Desde pequeños, nuestros padres y maestros nos van formando con ayuda de herramientas como los crayones, pero ¿sabes cuál es su origen? ¿Sabías que los crayones existen desde hace más de un siglo? Estos han permanecido durante generaciones en el desarrollo y crecimiento de los niños, dándoles la oportunidad de plasmar sus más grandes ideas.
 
Los crayones nacieron de un experimento realizado por Binney & Smith en 1903, donde desarrollaron un nuevo tipo de tiza de color no tóxica, bautizándola con el nombre Crayola por Alice Binney; el cual deriva de “craie”, palabra francesa para gis y “ola” raíz en latín de aceite.
 
Crayola se ha convertido en el primer referente para todo el mundo y se ha posicionado al punto de convertirse en nombre genérico para denominar cualquier producto con las mismas características, tal como sucede con algunas marcas de bebidas y pañuelos.
 
Quién iba a pensar que de ocho tonos: negro, café, azul, rojo, morado, naranja, verde y amarillo iban a nacer más de 150 colores que existen actualmente en el mercado. Tener gran variedad de tonos, impulsa a los niños a experimentar más allá de su mente y ayuda en el desarrollo creativo infantil, permitiéndoles dejar volar su imaginación a través de sus trazos y hoy, existen varios tipos de crayones especializados para cada tipo etapa del crecimiento de los niños como los Crayones Jumbo, So Big o estándares.
 
Además, Crayola busca ser un lazo entre padres e hijos, ya que a través de los trazos pueden descubrirse mutuamente y convertir un dibujo en una obra de arte llena de vida y color. Esto aunado al desarrollo de nuevas habilidades que los inspirarán a seguir creciendo y creando.

El Museo Tamayo abre de nuevo sus puertas a partir del 19 de agosto con todas las medidas de seguridad

Ciudad de México, a 18 de agosto de 2020.- Como parte del trabajo de planeación realizado por la Secretaría de Cultura y el INBAL, la apertura del Museo Tamayo tiene como prioridad preservar la salud de los visitantes y trabajadores. El miércoles 19 de agosto, el Museo Tamayo abre sus puertas con un horario de 11:00 am a 5:00 pm en espera de todos sus visitantes en este primer día de reapertura con tres exposiciones temporales y una permanente.

Reapertura Museo Tamayo 

Miércoles 19 de agosto 

11:00 - 17:00 h

EXPOSICIONES TEMPORALES 

English for Foreigners           
Stephen Prin 

All and Everything
Alexandre Estrela

En apariencia otro México.
Bocetos para murales de Rufino Tamayo

EXPOSICIÓN PERMANENTE
Colección Museo Tamayo

SALA TAMAYO
Los Tamayo de Tamayo

Lo más importante es la salud del público y equipo del Museo Tamayo, por lo que se les pide preparar su visita revisando los nuevos protocolos para ingresar a los espacios de convivencia en la página: www.museotamayo.org

El circo desde la mirada de

Henri de Toulouse-Lautrec

 *El Museo Carmen Thyssen de Málaga se exhiben treinta y nueve estampas. 

María Esther Beltrán Martínez     Fotos: J.Carlos Santana

Andalucía, España.-  Toulouse- Lautrec y el Circo  es el título de la exposición que se exhibe en el Museo Carmen Thyssen de Málaga.  Incluye cuarenta y seis obras sobre papel que recogen imágenes de los espectáculos circenses que proliferaron  en la capital francesa a finales del siglo XIX.

Lourdes Moreno, directora artística del museo y curadora de la exposición  explica que la exposición se centra en las treinta y nueve estampas que conforman la serie  Au cirque [En el circo], editadas entre los años 1905 y 1931 a partir de dibujos realizados por Lautrec en 1899, junto a otras ilustraciones del mismo asunto, publicadas en la prensa de la época o en otros portafolios, como la famosa Clownesse Cha-U-Kao. Todas las obras proceden de la colección de Jean Pierre Gimbergues.

