Reivindican la obra del artista español

Francisco Iturrino en la ciudad de Málaga

María Esther Beltrán Martínez  Fotos: J.Carlos Santana

Andalucía, España.-  El Museo Carmen Thyssen Málaga presenta medio centenar de obras en  la exposición La furia del color. Francisco Iturrino (1864-1924). Artista español  renovador singular de la plástica española de la primera década del siglo XX, introdujo una nueva manera de interpretar la figura femenina  en relación con la Naturaleza, coherente con la corriente internacional.

“Aportó una visión distinta de los temas tradicionales, con una pintura gozosa y vitalista, y lo hizo desde un tratamiento técnico que mostraba recursos novedoso, con una pincelada líquida, alargada y gestual y una cromática intensa y exaltada su obra supuso la fusión de elementos heredados de maestros del postimpresionismo con la aventura regionalista. En la temática escogida, mostró un paralelismo con su tiempo. Cuando Iturrino comenzó a pintar, hacia 1982, confluye en el ámbito internacional un gusto por este asunto. En otros aspectos tuvo una estrecha vecindad con el fauvismo, llegando a ser considerado un precursor del mismo, pero Iturrino, nómada de espiritu viajero incansable realizó su obra en soledad”, explica la curadora de la exposición Lourdes Moreno.

Agrega que nacido en Santander en 1864, pero vasco de adopción, a pesar del gusto artístico de la burguesía local e Bilbao no optó por la temática realista y rural en torno al caserío o de arrantzales y remeros, a la manera Anselmo Guinea o Manuel Lozada; tampoco se vinculó al compromiso social de autores como Adolfo Guiard. Su aportación fue otra, desde una perspectiva más radical e innovadora.

Recibió una formación cosmopolita e internacional. Estudió en Bélgica y trabajó en París y recorrió de forma intensa toda la geografía española, expuso con Picasso y pintó mano a mano con Matisse y fue uno de los artistas españoles de su tiem`po que trabajo con mayor libertad en sus obras. Rindió culto al color y estuvo cercano a miembros del grupo fauvista, pero Iturrino fue un creador que mantuvo una clara independencia estilística y vital. Un autor de compleja clasificación, entonces y ahora.

Sin duda alguna, la exposición revisa  una perspectiva inédita, la pintura de Iturrino. La muestra ahonda en la reivindicación de su arte, destacando el carácter  marcadamente personal de su obra, pero sobre todo las numerosas influencias e intercambios con el poliédrico contexto nacional y europeo de su tiempo, que le sitúa en una renovadora corriente internacional de exaltación del color como elemento expresivo y compositivo.

Junto con los mejores lienzos de Iturrino se muestran obras de otros doce artistas, entre los que se encuentran Matisse, Derain, Maurice de Vlaminck, Zuloaga, Anglada- Camarasa, Regoyos, Nonell, Juan de Echevarría, Vázquez Díaz, Ismael Smith, Fernando de Amárica y Manuel Ortiz de Zárate.

Se  exhibe un retrato que le hizo en 1914 su amigo André Derain, uno de los iniciadores del fauvismo, abre la exposición La furia del color, ilustrando las conexiones que Iturrino estableció en París con los protagonistas de las corrientes renovadoras del arte de su tiempo, y que en esta muestra se presentan como fundamentales para su pintura.

Moreno enfatiza que todas las amistades del pintor entre las que se incluyen los principales protagonistas de las vanguardias de comienzos del siglo XX o literatos como Unamuno y Gómez de la Serna, y sus puntos de encuentro muestran, en definitiva, que Iturrino, pese a su absoluta singularidad den la España de su tiempo, no fue un artista aislado o al margen de las grandes corrientes pictóricas.

En la inauguración de la exposición se contó con familiares del artista entre los que se encuentra su nieto.

Miic: Un proyecto de acupuntura social a través del arte

·     Una iniciativa que busca dar un piquete que revitalice a las comunidades que no tiene acceso a infraestructura cultural en México, para que conecten con el arte.

·     Una plataforma con vocación artística cuya intención es enfatizar los puntos de unión de los humanos, más allá de lo que nos diferencia.

Miic Museo Itinerante Individuo – Colectivoes una iniciativa del artista plástico Guillermo Roelpara abrir el diálogo al arte e impulsar formas de inclusión a la cultura, a través de una plataforma itinerante que invita a la reflexión sobre un tema que nos implica y concierne a todos: lo humano. Repara en nuestros puntos de unión, más allá de en lo que nos diferencia.

El Museo Itinerante Individuo Colectivo nace de la necesidad de permitir la mayor difusión posible de obras artísticas y al mismo tiempo de la revalorización del arte como parte medular de la sociedad. 

“Miic comunica, exhibe, educa, lleva el arte a lugares en los que la población no tiene acceso a infraestructura cultural. Tenemos programadas ya las primeras exhibiciones de arte, talleres didácticos y estamos en la búsqueda de alianzas para que este proyecto pueda exponenciarse”, nos dice Roel.

La acupuntura se puede dar en una comunidad con la introducción de una nueva costumbre un nuevo hábito, que crea condiciones positivas para la transformación. “Miic tiene la intención hacer acupuntura social, queremos que sea el piquete que cree una reacción positiva y en cadena ante el arte en las comunidades”, aclara Guillermo.

“Es cierto que no es la primera vez que se hace un museo itinerante. Sin embargo, creo que a la luz del XXI tenemos que volver a probar fórmulas que abren perspectivas en el campo artístico con respecto a las comunidades. Necesitamos voltear a ver a esa audiencia”, comenta el artista plástico

MiiC abre sus puertas al público con la primera pieza “La Nueva Clonación”, instalación del propio Roel, el 13 de diciembre en el Parque La Mexicana en la Ciudad de México; continuará en 2019 primero en la Universidad Autónoma de México (UNAM) y luego emprender el rumbo por la República Mexicana, comenzando por municipios de Morelos y Puebla.

Guillermo Roel es un artista visual cuya obra incluye pintura e imagen en movimiento. Ha tenido diversas exposiciones, principalmente en países de Europa, donde vivió por muchos años. Entiende al arte como un fenómeno humano, no como la conceptualización de pequeños trozos de géneros que están ahí para dar nombre a las diferentes técnicas de creación que siempre terminan produciendo lo mismo. Para él, no existe una serie de pasos organizados; el proceso creativo y la vida son una misma cosa. Trabaja para mantener despierta la conciencia de la conciencia. De este estado de alerta nacen de manera espontánea lineamientos en todas direcciones y adquieren diversas formas.

La voz de Picasso se escucha en la

exposición del Museo Picasso Málaga

María Esther Beltrán Martínez  Fotos: J.Carlos Santana

Málaga, España.- El Museo Picasso Málaga presenta la exposición  El sur de Picasso. Referencias andaluzas. El público disfruta de un recorrido sintético por la historia del arte español destacando las obras de Pablo Picasso junto a valiosas piezas arqueológicas y pinturas de grandes maestros del arte español.

El recorrido comienza con una muestras del arte íbero, pasando por la antigüedad clásica.La contribución e influencia de Picasso en la historia del arte occidental del siglo xx es indiscutible. Todo comenzó en la marítima ciudad de Málaga, donde nació a finales del siglo xix, iniciando con precocidad una prolongada carrera artística de ocho décadas que asimismo finalizó junto al mar Mediterráneo en la costa azul francesa, con similar exuberancia creativa, indica José Lebrero Stals, curador  general de la exposición.

“Varias son las premisas que esta exposición plantea para defender la idea de que Picasso nunca dejó de interesarse por los orígenes y tradiciones de la pintura, del mismo modo que su condición migrante lo mantuvo emocionalmente afianzado a su país, sin despojarse de la lealtad a su filiación cultural: Málaga, Andalucía y España forman parte de su ser meridional, no solo artístico. Así, la influencia del Mediterráneo, la mirada mágica, el retrato en la historia, lo clásico, la representación de la vida y la muerte en el Barroco, las dolorosas, los arquetipos y los rituales son algunos de los argumentos que permiten una aproximación a temas que forman parte de la iconografía del artista malagueño como son la tauromaquia, el bodegón, la vanitas, la maternidad, los ritos o su filiación pictórica con los maestros barrocos españoles, permitiendo desvelar diversos aspectos su notable identificación y novedosa interpretación del legado artístico español. La llamada del sur también queda reflejada en los textos poéticos de Picasso, una escritura libre y espontánea en la que trabajó durante dos décadas a partir de 1935, con abundantes referencias a ese sur, y que también forman parte de la muestra mediante una cuidada selección que de una manera relevante dan fe de la identidad española de Pablo Picasso”.

Un plus que tiene esta exposición es poder escuchar la voz de Picasso, gracias a las grabaciones de dos entrevistas que un periodista español le realizó para Radio Paris en Vallauris con motivo de su 80 cumpleaños.

Un total de 204 piezas componen la exposición  que muestra pinturas, esculturas dibujos y obra gráfica de Pablo Picasso junto a un grupo relevante de vestigios arqueológicos de las culturas íbera y fenicia y de época greco-romana, así como pinturas, grabados y esculturas polícromas de reconocidos maestros de nuestra historia del arte: Juan Sánchez Cotán, Juan van der Hamen, Francisco de Zurbarán, Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, Alonso Cano, Antonio de Pereda, Bartolomé E. Murillo, Pedro de Camprobín, Juan de Zurbarán, Pedro de Mena, Luis E. Meléndez y Francisco de Goya, María Blanchard, Juan Gris, Moreno Villa, Manuel Ángeles Ortiz e Ismael González de la Serna.

La muestra cierra con música, la de Manuel de Falla y Le tricorne, ballet ambientado en España que el compositor estrenó en Londres en 1919 con la colaboración de Pablo Picasso, quien diseñó la decoración y el vestuario, cuyos bocetos están también presentes en esta exposición.

Está de fiesta el Museo del Prado

al conmemorar su bicentenario

María Esther Beltrán Martínez  Fotos: Cortesía del Museo del Prado.

Madrid, España.-  El Museo del Prado conmemora su bicentenario con decenas de actividades culturales para todos los gustos. El 19 de noviembre de 1819 se abrió el Museo Real con fondos procedentes de las colecciones reales y es hasta hoy en uno de los principales depositarios  de la memoria pictórica occidental y es un punto de referencia en el arte nacional español como internacional.

Aunque el Museo del Prado no se encuentra entre los veinte más visitados del mundo, destaca por ser el segundo más visitado de España, en el 2017 reportó más de 2 millones de visitantes.

