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Javier Camarena regresa al Metropolitan Opera House para debutar el rol de Idreno en la ópera Semiramide de Rossini.

·         La premier será el próximo 19 de febrero con funciones subsecuentes el 24 y 28 de febrero, y 3, 6, 10, 14 y 17 de marzo de 2018.

·         Semiramide es una reposición de la producción de John Copley de 1990 en el MET.

 El tenor Javier Camarena retorna al MET, después de haber participado en la Gala del 50 Aniversario del recinto el 8 de mayo de 2017.

La premier de la ópera “Semiramide”(1823) del compositor italiano Gioacchino Rossini (1792-1868), tendrá lugar el próximo 19 de febrero en el Metropolitan Opera House de Nueva York, después de casi 25 años de no haberse presentado en esteprestigioso teatro.

Javier Camarena da vida por primera vez a Idreno, príncipe de las Indias que busca el amor de la princesa Azema. El elenco lo conforman: Angela Meade en el rol de Semiramide, la mezzosoprano Elizabeth DeShong como Arsace y los bajos Ildar Abdrazakov como Assur y Ryan Speedo Green como Oroe; la dirección musical corresponde al maestro Maurizio Benini.

Respecto a este nuevo rol en su carrera, Javier Camarena nos comenta:

“Un nuevo rol siempre representa nuevos retos, nuevos desafíos. Después de un año en que he abordado roles más líricos, volver al estilo musical de Rossini ha sido toda una aventura. Esta ópera, la última ópera seria que compuso el cisne de Pesaro, muestra su madurez creativa en todo su esplendor. Las melodías deliciosas, las coloraturas vigorosas y el conocimiento profundo de las voces y sus capacidades, hacen de cada personaje un verdadero despliegue de virtuosismo vocal. Para mi, siempre es una gran alegría volver a este maravilloso teatro y mucho más esta vez, pues será mi primera vez en una producción que se transmite en HD directo a todo el mundo. Así que: ¡Nos vemos pronto en la pantalla grande!”

Semiramide será transmitida por SIRIUS Radio/MET Live Stream el día del estreno, 19 de febrero y el 6 y 10 de marzo. El 10 de marzo será también transmitido por HD en cines en todo el mundo y en nuestro país y en el caso de la Ciudad de México, en el Auditorio Nacional. 

A través de sus redes sociales, el tenor nos ha mantenido al tanto de los avances en la puesta de esta producción de estilo clásico, así como de la dificultad de las arias que interpretará tales como “Ah! dov’è il cimento” (Donde se encuentren los retos) y “La speranza più soave” (La esperanza más dulce).

Adicionalmente, se prevé la presencia de Javier Camarena en la Ciudad en México para el próximo mes de abril, donde ofrecerá dos galas, los días 12 y 15 en el Palacio de Bellas Artes, las cuales serán a beneficio de las víctimas del pasado sismo del 19 de septiembre.

Para estas funciones, el programa será dedicado a Rossini y servirá para conmemorar los 150 años del fallecimiento del compositor de bel canto. Los boletos para estas galas de beneficencia saldrán a la venta aproximadamente en diez días.

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Inauguran macro-intervención de arte urbano más grande del mundo

 

·  Abarca 41 mil metros cuadrados y se suma al programa de impacto social ‘Comex por un México Bien Hecho´

·  Tlajomulco refuerza su objetivo de convertirse en la capital del street art y en un semillero de artistas urbanos

 

En conjunto, PPG Comex, el Gobierno de Tlajomulco, Jalisco y el Instituto de Alternativas para los Jóvenes (INDAJO), inauguraron la Macro-intervención de arte urbano más grande del mundo que abarca 41 mil metros cuadrados y se suma al programa de impacto social ‘Comex por un México Bien Hecho´, con el objetivo de recuperar espacios públicos que generen lazos de respeto y paz entre la comunidad.

El programa de PPG Comex tiene el objetivo de generar un impacto social para mejorar la calidad de vida de los mexicanos, mediante la recuperación de espacios públicos que permiten la sana convivencia, así como la transformación del tejido social por medio del color, el arte y la protección de cada rincón del país.

Al igual que nuestro programa de impacto social, la Macro-intervención en Tlajomulco da identidad a la cultura de sus habitantes, creando vínculos sociales positivos que impactan en mayor seguridad”, mencionó Gilberto Alcaraz, Director del Programa de ‘Comex por un México Bien Hecho’. “Estamos seguros que al ser la intervención de arte urbano más grande del mundo, se convertirá en un referente turístico obligado” añadió.

La macro intervención se encuentra ubicada en los parques, espacios públicos y bardas de las principales avenidas del Fraccionamiento Santa Fe, el cual fue construido de manera amurallada, con bardas que en su momento fueron utilizados para grafitear de manera vandálica, y que actualmente son espacios recuperados con el esfuerzo del Presidente Alberto Uribe Camacho y en esta ocasión, también de PPG Comex.

Para realizar esta macro-intervención se utilizarán más de 10 mil litros de pintura y 3 mil aerosoles, con los que 30 artistas urbanos locales, nacionales e internacionales, plasmarán elementos mexicanos para formar el primer museo de arte comunitario en México que beneficiará a un total de 37,726 personas.

Con iniciativas como ésta, el  municipio de Tlajomulco refuerza su objetivo de convertirse en la capital del street art y en un semillero de artistas urbanos, además de contar con una galería que será referente nacional e internacional.

 

 


 

 

 

 

 


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HENNESSY REAFIRMA SU LUGAR EN EL MUNDO DEL ARTE EN COLABORACIÓN CON LA FERIA DE ARTE, MATERIAL

 

 

Hennessy, el cognac #1 del mundo, estuvo presente como patrocinador oficial en la 5ª edición de la Feria de Arte Material, principal feria de arte independiente de Latinoamérica. La nueva sede, el Frontón México, es un estandarte del Art Deco mexicano desde 1929 y permite la presencia de 78 galerías de 18 países y 33 ciudades.

 

Hennessy, a lo largo de su historia ha estado involucrado en el mundo del arte, a través de sus colaboraciones con distintos artistas que recrean sus diversas botellas como lo han hecho con Hennessy Very Special by JonOne, Hennessy X.O by John Maeda, Hennessy X.O by Marc Newson ó Tom Dixon entre otros.  La participación de Hennessy en ferias de este nivel muestran su gran interés en brindar experiencias únicas, y su gran apoyo para seguir potenciando el arte en México y el mundo entero.

La gran fiesta de inauguración de la feria de arte Material se llevó a cabo el pasado jueves 8 de febrero en Foro Normandie donde Hennessy estuvó presente con sus icónicos cocteles y experiencias únicas que solo el mejor cognac del mundo sabe transmitir. Exitosos artistas que debutan en Material estarán en esta increíble noche, como Aoyama Meguro (Tokio), Callicoon Fine Arts (Nueva York), Gaudel de Stampa (París), Gianni Manhattan (Viena) y Supportico Lopez (Berlín).

A través de la alianza con Hennessy se busca reforzar la presencia de Material, como la principal feria de arte independiente de Latinoamérica en su 5ª edición, y seguir expandiendo los horizontes de la misma para las siguientes ediciones.

 

 

 


 

 

 


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“Yo Soy Santa Anna” Llega al Teatro NH

Por Laura Moheyer Foto Elnora Domínguez

Nuevamente aparecen en escena “Las Meninas” Cecilia, María Bárbara y Alma María, juntas ahora para relatarnos la historia del Dictador Antonio López de Santa Anna.

Santa Anna, uno de los ex Presidentes más odiados en la historia de nuestro país, entre otros, por ceder a los estadounidenses una gran parte del territorio mexicano,  Instaurado como dictador vitalicio, identificado como su  Alteza Serenísima por todo el país, a lo largo de su extensa carrera política fue considerado ambiguo por participar en partidos contrarios, monárquicos, republicanos, unitarios, federales, liberales y conservadores, ocupo 11 veces la Silla Presidencial, fue gobernador de Yucatán y de Veracruz.

En esta ocasión las Ibarguenguer nos cuentan muy a su estilo la vida de este fatídico personaje de nuestra historia.

Las Meninas, personajes que han tenido un gran éxito en el Teatro NH a lo largo del año pasado, deleitándonos con episodios como, “Desde el Cielo, Una Hermosa Mañana”, ahora nos traen a escena “Yo Soy Santa Anna”, continuando con su muy peculiar forma de relatar las historias, tienen al espectador al borde de la carcajada a lo largo de su narración, esta es la primera de seis puestas en escena relacionadas con la historia de México,  que realizarán en el transcurso del 2018, aun no se cuenta con los títulos de las siguientes obras pero se sabe que una será escenificada en el mes de marzo y la siguiente en abril.

No te puedes perder de los relatos chuscos de estas tres Damas de la Sociedad Española, que se reúnen en el Teatro NH para convivir con los plebeyos y dar a conocer su punto de vista relacionado con el General Antonio López de Santa Anna muy a su estilo, los días 4, 8, 11, 15 y 18 de febrero, en Liverpool #155, Zona Rosa, Col. Juárez.

Adquiere tus boletos en el sistema ticketmaster y en la taquilla del teatro.

 


 

 

 

 


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Quevedo presente en el Festival de Teatro

de Málaga bajo la piel de Juan Echanove

María Esther Beltrán Martínez       Fotos: Javier Naval



Málaga, España.-  En el marco del  35 Festival de Teatro de Málaga se presentó la obra Sueños, protagonizada por el primer actor Juan Echanove, quien da vida al escritor español, Francisco de Quevedo, en sus últimos años de existencia.

El público por más de dos horas es testigo del dolor y de los pecados del escritor español, quien es catalogado entre los maestros de la literatura del Siglo Oro (1492-1659). Entre sus obras  destacan la novela picaresca Vida del Buscón, Parnaso español, Sueños y discursos Quevedo y Los poetas entre otras obras.

Através de la actuación del actor Echanove vemos la personalidad del escritor que lucha con sus demonios, sus sueños y sus recuerdos.

Definir la actuación de Echanove la podemos resumir en una palabra: sublime. Da todo por escenificar al escritor, su voz; es potente y poderosa. Su cuerpo se transforma, vemos  un hombre enfermo que camina con dificultad entre las butacas sorprendiendo al público.

El montaje es moderno utiliza multimedia en donde se proyectan imágenes en pantallas gigantes. Echanove está acompañado por un buen elenco entre los que que encuentra: Beatriz Argüello, Ángel Burgos, Críspulo Cabezas, Markos Marín, Antonia Paso, Marta Ribera, Chema Ruiz, Eugenio Villota y Abel Vitón. La  coproducción de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, La Llave Maestra y Traspasos Kultur que revive en escena los análisis de Quevedo sobre el Estado, la monarquía, el poder, la honestidad, la corrupción o el amor.

Juan Echanove en diversas entrevistas ha expresado “que la obra de Quevedo es inmensa y que en cualquier estrofa, cualquier aforismo o cualquier verso suyo podríamos encontrar lecciones que nos desentrañan los enredos de la sociedad actual. ¿Quevedo era un visionario o somos nosotros  quienes hemos retrocedido a las posiciones del Barroco?” se pregunta el actor.

Para Echanove, Sueños transita por tres “autovías”: la primera sería un infierno blanco, alegórico, de hielo, el que que pululan la envidia, el hambre, el poder, el clero y Dios; la segunda, la decadencia barroca, la citada debacle de un Estado en descomposición, y la tercera, la biografía de un autor y personaje que se está muriendo y que arrastra las consecuencias de una vida disoluta, excesiva, llena de cuchilladas y con las marcas de su encierro de cuatro años en una celda de León (“érase un hombre a un dolor pegado”, resumió el actor).

Mientras que el director de la obra Gerardo Vera, expresa que “enfrentarse a Quevedo y, sobre todo, zambullirse en ese caudaloso discurso brillante y doloroso sobre la decadencia de un imperio, es una insensatez de la que solo eres consciente cuando ya estás con el agua al cuello, tratando de sobrevivir a esa embestida directa contra las conciencias que es la obra magna del gran cronista de la realidad española sin adornos, sin coartadas, yendo a lo más profundo de la herida aunque te empapes en su sangre. Como un reflejo poderoso, esa herida es el manantial del que brota la obra de Quevedo.

Y esa llaga abierta a partir de su encierro en la Cárcel de San Marcos, tan física que impregna todos sus escritos. Su obra se transforma en una sangría existencial, un tránsito doloroso de lo pasajero a lo eterno. El testamento de un artista, pero sobre todo de un hombre que padecía en carne propia el desistimiento de unas fuerzas llevadas a su límite en un tiempo en el que ya no se podía soñar, donde lo épico se degradaba en retórica, la valentía en soberbia, la nobleza en herencia sin merecimientos.