Moreno nara que “Además de magnífico dibujante, Toulouse-Lautrec es un gran publicista, en cuanto a la capacidad  que tienen sus obras de llamar la atención mediante la concisión, el impacto o la provocación. Afanado en el diseño de  carteles publicitarios durante la edad de oro de la imagen impresa de Francia, puede decirse que contribuyó como ningún otro a que la litografía publicitaria se elevase de medio popular a gran arte. Y su estilo, sencillo y bidimensional, pero  abrumadoramente moderno, con planos de color amplios y homogéneos, potentes silueteados y encuadres entre siluetas y masas, entre zonas claras y oscuras, entre la profundidad y los primeros planos”.

Comenta que Toulouse, el pintor de la bohemia, de las escenas de baile y cabaret y los bajos fondos parisinos de finales del siglo XIX, de memoria dibujó  diversas escenas de espectáculos circenses durante su ingreso en Neuilly, a las afueras de París. debido a una crisis provocada por sus enfermedades y adicciones. 

“Con treinta y nueve dibujos, testimonio de la capacidad creativa del artista y su extraordinario talento, decía Lautrec haber «comprado mi libertad» para abandonar el sanatorio, aunque sus problemas de salud continuarán, provocando su fallecimiento con 36 años, en 1901. Con esta serie, rememora una infancia abarrotada de caballos –de los que su padre era un apasionado- y la nostalgia de un paraíso circense y de la vida en Montmartre, de la que conserva vivos recuerdos. Y ahí quedan, perfectamente reconocibles, el jefe de pista Monsieur Loyal y los espectáculos ecuestres del circo Fernando; los clowns Foottit y Chocolat, la bailarina Cha-U-Kao y los animales amaestrados del circo Nouveau; las equilibristas del Jardin de Paris, etc. Y como espectadores al borde de la pista o entre bambalinas, el público se siente partícipe de un espectáculo fabuloso”.

 A la muerte de Toulouse- Lautrec los dibujos, hoy dispersos en varios museos y colecciones, pasaron a manos de su gran amigo Maurice Joyant, crítico, marchante de arte y apoyo incondicional de Lautrec, cuyas primeras exposiciones organizó. A instancias suyas se publicarían en los años siguientes. Unos pocos vieron la luz en Le Figaro Illustré en 1902, y el conjunto completo se editó, bajo el título Au cirque [En el circo] en dos tiradas, una en 1905 a cargo de éste y de Adolphe Goupil, célebre marchante y editor de estampas, y otra en 1931, también por iniciativa de Joyant, fallecido el año anterior y que la imprenta parisina Librairie de France llevó a cabo.

Oscar el niño dormido, excelente obra

infantil  que es una lección de vida

María Esther Beltrán Martínez      Fotos Compañia de teatro

Málaga, España.-  Oscar el niño dormido, es una obra que se presentó en la programación infantil del Teatro Echegaray de Málaga, presenta la compañía Espejo Negro y brinda una hora de divertimento y aprendizaje para toda la familia recurriendo a un tema poco común: el coma.

Desde el inicio roban la atención del público, con la delicada historia de amor y amistad. Trata de Óscar, un niño que quedó sumergido en un largo y profundo sueño tiene coma.

El guión y dirección es de Ángel Calvente . Los actores y manipulantes de las marionetas es José Vera, Garikoitz Lariz y Cristina Jiménez, bailaora Olga Magaña y la música corre a cargo de Antonio Meliveo. Es una obra cuyo tema es el coma, ¿un tema tabú para los niños? 

Pues les narro mi experiencia. Asistí a ver la obra con mi sobrina que tiene nueve años, le gusta ir al teatro. Su primera reacción fue de sorpresa al ver el cartel. Un muñeco demacrado de grandes ojos. 

-No tía esa obra no quiero verla, me da miedo. Mira que ojos tiene ese muñeco. ¡Espanta! 

Todo eso me decía mientras ocupamos nuestros asientos. Por varios minutos siguió hablando de lo que le sorprendía ese cartel, se preguntaba porqué está así. Comenzó la obra y su temor se difuminó. Cómo transcurre la historia su cara va cambiando y se relaja y empieza a poner atención a todo lo que explican.

Sale el personaje de Óscar y comprende que está enfermó y que no se trata de ninguna historia de miedo.  

La dirección y guión es muy buena, distrae a toda la familia se  utilizan todos los recursos posibles para que se comprendan qué pasa en el cerebro cuando una persona tiene coma y las consecuencias que pueden tener al sufrir lesiones cerebrales.