Para comenzar la celebración por el bicentenario, se inauguró la exposición  Museo del Prado 1819-2019. Un lugar de memoria. La muestra incluye un total de 168 obras originales, 34 procedentes de distintas instituciones nacionales e internacionales, además se tiene material auxiliar  como: cartelas, mapas, gráficos, reproducciones fotográficas e instalaciones audiovisuales.

El curador de la obra es Javier Portús, Jefe de Conservación de Pintura Española (hasta 1700) del Prado.

“La muestra propone un recorrido cronológico por el devenir del museo, que es un criterio que permite subrayar lo que tiene de institución viva y especialmente permeable a los vaivenes históricos del país. Entre los hechos que se han tomado como puntos de referencia principales a la hora de hilvanar esa historia figuran la conciencia patrimonial española, la forma como se ha ido resolviendo el diálogo de la institución con su público y la sociedad, el reflejo que han tenido en el museo algunos momentos críticos de estos dos siglos de historia nacional, los criterios por los que se ha guiado el enriquecimiento de sus colecciones y la política expositiva, el desarrollo de la historia del arte como disciplina humanística, el impacto que han tenido el museo y sus colecciones sobre el arte y los artistas de los siglos XIX y XX o los contenidos simbólicos que se han ido asociando a la institución.

El recorrido cronológico se articula en ocho etapas a través de las que se muestra cómo la institución ha desarrollado una personalidad propia, que a su vez ha sido reflejo del devenir histórico del país”.

Destaca que entre los temas tratados, por su relevancia artística, el de la importancia que ha tenido el museo como espacio de reflexión e inspiración para sucesivas generaciones de artistas nacionales e internacionales, que se encuentra representado con obras de Renoir, Manet, Chase, Sargent, Arikha o Pollock, entre los artistas foráneos, y de Rosales, Saura y, muy singularmente, Picasso, entre los nacionales.

El recorrido ilustra también, sirviéndose de todo tipo de documentos y obras de arte representativas en cada caso, los avatares institucionales del Prado; la manera como han ido creciendo sus colecciones, y la variedad de fórmulas que se han empleado para ello; los criterios de organización y exposición de la colección; la forma como ha ido asumiendo la promoción de los estudios histórico-artísticos; y las formas a través de las cuales ha ido plasmando su vocación pedagógica, y se ha expresado su relación con la sociedad.

Entre las secciones se encuentra El franquismo, data  1939-1975, décadas centrales del siglo XX  donde el museo estaba consolidado en la cultura occidental. Y su historia estaba marcada debido que muchos escritores e intelectuales utilizaron sus salas y sus obras para reflexionar sobre cuestiones que trasciendían las puramente histórico artísticas. Esa tendencia se agudizó desde mediados de siglo, y ha dado lugar a un corpus de ensayos, poemas, piezas de teatro y otras obras literarias de una notable envergadura y gran variedad.

Explican que paralelamente, fueron muchos los artistas contemporáneos que -como en el siglo XIX- utilizaron las obras del Prado para enfrentarse no solo a su propia tradición profesional, sino también a asuntos generales de las condición humana, y que en sus propias pinturas, esculturas o fotografías reflejaron ese diálogo.

La nómina de creadores atraídos por el museo y sus obras es muy elevada y variada, e incluye a nombres como Pollock, Motherwell, Zoran Music, el Equipo Crónica, Antonio Saura y un largo etcétera. Algunos de ellos se sintieron especialmente atraídos por Las meninas, una obra cuya complejidad narrativa y estructural la hace muy atractiva al pensamiento contemporáneo, muy interesado en la metaficción, tanto literaria como artística. Entre los muchos que se sintieron atraídos por el cuadro figuran artistas como Hamilton, Oteiza, o Arikha, pensadores como Foucault, o dramaturgos como Buero Vallejo. También Picasso, cuya famosa serie de 1957 está basada en el recuerdo personal que tenía de la obra.

Era un recuerdo vinculado a su instalación en la llamada "Sala de Las meninas", por lo que en esta parte de la exposición habrá un espacio dedicado a ese lugar tan singular dentro de la topografía del museo. El notable desarrollo de la fotografía y la filmografía durante la segunda mitad del siglo XX hace que haya quedado una gran cantidad de imágenes y grabaciones que muestran el museo y sus salas habitados por visitantes, la mayoría de ellos son anónimos, pero otros son personajes importantes de la vida artística, intelectual, cultural y social de la época. Por eso, esta será la sección en la que se dará cabida a los visitantes del Prado, a través de fotografías y grabaciones. Entre todos estos apartados, este capítulo de la exposición será el que describa de manera más nítida hasta qué punto el museo había alcanzado ya un lugar importante en nuestro imaginario colectivo”.

La obra de José Luis Puche cruza

fronteras y se presenta en Turquía

María Esther Beltrán Martínez  Fotos: J.Carlos Santana

Andalucía, España.-  El artista español José Luis Puche pone el sello de éxito en su carrera y finalizar el año con una exposición individual en la galería Merkur de Estambul, Turquía.

Los rivales del mar, es el título de la muestra compuesta por siete obras cuatro de ellas en gran formato y el resto en formato mediano.

En una breve charla, Puche determina que sus obras son figurativas y que están nutridas de una investigación que hace y revisa de archivos fotográficos en los que encuentra aspectos anestesiados o dormidos que le gustan a él darle una nueva realidad. Lo que da como resultado un conflicto de imágenes y de un proceso de idealización. “Me recuerda un poco como los clásicos trabajaban y sacaban sus ideas”, expresa el artista.

Es la primera exposición de este malagueño en Turquía. José Luis destaca que ésta es la cuarta  exposición individual de este año, recordaremos que se realizó con gran éxito y acogida a mediados del año  su primera muestra en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (CAC).

Para entrevistarlo, acudimos al estudio de Puche en la ciudad de Málaga, donde observamos obras de gran formato, dibujos en blanco y negro relacionados con el mar. Una gran ola que lleva una gran fuerza y una figura femenina pequeña sale de ella. Realizados con carbón graso y pastel graso.

La energía y  fuerza que contienen elementos en la Naturaleza se ven plasmados en las obras y destaca Puche que también se ve reflejado en en el proceso creativo de sus obras. El resultado es ofrecer obras que cautivan desde el primer instante y que envuelve al espectador con sus detalles.

El trabajo de este malagueño encierra elementos creativos que son parte de sus vivencias, quién también es músico en algunos cuadros deja ver su gusto por la música clásica, en algunos con aspectos más abiertos a todo el público y en otras ocasiones como detalle de la obra.

Asimismo encontramos su cariño por los animales que se hacen presente en algunos cuadros.

Los rivales del mar permanecerá instalada hasta el 1 de diciembre, no es la última de este 2019. José Luis estará presente con su obra en Valencia en un homenaje al Equipo Crónica y se preparará para que el 2020 siga siendo de viajes entre los que se encuentra visitar Estados Unidos.

A PUNTO DE INICIAR LA GRAN FIESTA POR LOS 30 AÑOS DEL FESTIVAL DE MÚSICA DE MORELIA MIGUEL BERNAL JIMÉNEZ

Con el #Mi Festival, el FMM invita a disfrutar de sus conciertos, actividades paralelas, eventos para niños y clases magistrales.

Morelia, Michoacán, a 6 de noviembre de 2018.- Se encuentra todo listo para vivir la fiesta grande de la música y celebrar los 30 Años del Festival de Música de Morelia Miguel Bernal Jiménez (FMM), que del 9 al 24 de noviembre extenderá su oferta a los municipios de Pátzcuaro, Zamora y Tacámbaro, así como a la Ciudad de México.

En rueda de prensa Mariol Arias Sánchez, Directora General del FMM ofreció detalles de la programación que busca rebasar fronteras, compartir y hacer partícipes de #MiFestival a  públicos de otras latitudes.

Mariol Arias Sánchez recordó la programación del 30FMM que arrancará la noche del 9 de noviembre con la presencia de la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato (OSUG), que tendrá la dirección de Roberto Beltrán Zavala y la participación del arpista colombiano Edmar Castañeda como solista invitado.

A partir de ahí se desarrollará una fiesta que incluye a quince países invitados, quince Conciertos, tres Actividades Paralelas, tres Actividades para Niños y tres Clases Magistrales, así como la entrega de la Presea Miguel Bernal Jiménez que en esta ocasión se otorga al Cuarteto Latinoamericano, agrupación destacada entre otras cosas, por su papel decisivo en la formación de músicos dentro de nuestro país, por estar al frente de la Academia Latinoamericana de Cuartetos de Cuerda y por haber sido residente en la Universidad Carnegie Mellon, de Pittsburgh, Estados Unidos.

En la parte de extensiones, el Collectif9, ensamble contemporáneo de cuerdas procedente de Cánada que estará en el Auditorio Jaime Torres Bodet del CREFAL, de Pátzcuaro, el próximo 14 de noviembre a las 19:00 horas.

En Zamora, el Festival se hará presente gracias a la participación de Ricardo Herrera Ensamble, que ofrecerá un concierto de percusiones en el Teatro Obrero el 21 de noviembre a las 18:00 horas.

El 24 de noviembre, el Trío Immerso de Austria, y HEO Trío, agrupación que reúne a Corea y Francia, harán lo propio en la Catedral de San Jerónimo, de Tacámbaro a las 20:00 horas, y en el Auditorio Blas Galindo del Centro Nacional de las Artes (CENART), de la Ciudad de México a las 17:00 horas, respectivamente.

Asimismo, el FMM estableció colaboración con la Secretaría de Cultura de Morelia (Seculmo) para hacer tres conciertos en las tenencias del municipio, los cuales son: un recital didáctico de piano por parte de María Hanneman Vera, quien estará en la Casa de Artes y Oficios de la tenencia de Santa María de Guido, a las 11:00 horas del 11 de noviembre próximo; sigue el concierto con Tambor Hembra, que estará en la plaza principal de la Tenencia Morelos, a las 13:00 horas del 18 de noviembre; una presentación de Roberto Vizcaíno y Son de Primera, en el Colegio de Morelia, a las 18:00 horas del 23 de noviembre.

La directora general del FMM, invitó a participar en el festejo por los 30 años del Festival de Música de Morelia, que surgió del sueño de uno de los más insignes michoacanos, Miguel Bernal Jiménez y que se ha hecho realidad gracias a la vocación musical que posee la ciudad.

El programa detallado del 30 Festival de Música de Morelia puede consultarse a través de www.festivalmorelia.mx. Los boletos para los conciertos se encuentran disponibles en línea a través de www.festivalmorelia.mx  y puntos de venta autorizados del Festival.

