, plasmarán elementos mexicanos para formar el primer museo de arte comunitario en México que beneficiará a un total de 37,726 personas.

Con iniciativas como ésta, el  municipio de Tlajomulco refuerza su objetivo de convertirse en la capital del street art y en un semillero de artistas urbanos, además de contar con una galería que será referente nacional e internacional.

 

 


 

 

 

 

 


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HENNESSY REAFIRMA SU LUGAR EN EL MUNDO DEL ARTE EN COLABORACIÓN CON LA FERIA DE ARTE, MATERIAL

 

 

Hennessy, el cognac #1 del mundo, estuvo presente como patrocinador oficial en la 5ª edición de la Feria de Arte Material, principal feria de arte independiente de Latinoamérica. La nueva sede, el Frontón México, es un estandarte del Art Deco mexicano desde 1929 y permite la presencia de 78 galerías de 18 países y 33 ciudades.

 

Hennessy, a lo largo de su historia ha estado involucrado en el mundo del arte, a través de sus colaboraciones con distintos artistas que recrean sus diversas botellas como lo han hecho con Hennessy Very Special by JonOne, Hennessy X.O by John Maeda, Hennessy X.O by Marc Newson ó Tom Dixon entre otros.  La participación de Hennessy en ferias de este nivel muestran su gran interés en brindar experiencias únicas, y su gran apoyo para seguir potenciando el arte en México y el mundo entero.

La gran fiesta de inauguración de la feria de arte Material se llevó a cabo el pasado jueves 8 de febrero en Foro Normandie donde Hennessy estuvó presente con sus icónicos cocteles y experiencias únicas que solo el mejor cognac del mundo sabe transmitir. Exitosos artistas que debutan en Material estarán en esta increíble noche, como Aoyama Meguro (Tokio), Callicoon Fine Arts (Nueva York), Gaudel de Stampa (París), Gianni Manhattan (Viena) y Supportico Lopez (Berlín).

A través de la alianza con Hennessy se busca reforzar la presencia de Material, como la principal feria de arte independiente de Latinoamérica en su 5ª edición, y seguir expandiendo los horizontes de la misma para las siguientes ediciones.

 

 

 


 

 

 


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“Yo Soy Santa Anna” Llega al Teatro NH

Por Laura Moheyer Foto Elnora Domínguez

Nuevamente aparecen en escena “Las Meninas” Cecilia, María Bárbara y Alma María, juntas ahora para relatarnos la historia del Dictador Antonio López de Santa Anna.

Santa Anna, uno de los ex Presidentes más odiados en la historia de nuestro país, entre otros, por ceder a los estadounidenses una gran parte del territorio mexicano,  Instaurado como dictador vitalicio, identificado como su  Alteza Serenísima por todo el país, a lo largo de su extensa carrera política fue considerado ambiguo por participar en partidos contrarios, monárquicos, republicanos, unitarios, federales, liberales y conservadores, ocupo 11 veces la Silla Presidencial, fue gobernador de Yucatán y de Veracruz.

En esta ocasión las Ibarguenguer nos cuentan muy a su estilo la vida de este fatídico personaje de nuestra historia.

Las Meninas, personajes que han tenido un gran éxito en el Teatro NH a lo largo del año pasado, deleitándonos con episodios como, “Desde el Cielo, Una Hermosa Mañana”, ahora nos traen a escena “Yo Soy Santa Anna”, continuando con su muy peculiar forma de relatar las historias, tienen al espectador al borde de la carcajada a lo largo de su narración, esta es la primera de seis puestas en escena relacionadas con la historia de México,  que realizarán en el transcurso del 2018, aun no se cuenta con los títulos de las siguientes obras pero se sabe que una será escenificada en el mes de marzo y la siguiente en abril.

No te puedes perder de los relatos chuscos de estas tres Damas de la Sociedad Española, que se reúnen en el Teatro NH para convivir con los plebeyos y dar a conocer su punto de vista relacionado con el General Antonio López de Santa Anna muy a su estilo, los días 4, 8, 11, 15 y 18 de febrero, en Liverpool #155, Zona Rosa, Col. Juárez.