Hay mucho ingenio para acercar al público y sensibilizar sobre el tema, como hacer un homenaje a todas las personas afectadas.

Es una historia de amor, pero sin duda de lucha y sensibilidad, una invitación a vivir el día a día con alegría, porque no sabemos qué puede pasar.

Al término de la obra los niños son los primeros en ovacionar a los actores. Les aplauden y sonríen. Mi sobrina salió feliz y contando a la familia que hay hematomas muy malos.

Y a la pregunta si es un tema tabú. No lo es. Lo principal es explicar bien y dejar de pensar que los niños no tienen por que saber ciertos temas.

En conclusión Ángel Calvente tiene una excelente obra de teatro para toda la familia, usa muy bien los recursos para distraer a los niños, el público más exigente que hay. Les da muy buena información, clara y precisa. Los distrae con la música, los diálogos y las imágenes. 

Calvente ha explicado que en 1998 su  amigo Juanjo sufrió un accidente de tráfico quedando en coma durante más de un mes. “ Al despertar, las graves lesiones ocasionadas por un traumatismo craneal lo dejaron postrado en una cama; sin poder hablar, ni caminar y sin poder moverse.  Este espectáculo es un homenaje a Juanjo que no ha podido recuperarse de sus graves lesiones cerebrales. A través del pequeño Óscar, en un imaginado final feliz, se recupera y sigue con su vida normal y cena todas las noches huevos fritos como a él le gustaba.  Dedicado a todos los que han despertado y a los que están por despertar. Y especialmente a Juanjo, que después de muchos años sigue luchando contra una grave lesión cerebral y a Óscar Lisbona, un malagueño que tras salir del coma ha demostrado ser un ejemplo de superación. Incansables luchadores que me han inspirado para crear esta historia”. 

José Luis Puche al desnudo

en el Lunar Cultural del Pimpi

María Esther Beltrán Martínez

Málaga, España.-  Empezar la semana con un encuentro entre amigos y amantes de la cultura siempre es bueno para la mente. El Lunar Cultural organizado por la Fundación  del Pimpi, da esta posibilidad de conocer y acercarse artistas y promotores culturales.

La tarde del lunes se tuvo la posibilidad de conocer muy de cerca  al artista malagueño José Luis Puche, en los recientes años su obra es vista no sólo en los museos más importantes de Málaga, también ocupa un lugar primordial en el reciente Teatro Soho CaixaBank y en las calles de Málaga. Ya que es el creador del cartel de Semana Santa de Málaga y su obra  será vista por millares de personas que se den cita para vivir la Semana Santa.

En un formato de charla entrevistaron a José Luis Puche, Inma España y Cris MorQue, quienes descubrieron la  infancia, juventud y como ha alcanzado la plenitud en su trabajo creativo.

Si una cualidad tiene Puche es su manera de expresarse: clara y sencilla que hace que el tiempo vuele. Por lo que descubrimos que fue un niño tranquilo, cómo lo confirmó sus padres que estuvieron presentes. 

Qué disfrutó su estancia en Italia, donde vivió, estudió y  tuvo la experiencia de ver obras que desde niño le encantaban.

Narró su encuentro con el actor Antonio Banderas y cómo le pidió que hiciera una obra de gran formato para el hall del teatro que era su sueño personal y cómo  Puche se sumó para formar parte del trabajo artístico del edificio con la creación de la obra Todos los mundos posibles. 

Durante la tertulia se disfrutó de un  desfile de moda realizado por Marta Ybaz, creado e inspirado en las obras de Puche. Además que se disfrutó de la voz de la joven Lucía Cordero.

Recibió una escultura  del artista Aurelio Robles confeccionada para entregar a los participantes de los Lunares propuesta cultural de la Fundación El Pimpi.

La reunión con Puche dejó al público con una sonrisa,  quien sellaron la velada con aplausos y tomándose fotos con el artista. Seguramente muchos descubrieron que el talento de Puche viene de muchos años de trabajo y de  nunca tirar la toalla. 

Entre los planes que tiene es un trabajo para un particular y varias exposiciones en España y el extranjero.