La música es celebración y es por ello que a través de #MiFestival el exhorto es a que vivamos juntos esta gran fiesta.

Picasso más vivo que nunca en el mes

de octubre en el centro de Málaga

María Esther Beltrán Martínez  Fotos: Cortesía Ayuntamiento de Málaga

Málaga, España.-  En octubre el centro de Málaga es el punto de atracción para realizar diversas actividades en torno a la vida y obra de Pablo Ruiz Picasso. Se conmemora el 137 aniversario del nacimiento del artista malagueño. Y el que fuera su hogar en la infancia recibe miles de visitantes nacionales y extranjeros para conocer parte de sus muebles, ropas y fotografías que dan fe de la convivencia con diversas personalidades del mundo de la cultura. Así como el gusto por diversas aficiones como la tauromaquia.

El 25 de octubre, fecha en la que nace el artista malagueño así como en los alrededores de la Casa Natal de Picasso se realizan: exposiciones, visitas guiadas, conferencias, talleres e instalaciones para conmemorar la fecha del nacimiento de Picasso.

Las actividades están pensadas para que toda la familia, visitantes y residentes disfruten de la obra del artista malagueño. Las Bibliotecas hacen un ciclo que alcanza su duodécima temporada. Esta iniciativa lleva a las bibliotecas públicas municipales talleres y charlas para conocer de primera mano el inagotable legado picassiano. AL mismo tiempo en la Casa Natal se proyectaron los diez capítulos que componen la segunda temporada de la serie Genius: Picasso protagonizada por el actor malagueño Antonio Banderas y Alex Rich.

Entre las exposiciones se encuentra Picasso:La huella sobre el papel, un conjunto de grabados y dibujos de Picasso, junto a grabados de otros artistas como Chagall, Ernst, Léger, Braque, Miró, Villon entre otros en algunos casos poseen el carácter de inéditos, y que son poco conocidos y otra exposición es Picasso, El pintor de grabados. El Aguatinta.

Palomas de papel e inside out  se pone en la fachada de Casa Natal, la instalación artista de palomas de papel multicolores titulada Manantial y en el centro de la Plaza de la Merced se expondrán un millar de fotos que retratan a creadores, gestores y trabajadores del ámbito cultural malagueño bajo el título Arte y Utopía.

Las celebraciones no sólo serán en octubre sino se extienden a noviembre donde se presentará el libro Picasso (1922), Pablo Picasso y su obra (1924). Otros escritos de Pierre Reverdy a cargo de Alvaro Galán Castro.

Un año más con decenas de actividades que hacen presente la vida y obra de Pablo Ruiz Picasso, artista que encierra historias de vida y cómo se relacionó con diversos personajes que han trascendido en la historia del arte.

Las autoridades malagueñas luchan día a día porque Pablo Ruiz Picasso se conozca entre los ciudadanos y no sólo sea un punto de visita por los miles de visitantes que reciben los museos en la ciudad de Málaga durante el año.

Nadie puede negar que Málaga es la ciudad ofrece aspectos interesantes del artista malagueño.

Belleza, sensualidad, modernidad, estética y erótismo

son esencia de Carmen que presenta Víctor Ullate

María Esther Beltrán Martínez  Fotos: Compañía Víctor Ullate

Málaga, España.- La Compañía de Víctor Ullate se encuentra haciendo gira por las principales ciudades de España, presenta Carmen; obra de Georges Bizet en una versión actualizada y que emociona y admira al público.

Ullate, considerado por el coreógrafo; Maurice Béjart, como uno de los bailarines relevantes de este siglo, con su visión renovadora y amante de la danza ofrece una propuesta cautivadora, sensual, exótica y perfeccionista. En cada coreografía que presenta Ullate confirma porque es uno de los grandes maestros de la danza internacional.

Carmen, es la propuesta respetuosa de la esencia de su historia. Es una ventana abierta  a la modernidad y sin duda está compañía, capta la atención de nuevas generaciones, por su actualidad escénica, vestuario, iluminación y técnica perfeccionista que distingue a esta compañía.

La compañía indica que está coreografía tiene los grandes momentos de la  ópera de Bizet, con fragmentos menos conocidos que han sido sido revisados y  orquestados respetando el material original.

El público escucha música sinfónica, percusiones étnicas o tambores japoneses se mezclan con temas de raíz más popular para recorrer la historia de esta Carmen, contemporánea.La Carmen  del siglo XXI, expresan en su programa de mano  “más de un siglo después de su estreno, está nueva propuesta quiere alejarse de los tópicos y lugares comunes para adentrarse en la esencia de la historia y arrojar nueva luz sobre uno de los personajes más poliédricos de la ficción contemporánea Carmen. Para ello ha sido necesaria una actualización:recrear un espacio atemporal alejado de todo costumbrismo, de manera que no se  interponga entre el espectador y la protagonista ningún tipo de barrera temporal; y una revisión:porque una pieza que tiene más de un siglo de antigüedad, necesita de una mirada nueva y audaz pero absolutamente respetuosa con la esencia de la historia. Con estas premisas ha planeado la escenografía y el vestuario moderno y atemporales”.

Como es conocido Carmen nos muestra la historia de la mujer fatal, coqueta, seductora, es el concepto de la mujer apasionada que encuentra en la sociedad que la rodea un marco estrecho que la encorseta y del que quiere escapar.

“Está versión sitúa a la protagonista en una nueva dimensión de lujo glamour: una modelo de alto nivel que por las noches se convierte en escort. Como Buñuel hizo en Belle de Jour, nuestra Carmen es una mujer con doble vida: por el día es una mujer llena de  glamour, por la noche es una mujer apasionada que se enamora de cualquiera, una mujer ávida de experiencias y aventuras. Un personaje lleno de luces y sombras, atractivo, enigmático y trasgresor. Se ha incluido un elemento fundamental en la trama y totalmente  novedoso que es el personaje de la muerte como hilo conductor, alertando del peligro latente y anunciando un signo ineludible; otro elemento a destacar es la inclusión de los personajes de las amigas de Carmen, una mirada hacia los clásicos donde tradicionalmente la protagonista va acompañada de sus amigas, que la rodean”, explican.

Sin duda alguna Víctor Ullate se mantiene como uno de los grandes maestros de la danza contemporánea y seguro se siente orgullo de su hijo quien lleva los mismos pasos que él en la ejecución y técnica. Su estilo se hace visible: elegante.

La compañía de Víctor lleva marcado el sello de perfección. En todas sus coreografías lucen sus bailarines y qué decir cómo se apropian del escenario.

Un gran equipo forma y el uso de vídeo es un elemento que da un toque especial y sorprende hasta el momento de llevarnos a una elegante fiesta rodeados de modelos.

Si tuviera que definir esta coreografía sería impecable.

EL FESTIVAL DE MÚSICA DE MORELIA MIGUEL BERNAL JIMÉNEZ CELEBRA 30 AÑOS DEL 9 AL 24 DE NOVIEMBRE

#MiFestival invita a la celebración de la música, la ciudad viva y los 30 años del festival de música de concierto más importante de México.

Dieciséis países se unen a la gran fiesta de la música en Morelia.

El Festival de Música de Morelia Miguel Bernal Jiménez (FMM) invita a la celebración por sus primeros 30 años de honrar, reconocer y difundir lo mejor de la música de concierto, con un selecto programa que logra englobar la pluralidad de estilos, propuestas y géneros emanados desde lo local, nacional e internacional 

El anuncio de la programación para el 30 FMM a cargo de su Directora General, Mariol Arias Sánchez, se da desde El Colegio Nacional, institución pública dedicada a la cultura y la academia, que en el marco del 75 aniversario de su fundación se une también a esta gran fiesta de la música.

Con el lema #MiFestival, del 9 al 24 de noviembre la Ciudad de Morelia se engalanará con la presencia de los más sobresalientes intérpretes, agrupaciones y creadores, provenientes de Alemania, Austria, Canadá, Colombia, Corea, Cuba, Estados Unidos, Francia, Israel, México, Reino Unido, República Checa, República de Georgia, Serbia, Suiza y Ucrania.

La selección de artistas invitados estuvo a cargo del Consejo Artístico del FMM, integrado por Javier Álvarez, Ricardo Gallardo y Rodrigo Sigal.  Tras una cuidadosa curaduría se convocó a exponentes de la música como la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato (OSUG), que bajo la dirección de Roberto Beltrán Zavala, será la encargada de inaugurar las actividades, la noche del 9 de noviembre, a las 20:30 horas, en el Teatro Morelos, donde se contará con la presencia del arpista colombiano, Edmar Castañeda como solista.

El programa oficial distribuido en tres fines de semana, abarca la música tradicional, la clásica y la contemporánea, incluyendo la sinfónica y el jazz, contando con la participación de invitados especiales como Janáček String Quartet y el propio Edmar Castañeda en su faceta jazzística con Andrea Tierra como invitada.

Así mismo, se tendrá la oportunidad de escuchar las propuestas del británico Gabriel Prokofiev, con su música fresca e innovadora; el violinista estadounidense William Harvey; el ensamble de cuerdas canadiense Collectif9 con Anthony Culverwell en las tornamesas; el Trio Immersio, proveniente de Viena; y HEO Trio, actual proyecto jazzístico del pianista y compositor coreano Daeuk Heo.

La Orquesta Sinfónica de Michoacán (OSIDEM), siempre presente en esta celebración, hará su aparición el segundo fin de semana, para llevar a cabo el estreno de la obra del insigne músico michoacano Miguel Bernal Jiménez titulada “Noche Mexicana”, previo al acompañamiento orquestal que dará al violinista norteamericano William Harvey.

En su 30 aniversario el FMM celebra también la música tradicional con la presentación de la agrupación Bola Suriana y de Na’iki, en el Tianguis Gastronómico del domingo 11 de noviembre. 

Para el sábado 17, el Grupo P’urhembe del maestro Francisco Bautista, Media Luna y el Ballet Folklórico Corcovi, coincidirán en el marco de la inauguración de los tradicionales Tapetes Florales de Patamban, en una Fiesta Michoacana en la que además se presentará la Orquesta y Coro de la Transformación Miguel Bernal Jiménez, proyecto social del FMM que brinda a los niños y niñas de la Tenencia de Jesús del Monte un acercamiento al arte y nuevas oportunidades en sus vidas.

