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Fidelio, ópera de Beethoven: feminista y libertaria

 

María Esther Beltrán Martínez   Fotos: Daniel Pérez. Teatro Cervantes

 

Málaga, España.- Se presentó en el Teatro Cervantes de Málaga: Fidelio, única ópera que compuso Beethoven concebida como  una unidad estructural a gran escala siguiendo el patrón mozartiano. Y es la obra con la que da inicio a la 31 Temporada Lírica en  el Cervantes.

“Fidelio hay que verlo desde  la perspectiva de la ilustración: es decir, desde el clasicismo vienés posterior a Wolfgang Amadeus y en ningún caso dede Wagner; esta es una tentación  en la que caen muchos a la hora de interpretar esta ópera...Más allá de la sublime categoría de su música y de su arrolladora fuerza dramática, la única ópera de Beethoven es una verdadera proclama feminista y libertaria”, expresa José Luis Téllez,musicógrafo. 

Explica que lo moderno en Beethoven es el uso que hace de las dinámicas, lo que confiere a su música una fuerza inusitada. Lo novedoso de él es la fuerza sonora de su discurso, por ejemplo el tratamiento  que hace de las trompas en el aria de Leonore.

Una historia con gran punto feminista y libertaria, donde el papel de la mujer es primordial como valeroso ante sus deseos y querer salvar lo que ama.

Fidelio tuvo dos presentaciones con funciones agotadas, desde primeras horas de abrir la taquilla se agotaron y no sólo por la historia que se presenta sino por la calidad vocal del elenco. La soprano malagueña Berna Perles en el rol de Leonore/ Fidelio, la valerosa mujer que disfrazada de muchacho que da título a la obra trata de rescatar a su esposo, Florestan de la cárcel en la que está encerrado. 

El prestigioso director de escena José Carlos Plaza y el maestro Manuel Hernández Silva subrayan ese canto a la justicia y a la libertad con un montaje dominado por la lúgubre prisión, un espacio vacío encerrado entre dos enormes bloques metálicos cuyos muros derribará la luz y el aire fresco del amor auténtico de Leonore, erigida así en ariete contra el oscurantismo y portavoz de los principios de la Ilustración. 

Es una producción escénica del Teatro de la Maestranza de Sevilla y musical del Teatro Cervantes. El tenor César Gutiérrez encarna al prisionero ‘Florestan’, mientras que ‘Rocco’, el jefe de los carceleros, está interpretado por el bajo Tijl Faveyts. La soprano Beatriz Díaz es ‘Marzelline’, hija del carcelero y enamorada de ‘Fidelio’, mientras que el conserje ‘Jaquino’ está interpretado por el tenor Pablo García López, el barítono José Antonio López es ‘Don Pizarro’ y el bajo Luis López ‘Don Fernando’, con el tenor Jesús Gómez como ‘primer prisionero’ cerrando el elenco de voces solistas.

La Orquesta Filarmónica de Málaga en el foso y el Coro de Ópera de Málaga, que dirige como es habitual la batuta de Salvador Vázquez.

El vestuario de Pedro Moreno, la escenografía e iluminación de Francisco Leal y la labor de Gregor Acuña-Pohl como ayudante de dirección de Plaza merece una reconocida ovación. Un vestuario sencillo y una iluminación lúgubre dan la atmósfera del encierro y el despojo de la cárcel. Además que la escena final donde se ven edificaciones significativas de Sevilla dan el punto de excelencia en este montaje.

Fidelio es una ópera que en todo momento te mantiene alerta. Sin duda la escenografía es muy creativa y da los elementos necesarios para desarrollar la historia, por lo que fue un acierto comenzar con esta puesta la Temporada Lírica de Málaga.  
 

·         Fidelio 1. Los coralistas del Coro de Ópera de Málaga en segundo plano y en primero, de izda. a dcha., Beatriz Díaz (‘Marzelline’), César Gutiérrez (‘Florestan’), Berna Perles (‘Leonore’ / ‘Fidelio’), Tijl Faveyts (‘Rocco’), Luis López (‘Don Fernando’) y cuatro coralistas.

·         Fidelio 2. Coralistas.

·         Fidelio 4. Visión de la escena y del foso, con Manuel Hernández Silva dirigiendo a la OFM y los solistas.

·         Fidelio 6. Berna Perles (‘Leonore’ / ‘Fidelio’) y César Gutiérrez (‘Florestan’).

·         Fidelio 7. José Antonio López (‘Don Pizarro’), Tijl Faveyts (‘Rocco’), Berna Perles (‘Leonore’ / ‘Fidelio’) y César Gutiérrez (‘Florestan’).

·         Fidelio 11. Panorámica de la puesta en escena, con figurantes y Jesús Gómez (‘primer prisionero’) abriendo los brazos a la izda. de la imagen.

·         Fidelio 16. José Antonio López (‘Don Pizarro’).

·         Fidelio 19. Pablo García López (‘Jaquino’) y Beatriz Díaz (‘Marzelline’).


 

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Por primera vez en España se revela la

vida y obra de la rusa Anna Ajmátova

María Esther Beltrán Martínez  Fotos: J.Carlos Santana


Andalucía, España.- La Colección del Museo Ruso en Málaga presenta por primera vez en España la obra y vida de  Anna Ajmátova fue una mujer rusa que amó y fue amada. Los hombres que pasaron por su vida sufrieron en sus propias carnes, como ella misma, todo el pesar de la vida rusa del siglo XX.

Ajmátova, poetisa rusa conocida  ya desde principios de la década de 1910, atraía la atención  de muchos no era solo, por sus versos. Su apariencia extraordinaria y memorable, así como su manera de comportarse y vestirse  se convirtieron en un estilo propio. Ejercía un notable magnetismos entre sus allegados y amistades. Fue inspiración en la obra de grandes poetas y musas de artistas como Amedeo Modigliani, Natan Atman o Kuzmá Petrov-Vodkin.

La exposición está conformada por retratos de ella y los hombres que formaron parte de sus vidas, poemas, libros y objetos que pertenecieron a la artista.

En la exposición Anna Ajmátova. Poesía y vida se puede ver una pequeña selección de los mejores retratos hechos en vida de Anna Ajmátova , como son Retrato de Anna. Ajmátova de Natán Altman (1915), además de fotografías y poemas, tanto de Ajmátova como de otros poetas de su tiempo. Todos los retratos son obra de artistas conocidos de la primera mitad del siglo XX, como el mencionado Natán Altman o Kazimir Malévich y otros.

Su vida tiene un antes y un después de la Revolución de Stalin. La primera época fue una mujer feliz que tenía contacto con la efervescencia  artística de la época en los que formaba parte de los círculos más exclusivos y de su vida tiene relación con poetas como Mandelshtam o Gumiliov, con quien se casó muy joven tuvo unas segundas nupcias con Vladímir Shileiko.

La segunda época de su vida estuvo marcada por las privaciones y el sufrimiento. El fusilamiento de Gumiliov, el arresto de su tercer marido, el historiador Nikolái Punin y, más tarde, el de su hijo. El estilo de Anna Ajmátova sufrió un cambio radical y de ahí surgió Réquiem, uno de los poemas fundamentales de la literatura rusa,  que recoge el sufrimiento de las mujeres que día a día hacían cola para conocer el estado de sus familiares. Su personalidad y figura se ha convertido en una leyenda de resistencia y dignidad para las generaciones posteriores.