Adquiere tus boletos en el sistema ticketmaster y en la taquilla del teatro.

 


 

 

 

 


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Quevedo presente en el Festival de Teatro

de Málaga bajo la piel de Juan Echanove

María Esther Beltrán Martínez       Fotos: Javier Naval



Málaga, España.-  En el marco del  35 Festival de Teatro de Málaga se presentó la obra Sueños, protagonizada por el primer actor Juan Echanove, quien da vida al escritor español, Francisco de Quevedo, en sus últimos años de existencia.

El público por más de dos horas es testigo del dolor y de los pecados del escritor español, quien es catalogado entre los maestros de la literatura del Siglo Oro (1492-1659). Entre sus obras  destacan la novela picaresca Vida del Buscón, Parnaso español, Sueños y discursos Quevedo y Los poetas entre otras obras.

Através de la actuación del actor Echanove vemos la personalidad del escritor que lucha con sus demonios, sus sueños y sus recuerdos.

Definir la actuación de Echanove la podemos resumir en una palabra: sublime. Da todo por escenificar al escritor, su voz; es potente y poderosa. Su cuerpo se transforma, vemos  un hombre enfermo que camina con dificultad entre las butacas sorprendiendo al público.

El montaje es moderno utiliza multimedia en donde se proyectan imágenes en pantallas gigantes. Echanove está acompañado por un buen elenco entre los que que encuentra: Beatriz Argüello, Ángel Burgos, Críspulo Cabezas, Markos Marín, Antonia Paso, Marta Ribera, Chema Ruiz, Eugenio Villota y Abel Vitón. La  coproducción de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, La Llave Maestra y Traspasos Kultur que revive en escena los análisis de Quevedo sobre el Estado, la monarquía, el poder, la honestidad, la corrupción o el amor.

Juan Echanove en diversas entrevistas ha expresado “que la obra de Quevedo es inmensa y que en cualquier estrofa, cualquier aforismo o cualquier verso suyo podríamos encontrar lecciones que nos desentrañan los enredos de la sociedad actual. ¿Quevedo era un visionario o somos nosotros  quienes hemos retrocedido a las posiciones del Barroco?” se pregunta el actor.

Para Echanove, Sueños transita por tres “autovías”: la primera sería un infierno blanco, alegórico, de hielo, el que que pululan la envidia, el hambre, el poder, el clero y Dios; la segunda, la decadencia barroca, la citada debacle de un Estado en descomposición, y la tercera, la biografía de un autor y personaje que se está muriendo y que arrastra las consecuencias de una vida disoluta, excesiva, llena de cuchilladas y con las marcas de su encierro de cuatro años en una celda de León (“érase un hombre a un dolor pegado”, resumió el actor).

Mientras que el director de la obra Gerardo Vera, expresa que “enfrentarse a Quevedo y, sobre todo, zambullirse en ese caudaloso discurso brillante y doloroso sobre la decadencia de un imperio, es una insensatez de la que solo eres consciente cuando ya estás con el agua al cuello, tratando de sobrevivir a esa embestida directa contra las conciencias que es la obra magna del gran cronista de la realidad española sin adornos, sin coartadas, yendo a lo más profundo de la herida aunque te empapes en su sangre. Como un reflejo poderoso, esa herida es el manantial del que brota la obra de Quevedo.

Y esa llaga abierta a partir de su encierro en la Cárcel de San Marcos, tan física que impregna todos sus escritos. Su obra se transforma en una sangría existencial, un tránsito doloroso de lo pasajero a lo eterno. El testamento de un artista, pero sobre todo de un hombre que padecía en carne propia el desistimiento de unas fuerzas llevadas a su límite en un tiempo en el que ya no se podía soñar, donde lo épico se degradaba en retórica, la valentía en soberbia, la nobleza en herencia sin merecimientos.