En su cumpleaños número 30 el FMM estará lleno de sorpresas también a través de sus actividades paralelas, como es el caso de la proyección del documental Rita, que celebra la vida de la fallecida cantante y vocalista de Santa Sabina, agrupación leyenda del rock que ahora bajo el nombre Los Sabinos formarán parte también del Festival, con la musicalización en vivo del clásico del cine Nosferatu.

Entre los artistas que engalanarán con su música el Festival, se cuenta también con Edgardo Espinosa, Jérémie Cloutier y Andrea Stewart, quienes al lado de Prokofiev, presentarán Cello Multitracks. Exponentes de la música tradicional de su país, el ensamble coreano Noreum Machi ofrecerá un concierto de música del mundo fusionando la música tradicional coreana a otros ritmos. A manera de clausura se tendrá una segunda presentación de la OSUG, orquesta residente del FMM que en esta ocasión estará acompañada por el violinista suizo David Nebel.

Clases magistrales, conciertos de extensión en otras ciudades del estado y una programación dedicada al público infantil completan el programa. Los más jóvenes de la casa podrán deleitarse con la presencia de la niña prodigio del piano María Hanneman Vera y Marionetas de la Esquina.

Todo esto y más sorpresas completan la gran celebración de la música, en una ciudad viva que vive en el corazón de su gente y que promete una experiencia inigualable que nos une y nos conmueve a todos por igual.

El programa detallado del 30 Festival de Músi ca de Morelia Miguel Bernal Jiménez puede consultarse a través de www.festivalmorelia.mx y en sus redes sociales.

La música es celebración y es por ello que a través de #MiFestival el exhorto es a que vivamos juntos esta gran fiesta musical.

La mentira tema principal en la Cronología de las

bestias de gira por diversas ciudades de España

María Esther Beltrán Martínez   Fotos: Cortesía Teatro Cervantes

Andalucía, España.-   La actriz Carmen Machi roba escena en Cronología de las bestias,  comedia negra donde el tema principal es la mentira. Lautaro Perotti es el responsable de la dirección y es el escritor. Una obra que entretiene y no deja distracción alguna. Se presenta en diversas ciudades de España obteniendo la ovación del público por varios minutos.

“Cronología de las bestias nace de la necesidad de indagar hasta dónde es capaz el ser humano de mentir, de mentirse. Y de la sospecha de que una mentira fundacional, requiere de un gran tejido de otros (pequeños o grandes) engaños y auto convencimientos indispensables para sostenerla. Y de que rápidamente se puede ir la vida en ello. En definitiva me inquietaba averiguar hasta dónde puede llegar el ser humano en su compromiso con la mentira. Así nace la necesidad de esta comedia negra de suspense”, explica el director en el programa de mano.

Por más de una hora Perotti mantiene una línea importante de suspenso y en unos minutos nos explica lo que realmente sucede en una magnifica dirección de escena. El escenario es  el interior de una casa de campo donde se teje un  alcance de la mentira en el núcleo familiar, en la “construcción del entretejido de engaños y falsedades y el indispensable compromiso para sostenerlo”.

El elenco está encabezado por: Carmen Machi, Pilar Castro, Santi Marín, Patrick Criado y Álvaro Lavín para esta “cronología del dolor” que se despliega en una casa en el campo, en el marco de una familia que esconde un drama durante años de silencio, oscuridad y embustes.

La historia nos lleva a una familia destrozada debido la desaparición de su hijo hace más de diez años, que debe enfrentarse a sus propias oscuridades ante su repentino regreso. Un reencuentro inesperado que los obliga a defenderse, hasta las últimas consecuencias. Van a descubrir que la mentira requiere de mucho compromiso.

Una familia incapacitada de soportar el dolor que les causa lo que les pasó, lo que hicieron y lo que no pudieron hacer, decide evadir la realidad mintiéndose y engañándose. Con palabras, acciones, recuerdos. Va a descubrir hasta dónde llega su compromiso para evadir la dolorosa verdad.

Es una manera de ver el dolor que puede tener una madre de perder asu hijo y la impotencia ante la mentira que deja al público boquiabierto al descubrir la verdad.

“Una crónica que, de alguna manera, incomode al espectador sacándolo de ideas preconcebidas y suposiciones sobre los acontecimientos narrados, aprovechando idas y vueltas en su cronología y mostrándole distintas miradas sobre los mismos, convenciéndolo sobre la verdad de relaciones de madres e hijos que a medida que avanza la historia son imposibles de seguir sosteniendo, pero que cuenta con personajes capaces de seguir adelante obstinadamente, que mienten y se mienten y así construyen un mundo, su mundo, hasta el punto de no saber ellos mismos, cuál es la verdad .

El público ve a seres con códigos para sobrevivir a lo inimaginable y que prefieren (o les conviene) no conocer, y mucho menos mirar así atrás, y que se aprovechan de este entretejido para provecho personal. En fin, ahondar en historias y personas que construyeron su identidad a partir del engaño y dependen desesperadamente de él, para sostener su existencia”, indica Perotti.

Una obra que deja pensando al público y deja muchas interrogantes sobre el poder de la mentira y hasta donde puede ser usada.

Despliegue del diseño italiano en la Ciudad de México

La Embajada de Italia en México presentó hoy una tríada de exhibiciones las cuales, bajo su coordinación, viajarán desde el país europeo hacia la Ciudad de México para hacer un despliegue de las diversas aplicaciones que a lo largo de la historia y en el presente, tiene uno de los aspectos icónicos de la cultura italiana: el diseño. La expresión creativa en diversas esferas de la vida cotidiana, la cultura de excelencia y vanguardia característicos del país, así como la sustentabilidad, se verán reflejados en las exposiciones que permitirán observar el papel fundamental que desempeña el diseño en los ámbitos industrial, económico, social, cultural, económico y tecnológico. Luigi Maccotta, Embajador de Italia en México expresó: “Con esta serie de exposiciones, la Embajada de Italia y el Instituto Italiano de Cultura, continuamos con el objetivo de promover la cultura y fortalecer los vínculos culturales entre Italia y México. Esta es una oportunidad en que nos complace hacer una aportación a las actividades que han integrado este año a la CDMX World Design Capital 2018 y contribuir así a su misión de promover el diseño como una disciplina que ayuda a mejorar la calidad de vida de las personas, las ciudades y las comunidades”.

A través de la perspectiva de tres íconos de la cultura y diseño italianos, la Embajada de Italia trae a México la visión del Arq. Italo Rota, de la sociedad Olivetti y de la Trienal de Milán:

¿Dónde está el diseño italiano? Es una muestra que, en colaboración con el estudio del Arq. Italo Rota de Milán, ofrece un amplio panorama de los diferentes ámbitos que ha cubierto el diseño italiano en los últimos 100 años: desde la industria y el mobiliario, hasta objetos lúdicos y el lujo. La muestra permitirá adentrarse en el diseño italiano desde diversos enfoques del uso y consumo cotidianos.

La exhibición expone los cambios de ritmo de vida a través de las épocas, la mutación de los materiales y dimensiones y la evolución del diseño con la evolución de la sociedad y sus necesidades para concluir que el diseño está presente en todos los ámbitos. ¿Dónde está el diseño italiano? se presentará del 26 de octubre de 2018 al 3 de marzo de 2019 en el Museo de Arte Carrillo Gil, Av. Revolución 1608, San Ángel.

La comedia protagonizada por Flo,

Mota y Segura de gira por España.

María Esther Beltrán Martínez    Fotos: Daniel Pérez / Teatro Cervantes

Málaga, España.-  Inicia la gira en Málaga del espectáculo El sentido del humor . Dos tontos y yo protagonizada por los actores, productores, directores:Florentino Fernández (Flo), José Mota y Santiago Segura (el amiguete).

Por más de una hora y media, el público disfruta de los personajes y actuaciones de este trío que ha logrado el reconocimiento del público por su trabajo. Como prueba se tiene que agotaron todas las funciones que dieron en el Teatro Cervantes de Málaga, ciudad donde dan inicio a una gira que visitará varias ciudades de España.

El espectáculo ha sido escrito, dirigido y protagonizado por los tres cómicos. Comienza el show con las acostumbradas recomendaciones donde contrariamente te dan instrucciones como:  tomar fotos, toser, contestar whasap o llamadas sin bajar la voz.

Se apagan las luces y presentan varios vídeos cómicos que se encuentran en  you tube. En seguida salen: Flo, Mota y Segura. Los dos primeros haciendo sus mejores pasos de baile mientras que Segura hace eco a su “seriedad” quien se ve arrastrado a seguir a sus compañeros en un baile rítmico mientras el público los aplaude.

Con un guión donde el objetivo es desde su punto de vista analizar el sentido del humor, transcurre más de una hora y media riendo y disfrutando de las actuaciones de este trío. Afianzando él porque son de los mejores en la escena española.

La producción está apoyada por vídeos de compañeros de escena de comedia que dan su definición de las diversos géneros de la comedia.

Sin duda internacionalmente se le conoce a Santiago Segura quién ha interpretado a Eduardo en la película Jack and Jill, junto con el actor Eugenio Derbez. Además de participar  con Guillermo del Toro en Blade II, Hellboy y Titanes del Pacífico. Además que es el productor y director de películas de Torrente donde colaboran decenas de actores y personajes españoles;  sin duda, no podían faltar Florentino Fernández y José Mota.

Durante su presentación no podían faltar los personajes:  Krispín Klander (Flo), La vieja del visillo (Mota) y Torrente (Segura) que son el  disfrute del público que explotan en risa.

Es una gira asegurada de éxito como lo demostró en Málaga donde fueron ovacionados, juntos, por separado o parejas.

Machismo y discriminación muestran

las obras del mexicano Erik Rivera

María Esther Beltrán Martínez

Ciudad de México.- En el Museo de las Culturas de Iztapalapa da la bienvenida a los visitantes nacionales y extranjeros para ver las obras del artista mexicano, Erik Rivera. Diez obras al óleo de formato mayor con un desafiante título: Maricones, propone una reflexión sobre el machismo y discriminación.

La obra de Erik Rivera ha sido siempre especial y tiene su sello particular. Son niños de grandes ojos y su paleta tiene diferentes tonalidades. Su trayectoria es extensa y sus personajes han viajado por diversos lugares de México, España, Francia y otras ciudades. Encontramos personajes históricos, religiosos, cantantes y en muchas ocasiones no duda en tocar temas sociales.

Cada obra ofrece tener una reflexión sobre su misma existencia. El que la observa, puede sorprenderle la ternura, la rabia o la soledad de los personajes y en muchas ocasiones encontrar dudas sobre la misma existencia o desarrollar aspectos de la sociedad.