Stalin, que la llamó mitad moja, mitad puta, ordenó respetarla para someterla a un sádico aislamiento. En su apartamento del Fontanka, abandonada  de todos menos unos pocos fieles, se convirtió en una leyenda de resistencia y dignidad.



 

 

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URBANA llevó a cabo “Post-Mortuo”, la primera ofrenda de arte urbano en la Ciudad de México


·  La ofrenda de arte urbano está integrada por nueve murales hechos por cinco artistas de México y Francia, los cuales fueron develados el 1 de noviembre en el pueblo de San Juan Tlihuaca, en la alcaldía Azcapotzalco. 

·  Post-Mortuo se perfila como una actividad que inspirará a comunidades a reactivar espacios públicos a través del turismo cultural y sostenible. 

 

URBANA, asociación civil que se enfoca en incentivar el diálogo entre habitantes y su entorno a través del arte, presentó Post-Mortuo, la primera ofrenda de arte urbano en la Ciudad de México; que tuvo como sede una de las calles principales del poblado de San Juan Tlihuaca, en la alcaldía de Azcapotzalco.

Vidal Llerenas Morales, Alcalde de Azcapotzalco, e Izte González, cofundadora de URBANA, llevaron a cabo un recorrido por la calle Federico Gamboa para develar los nueve murales que a partir de ahora forman parte de la memoria visual de San Juan Tlihuaca.

El recorrido Post-Mortuo inició en la iglesia San Juan Bautista (construida en el siglo XVIII) y continuó por la estrecha pero concurrida calle Federico Gamboa. Como parte de esta verbena, un grupo de animeros, músicos, danzantes prehispánicos, cueteros y personas caracterizadas de catrines y catrinas se unieron a la procesión.

Las nueve piezas artísticas de la primera edición de “Post-Mortuo” fueron creadas por Said Dokins y Mothers (México); Mantra, Jean Michel Ouvry y Nicolas Barrome Forgues (Francia); con el apoyo de la alcaldía Azcapotzalco, y el Centro de Información de la ONU (CINU). Los murales son resultado de un encuentro previo que tuvieron los cinco artistas seleccionados con el consejo del pueblo de San Juan Tlihuaca para entender la importancia y arraigo de esta tradición.

Post-Mortuo se convirtió en una experiencia inmersiva en medio de una verbena popular en San Juan Tlihuaca, barrio cuyo nombre en náhuatl significa lugar donde se guarda lo negro. Los asistentes a esta primera ofrenda de arte urbano conocieron los orígenes prehispánicos del poblado, que también es conocido por sus brujos, así como por sus relatos entorno a los nahuales y monumentos históricos. Además, los asistentes disfrutaron de la creatividad, visión y arte de cinco jóvenes artistas urbanos”, comenta Itze González, cofundadora de URBANA.

Así como todos los proyectos que desarrolla URBANA, Post-Mortuo fue ideado bajo la visión de los Objetivos de Desarrollo Sostenible (ODS) de la Agenda 2030; en alianza con el Centro de Información de las Naciones Unidas (CINU), enfocado en el turismo sostenible. 

“Promover nuestras tradiciones y costumbres es una manera de honrar a los que ya no están con nosotros, es fomentar una de las fiestas más emblemáticas de nuestro país, respetando a las comunidades locales y su patrimonio cultural. Con Post-Mortuo lo que buscamos es generar un turismo sustentable, que proporcione a la gente una visita emocionante y educativa, pero que al mismo tiempo sea beneficiosa para el lugar elegido. Esperamos que esta sea una de muchas ediciones anuales”, finaliza Lorena Cofradía, cofundadora de URBANA.

¡Cultura Urbana, Cultura de Cambio!




 

 

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Por primera vez en España se revela la

vida y obra de la rusa Anna Ajmátova



María Esther Beltrán Martínez  Fotos: J.Carlos Santana

Andalucía, España.- La Colección del Museo Ruso en Málaga presenta por primera vez en España la obra y vida de  Anna Ajmátova fue una mujer rusa que amó y fue amada. Los hombres que pasaron por su vida sufrieron en sus propias carnes, como ella misma, todo el pesar de la vida rusa del siglo XX.

Ajmátova, poetisa rusa conocida  ya desde principios de la década de 1910, atraía la atención  de muchos no era solo, por sus versos. Su apariencia extraordinaria y memorable, así como su manera de comportarse y vestirse  se convirtieron en un estilo propio. Ejercía un notable magnetismos entre sus allegados y amistades. Fue inspiración en la obra de grandes poetas y musas de artistas como Amedeo Modigliani, Natan Atman o Kuzmá Petrov-Vodkin.

La exposición está conformada por retratos de ella y los hombres que formaron parte de sus vidas, poemas, libros y objetos que pertenecieron a la artista.

En la exposición Anna Ajmátova. Poesía y vida se puede ver una pequeña selección de los mejores retratos hechos en vida de Anna Ajmátova , como son Retrato de Anna. Ajmátova de Natán Altman (1915), además de fotografías y poemas, tanto de Ajmátova como de otros poetas de su tiempo. Todos los retratos son obra de artistas conocidos de la primera mitad del siglo XX, como el mencionado Natán Altman o Kazimir Malévich y otros.

Su vida tiene un antes y un después de la Revolución de Stalin. La primera época fue una mujer feliz que tenía contacto con la efervescencia  artística de la época en los que formaba parte de los círculos más exclusivos y de su vida tiene relación con poetas como Mandelshtam o Gumiliov, con quien se casó muy joven tuvo unas segundas nupcias con Vladímir Shileiko.

La segunda época de su vida estuvo marcada por las privaciones y el sufrimiento. El fusilamiento de Gumiliov, el arresto de su tercer marido, el historiador Nikolái Punin y, más tarde, el de su hijo. El estilo de Anna Ajmátova sufrió un cambio radical y de ahí surgió Réquiem, uno de los poemas fundamentales de la literatura rusa,  que recoge el sufrimiento de las mujeres que día a día hacían cola para conocer el estado de sus familiares. Su personalidad y figura se ha convertido en una leyenda de resistencia y dignidad para las generaciones posteriores.

Stalin, que la llamó mitad moja, mitad puta, ordenó respetarla para someterla a un sádico aislamiento. En su apartamento del Fontanka, abandonada  de todos menos unos pocos fieles, se convirtió en una leyenda de resistencia y dignidad.

 

 

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Primera Edición del Festival “Tzompantli, La Paz, 2019”

 

    Inicia la primera edición del festival “Tzompantli, La Paz, 2019”, que se llevará a cabo del 29 de octubre al 01 de noviembre.

    El Gobierno Municipal busca preservar y fomentar las tradiciones de Día de Muertos de la mano de la cultura y las artes.

 

El gobierno municipal de La Paz, Estado de México, arrancó la primera edición del festival “Tzompantli, La Paz, 2019”, con el que las autoridades locales buscan preservar y fomentar las tradiciones de Día de Muertos de la mano de la cultura y las artes.