La realidad del XVII era tan contundente que “solo se podía vegetar o vivir en carne viva”. Y así vivió Quevedo, contemporáneo de Velázquez, pintor también de la liquidación española. Eso hemos intentado reflejar a partir de su obra más personal, sus Sueños, crónica dolorosa y lúcida de una España presa de la corrupción de las monarquías absolutas de Felipe III y Felipe IV, víctima del ocio y de la ignorancia, donde la filosofía era esclavizada por la teología. En un momento, también, donde todo olía a corrupción en Madrid y en las Españas, y ahí es donde nos asombran y nos deslumbran esos sueños, chismosos y veraces, caricatura, testimonio, dolor y carcajada, escritos por una mano atravesada por el sufrimiento que rezuma su propia herida interior. Quevedo se convierte, sin querer, en el testigo más fiel de cómo un imperio empieza a descomponerse”.

Ver una obra clásica muchas veces es tedioso, pero con Sueños  la reacción es contraria debido a la calidad actoral y de producción.   


 

 

 


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Con broche de oro cierra el 2017 Málaga

dando el festín musical a las familias

María Esther Beltrán Martínez   Fotos J. Carlos Santana



Andalucía, España.- Con una sonrisa y brincando literalmente de alegría salieron los niños del Teatro Cervantes. Disney in concert. Magical music from the movies. Fueron cinco funciones en las que el foro fue completo. Familias enteras disfrutaron de los temas de Disney a través de las  voces de Paco Arrojo, Julia Möller, Judith Tobella y Diego Rodríguez. La dirección de la Orquesta Filarmónica de Málaga estuvo a cargo de Arturo Díez Boscovich.

Sin duda el mejor crítico de un espectáculo son los niños que no se cortan en nada en decir si lo que vieron es bueno o no. Razón por lo que no hay nada más satisfactorio que ver el rostro de los niños disfrutando de la música, además de ver la energía y ánimo al cantar y bailar y sorprenderse con cada tema que escuchan.

La orquesta comulgo con proyecciones en alta definición  y la participación como maestra de ceremonias de la actriz y comediante Anabel Alonso.

El tiempo se detuvo desde el inicio del concierto, los asistentes disfrutaron de un viaje por la filmoteca Disney y viendo escenas de Mary Poppins, Piratas del Caribe, La Sirenita, Frozen, El jorobado de Notre Dame o La Bella y la Bestia, El Rey León, Pocahontas, Aladdin, El libro de la selva y

Por casi dos horas el público disfruto de las ejecuciones de la orquesta quien recibió una fuerte ovación. Lo mismo que los intérpretes que dieron lo mejor en cada tema.

Sin duda alguna fue una función de sorpresas tanto de ser testigos de la petición de matrimonio en una de ellas.

Este concierto triunfó en Málaga de la misma manera que lo hizo en Starlite Festival de Marbella, el Palau de les Arts de Valencia y el Auditorio del Fórum de Barcelona, y triunfó asimismo en algunos de los espacios escénicos más emblemáticos del mundo como el Lincoln Center, el Royal Albert Hall, la Casa de la Ópera de Sydney, el Tokyo Forum o el Hollywood Bowl. Después de más de 100 representaciones en toda América y Europa y de emocionar a más de tres millones de espectadores en todo el mundo. El espectáculo, nacido hace diez años en Los Ángeles, llegó la Navidad de 2016 a España, a los madrileños Teatros del Canal.

El inicio de año no sólo tuvo este concierto familiar maravilloso, sino que se vivió con gran emoción la tradicional cabalgata en la que participaron 14 carrozas en donde la comitiva repartió doce mil kilos de caramelos sin gluten y 400 kilos de caramelos sin azúcar.  Las carrozas estuvieron  acompañadas por más de 20 pasacalles y grupos de músicas variados que transitaron por las calles.

Es así como se inicia un 2018 donde se esperan miles de actividades culturales en diversos sectores como es teatral, musical, cinematográfico y dancístico.

 

 

 

 

 

 


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Dan la tercera llamada en Málaga y se

abren los telones en el centro de la ciudad.

María Esther Beltrán Martínez  Fotos: Festival de Teatro de Málaga.



Andalucía, España.-  El 2018 ha iniciado y la ciudad de Málaga ha dado la tercera llamada para iniciar el 35 Festival de Teatro de Málaga en la que participan 42 obras y ocho estrenos.Nombres como Aitana Sánchez- Gijón, Edu Soto, Pepón Nieto, María Barranco y compañías como La Fura dels Baus, Yllana, Sindrome Clown y el Centro Dramático Nacional son los responsables de mantener la calidad y mantener el éxito con sus salas con aforos completos.

Entre las obras con las que ha dado inicio este festival fue Troyanas  en la que participan las actrices Aitana Sánchez-Gijón, Maggie Civantos, Alba Flores, Gabriela Flores, Miriam Iscla, Pepa López y Nacho Fresnedo.

El público disfruta de la versión de Alberto Conejero del clásico de Eurípides. La dirección corre a cargo de Carme Portaceli dirige un montaje que se estrenó el verano pasado en el Festival Internacional de Teatro de Mérida, y que está coproducido entre dicho certamen clásico extremeño, el Teatro Español, una de las plazas donde recaló posteriormente, y Rovima Producciones.

“Eurípides con los vencidos. Después de la guerra de Troya (o cualquier guerra que podáis imaginar hoy, ayer, mañana), parece que ya está todo acabado, que la ‘gran acción’ ha terminado. Pero entonces, como el comercio cuando acaba el horario comercial, empieza la otra acción, la acción de la que no se habla, la que se hace ‘por derecho’ con los ciudadanos de ‘segunda’, la que no cuentan en las noticias: el reparto de las mujeres como esclavas ‘sexuales’, o esclavas de cualquier otro tipo. Hécuba, Políxena, Casandra, Andrómaca, Briseida, Helena, esos nombres... u otros nombres cualquiera... a ellas se las rifan para hacer más daño a los vencidos, para acabar con un país, con una cultura. Taltibio lo recuerda desde hoy, porque jamás lo ha podido olvidar desde que estuvo allí, porque esa ‘salvajada’ le ha quedado dentro para toda la vida, no lo ha dejado vivir... ni morir. Por eso necesita contárnoslo cada noche, para liberarse de ese recuerdo que lo privó de la humanidad que ha de tener una persona...” explica Portaceli.

El público disfrutó de Smoking room montaje de un drama que muestra el sentir del personal ante diversas situaciones en las que se ven implicados en la  oficina. El trabajo no sólo es lo que tienen que sobrellevar sino su propia existencia ante los compañeros de trabajo.

La dirección corre a cargo de Roger Gual ha cambiado la cámara por el proscenio para dirigir a Secun de la Rosa, Miki Esparbé, Manuel Morón, Pepe Ocio, Manolo Solo y Edu Soto en una adaptación “bastante fiel y respetuosa” de su película de culto Smoking room.  “El texto habla de lo muy difícil que es para la mayoría de los humanos de llevar a cabo un proyecto en común. De cómo los intereses personales siempre se ponen por delante del bien común”, expresa el director.

Una de las reconocidas compañías españolas hizo el deleite de un performance La Fura dels Baus y Divina Mysteria convergen en la cantata profana  De los agricultores (Bauernkantate BWV 212), de J.S. Bach ideada y dirigida por Miki Espuma y David Cid.

Free Bach 212 es un trabajo multidisciplinar en el que el ensemble barroco Divina Mysteria interpreta la obra original completa, que se enriquece con los ‘reprises’ flamencos de la cantaora Mariola Membrives y los paisajes sonoros electrónicos. Mientras tanto, el trabajo videográfico envuelve a músicos, bailaor (Miguel Ángel Serrano) y cantantes líricos (la soprano Eulalia Fantova y el barítono Juan Garcia Gomà) y da sentido y perspectiva a la obra. Mediante canciones y danzas populares, estructuras de corte noble y tentadoras insinuaciones a los placeres mundanos, Bach nos invita a la mesa con esta pieza que termina en una taberna en la que la cerveza es el brebaje unificador. El convite está servido. El público disfruta de La Fura dels Baus excéntrica e innovadora. La capacidad de unir y adaptar carnalidad y misticismo; naturaleza y artificio; grosería y sofisticación; primitivismo y tecnología, en cada uno de sus espectáculos, ha conseguido el éxito y el prestigio internacional de La Fura dels Baus.

El Festival sin duda alguna se afianza en el gusto del público. Las salas se ven con foro completo y las ovaciones son repetidas al finalizar cada presentación.

 

 

 

 

 


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Por primera vez el artista Rubén Guerrero se

presenta en Centro de Arte Contemporáneo Málaga

María Esther Beltrán Martínez   Fotos: J.Carlos Santana



Andalucía, España.- Con once obras, el artista sevillano Rubén  Guerrero se presenta por primera vez en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (CAC), Familias mínimas (Rojo, amarillo y azul) es el título de la exposición en la que Fernando Francés es el curador.

“Hay aspectos que han cambiado muy claramente en mi trabajo y que están más relacionados con el ámbito procesual y metodológico en la creación de la imagen pictórica, el enfrentamiento con la pintura ahora está acompañado de preparativos tridimensionales, como esculturas y maquetas como apoyo al servicio de la pintura. Me inclino cada vez más por encontrar una posición más liminal entre lo reconocible e insólito, una aproximación más radical a la abstracción paradójicamente desde la figuración, me interesa provocar un sentimiento de duda en el espectador”, precisa el artista Rubén Guerrero sobre la intencionalidad de su obra.

Por su parte Fernando Francés explica que “la obra de Guerrero se caracteriza por un organizado trabajo de capas de color superpuestas en pinceladas espesas, con una trama dividida. Interesado por las posibilidades del proceso creativo, cada obra de Guerrero tiene su condición individual y se defiende por sí misma. Estas renuncian a la representación del espacio, no son cuadros “ventana”. Interesado por ese punto donde coinciden la realidad figurativa y la propia realidad de la superficie del cuadro.  Es un artista muy minucioso y puede estar una larga temporada con la misma obra, cambiando pequeñas parcelas hasta que alcance la perfección que necesita para que considere la obra como finalizada. Toda ella está llena de trampas de pintor, de trucos para crear múltiples vías de escape a la interpretación desde planos inusuales y realidades inverosímiles”.

Y agrega que  Guerrero ha  creado desde hace años un archivo de imágenes que nunca deja de aumentar, donde reúne documentos de una realidad fragmentada, que  una vez han llamado la atención del artista y manualmente para luego ir conviviendo y relacionándose con otras, apareciendo  y desapareciendo en el proceso compositivo y transformándose.

Al ver sus obras de gran formato nos enfrentamos con imágenes que intercambian lleno y vacío, componen realidades fragmentadas que trasladan a las dos  dimensiones, construyen una realidad paralela en la que cada plano se compone  de cientos de capas, realidades y materia.

Entre las obras que se exhiben está S/t (la mitad de lo que ves) (2016), un fondo azul ha sido invadido por una aparente maqueta de papel y cartón convenientemente plegada, pegada, recortada y vuelta a ser doblada, en la que el espectador intuye un círculo, una forma que éste inventara, ya que realmente no es posible verla, falta parte de la “realidad”. Por otro lado, en Composición con amarillo P.M (2015), la forma central vuelve a estar plegada creando un triángulo. Sus colores, azul, blanco, amarillo y detalle en rosa, coincide con S/t (pura apariencia neoplasticista P.M.) (2016), es como si en otra realidad, esta obra se hubiera empapado, plegado, colgado y ayudado a crear Composición con amarillo P.M (2015), donde el papel principal lo juegan cajas y volúmenes de colores.

Rubén es un artista considerado como representante de una generación de pintores andaluces, que explora los límites de la pintura y sus nuevas vías de desarrollo. Ha realizado exposiciones en Madrid, Sevilla y Miami.

 

   


 

 


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Las recientes esculturas monumentales de Sean Scully se presentarán  por primera vez en Latinoamérica en la Cuadra en el Estado de México, en la exposición ‘Sean Scully – San Cristóbal’

 

 

Desde el 7 de febrero y hasta el 24 de marzo durante la semana de arte en México, se exhibirá por primera vez en Latinoamérica las recientes esculturas monumentales de Sean Scully, uno de los artistas abstractos más importantes del mundo, en los espacios internos y externos de la Cuadra, el icónico monumento modernista de Luis Barragán en el municipio de Atizapán en el Estado de México, en la que será la primera exposición en San Cristóbal titulada: ‘Sean Scully – San Cristóbal’.

La cuadra fue construida  entre 1966 y 1968, como un complejo ecuestre y residencial, la propiedad todavía está ocupada por la familia Egeorstrom para quien fue construida. Esta será la primera vez que las esculturas de Sean Scully se exhibirán en América Latina y estas incluirán las monumentales cajas de acero COR-TEN de cincuenta pies de largo, "Boxes of Air", así como esculturas apiladas tanto en COR-TEN como en metal pintado. El proyecto fue curado por Oscar Humphiries con el apoyo de la galería inglesa Blain Southern.  