La realidad del XVII era tan contundente que “solo se podía vegetar o vivir en carne viva”. Y así vivió Quevedo, contemporáneo de Velázquez, pintor también de la liquidación española. Eso hemos intentado reflejar a partir de su obra más personal, sus Sueños, crónica dolorosa y lúcida de una España presa de la corrupción de las monarquías absolutas de Felipe III y Felipe IV, víctima del ocio y de la ignorancia, donde la filosofía era esclavizada por la teología. En un momento, también, donde todo olía a corrupción en Madrid y en las Españas, y ahí es donde nos asombran y nos deslumbran esos sueños, chismosos y veraces, caricatura, testimonio, dolor y carcajada, escritos por una mano atravesada por el sufrimiento que rezuma su propia herida interior. Quevedo se convierte, sin querer, en el testigo más fiel de cómo un imperio empieza a descomponerse”.

Ver una obra clásica muchas veces es tedioso, pero con Sueños  la reacción es contraria debido a la calidad actoral y de producción.   


 

 

 


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Con broche de oro cierra el 2017 Málaga

dando el festín musical a las familias

María Esther Beltrán Martínez   Fotos J. Carlos Santana



Andalucía, España.- Con una sonrisa y brincando literalmente de alegría salieron los niños del Teatro Cervantes. Disney in concert. Magical music from the movies. Fueron cinco funciones en las que el foro fue completo. Familias enteras disfrutaron de los temas de Disney a través de las  voces de Paco Arrojo, Julia Möller, Judith Tobella y Diego Rodríguez. La dirección de la Orquesta Filarmónica de Málaga estuvo a cargo de Arturo Díez Boscovich.

Sin duda el mejor crítico de un espectáculo son los niños que no se cortan en nada en decir si lo que vieron es bueno o no. Razón por lo que no hay nada más satisfactorio que ver el rostro de los niños disfrutando de la música, además de ver la energía y ánimo al cantar y bailar y sorprenderse con cada tema que escuchan.

La orquesta comulgo con proyecciones en alta definición  y la participación como maestra de ceremonias de la actriz y comediante Anabel Alonso.

El tiempo se detuvo desde el inicio del concierto, los asistentes disfrutaron de un viaje por la filmoteca Disney y viendo escenas de Mary Poppins, Piratas del Caribe, La Sirenita, Frozen, El jorobado de Notre Dame o La Bella y la Bestia, El Rey León, Pocahontas, Aladdin, El libro de la selva y

Por casi dos horas el público disfruto de las ejecuciones de la orquesta quien recibió una fuerte ovación. Lo mismo que los intérpretes que dieron lo mejor en cada tema.

Sin duda alguna fue una función de sorpresas tanto de ser testigos de la petición de matrimonio en una de ellas.

Este concierto triunfó en Málaga de la misma manera que lo hizo en Starlite Festival de Marbella, el Palau de les Arts de Valencia y el Auditorio del Fórum de Barcelona, y triunfó asimismo en algunos de los espacios escénicos más emblemáticos del mundo como el Lincoln Center, el Royal Albert Hall, la Casa de la Ópera de Sydney, el Tokyo Forum o el Hollywood Bowl. Después de más de 100 representaciones en toda América y Europa y de emocionar a más de tres millones de espectadores en todo el mundo. El espectáculo, nacido hace diez años en Los Ángeles, llegó la Navidad de 2016 a España, a los madrileños Teatros del Canal.

El inicio de año no sólo tuvo este concierto familiar maravilloso, sino que se vivió con gran emoción la tradicional cabalgata en la que participaron 14 carrozas en donde la comitiva repartió doce mil kilos de caramelos sin gluten y 400 kilos de caramelos sin azúcar.  Las carrozas estuvieron  acompañadas por más de 20 pasacalles y grupos de músicas variados que transitaron por las calles.

Es así como se inicia un 2018 donde se esperan miles de actividades culturales en diversos sectores como es teatral, musical, cinematográfico y dancístico.

 

 

 

 

 

 


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Dan la tercera llamada en Málaga y se

abren los telones en el centro de la ciudad.

María Esther Beltrán Martínez  Fotos: Festival de Teatro de Málaga.



Andalucía, España.-  El 2018 ha iniciado y la ciudad de Málaga ha dado la tercera llamada para iniciar el 35 Festival de Teatro de Málaga en la que participan 42 obras y ocho estrenos.Nombres como Aitana Sánchez- Gijón, Edu Soto, Pepón Nieto, María Barranco y compañías como La Fura dels Baus, Yllana, Sindrome Clown y el Centro Dramático Nacional son los responsables de mantener la calidad y mantener el éxito con sus salas con aforos completos.