Este evento, que se llevará a cabo del 29 de octubre al 1 de noviembre en la explanada municipal, delegaciones y panteones de este municipio, contará con más de 15 espectáculos musicales, de danza y teatro; tiene la intención de consolidarse para convertirse en una interesante opción turística y cultural de la región oriente del Valle de México.

Durante el festival se llevarán a cabo recorridos por los panteones de los pueblos del municipio, donde acompañados por la comunidad se realizarán presentaciones de teatro y música así como eventos culturales en La Pirámide y la Explanada Municipal, donde autoridades, instituciones educativas y vecinos instalaron la tradicional ofrenda monumental de La Paz.

Este festejo a nuestros muertos contará con la participación de artistas como el grupo musical In Xóchitl in Cuicátl, integrado por los músicos mexiquenses Francisco Natera y Paty Piñón, considerada una de las mejores percusionista de nuestro país, la compañía de danza contemporánea Árbol de Ginkgo y la compañía teatral Metamorfosis.

    

La presidenta municipal, Olga Medina Serrano señaló que “uno de los principales ejes del Gobierno Municipal de La Paz es la cultura, se busca a través de ella, recuperar espacios públicos, reconstruir el tejido social y dotar a los habitantes del municipio de el arraigo y orgullo de pertenecer a este municipio y a esta entidad.

 


 

 

 

 

 

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El cementerio de Tecómitl se convierte en una deslumbrante galería de escultura-lapida de lodo

 

Milpa Alta es una de las alcaldías con mayores tradiciones, usos y costumbres, con una gama de historia y cultura en los diversos pueblos que la conforman, uno de ellos, es San Antonio Tecómitl, en el que el Gobierno de los Pueblos, en colaboración con el Comité Organizador, llevaron a cabo la celebración, de la 14a. Edición del Festival de Día de Muertos, con el concurso de adorno de tumbas, esculturas de lodo y de calaveras de chilacayote.

En este pueblo originario se realiza una particular tradición, que consiste en hacer monumentos funerarios con lodo, juntan la tierra al limpiar las tumbas, la remojan y empiezan a trabajarla, moldeándola y apretándola dándole vida a la muerte, consiguiendo dar forma a figuras de calaveras, pan de muerto, caricaturas, ofrendas prehispánicas en miniatura, carros, motos y una inmensa galería de figuras en las tumbas.


A medio día las tumbas van tomando forma y ya empezando la tarde el panteón se convierte en una galería de figuras hechas con lodo, todo le da vida y color, las flores, la diamantina de colores, la cal, la pintura de colores, no puede faltar el sahumerio y las veladoras que alumbran el camino de los familiares muertos.

Llegada la noche, el esfuerzo y esmero de los concursantes es premiado por el alcalde en Milpa Alta Octavio Rivero y los integrantes del comité organizador, algunos de los galardonados fueron, Daniel Espinosa, Diego Ramos, Gerardo Jiménez, Israel Pagia, Carla Siliceo y Fernando Ríos, quienes recibieron de manos del alcalde sus premios, así como el reconocimiento de los asistentes, quienes además se deleitaron con múltiples actividades artísticas y culturales, entre las que destaco la actuación del Trio los Panchos.

El Día de Muertos, es una tradición que resalta la gran riqueza cultural prehispánica, de los pueblos originarios de Milpa Alta.


 

 

 

 

 

 

 

 

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Los nietos de Picasso y de Calder presentan obras

por primera vez juntos en el Museo Picasso Málaga



María Esther Beltrán Martínez

Málaga, España.-  Los nietos,  Alexander S. C. Rower, Presidente de Calder Foundation,  New York y Bernard Ruiz-Picasso, Copresidente de Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte (FABA);presentan la primera exposición en España dedicada a explorar los vínculos creativos  entre sus abuelos respectivos Calder-Picasso.La exposición reúne más de cien obras.

Bernard Ruiz-Picasso en entrevista manifestó su alegría de esta exposición en la que se hace presente el tema del vacío y la ausencia de espacio en las obras tanto de Pablo Ruiz Picasso como de Alexander  Calder.

“El concepto de está exposiciones explorar la trayectoria de grandes maestros del siglo XX, Calder- Picasso quiénes crearon obras con muchas similitudes por lo que surge el  inicio de esta exposición, en su concepto es profundizar en el vació que hay en el arte. Hay siempre un vació en el cual la percepción de ver siempre cambia”explica el nieto de Picasso.

Estos artistas Picasso- Calder nacieron a finales del siglo XIX y sus respectivos padres  eran artistas de formación clásica. Dejaron sus países de orígen y se marcharon a trabajar a Francia donde adquirieron su estilo y conviviendo con otros artistas  nutrieron sus creaciones y dieron un estilo propio a su obra.

Alexander Calder, norteamericano (1898-1976) fue un artista prolífico que desafió el espacio euclidiano convencional y fue más allá de las tres  dimensiones clásicas de altura, anchura y profundidad explorando la cuarta dimensión del tiempo. Sus esculturas figurativas de alambre - definidas por la crítica  en 1929 como dibujos en el espacio delinean volúmenes transparentes, que quedan replicados en las sombras que proyectan sobre la pared. La composición de sus móviles no objetivos es  infinitamente variable, activada por los caprichos de la naturaleza, desdibujando las fronteras entre pintura, escultura y coreografía y dinamizando el espacio de manera impredecibles. Y Pablo Picasso, español (1881-1973)  el vacío se expresaba como una necesidad creativa, nacida de su conciencia de la mortalidad. En sus dibujos, pintura y esculturas, nos encontramos con el mismo principio que consiste en crear figuras añadiendo formas orgánicas, así como una forma inesperada de manejar el volumen dentro de los límites del lienzo. A medida que Picasso simplificada. Explica los especialistas.

Calder y Picasso innovaron con maneras inéditas de percibir los grandes temas del arte. El diálogo entre los dos está  abierto a infinitas posibilidades, pero hay un nexo vital en la exploración y explotación del vacío.

José Lebrero indicó que el si bien hay ciertos paralelismos y sin energías en el trabajo de estos dos íconos de la modernidad, sus encuentros personales fueron escasos. Se conocieron en 1931, cuando Calder presentó su primera exposición de esculturas no objetivas en la Galerie Percier de París. 

Lo que presenta el Museo Picasso Málaga es una visión  general de la extensa obra de Calder con una selección de sus figuras tridimensionales de alambre así como de sus creaciones artísticas más conocidas como son los móviles y el stabile además de sus posteriores  constelaciones, torres y gongs.

“Creador de formas, innovador de la línea y el espacio, el artista investigó la fuerza de la gravedad, el tránsito del aire y la intervención de azar. Su curiosidad y amplitud intelectual le llevó a revolucionar  la escultura a través del potencial cinético del arte, experimentado con materiales variados en sus obras al introducir elementos de la naturaleza como el soplo del viento. Según observó Jean-Paul Sartre, Calder no sugiere el movimiento, sino que lo encarna: “un objeto de Calder es semejante al mar y fascinante como este: siempre recomienza, es siempre nuevo”.