Sobre Maricones  comenta Rivera que es parte de la serie Maricón, Desafío al desafío, que se ha presentado en diversas sedes de la Ciudad de México. La inauguración de la exposición se celebró el 31 de agosto.  

Los hombres retratados por Erik Rivera, el “niño terrible”, son maricones en ese sentido, y no se avergüenzan de serlo. Se arriesgan a exhibir sus sentimientos. “No temen transgredir las normas de género. Incluso, pareciera que lo disfrutan. Sin duda, no les asusta ser objetos de deseo, papel normalmente asignado a las mujeres. Nos miran descaradamente, con sus ojos enormes, como retandonos a insultarlos o a burlarnos de ellos. Nos desafían y nos seducen. Tienen diversas actitudes, distintos tonos de piel, diferentes clases sociales, pero todos son coquetos, son frágiles, son traviesos. Y nos vuelven cómplices de su travesura. Exhiben sin pudor su vulnerabilidad y, al hacerlo, nos hacen enfrentarnos con la nuestra. Por eso, también son incómodos.

Paradójicamente, al renunciar al privilegio de la masculinidad tradicional, estos maricones no pierden poder. Al contrario: ejercen sobre el espectador que se atreve a sostenernos la mirada una especie peculiar de dominación, sutil pero implacable. La obra de Rivera nos invita (mejor dicho: nos obliga) a cuestionar nuestras nociones sobre lo masculino y lo femenino, sobre la fuerza y la debilidad, sobre la seguridad y el peligro. Sus personajes, que como él, son niños terribles, pueden enamorarnos, pueden incomodarnos, incluso pueden repugnarnos, pero difícilmente pueden dejarnos indiferentes”, indica Luis de Pablo Hammeken, historiador.

Sin duda la obra de Rivera nos impone deleitarnos con su estética, pero también puede causarnos mover muchas ideas.

Conocido como el Niño terrible, Erik lucha y pinta con gran vocación y sigue abriendo espacios para que sus obras sean vista por todos los interesados por el arte.

Jean Dubuffet artista prolífico y poco convencional

presente temporalmente en el Pompidou Málaga

María Esther Beltrán Martínez  Fotos: J.Carlos Santana

Andalucía, España.- Jean Dubuffet. El viajero sin brújula, exposición que  presenta un intenso recorrido por las preocupaciones  plásticas que marcaron las distintas etapas del artista francés Jean Dubuffet ( 1901- 1985). Quién es sin duda uno de los artistas imprescindibles en la segunda mitad del siglo XX.

En un recorrido  retrospectivo por las salas del Centre Pompidou Málaga destaca los hitos de la trayectoria através de 88 pinturas dispuestas en cuatro secciones  que muestran el trabajo de innovaciones pictóricas.

Sophie Suplaix curadora de la muestra explica: “Los primeros trabajos subrayan el interés del pintor por los dibujos infantiles, los grafitis y la producción artística de personas totalmente ajenas al mundo de la cultura. En estas obras, Dubuffet renuncia a todo orden estético, predominan rasgos como la frontalidad, la torpeza del dibujo y la libertad en el manejo de los colores. En la sección 2, Las turbulencias de la materia, se evocan las investigaciones matéricas, Visiones a ras de suelo, concebido como un tejido continuo y vibrante. Estas “celebraciones del suelo”, desarrolladas por el artista durante la década de los años 50 hasta principios de los años 60, se recuerdan aquí con tres conjuntos de litografías. La sección 3, “L’Hourloupe” o la invención de un nuevo lenguaje, basado en un vocabulario pictórico con una reducida gama de colores (negro, blanco, rojo y azul), y compuesto por una alternancia de células lisas y rayadas. “L’Hourloupe” ocupó a Dubuffet durante doce años, de 1962 a 1974, aplicando su nuevo vocabulario tanto a las obras bidimensionales como a la exploración  de volúmenes y la arquitectura, así como a la creación de un espectáculo sin precedentes. Finalmente, la sección 4, acoge otras grandes series como « Psycho-sites », « Mires » y « Non-lieux » que proponen nuevas lecturas del mundo y que permiten cuestionar la percepción del visitante”.

La obra que da nombre a la exposición El viajero sin brújula, 1952. Forma parte de la serie [“Tablas paisajísticas, paisajes mentales, piedras filosóficas” (1951-1952). Lo que el visitante ve son altorrelieves, principalmente a base de óleo sobre masonita, por lo general se distinguen dos zonas: una celeste, en forma de banda estrecha y sinuosa, y otra terrestre, amplia extensión de suelo, pero escalas y puntos de vista son aberrantes.” Aquí, el viajero sin brújula, que vaga al mismo tiempo por el espesor y la superficie de un terreno increíblemente pródigo en incidentes, parece menos perdido que decidido a manifestar su condición de ser en el mundo, en perfecta simbiosis con los elementos”, explica Suplaix. 

Málaga está de feria su origen se

remonta a finales del siglo XV

María Esther Beltrán Martínez    Fotos: J.Carlos Santana

Málaga, España.- La ciudad de Málaga se encuentra de fiesta con su tradicional feria. La algarabía inunda la  ciudad y está edición contará con un día más de fiesta al caer el día en que la ciudad fue conquistada por los Reyes  Católicos en 1487.

Como en todas las ciudades Málaga tiene su feria, una fiesta que involucra a toda la familia y encuentra diversión por ocho o más días.

Son dos sedes:en el centro de Málaga, donde la cita es de mañana a tarde y el Cortijo de Torres, en el que se encuentran las casetas que empiezan a ser visitadas a temprana hora de la noche hasta la madrugada.

La Feria de Málaga 2018 dio inicio con un espectáculo piromusical cuya  producción realizada, por primera vez en la ciudad fue por la empresa valenciana Ricasa (Ricardo Caballer) con una trayectoria internacional de reconocido prestigio. Creó un espectáculo cultural exclusivo para la ciudad denominado “Málaga mira al mar”.

Para los siguientes días, las calles principales del centro se encuentran diversos escenarios donde la música es uno de los principales protagonistas, así como los puestos donde se venden las tradicionales flores de tela en colores vivos en el que predomina el rojo. Aunque no luzcan vestido de flamenca, muchas mujeres se compran estas flores y las lucen en sus caballeras. Sombreros para caballeros y decenas de juguetes para los niños están a la venta.

En la calle Larios que es la principal del centro de Málaga desfilan mujeres con garbo luciendo todo tipo de trajes de flamenca desde bebés hasta mujeres de 80 o más años. Caminan luciendo sus vestidos con escotes en la espalda, sus bolsas a juego y perfectamente maquilladas. En estas fechas la sonrisa luce y alegres se reúnen con sus grupos para bailar y cantar.

En las casetas se brinda con vino y se come jamón, queso, mariscos y gazpacho. Además de que se baila.

Es una fiesta de familia. Por la mañana y tarde los padres llevan a sus hijos a las actividades que se tienen desde cuenta cuentos, juegos, talleres, teatro, títeres y decenas de entretenimiento y cultura.

Los jóvenes pueden estar en el centro como en el Cortijo de Torres reuniéndose con amigos y disfrutando de las actividades y los juegos mecánicos, además que hay conciertos para todos los gustos, actividades para la tercera edad; como discotecas, que son visitadas por jóvenes nacionales como extranjeros donde muchos de ellos encuentran total embriaguez y en algunas ocasiones consumen drogas, lamentablemente este año se ha tenido un caso de exceso de estupefacientes.

A pesar de estas noticias, la mayoría son de un porcentaje de visitantes felices que viven sanamente

Y la feria sigue creciendo y siendo un símbolo de Málaga de distracción en el mes de agosto. Cabe señalar que la feria data de 1489, por  Real Cédula de los RRCC, se concede a Málaga una feria  mercado, que conectaría con una institución medieval clásica, presente en buena parte de las ciudades  españolas y europeas en aquella época.

“Pero el inicio efectivo de los festejos actuales se producirá dos años después, en Abril de 1491,  cuando por Acuerdo de Cabildo, el Ayuntamiento establece celebrar una Feria anual, el día de la Virgen de Agosto, para conmemorar la conquista de la ciudad. Esta sería la primera referencia sobre la celebración de nuestras Fiestas.

A lo largo de la historia los festejos tienen un carácter discontinuo e irregular, y en ocasiones se mezclan y diluyen con otras celebraciones religiosas como el Corpus,  que durante algunos años llega a tener el valor de Feria.

Existen experiencias curiosas, como el hecho de que entre los años 1884 y 1886   se decide vincular los Festejos de la Ciudad a la Virgen del Carmen en un intento de darle un carácter marcadamente marítimo  y de favorecer un turismo incipiente que empezaba a desarrollarse por aquellos años.Un hito clave en la Historia de nuestra Feria será el año 1887, IV Centenario de la Reconquista. Tras la intermitencia en la celebración de siglos anteriores se establece ya definitivamente una celebración con regularidad anual, con una duración de unas dos semanas y un contenido más fastuoso” explican voceros de la feria.

Warhol. El arte mecánico cautiva Andalucía

María Esther Beltrán Martínez   Fotos: J.Carlos Santana

Andalucía, España.- El Museo Picasso de Málaga cautiva a los visitantes con la exposición Warhol. El arte  mecánico, incluye un total de 397 piezas entre pinturas, esculturas, dibujos, instalaciones, libros del artista, películas, portadas de discos, carteles, revistas, objetos de diseño y fotografías procedentes de cuarenta y cinco prestadores.   

Cuando se habla de las obras de Andy  Warhol (1928-1987) lo primero que se nos viene a la mente son las obras de retratos creados por él.  Marilyn Monroe, Jackie Kennedy, Elvis Presley o Liz Taylor entre otros así como la emblemática lata de sopa Campbell’s.

La curaduría de la exposición está a cargo del director artístico del Museo Picasso Málaga, José Lebrero Stals, quien presenta una versión amplia y completa  tras haberse presentado en las sedes de CaixaForum de Barcelona y Madrid, con éxito tras sumar 485 mil 875 visitantes.

Siendo Málaga ahora sede de la exposición Lebrero hace una exhaustiva radiografía del artista pop.

La exposición parte de los inicios profesionales de Warhol en la Nueva York de 1949, cuando Andrew Warhola empezaba una exitosa carrera como diseñador gráfico para revistas de gran prestigio, así como grandes sellos discográficos como Columbia Records o Prestige Records, e importantes marcas comerciales.