Queda mucho que disfrutar de su obra, ver los detalles y la técnica que tiene en sus obras. Así como llevarnos a lugares infinitos como si fueran sueños que nos descubre ante la realidad que se nos presenta

El romancero gitano siempre actual 

La palabra se transforma en emoción, arte

y nostalgia en la voz de Núria Espert

Málaga, España.-  ¿Sabes que es  El romancero gitano? Tal vez en la escuela lo has escuchado o si eres aficionado a la lectura sabrás que el autor es Federico García Lorca, un español que fue asesinado en la guerra civil española por el bando franquista. Y si eres un apasionado de la poesía el título solo te causara emociones.

En el recién inaugurado Teatro del Soho CaixaBank se presenta el Romancero Gitano, espectáculo dirigido por Lluís Pasqual y  la primera actriz de la escena española, Núria Espert; quien se planta en el escenario con sólo siete butacas vacías, que serán su apoyo y descanso durante una hora de escenificar diferentes personajes que encierran los versos de Lorca.

Su presencia ilumina la escena. A sus ochenta y cuatro años la actriz desborda energía y talento.

Espert introduce al público por un recorrido de emociones y descubre la personalidad del poeta, recuerda que Lorca era tímido y narra que para cruzar la calle prefería agarrarse del brazo de cualquiera conocido o no. 

Con gran habilidad entrelaza cada poema y lleva a tener diversas emociones desde el amor hasta la tristeza por la muerte. Descubre contenidos de sus versos que ella  ha vivido en sus carnes con las palabras del poeta andaluz. 

¡Qué energía tiene sus interpretaciones! Recuerda algunos versos de esas obras que han recorrido el mundo con ella como primera actriz: Yerma, La casa de Bernarda Alba, Doña Rosita la Soltera, Bodas de sangre y decenas de recitales. 

Es una hora de descubrimiento, la luz es la cómplice de su talento. Cada estrofa lleva la energía y la palabra viva  que envuelve al público. La voz de Espert transmite emociones con las que uno descubre la poesía. que tantas veces olvidamos y nos dejamos llevar por la prosa diaria.

Lo que vive el público no es un recital poético, se convierte en una obra de excelencia donde ella es la artífice de llevarnos por los pasajes diversos con sus tonos de voz, su postura, su forma de decir las palabras claras y potentes.

También nos descubre la mirada que tenía Lorca de su Andalucía, y hace hincapié que si bien lo mataron por unos versos sin duda alguna el poema de Poeta en  Nueva York muestra porque lo querían muerto. 

Es el final de una noche de emociones donde las palabras se vuelven actuales y en la mente recuerda escenas actuales..

Romancero Gitano, sigue enamorando, sólo bastaba escuchar los comentarios a la salida del teatro. Exclamaciones de extraordinaria, emotiva e inigualable se escuchaban. Los celulares servían para alentar a familiares y amigos a no perderse la oportunidad de vivir momentos de poesía en la voz de Núria Espert. 

Lo bueno es que también en México se podrá tener está experiencia en el mes de junio. Tanto Espert como  Pasqual informaron en la conferencia de prensa que visitarán tierra azteca, la cual siempre les da la bienvenida y los recibe con gran cariño.

Y como no recibirlos,  si por muchos años Espert ha enamorado y conquistado espacios tan emblemáticos como el mismo Palacio de Bellas Artes donde se le ovacionó.

Recibe premio y compite por la Biznaga

de Oro Arturo Ripstein en Málaga

María Esther Beltrán Martínez

Málaga, España.- El director mexicano, Arturo Ripstein presentará en Sección Oficial a concurso su reciente trabajo El diablo entre las piernas. Además que recibirá el Premio Retrospectiva . Así lo ha anunciado en boletín de prensa El Festival de Málaga.

Agrega que el Festival premia así la amplia trayectoria de este director mexicano, “uno de los nombres fundamentales del cine español, que presentará en la Sección Oficial a concurso su último trabajo”.

El diablo entre las piernas escrita que se estrenará en el mes de marzo en México, ya ha sido exhibida en varios festival entre los que se encuentra el de Morelia y Toronto.  El elenco participan Paz Alicia Garciadiego y protagonizada por Sylvia Pasquel, Alejandro Suárez, Greta Cervantes, Erando González, Mar Carrera y Daniel Giménez Cacho.

Es una coproducción entre  México y España. Trata varios temas como es la verdad, el sexo en adultos mayores, la relación de una pareja.