“Picasso personalizó la exploración centrándose en el yo interior emocional. `Para el incansable Picasso, el vacío  se expresaba como una necesidad creativa, nacida de su conciencia de la mortalidad. En sus dibujos, pinturas y esculturas, nos encontramos con el mismo principio que consiste en crear  figuras añadiendo formas orgánicas, así como una forma inesperada de manejar el volumen dentro de los límites del lienzo. A medida que Picasso simplificada o purificaba la solidez de una figura, accedía a la verdad del modelo”. Explica la curadora.

Añade que aunque habitaron territorios opuestos- Calder exploró abstracciones multidimensionales, mientras Picasso investigó constantemente el cuerpo humano y animal-esta  exposición invita a experimentar las formas y a entender el espacio real de conversación entre los dos artistas.

La exposición permite ver las obras en diferentes ángulos y disfrutar de su estructura. Además de conocer más la creatividad artística de estos personajes que revolucionaron el arte en el siglo XX.

 


 

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Hits de Tricicle presenta los mejor

de su trayectoria escénica en Málaga

 

María Esther Beltrán Martínez    Fotos: Cortesía Teatro Cervantes

Málaga, España.-  Joan Gràcia, Paco Mir y Carles Sans, quienes conforman Tricicle presentaron cuatro funciones con foro lleno.Hits  -acrónimo de Humor Inteligente Trepidante y Sorprendente- espectáculo con el que se despiden de los escenarios, es una recopilación de sus mejores gags.

Ante los sucesos que pasan en Cataluña, que se ha vestido de violencia y de manifestaciones fue un descanso y tener alegría ver el trabajo de Tricicle. 

Los mejores  sketches fueron presentados para el deleite del público. Este trío destaca que se reúnen doce escogidos por el público a través de las redes sociales y un amplio resumen, que cierra el espectáculo, compuesto de gags  cortísimos que -atención- pueden provocar algún colapso respiratorio.

Agregan en el programa de mano es un compendio de cuarenta años de carrera en el que lo más difícil  no ha sido escoger “lo mejor de lo mejor” sino haber cumplido esos cuarenta años de trabajo que , esquemáticamente, quedarían reducidos a diez  espectáculos, decenas de países, cientos de ciudades, miles de risas y todo sin perder nunca la ilusión de los primeros días porque, en el arte del humor, nadie puede dormirse en los laureles.

Está gira de Hits comenzó en Albacete en el 2016 y acabará a principios del 2020 cuando cumplen  cuarenta años de trayectoria. Cabe destacar que es el trío con sus componentes originales.

Creadores de espectáculos  reconocidos no sólo en ciudades españolas sino internacionalmente también fueron ovacionados.

Han creado nueve obras:Manicomic, Exit, Slastic, Terrífic, Entretres, Tricicle 20, Sit, Garrick y Bits son espectáculos que están de gira unos cuatro años.

Sin duda es un trío que hace reír, pero también son muy críticos y para algunos irreverentes. Sus espectáculos siempre dejan momentos para la reflexión y han sobrevivido y permanecen juntos hasta el final. 

Han estado presentes  también en el mundo del cine, la televisión o la publicidad. Sin duda alguna Tricicle representa parte del humor catalán. Ya veremos si al llegar la fecha de bajar el telón se arrepienten y dan otra posibilidad al público de seguir disfrutando de su talento y reír que es una de las mejores terapias que se tienen ante este mundo alterado.

 

 

 

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La danza internacional está de luto por

el cierre de la compañía de Víctor Ullate



María Esther Beltrán Martínez

Andalucía, España.-   La compañía de Víctor Ullate cierra y deja de dar funciones por lo que en Málaga se cancela su presentación que tenía para presentar 30 años de danza. Las razón que da es que la medida fue tomada ante la inviabilidad económica del proyecto.

A través de un comunicado, el Víctor Ullate Ballet ha anunciado el cierre de la compañía, tras 31 años de actividad. 

Lo que es realmente una pena y un golpe fuerte a la danza contemporánea. Sin duda España pierde un elemento esencial de la danza que es referencia internacional. Sus presentaciones siempre estuvieron a la altura de las grandes presentaciones y contó con la técnica que dejará huella el gran Maurice Béjart.

Recordarán que Víctor Ullate fue alumno de este excelente coreógrafo. Ullate llevaba la misma trayectoria y sus coreografías marcadas por la técnica, la belleza de vestuario, una iluminación cuidadosa y un trabajo ardúo hacía de cada presentación un deleite para el público quién lo ovacionaba por varios minutos cada vez que su compañía pisaba un escenario.

El comunicado indica que: “Sin embargo, el maestro Ullate ha decidido seguir luchando por mantener su legado y continuar formando a futuros bailarines como lo ha hecho hasta ahora, razón por la cual la Escuela y Fundación Víctor Ullate mantendrá sus puertas abiertas. El maestro no renuncia a sus sueño de darle la oportunidad de convertirse en bailarines a niños que por su situación de exclusión social no podrían hacerlo”.

Ullate en varias ocasiones había dado a conocer la falta de apoyo por parte de las autoridades y ahora que a cerrado. Las voces gubernamentales sacan diversos discursos para limpiar su participación en el cierre de esta compañía de baile.

Como público puedo solamente decir que deja un hueco enorme en la danza y que esperemos pronto haya personajes sociales que se sumen a rescatar esta compañía y se pueda seguir difundiendo la danza que es tan limitada y como se ve recibe pocas ayudas, no sólo es un problema de España, sino de muchas compañías en el mundo.

En estos treinta años han formado  parte de la compañía grandes bailarines entre los que se encuentra Eduardo Lao, se ha contado con estrellas invitadas: Marie Claude Pietragalla, Carole Arbó, Joan Boada o el bailaor flamenco Antonio Márquez. Han trabajado para la compañía compositores españoles como Enrique Morente, Estrella Morente y Carmen Linares.

En México quedará presente la memorable actuación que tuvo al aire libre en la Plaza del Zócalo, en el marco del Festival del Centro Histórico.


 

 

 

 

 

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Educación y cultura debe ir de la mano: Seminario

Internacional Museos europeos, mutaciones y migraciones


María Esther Beltrán Martínez   Fotos:J. Carlos Santana

Málaga, España.- Se realizó en Málaga el seminario internacional Museos europeos, mutaciones y migraciones, un encuentro que es una iniciativa  de la Embajada de Francia en España y es fruto de la colaboración del Institut Fraçais en España, el Centro Pompidou Málaga y el Museo Picasso Málaga.

Fueron dos días donde especialistas de  Francia, Alemania, España, Suiza analizaron el tema de las migraciones que sufre Europa actualmente y como repercuten en el trabajo de los museos. Cada uno habló del trabajo que realizan para que el museo sea un espacio de la comunidad y sienta la población que es parte de su identidad.

Se como objetivo  analizar el papel de los museos europeos en una época de profundas mutaciones, marcadas  en particular por las migraciones, no solo de grandes flujos humanos sino también de valores culturales y principios económicos.