“Coleccionista empedernido, Warhol también demostró pronto un marcado interés por el arte contemporáneo, que triunfaba por aquel entonces en la ciudad. No tardó en abordar como artista el mundo de las galerías de arte, consagrándose como el artista pop por excelencia en torno a 1960-1961. Lo hizo estetizando productos de consumo, como sus célebres series de las sopas Campbell’s, o transformando en grandes iconos del arte contemporáneo a los mitos del cine de la época, como Marilyn Monroe o Liz Taylor. Con el tiempo Andy Warhol se convierte en un mito capaz de producir una amplia gama productos de consumo masivo: los Rolling Stones, Jean M. Basquiat, Marcel Duchamp o David Bowie son transformados en mercancía cultural por su mano y como tales parecen confirmar la verdad que reside en los principios de Mi filosofí­a de A a la B y de B a la A escrita por Warhol”, explica Lebrero durante la inauguración de la exposición.

Y señala que el singular punto de encuentro que representó The Silver Factory se convirtió en un laboratorio cultural experimental, a la vez que sede de un nuevo tipo de empresa cultural.” Fue el escenario para desarrollar sus radicales proyectos cinematográficos o sus trabajos multimedia como productor musical. Tras superar un intento de asesinato en 1968, Warhol cambió de táctica creativa y se convirtió a sí mismo en personaje. Trasladó la sede de sus operaciones comerciales y estéticas a The Office, un espacio más burgués y ordenado logísticamente. Superada la muerte, se convirtió en un artista-empresario: dirigió la revista Interview, pintó retratos de famosos entre otros, los del boxeador Muhammad Alí o del escultor Miguel Berrocal (presente en esta exposición gracias a la colaboración de la Fundación Escultor Berrocal para las Artes) y respondió a todo tipo de encargos comerciales, hasta su inesperado fallecimiento”.

Todas las etapas de Warhol se pueden ver através de sus obras, desde sus primeros dibujos que datan de los años cincuenta hasta encontrarse con sus obras icónicas como: Before and After (1961), Three Coke Bottles (1962), Brillo Soap Pads Box (1964-1968), Gold Marilyn (1962), Liz (1963), Mao (1973), Cow Wallpaper  (1966), Campbell Soup (1962), Triple Rauschenberg (1962), Nine Jackies (1964) y doce lienzos de Mao (1973), así como los largometrajes Blow Job (1964), Eat (1964) y Sunset (1967) y también obra gráfica y material documental adicional.

Se incluye un espacio de documentación  procedente de la Colección de Paul Maréchal (Canadá), que recoge multitud de colaboraciones de Warhol para portadas de discos, carteles, anuncios, libros o televisión.

Lebrero recalca que la exposición focaliza la atención en cuestiones esenciales para comprender el alcance universal de la obra de Warhol, como por ejemplo la innovadora forma en que aplica la idea de proceso a su polifacética obra seriada, los fuertes vínculos entre biografía personal y producción artística y, por supuesto, su originalidad y talento para combinar de un modo transversal y cíclico diferentes técnicas, medios y repertorios iconográficos.

Con motivo de esta exposición el Museo Picasso Málaga y La Fábrica han editado la publicación Andy Warhol. El arte mecánico, con textos de Robert Rosenblum, John Finlay, Peter Schjeldhal y Rosalind E. Krauss, así como una entrevista que Benjamín H.D. Buchloh realizó al artista en 1985. Profusamente ilustrado, el catálogo se ha editado tanto en español como en inglés, y cuenta con 260 páginas.

Una excelente propuesta es sin duda esta exposición que cautiva a todos sin importar la edad.

Una vez más, ¡Liverpool inaugura el Festival de las Letras!

El día de ayer (jueves 02 de agosto) se llevó a cabo el corte de listón en Liverpool Polanco para dar inicio al Festival de las Letras, el cual consiste en acercar a los mexicanos a la literatura con precios competitivos en todas las tiendas Liverpool.

Durante la inauguración, nos acompañó Anamar Orihuela, autora de “Sana tus heridas en pareja” y Mario Guerra, autor de “No te compliques”; de la misma manera Gustavo López, comprador corporativo, otorgó unas palabras a clientes y medios de comunicación como agradecimiento por acompañarlos en este día tan especial.

Finalmente, los autores invitaron al público a explorar todo lo que la tienda departamental tiene para ofrecerles en cuanto a literatura durante todo el mes de agosto.

El Centre Pompidou ofrece un recorrido por sus

colecciones con la exposición Utopías Modernas

María Esther Beltrán Martínez   Fotos: J.Carlos Santana

Málaga, España.-  El Centre Pompidou Málaga presenta la exposición Utopías Modernas marcadas por seis grandes capítulos . Son 63 obras de sesenta artistas  que estarán hasta marzo del 2020. Con un recorrido de obras vemos relatado la historia de las grandes utopías de los siglos XX y XXI.

Con la llegada del siglo XX se abría un nuevo capítulo en la historia de la humanidad, que dejaba atrás las sombras del pasado y miraba con optimismo y esperanza al futuro, explica la curadora de la exposición  Brigitte Leal.

Las antiguas desigualdades sociales y la decadencia que había desgastado al siglo anterior motivaron una acogida entusiasta de los ideales revolucionarios, que fueron entendidos como una promesa de perfección social en un mundo nuevo y mejor. “La Revolución rusa de 1917, la Primera Guerra Mundial, el auge de los nacionalismos y de los  totalitarismos europeos o la guerra civil española marcaron aquellos tiempos de la revolución, de los que los artistas de la vanguardia se convirtieron en profetas. La romántica reivindicación de autonomía del artista moderno, al margen de la sociedad, dio paso a un compromiso y político, especialmente fuerte en una época en la relación tan directa entre arte y poder impuso la creación artística como instrumento de propaganda.En el seno de los debates entre realismo, surrealismo y  abstracción, ante el dilema entre expresión individual y contribución a la causa, los artistas acabaron proclamando una síntesis de arte y vida: fuerzas opuestas pero en total equilibrio, y al servicio, ante todo, de la revolución del espíritu”.

Brigitte, explica que las exposiciones dedicadas a la historia de las utopías del siglo XX se han servido de las obras de arte para ilustrar sus propósitos y han tratado las imágenes como mensajes ideológicos. Frente a esta concepción, hemos decidido partir de las obras de sí mismas elegidas entre aquellas que pertenecen a las colecciones del Centro Pompidou, para poner de relieve la libertad del artista moderno con respecto a los yugos ideológicos. El recorrido de la exposición temática internacional y multimedia reúne representaciones visionarias que han reformulado los mitos universales emblemáticos de las utopías, como el de la Edad de Oro o el de la Ciudad Radiante.

“Desde la gran utopía de la Revolución Rusa de 1917 hasta las utopías contemporáneas, veremos cómo los artistas perpetuamente divididos entre el sueño y la realidad han respaldado la idea de progreso como horizontes históricos y han opuesto su propio imaginario sus contras utopías a los sistemas autoritarios cómo combatir la tiranía de los autónomos con la convicción de que el arte no es un discurso ni una bandera del arte es la utopía suprema”.

Entre los artistas que podemos disfrutar de sus obras están:Vassily Kandinsky, Marc Chagall, Antonio Saura, Shirley Jaffe,Le Corbusier, Carlos Arroyo, Peter Doing, Tania Bartana, Equipo Crónica, Julio González,Joan Miró, Pablo Picasso, Frank Stella y Martial Raysse, entre otros.

La gran Utopía,El final de las ilusiones,Juntos, La ciudad Radiante,Imaginar el futuro y la Edad de Oro. Son los seis capítulos que forman la exposición.

Homenaje a Leonard Cohen realiza La

Banda del corazón con Flamencohen

María Esther Beltrán Martínez  Fotos:  Daniel Pérez / Teatro Cervantes

Málaga, España.-  En el marco de  Terral 2018, que se realiza este verano en el Teatro Cervantes de Málaga, se presentó la cantante malagueña Paula Domínguez acompañada de estupendos músicos que  forman parte de la Banda del corazón, para ofrecer un espectáculo poético-musical en homenaje al cantautor canadiense Leonard Cohen.

Flamencohen espectáculo donde la buena ejecución musical impera bajo la ejecución de los artistas  flamencos: Alexandru Bublitchi; el bajista, Carlos Ródenas; el guitarrista, Francisco Guisado ‘Rubio’; los percusionistas, Jordi Rallo (tablas y udu) y Josema Martín (cajón y batería) y el propio Alberto Manzano en el rol de rapsoda.

“Flamencohen, subtitulado Homenaje flamenco a Leonard Cohen, es un espectáculo que rinde tributo al legendario cantautor y poeta y al mismo tiempo a los artistas flamencos que lo han versionado a partir de mis adaptaciones al castellano”, explica Alberto Manzano.

Manzano, a quien conocemos al recoger las entradas, expresa la admiración que tiene por Cohen, a quien denomina como ‘genio’. Sencillo y carismatico comenta que tuvo la experiencia de conocerlo así como trabajar en conjunto con Enrique Morente durante la producción  de su legendario álbum Omega, en el que Enrique Morente y Lagartija Nick fundieron flamenco y rock industrial sobre textos de Lorca.

Por más de una hora escuchamos temas de Cohen en español en la voz de Paula Domínguez, quien atrapa la atención del público y a los cinco minutos de escucharla uno se queda atrapado por su entonación y dulce voz con toque flamenco.Su figura en el centro del escenario luce acompañada de muy buenos músicos que dan un toque especial a cada tema. La iluminación es suave predominando los tonos azules.  

El viaje por la creación de Cohen es cautivadora,  Manzano va marcando el camino con cada tema informa y descubre aspectos que sólo puede conocer quien compartió tiempo con el creador y con algunos de los artistas que han llevado por buen puerto los éxitos del canadiense.

Empezando por Enrique Morente y continuando por Mayte Martín, Duquende, Argentina, Pasión Vega, Son de la Frontera o Rocío Segura.

Por más de varios minutos al término de la velada el público ovacionó a todos los participantes que mostraron la calidad que hay en tierras andaluzas.

Este espectáculo se estrenó el verano pasado en el festival Pirineos Sur con extraordinarias críticas. La prensa destacó los “arreglos imaginativos” de una diferente y “espléndida” celebración flamenca. “El salmo se hizo flamenco y habitó entre nosotros. Al gran Leonardo le habría gustado el homenaje”, escribió Javier Losilla en El Periódico de Aragón.

Manzano quien publicó  en la editorial Planeta el libro Leonard Cohen y el zen ya preparada la traducción del poemario inédito del canadiense, que editará Salamandra próximamente.