‘Sean Scully - San Cristóbal’ presenta el trabajo de Sean Scully, uno de los artistas abstractos más importantes del mundo, en el icónico monumento modernista de Luis Barragán, Cuadra San Cristóbal. Las geometrías dramáticas y alargadas y los poderosos colores vistos en San Cristóbal representan el vértice del "período alto" de Barragán (desde finales de 1940 hasta mediados de los 70) y forman un telón de fondo apropiado para las esculturas poderosas y emotivas de Sean Scully.

 El artista Mathias Goeritz fue el primero utilizar el término 'Arquitectura emocional' en relación con el trabajo de Barragán. La abstracción de Scully es también profundamente emocional, y la cual fue evolucionando desde los años setenta hasta convertirse en algo más conmovedor y más humano, con lo cual ha asegurado su lugar como un gran artista internacional. Tanto el trabajo de Scully  como el de  Barragán derivan, en parte, de los primeros modernistas: Mondrian y Le Corbusier.

Y así es como Scully desde la perspectiva de un artista y Barragán como arquitecto disolvieron las viejas etiquetas, encontrando una interacción totalmente individual y contemporánea de lo que la arquitectura moderna y la pintura abstracta pueden ser. La 'Abstracción Emocional' de Sean Scully dará vida a la obra maestra de Barragán.


Ver a Scully como un escenario así revelará el arte histórico y los orígenes arquitectónicos de la práctica contemporánea de Scully, creando una yuxtaposición que es a la vez contraria y comprensiva. Esta intervención delicada, realizada con la consulta de la familia Egeorstrom arrojará nueva luz sobre este conocido monumento y agregará una nueva y poderosa perspectiva al trabajo de uno de nuestros artistas contemporáneos.

“La primera vez que visité México, no tenía ni idea de quien era Luis Barragán hasta que vi una hermosa foto de la escalera voladiza de la Casa Barragán y pensé ¡Esto es maravilloso! y desde entonces me quedé pensando en él.” Comentó Sean Scully. “Para mí es interesante que Barragán integre el color en las formas en su creación. Instintivamente pienso en él sintetizando la forma y el color en su imaginación. Mi instinto dice que los edificios nacieron cuando los vio en su cabeza. Lo que me atrajo de México fue la brutalidad de la cultura y la naturaleza excluyente de la misma". Finalizó.

Esta exposición cuenta con el generoso apoyo de Blain Southern.


 

 


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 Guernica y otros desastres presentes en

la Casa Natal de Picasso en Málaga



María Esther Beltrán Martínez  Fotos: J.Carlos Santana

Andalucía, España.-  Grabados de los artistas Jacques Callot, Francisco de Goya, Pablo Ruiz Picasso, Jorge Oteiza, Javier Arce y José Manuel Ballester  se exhiben en la exposición Guernica y otros desastres en la Fundación Picasso Museo Casa Natal de Málaga.

“El discurso expositivo de esta exposición, gira en torno al dolor que la guerra ocasiona en la población civil coincidiendo con el 80 aniversario del bombardeo de Guernica, que sirvió a Picasso para crear una de sus piezas más emblemáticas y del arte del último siglo: El Guernica. Esta obra ha sido y es objeto de multitud de estudios desde diferentes perspectivas y disciplinas. Se pueden ver los trabajos de tres de los grabadores más importantes de la historia. Del francés Jacques Callot (1592  1635) se ofrecen 18 grabados de la serie Miserias y desgracias de la guerra. De Francisco de Goya (1746-1828) pueden verse 80 grabados de la serie denominada Los desastres de la guerra. Picasso (1881-1973) está representado en esta muestra con tres grabados: dos de la serie Sueño y mentira de Franco y el aguafuerte Minotauro ciego guiando a una niña. También se exponen 21 obras entre esculturas, dibujos y grabados de Jorge Oteiza (1908- 2003) cedidas por la Fundación Museo Jorge Oteiza y el Museo de la Universidad de Navarra. El artista madrileño José Manuel Ballester (1960) ofrece en esta muestra de Málaga tres impresiones digitales sobre lienzo en torno a Guernica. Vacíos del Guernica, 2015; Luz en el Guernica, 2017 y Naturaleza muerta II, 2015. Por su parte, del santanderino Javier Arce (1945), la muestra presenta un mural en tinta sobre papel basada en la obra de Picasso y que titula: Guernica XL, serie estrujados. Todos estos artistas y sus obras tienen en común retratar el dolor y el impacto que la guerra produce en la población civil, lejos del concepto de heroicidad y triunfo que otras obras clásicas han retratado a lo largo de la historia” explica José María Luna curador de la exposición.

Luna destaca que esta exposición es el inicio de relaciones de cooperación con la casa natal de Goya además de incrementar las relaciones institucionales con otras entidades culturales.

Sobre las obras que exhiben resalta el trabajo de Jacques Callot que en el siglo XVII retrataba en sus estampas el campo de batalla de la Guerra de los Treinta Años, y como este artista influyó más tarde en Francisco Goya, su conocida serie de grabados  muestra al visitante un escenario desolado, que tiene a la Guerra de la Independencia española como contexto histórico, y como los personajes anónimos retratados en el universo de Goya influyen en la obra de Picasso y muestra de ello es Sueño y mentira de Franco.

Está serie de viñetas el dramatismo se aprecia con la irrupción de personajes similares a algunos de los que aparecen en Guernica. El caballo herido, el combatiente derrotado o la madre que  clama al  cielo son símbolos que representan el horror y el anhelo de paz. El resultado es una obra que incita a tomar conciencia, pero que va mucho más allá de su momento histórico”, explica.

Es una exposición que lleva un diálogo además con artistas como Jorge Oteiza, José Manuel Ballester y Javier Arce.

 


 

 

 

 

 

 

 

 


 




 

 

 


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INAUGURA MODO EXPOSICIÓN DE BEBIDAS MEXICANAS

  • México ocupa el cuarto lugar en producción de cerveza
  • ¿Qué te tomas? Las bebidas mexicanas, estará hasta el 20 de agosto en el Museo del Objeto del Objeto

 

Texto y fotos. Sahian Cruz

 

22/03/17 CDMX Con más de mil 800 objetos, el Museo de Objeto del Objeto (MODO), inauguró la exposición “¿Qué te tomas? Las bebidas mexicanas”. Contará con la larga trayectoria desde las bebidas prehispánicas hasta las actuales, así como las no alcohólicas de México. Dicha exposición estará hasta el 20 de agosto de 2017.

         En conferencia de prensa en el restaurante Maison de Famille, Paulina Newman, directora del MODO, mencionó que la exposición se logró gracias a un grupo de numeroso de personas, así como patrocinadores, entre ellos los Cerveceros de México. Por su parte, la directora general de Cerveceros de México, Maribel Quiroga, manifestó la importancia de mostrar a la industria cervecera en este tipo de eventos. De igual forma, dijo que México ocupa el cuarto lugar de producción a nivel mundial, debajo de China, Estados Unidos y Brasil.

         Por su parte Antonio Soto, el curador de la exposición y licenciado en artes visuales, expresó que “la exposición es un viaje impresionante hacia las bebidas alcohólicas y no alcohólicas”. También señaló la importancia de resaltar otros aspectos de la cultura mexicana y exhortó a los visitantes a comentar si faltaba alguna variedad de bebida en la colección del museo.

         Durante la conferencia se contó con la presencia del escritor mexicano Alberto Ruy Sánchez,   quien hizo énfasis en que  “hablar de bebidas alcohólicas es hablar de cultura porque forma parte de lo que hacemos”, así mismo dijo que los objetos de la vida cotidiana brindaban lecciones, como los que están dentro de la colección.

         Por último, Paulina Newman informó que el museo lleva dos años trabajando con grupos vulnerados. Por tanto se planea hacer un taller dirigido a estudiantes de secundaria para hablar sobre el consumo responsable de bebidas alcohólicas.  


 

 


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México presente para tener una presea

en la Costa del Sol en documentales

María Esther Beltrán Martínez



Málaga,Andalucía.-  En la Costa del Sol se dan cita creadores de la industria del cine latinoamericano como españoles. Actores, directores, fotógrafos, críticos y actrices forman parte de una programación amplia y diversa con el fin de obtener la Biznaga de Oro, premio que se otorga en el festival de cine en Málaga.

En está edición participan producciones  mexicanas entre las que se encuentra la dirigida por Roberto Sneider, quien  presentó, Me estas matando Susana. Una comedia ácida en la que participa el actor mexicano Gael García y la actriz española Verónica Echegui. Basada en la novela Ciudades desiertas del escritor José Agustín.

La recepción de está cinta fue recibida con polémica y fallos. Para empezar se tuvo un  retraso en el pase matinal  para  la prensa y público que se realizó el lunes 20 de marzo en el  Teatro Cervantes;  sede principal de la fiesta del cine en Málaga. La razón no tener la película a tiempo por lo que el fallo técnico se solucionó con la exhibición de la película con marca de agua.

Al terminó se pasó a la rueda de prensa con Sneider  quien fue cuestionado respecto al  personaje de Gael que interpreta a Eligio, un hombre  “machista”, consideraron algunos representantes de medios de comunicación y criticaron algunas escenas..

Los que han sido elogiados son los documentales que se han presentado dos producciones:  El Paso y Al otro lado.

La primera producción aborda la historia de dos periodistas mexicanos exiliados en Estados Unidos narrada por el fundador de la organización Mexicanos en el Exilio, Carlos Spector. La dirección es de Everardo González.

El público se quedó en silencio al término de la proyección para después aplaudir. No creían la situación en la que se encuentran los periodistas que han tenido que salir de México amenazados de muerte junto con su familia. Los testimonios de los periodistas Alejandro Hernández Pacheco y Ricardo Chávez Aldana, muestran la violencia que viven periodistas por denunciar y por sacar a la luz actividades delictivas cometidas por autoridades locales implicadas con el narcotráfico.

La salida del país no es la solución a sus problemas debido que en Estados Unidos no tienen respuesta a su petición de exilio y viven con la angustia de ser deportados junto con su familia.

Otro documental es Al otro lado. La producción México- España  es realizada en el sur de México, la dirección es del español  Pau Ortiz quien retrata la vida de una familia hondureña, cuya condición de ilegalidad hace tener una vida complicada.

Vemos la relación que viven los hermanos Ale y Rocío al tener a su madre encarcelada y sentenciada injustamente. Sus roles de niños cambian para responsabilizarse de la familia y tomar el papel de padre y madre de sus hermanos pequeños. Al principio se lo toman con disposición y buen humor, prometiendo ayudarse el uno al otro para mantener a la familia unida. Pero como inmigrantes ilegales de Honduras, su derecho a vivir, trabajar o estudiar en México está en riesgo. Pronto, el muro que les separa de su madre dará lugar a otras barreras emocionales que impedirán que los hermanos sean capaces de ponerse en el lugar del otro. Sin embargo, justo cuando la relación entre los hermanos es más difícil, aparece una esperanza.

Después de su presentación en la Málaga viajaron  a México para presentarse en el Festival de Ambulante evento fundado por Gael García, Diego Luna y compañía que se realiza en la Ciudad de México del 23 de marzo al 6 de abril. Donde se presentan junto con más de cien títulos, alrededor de  cien invitados y más de 150 sedes.

Cabe señalar que en la sección de largometraje en Málaga se han presentado producciones de  Argentina, Cuba y  Colombia.

 

 

 


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 Efecto vudú 
Edgar Omar Avilés

Una novela sobre mundos fantásticos 

 

¿Te atreverías a modificar el pasado para evitar un error? Madamme Garcell, madre de Ychi, ha convertido accidentalmente a su hijo en un zombi, y está dispuesta a realizar los hechizos que sean necesarios para impedir su tragedia.

Édgar Omar Avilés (Morelia, México, 1980) es autor de los libros No Respiramos: inflamos fantasmasCabalgata en duermevelaLuna cinemaEmbrujadero y La noche es luz de un sol negro. Fue reconocido con el Premio Nacional de Cuento de Bellas Artes San Luis Potosí, el Premio Nacional de Cuento de Fantasía y Ciencia Ficción y el Premio Nacional de Cuento Joven Comala, entre otros.

 

 La guerra de los mundos H. G. Wells

Auténtico hito en la literatura de ciencia ficción

 

A fines del siglo XIX, en pleno auge del positivismo, había una fe ciega en la ciencia y en los científicos. El hombre pensaba que era el único ser viviente en el universo… pero no era así: desde Marte, nuestros vecinos miraban el planeta Tierra con ojos codiciosos. Ellos habían entrado en la etapa del enfriamiento, y ya no tenían animales, ni plantas ni diferencia en las estaciones. Nosotros teníamos todo eso, y lo que no sabíamos era que ellos poseían una inteligencia superior a la nuestra. Después de observarnos a diario, decidieron llevar a la práctica sus planes: comienza la invasión con el lanzamiento de extraños cilindros que parecen estrellas fugaces en el cielo…

H. G. Wells nació en Londres (1866). Fue un escritor, novelista, historiador y filósofo británico. Es famoso por sus novelas de ciencia ficción y es considerado uno de los precursores de este género.