En entrevista con Anne  Louyot, Consejera de cooperación y Acción Cultural de Embajada de Francia y Directora general del Institut Français de España.

El papel de los museos actualmente debe cambiar. Ahora en Francia hay nuevos museos que  tienen nuevas políticas. Por ejemplo el Louvre y el museo de Orsay, están cambiando sus estrategias para  que los museos hablen a todo el público, incluido a todos aquellos que no tiene las llaves de entender las obras, expresa Louyot.

“Hay que trabajar, para  tener políticas de mediación  mucho más desarrolladas, innovadoras e inventivas, en las cuales participa el público y no solo el museo cuenta  historias sino el público puede expresar sus opiniones sobre lo que se muestra. Segundo se debe enriquecer el conjunto de obras presentadas agregando obras que vienen de otras partes del mundo no sólo obras europeas”. 

Expresó que se debe desmontar el eurocentrismo y convocar otras obras del mundo entero. Tercero se debe diversificar la colección de los museo y cambiar otros relatos para que sean vayan en sintonía con lo que pasa en las sociedades.

Anne comentó  con agrado el trabajo que realizan en diversos museos franceses y destaca el cambio que surge en la actualidad con la sociedad. Buscando la manera de romper las barreras de identidad, de género y conocimientos.

Una reflexión que se tuvo fue la necesidad de ver los cambios por lo que pasa cada ciudad y como  su comunidad va cambiando y sobre estos cambios dar al público materiales necesarios para que se integren y encuentren respuestas a sus necesidades.

Sin duda esto es una preocupación que tiene Europa por seguir dando los cimientos necesarios para que se siga siendo fuerte, la cultura como el cemento para su crecimiento.

 

 

 

 

 

 

 

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PRESIDENTE INTERCONTINENTAL       POLANCO Y LA GALERÍA HISPÁNICA INAUGURAN EXPOSICIÓN DE “POP ART”

Esta exposición compuesta por obras de 10 reconocidos artistas de talla internacional, engalanarán el lobby del hotel del 26 de septiembre al 28 de noviembre de 2019

 

Grupo Presidente en conjunto con la Galería Hispánica Contemporánea de México presentan una extraordinaria exposición de Arte Pop compuesta por 28 obras de 10 reconocidos artistas de talla internacional en el lobby del hotel Presidente InterContinental Polanco.

Tras 7 años de su primera exposición en el lobby del hotel Presidente InterContinental Polanco, la Galería Hispánica Contemporánea reunió una minuciosa selección de obras de los artistas: Paul Rousso, Fidia Falaschetti, Peter Anton, Mr. Brainwash, Ricardo Cavada, Rafael Barrios, Mel Bochner, Manolo Valdés, Lucia Vallejo y Nicolás Guzmán, representantes del Pop Art, así como de otras tendencias artísticas que por sus características mantienen conexión con el arte pop.

Estos artistas poseen una amplia trayectoria y en su mayoría han llevado a cabo importantes exposiciones en museos e instituciones en diversas partes del mundo. Simultáneamente, Lucía Vallejo cuenta con una muestra artística en el Museo Lázaro Galdiano de Madrid, España; mientras que Fidia Falaschetti tiene en exhibición un “Freaky Mouse” en la entrada al Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Ámsterdam (MOCO, por sus siglas en inglés). Así mismo, por el gran prestigio a nivel internacional se puede destarar a: Manolo Valdés, Mel Bochner y Rafael Barrios.

La Galería Hispánica Contemporánea con matriz en Madrid, España, desde que abrió sus puertas en México, además de trabajar con artistas consagrados internacionalmente y artistas españoles que por su relación con México tienen gran interés en exponer en nuestro país, también trabaja con artistas mexicanos consolidados y de mid-career.

Por su parte, en su constante búsqueda por promover diferentes expresiones culturales, Grupo Presidente desarrolló el concepto “HospedARTE”, una iniciativa que tiene como objetivo dar a conocer las obras de reconocidos artistas de diversos ámbitos, convirtiendo sus instalaciones en un espacio perfecto.

Las obras que componen esta exposición se encuentran en exhibición y a la venta en el lobby del hotel Presidente InterContinental Polanco hasta el 28 de noviembre y el público interesado podrá disfrutarla sin costo alguno.


 

 

 

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Antonio Banderas da todo por el Soho

CaixaBank porque es el proyecto de su vida

 

*El musical Chorus Line se estrenará a mediados de Noviembre y se prolonga hasta el 26 de enero en Málaga. Se presentará en diversas ciudades de España e irá a Estados Unidos.

* Dos mexicanas forman parte del elenco de Chorus Line.

*Pablo Puyol será el sustituto de Antonio Banderas.

 

María Esther Beltrán Martínez    Fotos: J.Carlos Santana

Málaga, España.-  Un megaproyecto es lo que presenta el actor español Antonio Banderas al presentar oficialmente el musical Chorus Line, acompañado de una compañía internacional que ha reunido y seleccionado con diferentes casting para realizar el proyecto de su vida.

La expectación es grande entre los medios de comunicación de Málaga y España. La cita es en la  Escuela Superior de Artes Escénicas de Málaga, lugar que apoya Banderas y es el semillero para preparar profesionales del espectáculo. Como ejemplo hay ya alumnos que forman parte de la compañía de Chorus Line. Y tiene entre sus planes llevar especialistas en maquillaje, edición y producción para dar talleres y den  alternativas a los alumnos. Expresó que no todos llegarán a ser estrellas, pero pueden encontrar su vocación en otras áreas que necesita de expertos en escenografía, maquillaje, producción, gestión teatral y otros campos en los que pueden tener una profesión con éxito.

Antonio cuenta con un equipo pequeño, pero de un profesionalismo internacional. Solo basta decir que la dirección  artística está a cargo de Baayork Lee, una leyenda de Broadway. Y la calidad del elenco es muy buena, entre ellos se encuentran dos mexicanas: Marcela Nava Beltrán y Estibaliz Ruiz, ambas con una gran experiencia en musicales presentados en la Ciudad de México. Asimismo se tienen malagueños como Pablo Puyol que será el sustituto de Banderas; artistas de procedencia de Francia, Alemania y si se ve la trayectoria de los españoles; cada uno de los que integran este musical han pasado por diversos países, siendo reconocidos por su desempeño actoral.

Antonio Banderas indicó que la fecha de estreno se ha atrasado más de lo previsto debido a las obras que se están realizando en el nuevo edificio que albergará Teatro del Soho CaixaBank. Razón por lo que se espera el estreno a mediados del mes de Noviembre y se prolongará en Málaga hasta el 25 de enero, después del día de la gala de los Goya.

Banderas quién ha tenido un verano muy movido y ha viajado  a las diferentes ciudades para las presentaciones de la película de Almodóvar, Dolor y gloria y de Steven Soderbergh The Laundromat . Indicó que dará todo para terminar lo que ha iniciado. Al ser cuestionado sobre cuál ha sido su mayor proyecto sin dudarlo dijo: “El Soho es el proyecto de mi vida;pero no es una tumba, es una cuna” Y agregó que se está creando un niño precioso donde no sólo será teatro. Habrá un espacio para la música, la danza y donde se presenten proyectos en los que se  involucraran diferentes compañías de teatro. Además que se siente orgulloso de tener un equipazo liderado por Lluis Pasqual, “es el mejor director de teatro de este país” subrayó Banderas.