El verano llega con notas musicales a

toda España con importantes conciertos

María Esther Beltrán Martínez     Fotos: Teatro Cervantes

Andalucía, España.- El verano llega y los carteles de las principales ciudades presentan excelentes conciertos nacionales e internacionales. Luis Miguel, Salvador Sobral, J.Balvin, Santana, Alejandro Fernández, La niña Pastori y muchos nombres más brillarán en los carteles de los foros españoles.

En el caso de la Costa del Sol como cada año se celebra Terral, en esta edición son diez conciertos en los que se espera.

Voceros del Terral explican que “la programación de Terral evidencia el fuerte impulso de calidad y la proyección internacional de un cartel que apela a las músicas de raíz o del espíritu, a la mezcla de  contemporaneidad, tradición e invocación a los sentidos y las emociones.

En esta edición, estrellas de la música latina como Rubén Blades y Jorge Drexler, los dos vocalistas hoy en día más universales del país vecino, Salvador Sobral y Teresa Salgueiro, el añadido de prestigio que aporta Wim Mertens y la savia nueva de Ala.Ni comparten espacio con algunas de las jóvenes pero consolidadas figuras de nuestra música y danza más inquieta, como Rocío Molina, Sílvia Pérez Cruz, Soleá Morente o Rocío Márquez.

La propuesta de 2018 rubrica una línea de trabajo que apuesta por una programación abierta a figuras de la música mundial: en 2015 vinieron a Málaga Maceo Parker, Lila Downs, The Blow Monkeys y Pablo Milanés; en 2016, lo hicieron Melody Gardot, John Grant, Carminho, Jean-Luc Ponty o Quilapayún, y el año pasado Franco Battiato y James Rhodes figuraron en el cartel con Vicente Amigo, Dulce Pontes o Salif Keita.

Uno de los más esperados en Málaga es Salvador Sobral quién ganará el Festival de Eurovisión 2017 con la canción Amar pelos dois. Cantante de voz suave que basa su música entre los géneros la bossa y el espíritu del fado.

“Me entraron ganas de llorar al llegar al teatro, viéndolo tan bonito y azul, tan italiano y la vez tan distinto a todos los demás, que suelen ser rojos”, comentó el intérprete, entusiasmado por tocar “en el mismo cartel que Jorge Drexler y Rubén Blades”.

“Me gusta ese concepto de tierra y raíces que tiene Terral”, aseguró. “El repertorio consistirá básicamente en ‘Amar pelos dois’ ocho veces, en reggae, en funk, en jazz…”, bromeó Sobral antes de revelar el contenido del concierto, que estará formado por algunos temas del primer disco, composiciones nuevas, boleros y alguna sorpresa relacionada con la música malagueña (“en cada sitio quiero hacer algo típico”). En resumen, canciones en portugués, en español y algunas en inglés.

El portugués ha renacido tras un trasplante de corazón, y tras cantar en Ponta Delgada (capital de Las Azores) y Évora abre en la capital de la Costa del Sol un recorrido por ciudades españolas que también incluye citas en Barcelona, Valencia, San Sebastián, Cartagena, Madrid, Córdoba, Pamplona, Santander, Santiago de Compostela o Palma de Mallorca, la ciudad en la que conoció “la esencia de la música” aprendiendo desde abajo después de haber pasado por Ídolos –el Operación Triunfo portugués-. Allí pudo investigar en el jazz, el bolero y la bossa nova, “por ese orden”, según ha confesado, en su época de Erasmus, cuando actuaba como músico itinerante en bares y pequeños locales.  

Mediterráneo encuentro de tradición

y modernidad en la Costa del Sol

* Más de sesenta obras, entre pintura, escultura, grabado y cerámica.

María Esther Beltrán Martínez   Fotos: J. Carlos Santana

Málaga, España.- Através de 60 obras, el Museo Carmen Thyssen de Málaga presenta la exposición Mediterráneo una arcadia reinventada  de Signac as Picasso. Está exposición  analiza el papel clave que, entre finales del siglo XIX y mediados del XX tuvo el Mediterráneo como punto de encuentro entre tradición y modernidad artística para muchos de los principales artistas españoles y franceses del periodo.

Las obras que se exhiben  revelan cómo el arte y las culturas del Mediterráneo antiguo fueron  estímulo y fuente para la vanguardia, para una nueva revisión y modernización  del clasicismo, a comienzos de la centuria y en el periodo de entreguerras, como sus paisajes  ofrecieron, hasta avanzados los años cincuenta, escenarios para vibrantes experiencias luminosas y coloristas.

Lourdes Moreno, directora Artística del Museo y curadora de la exposición, explica que a través de más de sesenta obras, entre pintura, escultura, grabado y cerámica, que abarca desde el postimpresionismo, el simbolismo, el noucentisme catalán, el fauvismo o un clasicismo revisado en el periodo de entreguerras, está exposición recorrerá ese Mediterráneo entre la tradición y la modernidad, entre la recuperación del clasicismo y el arrebato colorista, através de diversos géneros.

“Los creadores franceses, pioneros en descubrirlo, incidieron en la luz  brillante, en escenarios pletóricos de vegetación y color, para llegar a una renovación plástica desde la expresión. Auguste  Rodin, Aristide Maillol, Paul Signac, Émile Bernard, Henri Matisse, George Braque, Charles Camoin, Pierre Bonnard o Raoul Dufy, entre otros, son los responsables de una mirada emancipada que hunde sus raíces en la tradición. Los artistas españoles, muy de cerca hicieron de esta temática la protagonista de sus obras en escenas plenas de vida y en conjunción con una naturaleza idílica. Joaquim  Mir, Joaquín Sorolla, Hermen Anglada-Camarasa, Darío Regoyos, Santiago Rusiñol, Joaquín Sunyer, Manolo Hugué, Julio González o Pablo Picasso. Reflejaron el paisaje junto a la figura humana en asuntos cotidianos. Su visión renovada ofreció obras con un lenguaje clásico rejuvenecido, un reencuentro con la antigüedad, alejado de la Academia, en la que se vertieron hallazgos del lenguaje de la vanguardia”.

Sin duda explica Moreno que seducidos por la belleza del paisaje, por la luz y sus colores, y por la herencia artística de las antiguas culturas mediterráneas, estos artistas ensalzan y reinterpretan ese espacio como elemento de identificación histórica colectiva y de tradición común.

“En España, la resplandeciente luz mediterránea, con sus distintos matices, se adueña de los paisajes levantinos de Sorolla o de las vistas mallorquinas de Mir y Anglada-Camarasa. Y se convierte, gracias a la lección de artistas como Cézanne, en modelo estético de clasicismo moderno en la Cataluña noucentista de Sunyer y Togores. En Francia, la definitiva renovación formal del paisaje mediterráneo está representada por Signac o por las propuestas fauve de Braque y Dufy. Una visión paradisíaca de la Costa Azul que alcanza el grado de obra maestra en los pinceles de Matisse, Bonnard o Picasso.

Entre las obras que el visitante puede disfrutar  son obras maestras en la producción de sus autores. Destacan La edad se bronce de Rodin, Mediterráneo y Pastoral de Sunyer, Mediterranée de Maillol, Marina L’Estanque de Braque, El abismo. Mallorca de Mir, La nadadora de Sorolla una obra de aspecto simbolista y peculiar ejecución dentro de la realización del pintor valenciano y algunos grabados de la Suite Vollard de Picasso.

Moreno destaca que esta muestra  se trata de un nuevo proyecto de producción propia del Museo Carmen Thyssen Málaga. “Durante sus siete años de historia el Museo ha formado un grupo de trabajo de nivel cientifico y academico capaz de llevar a acabo proyectos expositivos de trascendencia internacional, que ofrece una alternativa singularizada  en la ciudad”.

La Capital Mundial del Diseño 2018 ya tiene un color

·  Celebran la designación de la Ciudad de México como World Design Capital 2018, con la presentación del color Rosa Chilango

·         El objetivo de la designación como Capital Mundial del Diseño es contribuir -a través de la democratización del color y diseño- al impulso del desarrollo económico, social, cultural y ambiental de la Ciudad de México

Bajo el concepto de ‘diseño socialmente responsable’ se designó a la CDMX como World Design Capital 2018, gracias a los programas que en materia de diseño y producción creativa se están implementando en obras de regeneración urbana, a la red de movilidad en la megalópolis y al desarrollo de la marca “CDMX”.

La Ciudad de México es la sexta ciudad en recibir este nombramiento a nivel mundial y la primera en el continente Americano. Es así que, en el marco de esta designación, Comex –una marca de PPG- empresa líder en pinturas y recubrimientos en el país, presentó el color ‘Rosa Chilango’, elemento que da identidad y cohesión a los habitantes de una de las Ciudades más grandes del mundo.

Este color fue elegido para conmemorar a la capital del país, que a lo largo de los años se ha vestido de color rosa a través de elementos característicos como: los techos de los mercados, las buganvilias, sus dulces típicos (algodón de azúcar y merengues), así como de las creaciones de uno de sus máximos exponentes en arquitectura, Luis Barragán.

“Los colores son -en inicio- una herramienta para después convertirse en un símbolo. En esta ocasión ‘Rosa Chilango’ representa el orgullo de ser chilango; vivimos en una ciudad cosmopolita, de las más grandes del mundo con amplia oferta cultural y social. Este rosa tan particular va a tono con el carácter del chilango, así como con la cultura en general del mexicano”, comentó Héctor Escamilla, Director del programa ColorLife® de PPG Comex.

Contribuyendo al objetivo de un ‘diseño socialmente responsable’, Comex busca iniciativas para impulsar el color como elemento primordial en la eficacia del diseño para atender las necesidades de las personas, mejorar su calidad de vida, así como ayudar a mejorar la economía y el desarrollo social de la Ciudad de México.

Durante la presentación, Aurelio Vázquez, Director General de DIN Interiorismo, comentó que “el diseño hoy en día es para todos, quienes estamos en la industria de la creatividad e inspiración, debemos facilitar las herramientas para democratizarlo y que cualquier persona tenga acceso a éste. Los resultados del esfuerzo son innegables: con solo un poco de diseño y color los negocios aumentan su productividad.”

“La CDMX está comprometida con el crucial papel del diseño y la arquitectura, no sólo en la rehabilitación de espacios, sino también como elementos fundamentales en el desarrollo de las comunidades. La iniciativa que estamos presentando hoy pone de manifiesto el compromiso de todos los aquí presentes por transformar vidas a través del diseño y el color”, puntualizó el arquitecto Emilio Cabrero, Director General de Design Week México y World Design Capital CDMX 2018.