El Viejo gasta su aburrimiento en deambular por la casa celando a Beatriz, su mujer. Los pleitos desgastan y el equilibrio se rompe: la mujer, a fuerza de sentirse celada, se siente deseada y sobre todo deseable. Quiere comprobarlo. Por ello una noche sale de casa sin rumbo alguno con un solo propósito: sexo. Su regreso a casa desata la hecatombe. Dinorah, la criada, no puede permitir tal osadía y toma partido.

Arturo Ripstein no será el único mexicano que visite Málaga durante el festival, debido que también se ha dado a conocer que Gael García también recibirá premio. Y presentará su reciente trabajo fuera de concurso.

El Festival disfrutará del trabajo de dos mexicanos que presentan películas polémicas y con un sello muy personal. Veremos cómo son recibidos estos trabajos ante el público malagueño.

El 37 Festival de Teatro de Málaga supera los 30 mil espectadores

Los premiados en MAX 2019 y FETEN se

reunieron en el Festival de Teatro de Málaga

María Esther Beltrán Martínez   

Málaga, España.-  En el marco del 37 Festival de Teatro de Málaga se vistió de gala al presentar obras reconocidas con premios como el MAX y FETEN. La edición 2020 ofreció 72 funciones de 40 montajes. La muestra escénica ha combinado montajes internacionales de Victoria Thierrée- Chaplin, Chapotô y Raoul Fernández con intérpretes  como Carmen Maura, Imanol Arias, Blanca Portillo y compañías como Abadía, el Centro Dramático Nacional, Yllana o la Zaranda.

Sin duda alguna las obras que se presentaron en esta edición fueron de muy buena calidad. Entre las obras que el público ovacionó de pie fue La ternura, premio MAX 2019, dirigida por Alfredo Sanzol, quien se inspiró en las comedias de Shakespeare.

“La ternura es una comedia romántica y de aventuras en la que intento contar  que no nos podemos proteger del daño que produce el amor. Que si queremos amar nos tenemos que arriesgar a sufrir. Como padres tampoco pueden proteger a los hijos del sufrimiento de la vida porque eso pone en peligro la vivencia de una vida plena.La ternura es la manera  en la que el amor se expresa. Sin ternura el amor no se ve. La ternura son las caricias, la escucha, los pequeños gestos, las sonrisas, los besos, la espera, el respeto. La ternura está dedicada a todos los que anden en su búsqueda”, expresa Sanzol.

Una obra entretenida con muy buenas actuaciones como: Paco Déniz, Elena González, Natalia Hernández, Emilio Gavira, Juan Ceacero y Eva Trancón. Es una puesta en escena donde rescata los valores del teatro. Un buen guión, unas excelentes interpretaciones y una dirección excelente. El  público disfruta de la narración, de los diálogos y se involucra con cada uno de los personajes.

La Ternura es una comedia romántica, como expresa su director que  se disfruta y no se olvida durante días. 

Si de calidad se habla en teatro sin duda aparece el nombre de la compañía de la Abadía, que este año monto Nekrassov de Jean- Paul Sartre. Como menciona en el programa de mano es la única comedia escrita por el filósofo francés y también la única obra dramática que desarrolla su trama con temas y acontecimientos  que eran de actualidad durante la Guerra Fría. “A través de la estructura de la farsa satírica, el propósito de Nekrassov es denunciar  la política inmediata y ridiculizar  la manipulación informativa que aleja a la población del conocimiento de su realidad social. De esta forma, la obra presenta el servilismo de la prensa con el gobierno, los intereses económicos de los políticos con la industria armamentística, la caracterización de los disidentes soviéticos al servicio de su propia vanidad, la estafa, como principio de la verdad periodística y el uso  del terror para justificar la guerra y el continuo rearme de Europa. Desafortunadamente, esta comedia ligera e inteligente ha pasado décadas desapercibida. Algunos temas de actualidad durante la Guerra Fría, como la invasión de U.R.S.S A Hungría y la publicación del libro Archipiélago Gulag de Aleksander Solzhenitsyn, jugaron en contra del éxito que está obra merecía por su dimensión filosófica y dramática”.