Se espera que para la inauguración estén presentes cuarenta invitados de Broadway, que son parte del elenco original que ha invitado Lee. Y seguramente habrá muchos personajes importantes que asistan al estreno y ocupen una de las casi  novecientas butacas que conforman el teatro de ensueño que quiere Banderas.

Durante la presentación se tuvo un ensayo de Chorus Line donde se vio la vitalidad, elegancia y técnica de los más de treinta bailarines así como de la actuación de Banderas que dará vida al personaje de Zach; célebre y exigente coreógrafo y director teatral; su trabajo y su vida son una misma cosa.

Banderas dejó muy claro que su producción cuenta con música en vivo y que se está trabajando para que no se engañe al público.Por lo que se contará con una orquesta formada por veinte  músicos, la dirección está a cargo de Arturo Boscovich.

Sin duda alguna Antonio Bandera cumple su sueño con él muchos amantes del buen teatro sin importar nacionalidades. Málaga será no sólo un punto de encuentro para los amantes de los museos, sino de las artes escénicas. Bravo por este malagueño.



 


 

 

 

 

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Cirque du Soleil llega con Kooza a Málaga

y cautiva con su excelente trabajo y estilo

María Esther Beltrán Martínez  Fotos: J.Carlos Santana.

Málaga, España.-  Son más de siete millones de personas que han visto Kooza,que se inspira en la  palabra sánscrita koza, hace referencia a caja, cofre o tesoro. Es un espectáculo familiar que remonta a los inicios del circo puro donde  el público disfruta de las acrobacias y el arte y cercanía de los payasos.

Kooza, cómo todos los espectáculos del Cirque  du Soleil cuentan con la calidad, el ritmo y la belleza que da su iluminación, coreografía, música y vestuario. Y sin duda alguna el contar con magníficos artistas procedentes de diferentes nacionalidades.

Durante el espectáculo de más de dos horas y media se escucha música en vivo: trompeta, trombón, bajo, batería, percusión, saxofón, guitarra y teclado. Y dos cantantes interpretan 18 temas inspirados en los sonidos de la cultura pop occidental, desde el funk de los años setenta hasta los arreglos orquestales completos. 

La emoción se hace presente  desde que entras a tomar tu lugar y ver desde tu asiento los alambres que no sabes qué pasará con ellos, el personal vestido de negro con el logo del circo de un lado a otro, subiendo por las columnas ver en la pista y de pronto descubrir a los  payasos que interactúan con el público.

El espectáculo ha comenzado cuando un personaje mágico llamado Trickster irrumpe en escena ante el Inocente con una caja de sorpresas, que lo lleva a encontrarse con una serie de personajes cómicos como son: el Rey, Heimloss, Detestable turista y su perro malo.

La explosión de colores,la música y la sorpresa logran que el pulso se acelere. Y comienza la presentación de los artistas que con los números de:  manejo de aros,teeterboard; el trampolín lanza a los artistas al aire, donde ejecutan quíntuples saltos mortales con giros. Y eso es solo el preámbulo de lo que vendrá: otros acróbatas harán lo mismo a más de 9 metros sobre el escenario con zancos de metal dobles e individuales atados a sus piernas. Contorsionismo,dúo de monociclo,equilibrio sobre sillas,alambre alto,rueda de la muerte,correas aéreas y la House Troupe entra en acción en el momento álgido del espectáculo. En el número destacan las pirámides humanas, los cuerpos que vuelan por el aire colisionando de forma impactante (en un atrevido salto hacia un círculo de tela inspirado en el Nalukauq, el tradicional juego inuit de lanzar la manta) y las colchonetas salvavidas típicas de los bomberos.

“KOOZA trata de la conexión humana y el mundo de la dualidad, lo bueno y lo malo”, afirma David Shiner, autor y director del espectáculo. “El tono es alegre y divertido, ligero y abierto. El espectáculo no se toma a sí mismo demasiado en serio, pero tiene mucho que ver con las ideas. A medida que evoluciona, exploramos conceptos como el miedo, la identidad, el reconocimiento y el poder”.Para KOOZA, Marie-Chantale Haupt se inspiró en una amplia variedad de fuentes: desde novelas gráficas o el pintor Klimt hasta películas de Mad Max y de viajes en el tiempo a la India y a Europa del Este. Pero también en el movimiento de los relojes, los soldados de hojalata, las bandas de marcha, los uniformes y las ilustraciones de libros infantiles. Todo ello combinado para crear un aspecto que recuerda a Alicia en el País de las Maravillas, Barón Munchaüsen y El mago de Oz. Durante el espectáculo se producen numerosos y rápidos cambios de vestuario. Para lograrlo, Marie-Chantale tuvo que investigar las técnicas de los magos para cambiarse de forma rápida y así crear su propia magia de vestuario, nos indica el departamento de prensa.

Sin duda alguna Kooza, vale la pena verlo. Nos remite al tradicional espectáculo del circo, combinado con  un colorido especial que ponen con el vestuario, una magnífica iluminación y qué decir de la música.

En Málaga permanecerán un mes y seguramente será la alegría que se tiene para finalizar casi finalizar el verano.

 


 

 

 

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Antonio Banderas cumple sus sueños

con el Teatro del Soho CaixaBank

María Esther Beltrán Martínez

 

Andalucía, España.-  Málaga espera la tercera llamada del Teatro del Soho CaixaBank. Qué es el sueño hecho realidad del actor, productor, director, Antonio Banderas. Las puertas se abrirán en el mes de octubre y próximo 19 de septiembre se tendrán los pormenores en una rueda de prensa.

Debido a la gira que tiene Banderas por la película Dolor y gloria, el actor ha sido cuestionado por el proyecto que tiene ya más que avanzado en la Costa del Sol. Y en la propia página del teatro expresa: “El teatro ha sido y es mi mejor escenario. La interpretación más pura, más cercana y más emocionante siempre se vive sobre las tablas. Mi época profesional más feliz ha estado ligada al teatro, y sueño con tener  uno desde los años 70”.

Sin duda es una realidad en el centro de Málaga el público nacional como los miles de visitantes que pisan suelo malagueño descubrirán  un espacio de explosión cultural y artística.

Poco a poco se han ido descubriendo los cimientos de este sueño, sin duda lo encabeza Banderas, quien es muy comprometido con su tierra, y para prueba decenas de botones. A invertido en Málaga y da trabajo a centenares de personas. Colabora con Asociaciones benéficas es partícipe de la Semana Santa siendo Hermano Mayor.

Tiene uno de los festivales de verano con un crecimiento increíble. Y lo mejor con gente súper profesional. Y por tal es un éxito el Starlite. Y el trabajo se ha extendido hasta México.

Sin duda las redes  sociales como el instagram han sido las ventanas para poder ir viendo el trabajo que desarrolla el proyecto. 

Nos enteramos de que el director será Lluis Pasqual, reconocido por sus trabajos escénicos siendo el último en Barcelona. Y actualmente conoce el elenco. 