Como parte de esta conmemoración, Comex pintará de Rosa Chilango más de 15 mil metros cuadrados en diversos puntos de la Ciudad.

El teatro español renace con la obra

que está de gira  Luces de bohemia

María Esther Beltrán Martínez Fotos: Teatro Clásico de Sevilla

Andalucía, España.-  La versión de Luces de bohemia de Teatro Clásico de Sevilla se encuentra de gira por las principales ciudades de España con gran éxito y cargada de premios, entre los que se encuentran los ocho galardones obtenidos en los VI Premios Loca del Teatro Andaluz 2018 y con la recién anunciada candidatura al Max a la Mejor Dirección de Escena  por el trabajo del director de Alfonso Zurro.

“Está obra revolucionó el teatro. Se inaugura con ella un género nuevo: el espermento, que rompe  con las convenciones escénicas anteriores. Valle Inclán vuelve su mirada a una España caduca, sin aliento, sin ética. Una España que era la caricatura de sí misma. Una España sorprendida en trance de ruina, es desmoronamiento irremediable. Está obra arremete contra toda una sociedad. Luces de Bohemia es un viaje a la muerte... Una época que se descompone ... Unos personajes cuya única ética parece ser la de la subsistencia. Sobrevivir. Un mundo en descomposición.. Espermento como expresionismo hispano. Realismo borracho de tinto peleón. La palabra, la fuerza de la palabra de Valle, como ladridos,o acuchillados, caricias, lametones, aullidos..”

Acompañan a Quintana en este montaje de Luces de bohemia Manuel Monteagudo en el  papel (su ‘Don Latino’ mereció el Lorca al mejor Intérprete Masculino), Juan Motilla (‘Simón’, ‘Zaratrustra’, ‘Valle Inclán’), Antonio Campos (‘Pica Lagartos’, ‘Don Gay’, ‘Clarinito’), Juanfra Juárez (‘Rey Portugal’, ‘Serafín’, ‘Filiberto’), José Luis Bustillo (‘Dorio De Gadex’, ‘Borracho’, ‘Preso’), Amparo Marín (‘Madame Collet’, ‘Ministra’, ‘Vieja’), Rebeca Torres (‘Pisa Bien’, ‘Vecina’, ‘Guardia’, ‘Ujier’) y Silvia Beaterio (‘Claudinita’, ‘Chica’, ‘Chico’, ‘Clarinito’).

Luces de bohemia, piedra fundacional del esperpento, rompió con las convenciones escénicas anteriores con su mezcla del mundo bohemio y literario y de la realidad revolucionaria de su tiempo. Según Teatro Clásico de Sevilla, Luces de bohemia “es un viaje a la muerte” que representa mejor que nadie la problemática del artista moderno y su trágica lucidez. La obra teatral más influyente de Valle es modernidad en estado puro. En ella convergen la ‘deshumanización’ vanguardista con reveladores anticipos de la teoría sobre el ‘distanciamiento’ del teatro de Bertolt Brecht y del teatro del absurdo de postguerra. La alienación del hombre moderno se refleja en un texto que también plantea un ataque feroz contra la España de su época, una obra de teatro que integra el expresionismo y arremete contra toda una sociedad.

“Luces de bohemia es Max Estrella, el visionario poeta ciego que en su propio viacrucis se arrastra hasta el último aliento. Unos personajes cuya única ética parece ser la de la subsistencia. Sobrevivir. Un mundo en descomposición. Un espacio en descomposición. La palabra, la fuerza de la palabra de Valle, como ladridos, o cuchilladas, caricias, lametones, aullidos…

El autor vuelve su mirada a una España caduca, sin aliento, perdida. Una España que era la caricatura de sí misma. Una España sorprendida en trance de ruina, en desmoronamiento irremediable”.

Es una obra cuya producción es sencilla y el peso lo llevan los actores quienes escenifican personajes que muestran una sociedad que no pasa a la historia. Hombres y mujeres que tienen que enfrentarse a la mala política y a la pobreza. Y con ello todo lo que conlleva.

Es sin duda una obra clásica que conquista y reconquista al público.

La mirada viajera que muestran los

artistas rusos en la Costa del Sol

María Esther Beltrán Martínez     Fotos: J.Carlos Santana

Málaga, España.- La Colección del Museo Ruso de San Petersburgo Málaga presenta la exposición titulada La mirada viajera . Artistas  rusos alrededor del mundo, que cuenta con 105 obras en las que se muestran el trabajo de artistas rusos que realizaron bajo la inspiración de sus viajes.

Por medio de esta exposición podemos observar  la impresión que causaron los lugares que visitaron los artistas rusos. En una época que nada tiene que ver con la nuestra. Los tiempos eran distintos y la forma de conservar las imágenes era distinta. Por lo que esta muestra pictórica  enseña una vida distinta a los viajes que podamos realizar a los mismos sitios que visitaron estos rusos.

José María Luna Aguilar, director de la Agencia Pública para la Gestión de la Casa Natal Pablo Ruiz Picasso, expresa  que “Los artistas rusos, situados como los españoles en un extremo de Europa, tuvieron su propia versión del Grand Tour. Enfocados también, como lo europeos del norte, hacia Italia y un Mediterráneo para ellos exótico y ajeno, destellante de luz y sensualidad, tuvieron también un acceso más natural a los países asiáticos que les otorga un marchamos de mayor exotismo frente a sus homólogos europeos. En cualquier  caso, fuese a oriente o a occidente, el viaje los transformó como hace siempre con los temperamentos estéticos. El retorno de la primera generación de artistas viajeros abrió en el rígido armazón  academicista las primera grietas por las que se colaron los aires de libertad e inspiración que darían lugar a la época gloriosa del arte ruso”.

Sobre la exposición Evgenia Petrova, curadora de la exposición expresa  que el viaje refresca, agudiza y enriquece la percepción del mundo, despierta ideas y sentimientos latentes y da luz a otros nuevos. El viaje  puede encender la llamada creatividad incluso en los lugares menos proclives a ello.

“Este es el caso, en no poca medida, de los artistas rusos, sobre todo si tenemos en cuenta  la estricta disciplina académica a la que estuvieron sometidos hasta e pasado el siglo XVIII. Los estudiantes de arte tenían que limitarse a un cierto conjunto de temas históricos mitológicos y bíblicos. El principal punto de referencia para ellos no era tanto la naturaleza  como las muestras del arte antiguo y del Renacimiento, las imágenes de esculturas clásicas, arquitectura y paisajes recogidas en un puñado de libros. También los trabajos de decoración de las numerosas iglesias y catedrales construidas en la época tuvieron que llevar a cabo conforme a estrictas regulaciones tanto de la iglesia como de la academia de las artes. Sólo a mediados del siglo XIX cambió la situación para los artistas, que se encuentran en relativa libertad de elegir sus motivos y su lenguaje artístico, y pudieron marchar a otros países”.

Agrega que no es extraño que las mejores obras de los clásicos del arte ruso de este periódo -Karl Briulov, Silvester Schedrin, Aleksandr Ivánov, entre otros-  fueran ejecutadas en Italia. El temperamento meridional, e interés por la vida, la admiración por la Luna y el Sol que cambian los colores de la Naturaleza se manifiestan en toda su plenitud en cada una de sus obras. La mirada fresca de estos forasteros sobre los países que visitan les permite a menudo, capturar peculiaridades de personajes y comportamientos que escapan al observador local.

“Desde la segunda mitad del siglo XIX los artistas rusos se sintieron en Rusia mucho más libres que antes. Sin embargo en las obras de muchos de ellos se mantiene el entusiasmo por lo que se vio en los viajes, ya sean sólo unas violetas entre hojas verdes en un carro, como sucede con Joseph Krachkovsky (“violetas de Niza”, 1902), París y los parisinos en Clement Redko (1920), El Cairo con su distintivo aire oriental en Konstantin Makovsky (“Traslado de una alfombra Santa en el Cairo”, 1876) o los Estados Unidos en Alexander Deineka (mediados de 1930) con Rascacielos, hermosas avenidas y automóviles.

Italia, Francia, Egipto, Palestina, Japón, China, Marruecos y Estados Unidos... es difícil encontrar un país que no visitan los artistas rusos una vez abierta las puertas. En esta exposición, a partir de los fondos del Museo Ruso, se encuentra una cuidada selección de trabajos”.

CENTRO DE ARTES VIVAS
APERTURA

El domingo 10 de junio, a partir de las12:00 hrs , nuestra primera tarde familiar, con se llevará a cabo la presentación de la compañía de teatro para niños Triciclo Rojo, un bazar de diseño mexicano y un concierto a cargo de Mabe Fratti con Camile Mandoki.

El Centro de Artes Vivas, ubicado en el corazón de Coyoacán, en la zona sur de la Ciudad de México, nace a partir de la necesidad de transformar nuestro entorno por medio del quehacer cultural, el arte, la educación y el cuidado del medio ambiente; a fin de activar el intercambio de conocimiento entre todas las personas, sin distinción de género, edad, o nivel socioeconómico.

Cuenta con una sala de conciertos, un jardín central con área para exposiciones y diversas actividades (desde lúdicas, hasta íntimas o deportivas); aulas y salas abiertas al público general para talleres y laboratorios; así como la terraza que ocupa el restaurante Frida.

ACTIVIDADES

Exposiciones de arte | jóvenes, y de los resultados de los talleres infantiles.

Conciertos | Música académica, música popular, música experimental.

Audiovisuales | Cine, video, multimedia, nuevos medios.

Conversatorios | Conferencias, mesas de diálogo, semi- narios, clases magistrales

Laboratorios | Espacios para el desarrollo de proyectos a largo plazo, con destacados guías

Talleres | Con la participación de una diversa muestra de académicos, profesionistas, artistas.

Biblioteca | Clubs de lectura, comprensión lectora y una explo- ración detallada por la oferta editorial contemporánea comercial e independiente, con un enfoque para bebés, niños, jóvenes y adultos.

Para niños | Cada una de las actividades antes descritas, en versión infantil.

Transformar la forma en que los ciudadanos mexicanos se relacionan con la cultura, alejándose de la acepción solemne que se tiene de ella, y acercándose más a una experiencia amplia, generosa, entretenida y atractiva, al alcance de todos y capaz de transformar nuestro entorno y la forma en que vivimos, con un alto impacto en las relaciones interpersonales y ambientales. Y de esta forma, ayudar a que el centro de Coyoacán sea visto nuevamente como una de las capitales culturales de la Ciudad de México.

www.centrodeartesvivas.com

Despierta el interés por su obra José Luis Puche