La Abadía contó con la interpretación de José Luis Alcobendas, Ernesto Arias, Carmen Bécares, Miguel Cubero, Clemente García, Markos Marín e Inma Nieto quiénes por más de dos horas hicieron disfrutar al público de una  cómica de farsa que en la actualidad está muy viva, le suena el término fake news.

Está puesta montada con una estructura como la hiciera George Feydeau donde se abre y se cierran vertiginosamente las puertas. Los actores mueven la escenografía para cambiar de escena e interpretan dos o más personajes durante la obra. 

Si bien es entretenida el tema es tan actual y nos hace ver que la política y desgraciadamente el manejo en algunos medios de comunicación no ha cambiado por el contrario se sigue manipulando y trabajando sólo para los intereses de algunos que no les gusta hablar con la verdad.

Llega a la Colonia Industrial de la Ciudad de México la segunda edición del Salón de Arte y Ciudad, un espacio de cruce entre la arquitectura y las artes visuales

o    En esta su segunda edición reúne el trabajo de artistas que exploran la ciudad desde su arquitectura, y arquitectos que exploran los límites entre el diseño y el arte.

o    El Salón de Arte Y Ciudad es presentado por “El Asunto Urbano”, plataforma dedicada a la promoción e investigación de la memoria urbano-arquitectónica de la Ciudad de México, en colaboración con Proyector, espacio de exhibición e investigación para la arquitectura y el urbanismo.

o    La exposición se inaugura el 8 de febrero a las 14 hrs y permanecerá abierta hasta el 16 de febrero del 2020.

EL ASUNTO URBANO en colaboración con PROYECTOR presentan la II edición del Salón de Arte y Ciudad, un espacio de cruce entre la arquitectura y las artes visuales, que exhibe proyectos y obras cuyo interés primordial radica en temas relacionados con la arquitectura, el urbanismo y el paisaje. Arquitectos y artistas visuales inspirados en el paisaje social, económico y tecnológico de las ciudades contemporáneas.

Arquitectos haciendo arte y artistas reflexionando sobre la arquitectura. El resultado es una interesante amalgama que no sólo demuestra la forma en que ambas disciplinas están indisolublemente ligadas, sino que nos ayuda a entender los procesos de la investigación artística en relación a la investigación arquitectónica y urbana y las formas estéticas a través de las cuales se representa. 

El Salón de Arte y Ciudad es una iniciativa de El Asunto Urbano, una plataforma creada para conocer, analizar, discutir y generar propuestas en torno a la relación del arte, la arquitectura y los espacios urbanos y que reúne a agentes de distintas disciplinas fomentando la interacción y el encuentro entre mentes creativas preocupadas por hacer ciudad.

Desde el 2012 El Asunto Urbano ha desarrollado proyectos editoriales, de exhibición e intervención artística así como laboratorios de exploración urbana, recorridos urbano-arquitectónicos y proyectos educativos, colaborando con instituciones como el Museo Tamayo, el Centro Cultural Universitario Tlatelolco, la UVA, Centro ADM, el Museo de El Eco y el Laboratorio para la Ciudad, entre otros.

Para su segunda edición, El Asunto Urbano convocó a un consejo curatorial integrado por Pamela Desjardins (Curadora, Museo Tamayo), Iñaki Herranz (Curador, Museo del Palacio de Bellas Artes), Helena Lugo (Curadora independiente), Paola Santoscoy (Directora del Museo del Eco), Tania Tovar y Juan Espinosa Cuock (Fundadores de la galería Proyector) e Isaac Torres (Director de El Asunto Urbano). Mediante un proceso de nominación y deliberación se integró la selección de artistas y arquitectos participantes. 

Los artistas y arquitectos que participarán en la exhibición son Daniel Alcalá, Inés Benítez, Miguel Buenrostro, María Campiglia, Derzu Campos, Manuela G. Romo, Sumie García, Arturo Hernández, Erika Loana, Tlahuac Mata, Rozana Montiel, Pavel Mora, Diego Ortega, Edgar Ortega, Diego Rivero Borrell y Edgar Solórzano.

La exhibición será inaugurada el 8 de febrero de 2020 en Proyector, un espacio de investigación y exhibición para la arquitectura y el urbanismo, ubicado en una antigua casa de la Colonia Industrial, que ha sido restaurada y adaptada como espacio cultural, y que s se encuentra en Av: Ing Basiliso Romo Anguiano 175, Colonia Industrial, al norte de la ciudad de México.