 Casarse con él           Lisa Kleypas

Se despierta en ambos una intensa pasión

 

Una ambición feroz le ha brindado una enorme fortuna y mucho éxito a Rhys Winterborne. De origen humilde, Rhys está habituado a obtener todo lo que quiere, y desde el instante en que conoce a la tímida y aristocrática lady Helen Ravenel se obstina en poseerla. Si para asegurarse de que se casará con él tiene que llevarla a la cama, tanto mejor…

Una belleza protegida. Por su estricta educación, Helen apenas ha tenido contacto con el rutilante y cínico mundo de la sociedad londinense. Sin embargo, la insistente actitud seductora de Rhys acaba por despertar en ambos una intensa pasión.

Lisa Kleypas estudió Ciencias Políticas en el Wellesley College y entregó a la imprenta su primera novela a los veintiún años. Desde entonces ha publicado casi cuarenta novelas románticas, tanto de ambientación contemporánea como histórica.

 Bajo un cielo rojo sangre  Kate Furnivall

Una absorbente historia de amor, venganza y redención

 

Durante los últimos mil años, han caído las cenizas y nada florece. Durante mil años, los skaa han sido esclavizados y han vivido sumidos en un miedo inevitable. Durante mil años, el Lord Legislador ha reinado con un poder absoluto gracias al terror y la divina invencibilidad que le otorga la poderosa magia de la alomancia. Pero vencer y matar al Lord Legislador fue la parte sencilla. El verdadero desafío será sobrevivir a las consecuencias de su caída. Tomar el poder tal vez resultó fácil, pero ¿qué ocurre después, cómo se usa? En este mundo de aventura épica, la estrategia política y religiosa debe lidiar con los siempre misteriosos poderes de la alomancia…

Brandon Sanderson creció en Lincoln, Nebraska. Enseña escritura creativa en la Universidad Brigham Young. En 2006 debutó ante los lectores en castellano con Elantris, la novela que marcó un auténtico hito en el género de la fantasía épica e inició el Cosmere, el fascinante universo que comparten la mayoría de sus obras.

 La ciudad          Luis Zueco

Tú tampoco podrás escapar…

 

Año 1284. Cae la noche en la ciudad medieval más bella del mundo. Poderosas montañas y murallas inexpugnables la protegen de los reinos que la rodean.

Entra y camina por sus estrechas calles, por sus empinadas cuestas y sus asombrosos rincones. Siente el frío. Escucha los rumores acerca de las inexplicables muertes que se están sucediendo. De los secretos que esconden los gremios. De la peligrosa mujer encerrada en las mazmorras. Las puertas se cerrarán pronto. Corre. Una noche más, nadie podrá escapar de la ciudad.

Luis Zueco (Borja, Zaragoza, 1979) es novelista, historiador, investigador y fotógrafo. Director del Castillo de Grisel, fortaleza medieval convertida en hotel con encanto, es, además, ingeniero industrial, licenciado en Historia y máster en Investigación Artística e Histórica.


 

 


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PRESENTACION DEL LIBRO JUAN BOSCH: DISCURSOS POLITICOS 1961-1971

del Dr. Pablo Maríñez Álvarez.

 

El 2 de marzo de 2017, en las instalaciones del Seminario de Cultura Mexicana, se llevó a cabo la presentación del libro JUAN BOSCH: DISCURSOS POLITICOS 1961-1971

De la autoría del Dr. Pablo Maríñez Álvarez, notable catedrático y diplomático dominicano.  La presentación del libro se enmarca dentro de la agenda de la XVI Jornada Cultural Dominicana en México 2017, y como parte de la Cátedra Juan Bosch de la UNAM. El evento fue realizado por la Embajada de la República Dominicana en México en conjunto con el Centro de Investigaciones sobre América Latina y el Caribe de la UNAM y con la colaboración del Seminario de Cultura Mexicana.

En el acto de presentación del libro, participaron como miembros del presídium el Dr. Fernando Pérez Memén, Embajador Extraordinario y Plenipotenciario de la República Dominicana en México, el Mtro., Rubén Ruiz Guerra, Director del Centro de Investigaciones sobre América Latina y el Caribe de la UNAM y el autor de la obra, el Dr. Pablo Maríñez Álvarez, Ex Embajador de la República Dominicana en México. 

El libro del Dr. Maríñez es una recopilación de los discursos del Prof. Juan Bosch, ilustre político y pensador dominicano, pronunciados desde el año 1961 al 1971 y muestra la gran habilidad para la comunicación del político que dedicó su vida al servicio del pueblo y a la promoción de la democracia.

Al acto de presentación del libro asistieron miembros del cuerpo diplomático acreditado en México así como académicos y estudiantes de la UNAM e invitados especiales.


 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 


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Marcel Van Eeden creador de historias en

dibujos. Presenta 1525 en la Costa del Sol

María Esther Beltrán Martínez  




Andalucía, España.- El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (CAC), recibe 250 dibujos, obra del artistas holandés Marcel van Eeden. Entre las que se encuentra la serie titulada 1525, en la que el público se sumerge a una historieta donde el punto central es la ciudad de la Costa del Sol, en donde se celebran  diversas conspiraciones, secretos, recetas ocultas para envenenar a personajes renombrados.

La muestra reúne obras realizadas  con lápiz, acuarelas y pasteles al óleo.Los formatos son medianos, pequeños y hay dos obras de gran formato, que miden cinco  metros y están dedicadas a la ciudad de Málaga.

Marcel van Eeden, es un artista que selecciona imágenes de periódicos, revistas, libros de historia, fotografías y postales, las reinterpreta con sus lápices fusionando su faceta de narrador con la de pintor.

El curador de la exposición es Fernando Francés, quien explica que “los dibujos de Marcel pueden considerarse como una especie de cuaderno existencialista. Y es que su obra no se detiene en una idea superficial, en una mezcla de lápiz con papel, Van Eeden es más, es un narrador de la existencia. Fue el tema de la muerte lo que despertó el interés de Van Eeden por la filosofía nihilista de Schopenhauer y los aforismos de Emil Cioran, donde está, el hecho de no haber nacido y lo que nos precede, tienen el mismo valor. Para Marcel van Eeden su trabajo es una manera de conectar con la no-existencia, y su propia no-existencia (en el pasado y en el futuro). Por muy apasionante que sea nuestra vida, solo dejaremos unas cuantas imágenes descoloridas, y aunque una persona las rescate del pasado, éstas permanecen silenciosas y olvidadas. La idea de que el mundo seguirá igual sin nosotros, fascina al artista”.

Para el periodista y dramaturgo Pablo Bujalance Marcel actúa en sus trabajos como un detective. Sigue las pistas de sus personajes y actúa  siempre de manera harto disciplinada, con la precisión de un cirujano.Sitúa cada pesquisa encontrada en el lugar que considera más oportuno dentro de la narración de los acontecimientos.

La muestra está formada por 7 series más 5 obras individuales que muestran las aventuras de Oswald Sollmann, Celia Coplestone y KathI Leisching. The Zurich Trial. Part 1: Witness for the Prosecution, 2008-2009; The Strange Case of Kathy Leisching, 2010; Cat 11: Funny Jokes, 2012; Gladbeck 1928, 2013; The Room (The Hotel, Part 2), 2013; The Restaurant (The Hotel, Part 3), 2013 y 1525, 2016. Entre los dibujos individuales de la exposición se encuentran vistas de ciudades y detalles florales, con apariencia de papel decorativo de pared.

La serie creada especialmente para el CAC Málaga 1525, 2016, está formada por un total de 22 dibujos a lápiz negro y de colores sobre papel verjurado.

“La historia de esta serie comienza en la Alemania de 1525, concretamente en la “Revuelta de los Campesinos Alemanes”. En este levantamiento, no sólo participaron campesinos, sino más de la mitad de los habitantes de Frankenhausen: burgueses, nobles, trabajadores y artesanos. El viajero Oswald Sollmann, su principal protagonista, tiene un marcado perfil autobiográfico (suele aparecer en las ciudades que Marcel van Eeden ha visitado previamente), es el director de su propio museo y coleccionista principalmente de dibujos, sobre todo de Grünewald. Matthias Grünewald (s. XV - XVI) identificado en la obra de Van Eeden como "Mathis", es un pintor renacentista que tendrá un papel primordial en la serie. La “Revuelta de los Campesinos” acabó (según Van Eeden) gracias al arzobispo de Maguncia Albrecht van Brandenburg. Este mandó construir la Catedral de La Haya además de encargar diversas obras para el interior de la misma a Grünewald. Al tiempo, el arzobispo comprobó que Indagine y Grünewald tramaban envenenarlo con una poción secreta, un veneno, cuya fórmula fue dibujada en la obra Christus am Kreuz del pintor. Tras esto, recortaron el dibujo y escondieron la fórmula del veneno en una reliquia de latón que regalaron con motivo de la construcción de la nueva Catedral de Málaga. Descubierto y temiendo por su propia vida, Grünewald huyó a Fráncfort donde murió, según Van Eeden debido a la pandemia del 31 de agosto de 1525. La historia se retoma a octubre de 1921, cuando Sollmann visita la ciudad de Málaga y sin saber muy bien dónde había obtenido la información secreta, le compró la reliquia poseedora del antiguo veneno a Heredia”, explica el artista.

A está serie se suman obras realizadas en 2017 en el CAC Málaga muestran dos vistas de la ciudad antes del 1925, una de la calle Larios y otra de la Plaza de la Marina con la Catedral de Málaga al fondo.

La exposición cuenta con un catálogo bilingüe.


 

 


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La figura del Padre en la intervención de la

escalera del Centre Pompidou Málaga

María Esther Beltrán Martínez Fotos: J. Carlos Santana


Andalucía, España.-  En el marco del MaF (Málaga de festival), el artista malagueño,  José Luis Puche interviene la escalera del Centre Pompidou Málaga, con la obra, Papá.

Previó al Festival de Málaga. Cine en Español que se realiza cada año. Para este 2017 se suma un número importantes de creativos que conforman el MaF.

En está edición se ha realizado una selección de artistas de todos los géneros creativos. Y para realizar la intervención de la escalera del Pompidou hicieron una selección de diversas propuestas artísticas, siendo  Puche el elegido que busca con su obra redefinir los límites de la teoría del no lugar, de Marc Augé, al tiempo que incorpora al espectador en la obra para que sea éste con su mirada la complete y habité.

El artista indicó que recurrió a la teoría del no lugar para crear una obra de profundo calado estético y poético.

“La teoría promulgada por Augé es una de las más urgentes del actual siglo por lo que ofrece su entramado, una reflexión sobre todos esos lugares de tránsito donde el ser humano no puede ser pero sí estar, donde las relaciones entre personas se fracturan para convertirse en urgencias definidas por las no relaciones”.

El artista malagueño, quien expondrá en este mes en Nueva York comentó que  Papá es una intervención que invierte el significado de esta teoría dotando así a este espacio de tránsito de un nuevo significado gracias a la incorporación de un elemento primordial para la definición de la humanidad: el vínculo con el otro y su ejercicio, la memoria y el peso de la familia en la experiencia de la vida.

“El espectador encontrará una parte fundamental en la vida del artista, su padre, vínculo que ofrece a quien mira para que se incorpore al lenguaje de la obra; crea un cordón umbilical entre padre e hijo que sirve de metáfora de la consideración de las relaciones familiares como memoria sentimental de la existencia social y colectiva”.

La obra pretende activar espacios estancos del pasillo y tiene por objeto un gran retrato donde la mirada es cómplice y protagonista. Si Augé aboga por la poca relación que existe entre agentes y el objeto de estos ‘no espacios’, el francés Michel de Certeau apuesta por la humanización de los mismos a través de la elaboración de una historia que puedan compartir transeúntes, visitantes y turistas.

Si al bajar por la escalera para encontrarse con las creaciones de los diversos artistas internacionales no se ve la intervención al llegar al final uno se encuentra con la obra del Padre. Que roba la atención y descubre uno diversos detalles.

 

 

 


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Jaime Urrutia es como los buenos vinos

ofrece lo mejor de su repertorio en Málaga

 

María Esther Beltrán Martínez  Fotos: Daniel Pérez / Teatro Cervantes


Andalucía, España.-  Jaime Urrutia ofreció un inolvidable concierto para sus fans quienes por  casi dos horas cantaron, ovacionaron y aplaudieron al rockero madrileño, quien se dio cita en el Teatro Cervantes de Málaga.

Un buen concierto ofreció Urrutia acompañado de Los Corsarios. Con un pasodoble se inició el concierto. Al salir al escenario los músicos y Jaime comenzó una andanza por la trayectoria del madrileño que ha dejado temas que son parte enriquecedora de la música española.

Jaime exponente del rock madrileño, quien se distingue por su tono de voz inconfundible y que conserva hasta la fecha cantó  temas como: ¡Qué barbaridad!,¿Dónde estás? Castillos en el aire, Camino a soria, Suite nupcial, La sangre de tu tristeza, y Privado,  entre otros.