El musical que se va a presentar es Chorus Line que se desarrolla en el teatro  de Broadway a mediados de los años 70. Comienza en medio de una audición  para una nueva producción. Se va desarrollando con el trabajo de selección donde los candidatos trabajan duramente para quedarse y en medio de la convivencia dan a conocer su historia. El punto final es One número culminante de la historia donde se ve la unidad del equipo. 

Es una obra que ha sido ovacionada y sin duda representa un esfuerzo y un gran reto para Banderas. Para presentar una producción excelente.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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La casa Natal de Pablo Ruiz Picasso

presenta reflexiones sobre la muerte

 

María Esther Beltrán Martínez Foto: J. Carlos Santana

Málaga, España.-  En la Casa Natal de Pablo Picasso se exhibe la exposición Picasso: Le Chant des Morts y el género de la vánitas. Compuesta por grabados, ilustraciones y poemas. Las obras seleccionadas por el comisario de la exposición, Carlos Alberdi, provienen de los fondos de la Biblioteca Nacional y de la Fundación Picasso Museo Casa Natal.

Está exposición muestra en la sala de Plaza de la Merced las ilustraciones realizadas por Picasso para ilustrar  Le Chant des morts de Pierre Reverdy en relación con otras obras antiguas y contemporáneas que ahondan en el concepto tradicional de la vánitas, explica Alberti.

“Desde los tiempos lejanos en  que en los cortejos triunfales de Roma un acompañante del vencedor le susurraba al oído, a lo largo de todo el  desfile, Recuerda que eres mortal, pasando por las enseñanzas de Eclesiastés y los pesares del Santo Job, hay en la cultura occidental una componente moralista y pesimista que plasmó sus consejos y enseñanzas en el género llamado vanitas adoptando la admonición bíblica que veían por doquier  vanitas vanitatum et omnia vanitas (vanidad de vanidades y todo es vanidad). 

Esa corriente de pensamiento y creación rigorista habría de renacer en los momentos de mayores calamidades  colectivas, como la epidemia de la Peste Negra en la Edad Media, la Guerra de los 30 años coincidente con el Barroco, la Guerra de la Independencia coincidiendo  con los albores del Romanticismo o la Segunda Guerra Mundial coincidiendo con las vanguardias. Es Ahí , entonces, cuando el poeta francés Pierre Reverdy escribe  entre 1945 y 1948 en la abadía benedictina de Solesmes, a la que se retiró en 1926, 43 poemas lúgubres que buscaban devolver la voz y el alma a los difuntos. 

Picasso ilustró aquel libro con 125 litografías en rojo que  su vez querían ser alfabeto imaginario y un despliegue de huesos recorriendo las páginas. Está exposición recorre ese espíritu desde el siglo XV al siglo XXI con obras de la Biblioteca  Nacional de España”, expresa el curador. Entre las obras que se exhiben se encuentran grabados de Picasso, Rembrandt , Goya y Durero.

Sobre los atributos que caracterizan  a la vánitas se integran en la composición  representando conceptos intelectuales o ideas abstractas,  explica Rosario Camacho, que además del cráneo, el reloj, las flores u hortalizas ajadas, espejos, el cirio apagado, gusanos, la pompa de jabón cualquier objeto que represente la gloria mundana puede convertirse, según  el contexto y por negación , en vanitas, en alegoría de la muerte: joyas, coronas, armas, tiaras, cetros, monedas, naipes, libros, elementos del saber, aparatos científicos, instrumentos musicales etc. Y las grandes alegorías, aun manteniendo su carácter de vánitas, sobrepasan en mucho el concepto general de la Naturaleza muerta, enfatizando su significación simbólica.

 

Entre la vánitas en la poesía se encuentra el siguiente de Sor Juana Inés de la Cruz (1648-1695)

Este que ves, engaño colorido,

que, del arte ostentando los primores,

con falsos silogismos de colores

es cauteloso engaño del sentido;

éste, en quien la lisonja ha pretendido

excusar de los años los horrores,

y venciendo del tiempo los rigores

triunfar de la vejez y del olvido,

es un vano artificio del cuidado,

es una flor al viento delicada,

es un resguardo inútil para el hado:

es una necia diligencia errada,

es un afán caduco y, bien mirado,

es cadáver, es polvo, es sombra, es nada.

 


 

 

 

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El Centre Pompidou Málaga presenta una

retrospectiva del artista americano Jim Dine

María Esther Beltrán Martínez   Fotos: J.Carlos Santana



Málaga, España.-  Para los que visitan el Centre Pompidou Málaga se encontrarán con la obra del americano Jim Dine (1935 en Cincinnati, Ohio), pintor, escultor, grabador y poeta. La sala de exposiciones temporales muestra una selección de treinta obras donadas por el artista  al Musée National d´Art Moderne, entre 2017 y 2018 y agrupa obras pertenecientes al periodo de 1961 a 2016.

Jim Dine quién estuvo presente durante la inauguración mostró un conjunto de pinturas y esculturas que revelan la incesante exploración autobiográfica através de los elementos recurrentes como son  herramientas de acero, corazones diseñados con diversos materiales, albornoces, venus y pinochos de madera entre otras obras.

Mostró su gusto por estar en la ciudad de Málaga y su beneplácito por la exposición, disfruto de la presencia de la prensa que cedió a tomarse las fotografías que se pidieran, y él tomó las propias. Un hombre que transmite paz más cuando se le ve vestido de blanco.

Su práctica de la poesía se hace presente debido que el artista escribió poemas inéditos con carboncillo en las paredes y las palabras amplifican las cualidades plásticas y simbólicas de sus obras.

La curadora de la exposición Annalisa Raimundo, explica que los primeros objetos que Jim Dine elige para sus composiciones son prendas de ropa (trajes, corbatas, zapatos, guantes...). Unos accesorios con mucha connotación que se convierten en presencias metafóricas por la forma en que se exponen, inertes, cual reliquias Mi esmoquin muestra  la luz un sorprendente borde difuminado, 1965. Sirven en cierto modo de transición entre el cuerpo y el objeto y representan la extensión del cuerpo del artista en el paisaje que lo rodea. Rápidamente, Dine asigna a las herramientas que han forjado su infancia -sus abuelos tenían una ferretería- un uso autobiográfico. Además de los objetos seleccionados por su connotación autobiográfica, Jim Dine utiliza figuras emblemáticas para diseñar múltiples alter ego que le permiten dialogar consigo mismo y abordar su relación con el arte y con su proceso creativo.

Sobre la Donación  Jim Dine explica en el catálogo expreso para la exposición: “ Soy un artista versátil, de modo  que podría haber donado otras creaciones del mismo periodo o de otros periodos diferentes. Todas las obras  proceden de mi colección personal. Al principio, elegí guiándome por la intuición , pero después empecé a pensar en la relación entre cada obra que añadía y las demás. Quería mostrar todo el rango de mis temas y mis iconos y realizar una donación que tuviese fuerza en conjunto”.  

La exposición tiene tres segmentos: Objetos simbólicos, Alter ego y El acto creativo y sus huellas.