Como parte de la inauguración habrá activaciones especiales, performances y presentaciones musicales a lo largo del día, organizados por el artista Gabo López, quien ha creado un programa especial con la participación de otros artistas que involucran sonidos urbanos con artes visuales y mezclas visuales.

Durante las dos semanas de exhibición del salón se desarrollará un programa público

La Semana Santa 2020 en Málaga se renueva con

un cartel contemporáneo, único y sorprendente

María Esther Beltrán Martínez    

Málaga, España.- La ciudad de Málaga no es la misma que hace diez años cuando la vi por primera vez. Se ha renovado y se ha colocado entre las principales referencias de la cultura. Y  la renovación ha llegado a la Semana Santa 2020 con el cartel oficial realizado por el artista José Luis Puche.

El artista malagueño  ha realizado un palimpsesto, un trabajo realizado capa por capa en el que enfoca escenas de su memoria y recuerdos. Hizo un cartel que roba la atención, una obra que traspasa el simple cartel informativo, y muestra el arte que encierra la Semana Santa de Málaga que impacta vivirla, no hace falta ser creyente para disfrutarla siempre quedan recuerdos de los miles de detalles que encierra en sus procesiones.

Puche hace posible no mostrar una obra donde destaque una cofradía, una imagen, muestra un conjunto de elementos, de recuerdos personales que hacen que el anuncio de la Semana Santa 2020 sea un referente.

Para los expertos a primera vista saben descifrar las imágenes de algunas cofradías, para los que no necesitan poner atención y  descubrir elementos que emocionan en las procesiones como son: mantos, faroles, cristo, cátedra, entre otros descubrimientos.

“El cartel es una sucesión de carteles, uno sobre otro, arrancados desde el pasado para llegar hasta nuestro presente, el 2020, pero que al desgarrarse sale una suerte de nazareno en el que se adivina el manto de Dolores Coronada. Toda la obra está realizada en base a mis recuerdos que jamás olvido. Imborrable cuando adolescente me invitaron a ver ese manto en Expiración colgado del techo del salón de tronos, donde para entrar en éxtasis retiraba la cortina y aparecía como la pared plana de una montaña que querrías escalar, de ahí que el manto se muestre liso en vertical con otra cortina roja detrás. A ambos lados aparece el interior (la Iglesia de los Mártires) y exterior (Alcazaba y Catedral), con un farol de Amor Doloroso a la izquierda que nos invita a interpretar que ese nazareno porta un farol y a la derecha la salida de Gracia y Esperanza con una fantasía ideal de Alcazaba. Debajo de ésta, una de las manos del Huerto y más abajo dos imágenes muy significativas: una fotografía de mi abuelo, que me ha acompañado toda mi vida, de los años 50, portando con sus amigos el Santo Traslado, y en la otra el maestro Perfecto Artola dirigiendo a su banda en la Alameda principal, un gesto reivindicativo sobre nuestra música de origen, ya que él creó la banda sonora original de nuestra Semana Santa”, explicó Puche durante la presentación realizada ante autoridades cofrades y políticas. Una presentación especial donde sorprendió con la presentación

de la obra suspendida y envuelta en papel en el escenario, Puche procedió retirando a jirones cuidadosos los papeles que envolvían el trabajo final que presentaba a los presentes y a televidentes que estaban viendo la ceremonia.

El lienzo, de 153 cm de alto por 113 cm de ancho, enmarca una obra que encabeza los actos de la semana mayor en Málaga.

Siempre existe la polémica si gusta o no un cartel que es público, y bien dicen para gusto los colores. Se han desatado comentarios sobre la misma en una ciudad donde se estaba acostumbrados a carteles que no necesitan un ejercicio de búsqueda, no exige pararse ante la obra, algo poco habitual, incluso poco ortodoxo en el cartelismo, que propone la mirada fugaz. cómo expresaría  Miguel Ángel Blanco, reconocido cofrade y autoridad en Semana Santa en Málaga continúo diciendo “aquí no vale una visión rápida. No exige agudeza visual, ensoñación, detenimiento y complicidad; identificarnos con él”.