El exlíder de Gabinete Caligari acompañado de Los Corsarios integrados por Esteban Hirschfeld, Juan Carlos Sotos, Ambite y Javier Sevilla ejecutaron sus instrumentos y dejaron ver que el tiempo no ha afectado su calidad, por el contrario hicieron vibrar al público con cada tema que fue recibida con ovaciones y el público le entregó su respeto.

Entre los asistentes se encontraban familias que compartieron sus anécdotas con sus hijos, y parejas que bailaron al escuchar el tema  La culpa fue del cha cha cha.

Jaime agradeció la presencia del público que no paró de mostrarle su cariño con ovaciones y aplausos.  Respecto a los músicos organizadores del teatro explican que en los en los teclados, melódica y percusión estuvo Esteban Hirschfeld, fundador de los uruguayos Mockers, teclista de la primera banda de Sergio Makaroff, cabeza visible junto a Manolo García de Los Rápidos, complemento de Nacha Pop en los ochenta y fiel escudero de Urrutia desde que Gabinete Caligari grabaran su tercer disco, Al calor del amor en un bar. De las guitarras se encarga Juan Carlos Sotos, pura historia del rock levantino desde La Rocka, con quienes grabó dos álbumes y llegó a telonear a Simple Minds. En las cuatro cuerdas, otra cara conocida de la música más rotunda de los ochenta capitalinos, Juan Luis Ambite, bajista de Los Pistones y también célebre por llevar a Julieta Serrano a lomos de su Harley en Mujeres al borde de un ataque de nervios. Javier Sevilla a las baquetas completa la formación de Los Corsarios.

“Hablar de Jaime Urrutia es hacerlo de la historia de la música de nuestro país. El madrileño es un músico de especial sensibilidad que sabe captar la idiosincrasia de la vida y que ha dejado huella en el rock en castellano desde su paso por los seminales Ejecutivos Agresivos hasta su consagración en Gabinete Caligari. En los primeros coincidió con Poch, líder de los inclasificables Derribos Arias; Carlos Entrena, que formó los siniestros Décima Víctima, y Paco Trinidad, artífice de la disquera Grabaciones Accidentales. En 1981 forma con el bajista Ferni Presas y el baterista Edi Clavo uno de los tríos más influyentes de la década, unos Gabinete Caligari que comenzaron por las sendas del after-punk estilo The Cure, Bauhaus y Joy Division con temas como Olor a carne quemada, Cómo perdimos Berlín, Golpes o Grado 33 y que pronto encontró un lenguaje propio con el viraje cañí de Que Dios reparta suerte o Sangre española, en el que añadían ritmos de pasodoble a su genética rockera”.

Sin duda alguna Jaime ofreció una noche que sus fans no olvidarán.


 


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El 34 Festival de Teatro de Málaga alcanza

el tercer mejor dato de la serie histórica

 

+Recibe más de 19 mil espectadores con sus 69 funciones ofrecidas en diversos foros

María Esther Beltrán Martínez


Andalucía, España.- Llega el final del 34 Festival de Teatro de Málaga con cifras alentadoras para los amantes de la tercera llamada. Voceros del Festival dieron a conocer que congregaron 19,407 espectadores que disfrutaron de las 69 funciones de los 48 espectáculos programados entre enero y febrero.

La Reina Juana interpretada magistralmente por Concha Velasco, la lección de profesión de Héctor Alterio en El padre, la sátira encabezada por Maribel Verdú en Invencible, La asamblea de las mujeres, una “chirigótica y rumbera” revolución femenina liderada por Lolita y dirigida por Echanove, y el infantil Juan sin Miedo lograron el lleno en el Teatro Cervantes.  

Una característica de este festival es la calidad de obras que presenta, sin duda es factor por lo que las cantidades resulta un triunfo como la misma organización y de los especialistas en seleccionar las mejores obras que corren las ciudades de España.

En artículos anteriores hablamos de La Reina Juana y El Padre, obras que fueron un placer ver y que dejan ganas de seguir viendo teatro. Así como la actuación de Maribel Verdú en Invencible.  Una comedia de Torben Bets que expresa de manera salvaje y divertida las conductas que suelen aparecer cuando las clases sociales se entremezclan e intentan comprenderse una a la otra. Vemos a Maribel quien interpreta a una mujer profesional casada con hombre que está traumado debido a la conducta de su esposa que está obsesionada y sufre un trauma por la muerte de un hijo cuando ellos celebraban y estaban borrachos, Jorge Bosch quien interpreta este papel se ve atraído por su vecina, Pilar Castro, que es una mujer vulgar y atractiva, ella vive con su esposo, Jorge Calvo, hombre que ama el fútbol  no guarda las reglas sociales en comparación de sus nuevos vecinos.

Por más de una hora y media nos sumergimos en sus historias vemos y somos cómplices de lo que piensan unos de otros, vemos cómo se molestan por la conducta de los que no son profesionales y tienen  que convivir por ser sus vecinos. La comedia se convierte en tragedia y el público vive ser testigo de actos que separaran al final a ambas parejas.

Está obra fue ovacionada por el público y tuvo dos funciones con lleno por lo que la sonrisa de los actores al final era radiante y de gran felicidad.

Otra obra que tuvo  muy buena entrada fue Una gata sobre el tejado de zinc caliente de Tennessee Williams con Juan Diego y Maggie Civantos a la cabeza. La dirección estuvo a cargo de Amelia Ochandiano.

Fue una obra que fue un poco floja. Sin duda la actuación de Juan Diego es espectacular como de Ana Marzoa que el nivel subía cuando ellos aparecía , sin embargo la juventud les juega un poco mal a los actores jòvenes que no llenan el papel y hace tediosas algunas actuaciones. Y uno ve el reloj esperando que llegue la hora que finalice.

Una ovación grande merecen los productores de teatro infantil. Sin duda tienen una excelente calificación que saben ver el público más exigente, los niños.

Juan sin Miedo y Viaje a la luna fueron dos de las producciones que vimos. La calidad de producción es muy buena y hacen partícipes no sólo a los niños sino a los padres quienes disfrutan junto con sus hijos unas horas de recreación y cultura.

La primera con actuaciones y uso de producción basada en una buena iluminación, marionetas y canciones cuentan  la historia de Juan que no tenía miedo y de un niño Dany que sufre mucho cuando llega la noche por la oscuridad que impera. Descubre junto con Juan y otros personajes que no debe temer y al contrario disfrutar de la belleza de la noche con sus estrellas y la maravillosa Luna.

Y la segunda estupendo espectáculo de magia donde los padres participan y los niños se quedan maravillados por los trucos y la buena producción además de conocer aspectos de astronomía y pueden ver como desaparecen y aparecen dibujos.

Es importante señalar que este festival integra a los nuevos valores malagueños, si presentan obras con actores de primera línea dan pauta a los jóvenes de presentar sus creaciones. Con el proyecto de Ciclo  Anverso/Reverso se leen obras ante el público y este año del anterior año se vieron puestas en escena.

Esto da la calidad de apoyar a dramaturgos que buscan poder tener una ventana para sus obras.

Igualmente, el 34 Festival ha cuidado a las compañías malagueñas de nuevo cuño: además de las que han estrenado o repuesto sus montajes, otro ejemplo ha sido la programación de Ni un clavo más para tus putos tendones, Premio Málaga Crea 2016” expresan los organizadores satisfechos de contribuir al trabajo escénico de Málaga, bravo por ellos.

 

 

 

 


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Alfombristas Mexicanos: arte nacional de reconocimiento mundial

Alfombristas Mexicanos: arte nacional de reconocimiento mundial

 

El próximo 30 de marzo, la organización Alfombristas Mexicanos instalará una pieza monumental de más de mil 500 metros cuadrados de extensión en la explanada del Monumento a la Revolución, siendo la alfombra floral más grande que se haya hecho hasta el momento en  la CDMX.

El evento forma parte de las actividades previas al Festival Flores y Jardines (FYJA), que se realizará el próximo 28 de abril en el Jardín Botánico de Chapultepec. El Festival FYJA busca proyectar a la Ciudad de México como una metrópoli vanguardista en la generación de espacios verdes que contribuyen a la calidad ambiental, así como a la mejora del paisaje urbano.

Cualquier calle, plaza, patio, explanada o espacio público es un lienzo en blanco para ellos. Su materiales de trabajo son flores, frutos, semillas, arena o grava de colores. Su arte dura poco tiempo pero, por su magnitud y belleza, se queda grabado en nuestra memoria. Son los Alfombristas Mexicanos, dignos representantes del ‘arte efímero’ a nivel mundial, y mensajeros de la identidad, historia, espiritualidad y cultura de nuestro país.

El alfombrismo es una forma de expresión artística presente en varias partes del mundo: en Europa, se encuentra en países como España, Italia, Bélgica y Alemania; en Asia, en Japón y en la región del Tíbet; en América, por ejemplo, existen bellas expresiones de este arte efímero en Guatemala, Argentina y, por supuesto, en México.

Uno de los principales objetivos del alfombrismo es transformar un espacio público en una obra de arte colectiva. A través de un performance, se convoca a una comunidad para que participe en el armado de las alfombras, algunas monumentales y otras de dimensiones más discretas. La experiencia se completa con un diseño de iluminación, sonido, video y escenografías que siguen la misma temática de la alfombra; al final, se obsequian los materiales con los que se confeccionó la pieza, ya sean flores, frutas, semillas o cualquier otro componente que pueda reutilizarse, aludiendo al carácter ambiental de este arte.

Como toda labor artística, el alfombrismo comienza con una etapa de conceptualización y diseño. El tema a elegir generalmente depende de la efeméride o evento que quiera celebrarse. Los Alfombristas Mexicanos han estado presentes en fiestas religiosas o actividades que conmemoran algún hecho trascendental para una región de México o el mundo.

Comenzado con su pueblo de orígen, Huamantla, Tlaxcala, los Alfombristas Mexicanos llevan a cabo la “Noche que nadie duerme”, tradición que consiste en la peregrinación de la Virgen de la Caridad y en la que llenan las calles del pueblo de coloridos tapetes de aserrín  conmemorativos.

A nivel mundial, estos artistas mexicanos han participado en eventos como el V Congreso Internacional de Arte Efímero, celebrado el 10 de junio en El Vaticano; en el Museo de las Religiones del Mundo, en Taiwán, China; en el Berlín ITB 2014; en la feria Züspa Zürich y en diversos festivales alrededor del mundo.

Al igual que sus trabajos pasados, lanzarán una convocatoria del 21 de febrero al 10 de marzo en su sitio oficial www.alfombristasmexicanos.com para buscar colaboradores y personas que se sumen a esta única experiencia que se llevará a cabo el 30 de marzo en el Monumento a la Revolución de la CDMX.

 


 

 

 


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En el IV Centenario nacimiento de Antonio del Castillo se

exhibe obra completa en el Museo de Bellas Artes de Córdoba



María Esther Beltrán Martínez  Fotos: J.Carlos Santana

Córdoba, España.-  Visitar la ciudad de Córdoba es trasladarse a diferentes culturas donde sus edificios nos llevan a detenernos y observarlos. En cada una de las calles del Centro de la ciudad  la atención nos la roba y diferentes edificios nos invitan a descubrir artistas  como Antonio del Castillo.

José María Palencia, director del Museo de Bellas Artes de Córdoba y experto en Castillo nos lleva por un recorrido pictórico. Donde no sólo conocemos la obra del artistas sino el ambiente cordobés que envuelve la obra.

“Antonio del Castillo Saavedra (16616-1668) es considerado uno de los pintores más interesantes del barroco español”, explica Palencia con gran orgullo. Nos explica que en torno al IV Centenario de su nacimiento la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía, ha considerado oportuno realizar una amplia reflexión y revisión de su obra, que quiere ser de amplitud similar a las efectuadas con otros artistas, como Velázquez, Murillo o Alonso Cano.

“Con este objetivo, en estrecha colaboración con otras instituciones, se han organizado tres exposiciones temporales en su tierra natal entre ellas está  Antonio del Castillo en el Museo de Bellas Artes de Córdoba”. Llegamos a una plaza pequeña donde se encuentra el edificio del Museo. Está exposición permite hacer un recorrido, de manera temática, por la producción de artista a través de sus pinturas y dibujos- explica el experto- También está representada la obra de sus predecesores y de sus seguidores, que justifican y ponen de manifiesto su importancia. Para ello, la exposición se ha articulado a través de seis áreas:

Antonio del Castillo: el hombre y el artista, Panorama artístico previo, Antonio del Castillo dibujante, Antonio del Castillo. Grandes encargos, Antonio del Castillo. Otros encargos y La huella de Antonio del Castillo. Estas ponen de relieve su evolución pictórica y la importancia del dibujo en sus composiciones, así como la formación del taller más importante que tuvo Córdoba en su momento, la continuidad de sus modelos en décadas  posteriores o su actividad como poeta.