Entre las obras con las que ha dado inicio este festival fue Troyanas  en la que participan las actrices Aitana Sánchez-Gijón, Maggie Civantos, Alba Flores, Gabriela Flores, Miriam Iscla, Pepa López y Nacho Fresnedo.

El público disfruta de la versión de Alberto Conejero del clásico de Eurípides. La dirección corre a cargo de Carme Portaceli dirige un montaje que se estrenó el verano pasado en el Festival Internacional de Teatro de Mérida, y que está coproducido entre dicho certamen clásico extremeño, el Teatro Español, una de las plazas donde recaló posteriormente, y Rovima Producciones.

“Eurípides con los vencidos. Después de la guerra de Troya (o cualquier guerra que podáis imaginar hoy, ayer, mañana), parece que ya está todo acabado, que la ‘gran acción’ ha terminado. Pero entonces, como el comercio cuando acaba el horario comercial, empieza la otra acción, la acción de la que no se habla, la que se hace ‘por derecho’ con los ciudadanos de ‘segunda’, la que no cuentan en las noticias: el reparto de las mujeres como esclavas ‘sexuales’, o esclavas de cualquier otro tipo. Hécuba, Políxena, Casandra, Andrómaca, Briseida, Helena, esos nombres... u otros nombres cualquiera... a ellas se las rifan para hacer más daño a los vencidos, para acabar con un país, con una cultura. Taltibio lo recuerda desde hoy, porque jamás lo ha podido olvidar desde que estuvo allí, porque esa ‘salvajada’ le ha quedado dentro para toda la vida, no lo ha dejado vivir... ni morir. Por eso necesita contárnoslo cada noche, para liberarse de ese recuerdo que lo privó de la humanidad que ha de tener una persona...” explica Portaceli.

El público disfrutó de Smoking room montaje de un drama que muestra el sentir del personal ante diversas situaciones en las que se ven implicados en la  oficina. El trabajo no sólo es lo que tienen que sobrellevar sino su propia existencia ante los compañeros de trabajo.

La dirección corre a cargo de Roger Gual ha cambiado la cámara por el proscenio para dirigir a Secun de la Rosa, Miki Esparbé, Manuel Morón, Pepe Ocio, Manolo Solo y Edu Soto en una adaptación “bastante fiel y respetuosa” de su película de culto Smoking room.  “El texto habla de lo muy difícil que es para la mayoría de los humanos de llevar a cabo un proyecto en común. De cómo los intereses personales siempre se ponen por delante del bien común”, expresa el director.

Una de las reconocidas compañías españolas hizo el deleite de un performance La Fura dels Baus y Divina Mysteria convergen en la cantata profana  De los agricultores (Bauernkantate BWV 212), de J.S. Bach ideada y dirigida por Miki Espuma y David Cid.

Free Bach 212 es un trabajo multidisciplinar en el que el ensemble barroco Divina Mysteria interpreta la obra original completa, que se enriquece con los ‘reprises’ flamencos de la cantaora Mariola Membrives y los paisajes sonoros electrónicos. Mientras tanto, el trabajo videográfico envuelve a músicos, bailaor (Miguel Ángel Serrano) y cantantes líricos (la soprano Eulalia Fantova y el barítono Juan Garcia Gomà) y da sentido y perspectiva a la obra. Mediante canciones y danzas populares, estructuras de corte noble y tentadoras insinuaciones a los placeres mundanos, Bach nos invita a la mesa con esta pieza que termina en una taberna en la que la cerveza es el brebaje unificador. El convite está servido. El público disfruta de La Fura dels Baus excéntrica e innovadora. La capacidad de unir y adaptar carnalidad y misticismo; naturaleza y artificio; grosería y sofisticación; primitivismo y tecnología, en cada uno de sus espectáculos, ha conseguido el éxito y el prestigio internacional de La Fura dels Baus.

El Festival sin duda alguna se afianza en el gusto del público. Las salas se ven con foro completo y las ovaciones son repetidas al finalizar cada presentación.

 

 

 

 

 


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