La exposición cuenta con una muestra de sesenta y cinco obras propias que recogen diversos aspectos de su biografía y su labor creativa entre ellos  veintitrés lienzos de Castillo y su entorno inmediato, veintiocho dibujos de idéntica condición, trece lienzos de maestros y seguidores, y un libro impreso como es: la Varia conmensuración para la escultura y la arquitectura de Juan de Arfe, del que no sólo aprendió, sino que le sirvió como fuente de inspiración y copia. Aquí mismo vemos dibujos de animales.

Para Palencia la exposición del Museo de Bellas Artes, montada en cinco de sus seis salas, supone culminar una larga tarea iniciada desde hace años con los trabajos continuados de conservación, investigación y difusión de la colección de dibujos y pinturas del maestro más importante del barroco cordobés, que se inició en la década de 1980 y ha culminado con la misma.

El número de obras de Castillo que figuran en sus primeros inventarios, desde mediados del siglo XIX, se ha visto notablemente incrementado en las últimas décadas con singulares ejemplos, tanto adquiridos por la Administración Central como por la Junta de Andalucía, que hacen que este museo sea un espacio de referencia internacional en el conocimiento del pintor, siendo la institución que posee el mayor número de sus obras. Entre ellas, varios interesantes dibujos y diversos cuadros paisajísticos de pequeño formato, de los que siempre había carecido, como El sacrificio de Abraham o el Sueño de San José.

Palencia comenta que en Córdoba, franciscanos y dominicos suponen la principal y más importante clientela de Castillo, como demuestra sus encargos para el Tribunal de la Inquisición , el convento de San Pedro el Real, el Convento de San Pablo o la hermandad de la Caridad. A veces rivaliza con otros artistas del momento como Juan de Alfaro o José Ruiz de Sarabia, aún así se convertirá en el artista más demandado de mediados del siglo XVII.

En el trayecto de la exposición vemos las obras en el área de dibujos donde observamos la extraordinaria creatividad compositiva en la que pone de manifiesto sus dotes y su numerosa producción de dibujos.

Sin duda alguna expresa el experto que la manera de pintar, los tipos iconográficos y las composiciones creadas por Antonio del Castillo perdurarán en Córdoba hasta el siglo XIX, siendo muchos los artistas que lo siguieron e imitaron.


 


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El 34 Festival de Teatro de Málaga alcanza

el tercer mejor dato de la serie histórica

+Recibe más de 19 mil espectadores con sus 69 funciones ofrecidas en diversos foros

María Esther Beltrán Martínez

Andalucía, España.- Llega el final del 34 Festival de Teatro de Málaga con cifras alentadoras para los amantes de la tercera llamada. Voceros del Festival dieron a conocer que congregaron 19,407 espectadores que disfrutaron de las 69 funciones de los 48 espectáculos programados entre enero y febrero.

La Reina Juana interpretada magistralmente por Concha Velasco, la lección de profesión de Héctor Alterio en El padre, la sátira encabezada por Maribel Verdú en Invencible, La asamblea de las mujeres, una “chirigótica y rumbera” revolución femenina liderada por Lolita y dirigida por Echanove, y el infantil Juan sin Miedo lograron el lleno en el Teatro Cervantes.  

Una característica de este festival es la calidad de obras que presenta, sin duda es factor por lo que las cantidades resulta un triunfo como la misma organización y de los especialistas en seleccionar las mejores obras que corren las ciudades de España.

En artículos anteriores hablamos de La Reina Juana y El Padre, obras que fueron un placer ver y que dejan ganas de seguir viendo teatro. Así como la actuación de Maribel Verdú en Invencible.  Una comedia de Torben Bets que expresa de manera salvaje y divertida las conductas que suelen aparecer cuando las clases sociales se entremezclan e intentan comprenderse una a la otra. Vemos a Maribel quien interpreta a una mujer profesional casada con hombre que está traumado debido a la conducta de su esposa que está obsesionada y sufre un trauma por la muerte de un hijo cuando ellos celebraban y estaban borrachos, Jorge Bosch quien interpreta este papel se ve atraído por su vecina, Pilar Castro, que es una mujer vulgar y atractiva, ella vive con su esposo, Jorge Calvo, hombre que ama el fútbol  no guarda las reglas sociales en comparación de sus nuevos vecinos.

Por más de una hora y media nos sumergimos en sus historias vemos y somos cómplices de lo que piensan unos de otros, vemos cómo se molestan por la conducta de los que no son profesionales y tienen  que convivir por ser sus vecinos. La comedia se convierte en tragedia y el público vive ser testigo de actos que separaran al final a ambas parejas.

Está obra fue ovacionada por el público y tuvo dos funciones con lleno por lo que la sonrisa de los actores al final era radiante y de gran felicidad.

Otra obra que tuvo  muy buena entrada fue Una gata sobre el tejado de zinc caliente de Tennessee Williams con Juan Diego y Maggie Civantos a la cabeza. La dirección estuvo a cargo de Amelia Ochandiano.

Fue una obra que fue un poco floja. Sin duda la actuación de Juan Diego es espectacular como de Ana Marzoa que el nivel subía cuando ellos aparecía , sin embargo la juventud les juega un poco mal a los actores jòvenes que no llenan el papel y hace tediosas algunas actuaciones. Y uno ve el reloj esperando que llegue la hora que finalice.

Una ovación grande merecen los productores de teatro infantil. Sin duda tienen una excelente calificación que saben ver el público más exigente, los niños.

Juan sin Miedo y Viaje a la luna fueron dos de las producciones que vimos. La calidad de producción es muy buena y hacen partícipes no sólo a los niños sino a los padres quienes disfrutan junto con sus hijos unas horas de recreación y cultura.

La primera con actuaciones y uso de producción basada en una buena iluminación, marionetas y canciones cuentan  la historia de Juan que no tenía miedo y de un niño Dany que sufre mucho cuando llega la noche por la oscuridad que impera. Descubre junto con Juan y otros personajes que no debe temer y al contrario disfrutar de la belleza de la noche con sus estrellas y la maravillosa Luna.

Y la segunda estupendo espectáculo de magia donde los padres participan y los niños se quedan maravillados por los trucos y la buena producción además de conocer aspectos de astronomía y pueden ver como desaparecen y aparecen dibujos.

Es importante señalar que este festival integra a los nuevos valores malagueños, si presentan obras con actores de primera línea dan pauta a los jóvenes de presentar sus creaciones. Con el proyecto de Ciclo  Anverso/Reverso se leen obras ante el público y este año del anterior año se vieron puestas en escena.

Esto da la calidad de apoyar a dramaturgos que buscan poder tener una ventana para sus obras.

Igualmente, el 34 Festival ha cuidado a las compañías malagueñas de nuevo cuño: además de las que han estrenado o repuesto sus montajes, otro ejemplo ha sido la programación de Ni un clavo más para tus putos tendones, Premio Málaga Crea 2016” expresan los organizadores satisfechos de contribuir al trabajo escénico de Málaga, bravo por ellos.

 

 

 


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El Centro de Cultura Digital invita a participar en el ‘Segundo Concurso Internacional de Booktubers’

El Fondo de Cultura Económica extiende convocatoria para

Segundo Concurso Internacional de Booktubers

Fecha límite para participar Hasta el 24 de febrero de 2017.

El certamen se organiza conjuntamente con la SEP, Secretaría de Relaciones Exteriores, Secretaría de Cultura federal, Centro de Cultura Digital y la Agencia Mexicana de Cooperación Internacional para el Desarrollo y está dirigido a niños y jóvenes de entre 9 y 15 años de edad, en dos categorías.

 

Con el lema “Lee, graba, comparte”, el Fondo de Cultura Económica amplia la convocatoria del Segundo Concurso Internacional de Booktubers hasta el 24 de febrero con la intención de que un mayor número de niños y jóvenes, entre los 9 y 15 años de edad, se animen a participar.

El certamen, que organizan de manera conjunta el Fondo, la SEP, la Secretaría de Relaciones Exteriores, la Secretaría de Cultura Federal, el Centro de Cultura Digital y la Agencia Mexicana de Cooperación Internacional para el Desarrollo, quedó abierto desde el pasado 19 de octubre en las categorías A y B: para niños  de 9 a 11 años, y adolescentes de 12 a 15 años,  respectivamente,  quienes  deberán presentar un video en idioma español, sin importar el territorio geográfico en el que residan, recomendando algún título de la emblemática serie A la Orilla del Viento, que el año pasado celebro 25 años.

Los libros que se eligieron para quienes participen en la Categoría A son: Concierto No. 7 para violín y brujas, de Joel Franz Rosell; Travesuritis aguda, de Rafael Barajas El FisgónLa decisión de Ricardo, de Vivian Mansour; y El profesor Zíper y la fabulosa guitarra eléctrica, de Juan Villoro.

Para quienes compitan en la Categoría B estas son las opciones: Un viejo gato gris mirando por la ventana, de Antonio Malpica; Los osos hibernan soñando que son lagartijas, de Juan Carlos Quezadas; En la oscuridad, de Julio Emílio Braz; y Odisea por el espacio inexistente, de M. B. Brozon.

Esta iniciativa se inscriben en un esfuerzo sostenido del Fondo de Cultura Económica por acoplarse a las prácticas digitales de las nuevas y no tan nuevas generaciones en sus formas de leer, acceder al conocimiento, reseñar, recomendar, fomentar la lectura y hasta de escribir. Esta comunidad global llamada Bookbubers, se dirige precisamente a otros adolescentes como ellos, escuchan sus opiniones y las toman en cuenta para lo que van a reseñar.

Los interesados en participar deberán adquirir el libro de su elección y cuando hayan terminado su lectura, contarán sus opiniones grabando un video de 3 minutos máximo en un celular, tableta o computadora. El nombre de su video debe contener el hashtag #LeoyCompartoFCE + el título del libro que hayan elegido. Después, subirán su video a YouTube, previo la creación de una cuenta, seleccionarán la opción Compartir (Share) y copiarán el enlace que aparece. Tendrán que registrarse en la página: www.fondodeculturaeconomica.com y subir el enlace de su video.

Los videos se recibirán ahora hasta el 24 de febrero de 2017 y no se aceptarán trabajos extemporáneos bajo ninguna circunstancia.

El Fondo designará un jurado compuesto por cinco prestigiosos autores y Booktubers que elegirán dos videos ganadores, uno por cada categoría, y otorgarán menciones si así lo consideran.

El fallo del jurado será inapelable y se dará a conocer el 10 de marzo de 2017 por correo electrónico a los ganadores, en la página del FCE y en nuestras redes sociales. Ese mismo día se dará a conocer el lugar de la ceremonia de premiación, la cual se llevará a cabo el 1° de abril de este año.

En caso de dudas, pueden comunicarse a las oficinas del Fondo de Cultura Económica en el teléfono 55 54 49 18 00 o a los correos cperez@fondodeculturaeconomica.com y hdelarosa@fondodeculturaeconomica.com

Los ganadores de esta segunda emisión recibirán un reconocimiento, una tableta, un paquete de libros del FCE y un taller en el Centro de Cultura Digital, el cual también ofrecerá un  programa de capacitación para jóvenes Booktubers y un micro documental sobre el fenómeno Booktuber y su impacto en los niños y jóvenes, a partir de la experiencia de los participantes en esta convocatoria.


 


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RECONOCERÁ INTERCERAMIC® OBRAS DE ARQUITECTOS

DE MÉXICO, ESTADOS UNIDOS, CÁNADA, PANAMÁ Y GUATEMALA

 

·         Esta será la sexta edición del Premio Interceramic de Arquitectura e Interiorismo

·         Interceramic® busca promover la cultura del diseño en México, además de difundir el conocimiento y uso de materiales cerámicos en el campo de la arquitectura e interiorismo

·         Interceramic® es una empresa de Chihuahua fundada en 1979, es la compañía más innovadora y líder en el mercado de pisos y azulejos cerámicos, muebles de baño, y materiales para instalación  

 

 La empresaInterceramic®líder en el fabricación y comercialización de pisos y azulejos cerámicos y materiales para instalación; así como la comercialización de muebles de baño, tinas de hidromasaje, llaves mezcladoras y tarjas de cocina, realiza la sexta edición del “Premio Interceramic de Arquitectura e Interiorismo”, que busca promover la cultura del diseño en el país, y difundir el conocimiento y uso de los materiales cerámicos en el campo de la arquitectura e interiorismo de México, Estados Unidos, Canadá, Panamá y Guatemala.

Pueden participar todas las obras de arquitectos con obras terminadas entre el 2015 y 2017 que hayan hecho uso de por lo menos 100 metro cuadrados de materiales cerámicos producidos o comercializados por Interceramic®. El concurso se divide en 4 categorías:

·         Proyecto Residencial – Casa Habitación

·         Proyecto Comercial – Restaurantes, cines, hoteles, tiendas, etc.

·         Proyecto Institucional – Edificios públicos, corporativos, escuelas, etc.

·         Proyecto de Espacio Urbano – Mobiliario urbano, parques, etc.

Además se entregará el Premio Nacional a la trayectoria en Arquitectura. La fecha límite de entrega de trabajos es el 30 de junio de este año. Para mayor información sobre la convocatoria y sus bases visita: http://interceramic.com/premio-interceramic

“Como empresa líder del sector consideramos muy relevante distinguir y premiar la reinterpretación de aquellas obras que reflejen un diseño distinguido en el uso de los materiales cerámicos, además de resaltar sus características y prestaciones. Y como compañía, esta sexta edición del “PremioInterceramic de Arquitectura e Interiorismo” nos sirve para continuar teniendo un acercamiento directo con nuestros clientes y seguir siendo una empresa cálida con un alto enfoque humano,”

afirmó el Lic. Joaquín Martínez, Gerente de Especificaciones y Megaproyectos Nacionales de Interceramic®.

La iniciativa busca consolidarse como uno de los principales apoyos en la industria, tanto en México como en Norte y Centroamérica.

“Interceramic® en 2011 creó este premio, y a lo largo de tiempo hemos visto cómo ha ido creciendo el interés en participar debido a que concursan arquitectos, interioristas y diseñadores jóvenes y con carrera ascendente hasta renombrados, pero lo más importante es porque la empresa buscó innovar al ofrecer un reconocimiento en el cual cualquier profesional pudiera mostrar la calidad de su trabajo. Y es un gusto poder promover la cultura del diseño” aseguró la Lic. Rosario Almeida, Directora de Imagen y Relaciones Públicas de Interceramic.

El “Premio Interceramic de Arquitectura e Interiorismo” sexta edición tendrá como jurados al Arq. Félix Sánchez, Presidente de la Junta de Honor del Colegio de Arquitectos de la Ciudad de México; Dr. Arq. Bernardo Gómez Pimienta, de BGP Arquitectura y Director de     la Escuela de Arquitectura de la Universidad Anáhuac Norte; Arq. Alexandre LeNoir, CEO de LeNoir & Asociados, Estudio de Arquitectura de Monterrey, N.L.; Arq. Juan Pablo Serrano, Socio Fundador de Serrano Monjaraz Arquitectos de la Ciudad de México; y Sr. David Solis, Editor de la revista Architectural Digest.

“Como premio en cada categoría habrá una estatuillaInterceramic® de reconocimiento, un viaje con valor arquitectónico para la persona que someta el proyecto, carta de participación, y una felicitación al ganador en su ciudad de origen y en redes sociales de Interceramic®. Por ello, invitamos a todos los profesionales a participar y mostrar sus trabajos para seguir fomentando la arquitectura e interiorismo pero también la aplicación de los materiales cerámicos”, aseveró la Lic. Rosario Almeida, Directora de imagen y Comunicación deInterceramic®.

La exposición y fallo del jurado es el 17 de agosto y la entrega de premios el 19 de octubre de 2017 en el marco de Expo Cihac.


 

 


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Se presenta la primera gran retrospectiva en

Europa de Mark Ryden en el CAC Málaga

+Wood Meat Dress ha sido creada expresamente para la exposición en el CAC Málaga.



María Esther Beltrán Martínez

Málaga, España.-  Inicia fuerte el año, el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (CAC), exhibe  la primera gran retrospectiva en Europa del artista Mark Ryden (Oregón, Estados Unidos 1963), que abarca veinte años de creación artística.

Con el título Cámara de las maravillas  el  público se instala en el CAC para observar cincuenta y cinco obras de Ryden. El artista eligió de manera conjunta con Fernando Francés, director y curador de la exposición, el título de la exposición ya que su trabajo comienza en un “gabinete de curiosidades”. Desde su inauguración la sala no ha estado sola en ningún momento. Grupos de estudiantes entran y salen, visitantes nacionales como internacionales, individuales o acompañados de amigos, que disfrutan de la belleza de cada cuadro. Admiran por minutos cada uno. Observan sus detalles y comparten sus impresiones.

Sólo a la entrada da el recibimiento la obra The parlor- Allegory of magic, Quintessence, and divine mystery, 2012, en la que predomina el encanto, la belleza y decenas de elementos que admirar como sucede con el resto de la obra del artista americano.

Entre los personajes que se descubren en sus obras está,  el presidente Lincoln, Jesucristo, Buda, Papa Noel o el diablo. Su trabajo destaca las misteriosas características de lo clásico, enfrentadas a inquietantes personajes infantiles de enormes ojos pensativos y expresivos.

Desde su inauguración han sido miles de visitantes locales, nacionales y extranjeros. Artistas y gente de la farándula como Alaska que se dan cita para disfrutar de esta excelente exposición.

No cabe duda  que las obras son reflejo del artista. Ryden elegantemente vestido y acompañado de su esposa asistió a la conferencia de prensa. En todo momento fue un hombre cortés y accesible para todos. Su alegría la compartía con su esposa con señas y tímidas sonrisas. No hubo impedimentos para que posará donde le indicarán los fotógrafos. Se sorprendió al ver tantas cámaras a su alrededor hablándole en español o en un inglés.

En la rueda de prensa dio las gracias al equipo del CAC y en particular a Fernando Francés, quien es artífice de la exposición.

Francés, quien recientemente ha sido nombrado por la Reina Isabel II Miembro de la Orden del Imperio Británico por los servicios al arte británico prestados en España, expresó. “ Mark Ryden es un ser fantástico, una persona maravillosa. Un padre entregado,un marido enamorado y un hombre afable y generoso. Y al tiempo  tiene una profesión en la que, a través de los pinceles, deja escapar un complejo mundo irreal procedente del subconsciente común a todos  y con el  que todo el mundo pueden reconocerse pero  nadie identificarse. Sin embargo sí es comprensible que el autor se sienta orgulloso de su cualidad de artista de lo que hecho y de lo que es capaz de crear en un país de maravillas donde se intuyen innumerables pistas para penetrar  en el pozo de Alicia, buscando un conejo  sabio que nos guíe  por el laberinto de su obra”.

Explicó que los inicios de Mark  en la escena  artística nada tuvieron que ver con las modas del momento en la cost oeste de Estados Unidos, muy herederas aún de todas las variedades que surgieron  en las dos  décadas  anteriores, el conceptual, el minimal, el body art y todo lo que tuviera que ver  con la acción  y el performance para generar el valor  del objetivo y culto.

“Su interés estaba mucho más cercano al arte comercial y a las nuevas corrientes underground influidas por movimientos musicales como el rock, el death rock, el heavy metal o el punk, la atracción por lo esotérico y la subcultura gótica, la iconografía cotidiana procedente del cómic, la ilustración y los posters, la publicidad en una especie de postmodernidad no oficial, la literatura fantástica, el road movie, la customización de motos y coches, el juguete, las camisetas con simbologías de todo tipo, el uso del sticker, el skate y el graffiti. En la obra de Ryden – continúa Fernando Francés- subyace una actitud personal sensible y romántica, una permisibilidad que hace protagonista al sentimiento frente al pensamiento, convirtiéndose este último en un instrumento y no en la fuente de inspiración. Sin embargo, la influencia del sueño, de la fuente caudalosa de ideas irracionales, es un hecho. Y es esa combinación la que hace fascinante cada obra de Ryden porque el sueño es parte de lo que él es, pero no lo que es”.

Por su parte Ryden mostró su alegría de presentar Cámara de las maravillas en Málaga, ciudad que le encantó y compartió su experiencia al vivir la Semana Santa y ver las procesiones. Explicó que le encantó escuchar  sus vivencias de Antonio Banderas. Y reiteró “ creo en dejar que la imaginación prospere en mi arte. No temo a la nostalgia ni al sentimiento. Valoro el tomarse tiempo para hacer que una pintura sea bonita. Quiero darles vida”.

En esta gran retrospectiva Cámara de las Maravillas, podrán contemplarse obras de todas sus series, algunas pueden resultar contemplativas (The Snow Yak Show); o desconcertantes (Blood); otras extravagantes (The Meat Show); algunas impregnadas de naturaleza (The Tree Show); varias especialmente cargadas de iconografías y simbologías (The Gay 90’s) y otras dedicadas a las conversaciones de sus especiales conejos y abejas (Bunnies & Bees), pero todas impregnadas con un fuerte sentimiento provocativo no intencionado.

Con este tipo de exposiciones se recalca porque el Centro de Arte Contemporáneo CAC es el mejor museo de España, según las valoraciones de los usuarios de Internet y las Redes Sociales

 

 


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Ácida crítica y realidad del papel del periodismo,

es lo que explora  Els Joglars en Málaga



María Esther Beltrán Martínez

Málaga, España.- Siguen dando la tercera llamada en el 34 Festival de Teatro de Málaga y toca el turno para la compañía catalana, Els Joglars, que se caracteriza por el uso del sarcasmo y la sátira para retomar temas de la vida diaria. Y en esta ocasión toca al periodismo.

Ramón Fontseré, director y actor de la compañía quién se dirige a sí mismo y a sus habituales ofrece una nueva sátira que  introduce su bisturí en los medios de comunicación y sus audiencias, un retrato de las entretelas de un periódico en el que se habla de responsabilidad y ética, de sensacionalismo y baja calidad democrática.

Con el montaje Zenit, reflexiona sobre el papel que tiene la prensa, su libertad y propaganda, además que también le toca al público y muestra su incapacidad de crítica debido que lleva siempre las noticias puestas en su celular. Es el aparato que ahora forma parte del cuerpo y que no puede dejarse debido a que es el que mantiene la información en diversas redes sociales y permite opinar sin conocer la realidad..

El personaje central es un hombre que ve cómo se transforma su periódico llamado Zenit.

El público es testigo de las decisiones que se toman al ofrecer titulares a la sociedad. Se busca la rapidez y lo principal es tener una información que venda y que sea competitiva con otros medios.Además sin importar la procedencia de la información. Es una visión del periodismo de la vieja escuela en donde la ética, la investigación y la tarea del reportero era valorada ante un medio que se vende y se apoya en redes sociales y falta de investigación.

Fontseré expresa en el programa de mano que:

“En esta ocasión centramos nuestra mirada en los medios de comunicación. Algo que empezó con una pluma de cuervo o un cincel, con el paso del tiempo se ha convertido en una máquina voraz e inenarrable de éxito y poder. Nació de la necesidad de transmitir información vital para la sociedad, pero poco a poco ha devenido un negocio del entretenimiento, más centrado en desarrollar una ‘fast truth’ para la masa que en su legítimo objetivo primero. Su cota de poder e influencia es proporcional al número de ventas para ello esta máquina no dudará en matizar, manipular, retocar, filtrar o enfangar la realidad. No importan ni la ética ni la moral, el objetivo es sosegar a la masa, tenerla en vilo, atenta, adicta a la última hora. A su vez la masa es presentada como una devoradora pantagruélica de información fresca y renovada constantemente. El peligro recae en que esta maquinaria que se puso en marcha por unos motivos nobles ha sido desvirtuada por la locura consumista y ahora está fuera de control y ni sus mismos creadores la pueden dominar.

Una vez más partimos de nuestro punto de vista satírico, con escenas pautadas musicalmente que destilan mordacidad. Vemos el desarrollo diario de un gran periódico, Zenit. Observamos los entresijos de sus oficinas, el día a día de sus periodistas convertidos en media workers, las amistades y obligaciones de sus propietarios, el enfrentamiento entre el periodismo ético y la voracidad del medio…”

Participan en este montaje Pilar Saénz, Dolors Tuneu, Xevi Vilà y las dos nuevas incorporaciones a Joglars en este montaje, los actores Julian Ortega y Juan Pablo Mazorra.

Una radiografía basada en la experiencia de amigos periodistas que confesaron su experiencia y dejan ver cómo el periodismo se ha transformado. Un periodismo donde se abusa de los servicios sociales a los cuales no se paga y son utilizados en trabajo hasta publicar sus trabajos bajo el nombre de otraas personas.

Un periodismo sensacionalista que vende mientras más sangre haya. Un periodismo donde los que narran la noticia son los protagonistas y hacen circo maroma y teatro para demostrar que hubo una inundación o una gran nevada.

Mientras que la sociedad se ve envuelta de tanta información de una misma nota que se pierde la realidad ante tanta comunicación. Es el juego del teléfono descompuesto.

 

 



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Recibe tremenda ovación El padre

protagonizada por Héctor Alterio

María Esther Beltrán Martínez  Fotos: Miguel Angel de la Riva



Málaga, España.-  El 34 Festival se viste de gala al recibir al primer actor argentino, Héctor Alterio quien protagoniza magistralmente el montaje de  El padre.

Dan la tercera llamada y la atención es robada por completo al ver como entra una mujer desesperada a la sala de una casa y busca por todos lados algo y se encuentra con un hombre mayor en pijama, al que descubrimos que es su padre. A partir de esta escena nos vemos vemos envueltos en la confusión. El Padre  protagonizado por Héctor Alterio, a sus 87 años se planta en el escenario con gran maestría la cual es recompensada de minutos de ovación al terminar la obra.

Alterio  lleva al público a conocer a  Andrés un hombre mayor, que vive sólo en un departamento y su hija Ana se encarga de sus cuidados. Por más de una hora no sabemos qué pasa  realmente en el escenarios. Vemos escenas repetidas y  nos coloca en la perspectiva de una mente confusa o quizá, los confusos somos los que estamos de público.

Desde el inicio nos roba la atención, no sabemos quién miente y si lo que estamos presenciando es una trampa que quieren hacerle Andrés.

En ningún momento decae la función y hay veces que creemos tener el hilo conductor y viene un cambio inesperado, una imagen nueva que nos desconcierta y nos vuelve atrapar.Las situaciones que nos presenta es confusa, ¿quién tiene la razón? La familia, los cuidadores o Andrés. ¿Qué intereses buscan?

Mientras vivimos por medio de Andrés la angustia de no comprender que quiere su hija, su esposo y los cuidadores, quienes insisten en su cuidado conocemos a un anciano en todas sus cualidades.

Es una obra que toca fibra, donde el director José Carlos Plaza, nos presenta un hombre que lo mismo que nos hace reir, transmite ternura,  lleva a situaciones dramáticas hasta el final de la obra donde entendemos realmente lo que pasaba.

El autor es Florian Zeller, novelista y dramaturgo francés, muestra la pérdida de la realidad en la vejez.

Alterio, primer actor se planta en el escenario y demuestra su calidad actoral, ofrece un Andrés de un gran carácter, un hombre tierno y con cierta chispa que nos roba algunas risas. Su hija Ana Labordeta nos muestra una mujer que hace lo imposible por cuidar sin dañar a su padre y que tiene que vivir angustiada por cuidar sus deberes de esposa y mujer trabajadora. Es un ejemplo de lo que hacen millones de mujeres que en un 80 por ciento son las encargadas de cuidar a sus padres. Y llega el momento que tiene que decidir en buscar un lugar propicio para sus cuidados para seguir ella con su vida o romper con todas las ataduras para cuidar a su padre.

En el montaje los acompaña Luis Rallo, Miguel Hermoso, Zaira Montes y María González quienes interpretan al esposo y a los cuidadores.

Es una puesta en escena que cuida mucho los detalles y muestra desde el punto de vista del que padece alzhéimer como se ve su mundo.

Sin duda alguna es una obra apasionante, que llega en algunas veces a ser un drama y en otras una comedia. Como es la misma vida y quién sabe más de esto son aquellas personas que tienen en su casa un familiar que padece esta tremenda enfermedad. Y para los que la vemos desde fuera nos hace comprender la situación por la que pasan quien la vive. No sólo desde el punto de vista del enfermo sino del esfuerzo y lo que tienen que padecer los que lo rodean.

Una situación difícil de comprender, pero que con El Padre nos acercan de manera ejemplar a esta situación.

Y como suele terminar cuando se disfrutan de grandes actuaciones el público se volcó en ovaciones y aplausos que duran minutos de pie. Y que en el caso de Héctor Alterio agradeció emocionado y con sus ojos azules brillando de gran alegría.  


 


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Presentan tarjeta conmemorativa del transporte público sobre el artista alemán Otto Dix

  • Tendrá un tiraje de 5,000 ejemplares y saldrá a la venta a fines de febrero
  • Esta celebración forma parte de la programación alemana del Año Dual entre Alemania y México
  • Es una colaboración entre el Sistema de Transporte Colectivo, con la Embajada de Alemania en México y el Goethe-Institut Mexiko

 

El Sistema de Transporte Colectivo (STC), en conjunto con la Embajada de Alemania en México y el Goethe-Institut Mexiko han sumado esfuerzos para la realización de una tarjeta conmemorativa en honor del artista Otto Dix, como parte de las actividades de la programación germana del Año Dual Alemania-México 2016-2017.

El tiraje de esta tarjeta será de 5,000 ejemplares, que saldrán a la venta a finales del mes de febrero y que podrán utilizarse para hacer uso del servicio de transporte en medios como el Metro y el Metrobús.

La imagen que adorna el plástico es el Autorretrato con caballete, que en 1926 hizo de sí mismo Otto Dix, a quien se le llama “el gran realista alemán” por plasmar la crudeza de la Primera Guerra Mundial, entre otros temas.  Se le considera uno de los más destacados artistas germanos del siglo pasado, por ello su obra se exhibe actualmente en México, como parte de la programación alemana del Año Dual.

Dix fue un representante de la Nueva Objetividad Alemana y un crítico de los dos grandes conflictos bélicos que convulsionaron a Europa, una víctima y un espectador de su tiempo, criticado y admirado.

Creó una vasta obra en la que plasmó los horrores de la guerra, la caída de la República de Weimar y el ascenso del nacionalsocialismo, las diferencias y los males de la sociedad germana del siglo XX, desde la doble moral y la frivolidad de la clase alta hasta la miseria del obrero y el campesino.

Los nazis lo desprestigiaron y censuraron al considerar su arte como "un sabotaje al espíritu militar de las fuerzas armadas". Más de 250 de sus obras fueron vendidas o desaparecidas, aunque la mayoría fueron quemadas. Lejos de exiliarse, Dix tuvo el valor o la osadía de quedarse en su país, destituido como profesor de arte de la Academia de Bellas Artes de Dresde e incluso casi imposibilitado para pintar. Y así se consideraba él mismo: un artista “que tenía la valentía de decir sí”.

Otto Dix nació en 1891 en Gera, Alemania. Además del realismo, incursionó en el expresionismo, el futurismo y el dadaísmo. Otro suceso político, acontecido en su país, que lo afectó personalmente fue la división de su patria en dos bloques, uno socialista y otro capitalista, una de las consecuencias del fin de la Segunda Guerra Mundial. Murió en 1969, lleno de reconocimiento en ambos lados de la Alemania divida.

El original del Autorretrato con caballete (1926), la imagen que circulará entre los usuarios del Sistema de Transporte Colectivo de la Ciudad de México, fue una de las más de 160 obras que el Goethe-Institut Mexiko trajo a México en 2016, en el marco del Año Dual para dar forma a la primera gran muestra individual de Dix en México.  

La exposición “Otto Dix. Violencia y Pasión” se presentó de junio a septiembre en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey y desde octubre pasado se exhibe en el Museo Nacional de Arte de la capital mexicana, donde cerrará sus puertas el domingo 15 de enero de 2017.

La tarjeta conmemorativa de Otto Dix será un artículo coleccionable para los amantes del arte, además de ser un recuerdo de la realización de Año Dual Alemania-México 2016-2017. Su costo será de 15 pesos y podrán adquirirse en las taquillas del STC, hasta agotar la existencia de la producción.

El Año Dual Alemania-México 2016-2017 es un encuentro amistoso, tolerante e interdisciplinario entre dos de las principales economías del mundo. Su finalidad es generar un vínculo más estrecho y a largo plazo entre México y Alemania, reforzando la “Alianza para el fu­turo”, el lema de este encuentro binacional.

En este marco, Alemania ha presentado -desde la inauguración de su programación el 6 de junio de 2016- un total de 766 actividades de seis ejes temáticos (Cultura, Ciencia, Educación, Sustentabilidad, Innovación y Movilidad) en 38 ciudades mexicanas. Estas actividades han alcanzado a 2 millones 903 mil 281 personas.

Entre ellas hay conciertos de música clá­sica, jazz y electrónica; exposiciones, ciclos y muestras de la cinematografía alemana; residencias, viajes e intercambios sobre danza, arte sonoro o periodismo científico; instalaciones y proyectos que abordan la movilidad bajo diversas perspectivas, desde lo político y lo tec­nológico hasta lo artístico; así como encuentros a nivel político, académico y civil sobre sustentabilidad y medio ambiente. 



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La arquitectura francesa presente en la

Costa del Sol en el Pompidou Málaga

María Esther Beltrán Martínez



Málaga, España.- El Centre Pompidou Málaga presenta la exposición De la ciudad al museo. Arquitecturas parisinas 1945- 2015,  en la que se exhiben en varios segmentos: Salida de la guerra y reconstrucción, La expansión, Una nueva visión de la ciudad, Los grandes proyectos, Objetos singulares y Una nueva generación de equipamientos culturales.

Son  los setenta y seis últimos años del dinamismo arquitectónico parisiense. La exposición muestra cuarenta actuaciones edificatorias emblemáticas de París y en su entorno a partir de 1945, obras de arquitectos franceses y extranjero, trazando así la historia de una sociedad en movimiento perpetuo.

La muestra recorre las primeras obras de la inmediata posguerra y de la reconstrucción e industrialización que tuvo lugar entonces, el periodo de expansión económica que siguió y que dio lugar a operaciones de gran escala, como la Torre Montparnasse y la Terminal 1 del aeropuerto de París Charles Gaulle en Roissy; así como edificios culturales entre los que se encuentra el Centro Pompidou, el Instituto mundo árabe o más recientemente la Philharmonie que hace de la ciudad de París un faro cultural internacional.

La curaduría está a cargo de Oliver Cinqualbre y Valentina Moimas quénes señalan que la colección de arquitectura del Centre Pompidou abarca una importante cantidad de edificaciones notables, construidas en París desde la década de 1950 por arquitectos franceses y por los más grandes arquitectos extranjeros.

“Para los primeros, las licitaciones públicas han tenido consecuencias significativas que han ido evolucionando con el tiempo. Inicialmente sirvieron para marcar la consagración de una trayectoria profesional, pero hacia la década de 1990, este tipo de contrata ofrecía incentivos al desarrollo de jóvenes talentos. A raíz de la adjudicación de Renzo Piano y Richard Rogers, en 1971, del concurso del Centro Pompidou, una marcada presencia de creadores extranjeros ha sido una de las tónicas del dinamismo arquitectónico de la ciudad. El conjunto de edificios seleccionados para esta exposición abarca un periodo de setenta años de 1945 al 2015, y por sí solo constituye una historia de la arquitectura, con sus evoluciones, investigaciones y tendencias, de la industrialización al postmodernismo, de la arquitectura neomoderna a la arquitectura orgánica. Esta muestra  pone de relieve, además, una característica de la historia de la capital francesa:la constante intervención del Estado, que a lo largo de medio siglo, ha promovido la construcción de nuevos equipamientos

Por último, su ubicación, estas construcciones trazan una geografía de la ciudad que permite aquilatar tanto la importancia del río Sena como el peso de la intervención dictadas por la política municipal”.

En el segmento de Objetos Singulares. Gracias a los proyectos de las Grandes Obras, París pasó ocupar un lugar preferente en el escenario arquitectónico internacional. La política de concursos públicos ofrecía arquitectos extranjeros la posibilidad de lucir su talento los monumentos de la era Mitterrand levantados al este de la ciudad señalaron el inicio de un proceso de reorganización equilibrada de París que el Ayuntamiento se encargaría de asumir a través de la reconquista de esta zona geográfica, poblada de barrios industriales, almacenes en desuso e infraestructuras ferroviarias vetusta. Grandes zonas de acción concertada fueron definidas para intervenir en la margen izquierda del Sena, desde la estación ferroviaria de Austerlitz hasta el Bulevar Periférico, y la margen derecha desde el Ministerio de Finanzas también como el Periférico. Dependientes o no de estos proyectos, el este de la ciudad acogió arquitectura singulares. Es el caso de American Center (actual sede de la Cinemateca Francesa), de Frank Gehry, un edificio en el que los volúmenes complejos típicos del estilo de este arquitecto cohabitan con las fachadas regulares de piedra propios de la tradición parisina.

La década de 1980 estuvo marcada por las grandes obras del presidente François Mitterrand. Dotó  a la Villette de un gran parque y una ciudad de la música. Para la realización del proyecto del Gran Louvre, ordenó el traslado del Ministerio de Finanzas al barrio de Bercy.  En la Bastilla, impulsó  la construcción de una Ópera, y en el barrio de La Défense, la erección del Gran Arco. Durante su segundo mandato, ánimo a la renovación de la Galería de la Evolución del Jardín Botánico y a la construcción de la nueva Biblioteca Nacional de Francia en el Tolbiac. En los espacios inicialmente previstos para la Exposición Universal de 1989, a orillas del Sena, fueron creados dos parques. En el extremo oeste, el parque Citroën, y al este, el parque de Bercy, conectando a la nueva Biblioteca Nacional por una pasarela. Río abajo, otra pasarela conecta el Museo de Orsay y el Jardín de los de las Tullerías. Por último, frente a la Isla Saint- Louis, los arquitectos del Instituto del Mundo Árabe construyeron un edificio que, con su fachada de metal y vidrio y su celosías con diafragmas motorizados, ofrece una infusión de modernidad y referentes arabizantes.

Los visitantes disfrutaran de una historia de la arquitectura moderna y contemporánea con sus conquistas, búsquedas y tendencias a través de una selección inédita de: dibujos, maquetas, elementos arquitectónicos, fotografías, entrevistas filmadas y archivos.

 

 


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