Además de los objetos seleccionados por su connotación autobiográfica, Jim Dine utiliza figuras. Dibujados esquemáticamente, son planos, frontales y siempre muestran la misma postura, con los puños en las caderas, evocando una presencia amistosa pero indolente. En Stephen Hands Path asocia este motivo a un tronco cortado, oponiendo así ausencia corporal y cualidades físicas y dramatizando la inercia del albornoz. 

“El albornoz llega a convertirse en un tema casi obsesivo que ocupa gran parte de la creación pictórica y gráfica de Jim Dine en dos momentos precisos: en 1964-1965 y entre 1974 y 1986. En esta segunda fase, los albornoces, presentados con múltiples registros de luces y colores, se disuelven en un fondo brumoso que les confiere un aspecto un tanto inquietante (The Farmer). A partir de 1983, los albornoces van cediendo paso a las venus. Dine personaliza la icónica Venus de Milo decapitandola y realizando en su estudio una moldura ampliada de yeso que ha presentado a lo largo de las décadas con formas, materiales y composiciones muy variados. Esta forma aparece tras un largo periodo en el que Jim Dine, retirado en Vermont, se centra en el estudio minucioso de la naturaleza y de su propio cuerpo y profundiza en el conocimiento de la historia del arte. Extraída de este contexto, simboliza esta etapa de investigación y, como los corazones, incluye a veces herramientas y objetos especiales para el artista. Dine comienza después a desarrollar sus creaciones en torno a la figura de Pinocho: se identifica con este niño solo en el mundo y lo usa como una metáfora de la creación. Con su actitud pícara, distraídos y despreocupados, a menudo con los pies desbordando el zócalo, los pinochos evocan la relación entre el creador y la materia prima simbolizando la historia de la escultura” explica la curadora.

 


 

 

 

 

 

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Premiado Carlos Rivera en la Gala Starlite 2019

el mexicano si triunfa en tierra española

 

María Esther Beltrán Martínez   Fotos: Cortesía Starlite.

Marbella, España.-   La noche de Gala Starlite 2019 dejó emocionados a todos los asistentes. El cantante mexicano Carlos Rivera fue premiado y participó en el show para deleite de los asistentes. Y la gala  batió su récord al superar los 600 mil euros. Los anfitriones Antonio Banderas y Sandra García- Sanjuán reunieron a 437 invitados entre los que se encontraron 97 celebridades del ámbito cultural, social y empresarial, que fueron al encuentro para recaudar fondos para las fundaciones: Lágrimas y Favores, creada por Banderas y la Fundación Starlite, presidida por Sanjuán.

El embajador en México de La Fundación Scholas, cuyo objetivo es generar un cambio educativo en las comunidades de bajos recursos por medio de la tecnología, el arte y el deporte para mejorar el desarrollo de niños y jóvenes, Carlos Rivera, es el tercero de los premiados por Starlite en 2019, por ser un ejemplo de solidaridad en la búsqueda constante de una transformación educativa que conduzca a la tolerancia, el respeto y la paz.  Entregaron el premio Miguel Poveda y Loles León.

Al celebrarse los diez años de la gala, la pasarela estuvo muy concurrida asistieron personalidades como: La Princesa Marta Luisa de Noruega, Joseph Fiennes, los cantantes Carlos Rivera, David Bisbal, Rosana y Diego Torres. Los bailarines Sara Baras y Joaquín Cortés. 

Como cada año se realizó la tradicional subasta, las actuaciones encabezada por la bailaora  Sara Baras mientras que el Mago Pop inició las actuaciones masculinas para dar paso a Carlos Rivera, David Bisbal y finalizó Diego Torres que cantó  Color Esperanza  y fue la pauta para compartir un pastel de 10 pisos.

"La gala ha dado resultados extraordinarios. El 85 por ciento de los fondos de la fundación que yo presido, Lágrimas y Favores, ha salido de aquí en los últimos 10 años. Esta gala se ha institucionalizado en Marbella y tenemos que congratularnos de que sirve para abastecer de fondos a aquellas asociaciones que llevan a cabo los proyectos que un día nos propusimos desarrollar", indicó Antonio Banderas.

El actor español participó en todo momento como fue  en la conga solidaria, un baile altruista sobre el escenario, con celebridades congregadas en la gala que tuvo éxito y recaudó una buena suma.

Los premiados Starlite Gala 2019   fueron la Princesa Marta Luisa de Noruega, Almudena Fernández y Aritz Aranburu, Carlos Rivera y Diego Torres quienes recibieron los galardones en  vidrio reciclado. Es una forma de agradecer su apoyo activo a los más desfavorecidos a través de proyectos de cooperación y desarrollo.

Durante la subasta se tuvieron piezas únicas y obras de arte entre las que se encontró una obra de José Luis Puche,José María Cano, Bibiana Domit y Blanca Cuesta,entre otros. Un viaje a Florencia que incluye la confección de un traje a medida de la prestigiosa marca de lujo italiana Lardini, una experiencia Ford, diversos planes de salud y belleza.

La Gala Starlite nace en 2010 para recaudar fondos para causas benéficas, principalmente para las Fundaciones de los anfitriones, Lágrimas y Favores, creada por Antonio Banderas y Fundación Starlite, presidida por Sandra García-Sanjuán. La Gala cuenta con el respaldo de personalidades del ámbito cultural, social y empresarial muy conocidos a nivel nacional e internacional. La Gala se financia con sponsors y el 100% de los fondos recaudados se destinan a las fundaciones apoyadas. A lo largo de sus ediciones anteriores, Starlite Gala ha recaudado más de dos millones y medio de euros que se han repartido entre proyectos de decenas de fundaciones. Su proyección es tal, que en 2016 celebró su primera edición en México con un éxito apabullante.  


 

 

 

 

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La Compañía DramaDanza estrena Migrantes, obra coreográfica que retrata el éxodo de miles de personas alrededor del planeta

*** El programa se complementa con la reposición de Ditirambos, obra lírica con tonos eróticos

*** La función se llevará a cabo el jueves 8 de agosto, a las 20:00 horas, en el recinto de mármol, en el marco de Estados en movimiento. Temporada de Danza 2019 en el Palacio de Bellas Artes.

 

Un fenómeno mundial como es la migración es lo que aborda en la escena la coreógrafa y bailarina Rossana Filomarino con su compañía DramaDanza. Migrantes, una producción de la Coordinación Nacional de Danza del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, INBAL, es un acercamiento a una realidad que también existe en México: el éxodo de miles de hombres y mujeres que dejan sus países en origen en busca de mejores condiciones de vida

Será el 8 de agosto, a las 20:00 horas, cuando DramaDanza arribe al Palacio de Bellas Artes - en el marco de Estados en movimiento. Temporada de Danza 2019 en el Palacio de Bellas Artes- con una propuesta donde la maestra Rosana Filomarino, distinguida con el Premio Nacional de las Artes y Literatura 2018, aborda un tema universal del que expresa: “los grandes flujos migratorios han avivado el racismo en muchas partes del mundo, porque representan una amenaza al establishment y al sistema neoliberal. 

“El montaje coreográfico de ninguna manera pretende sugerir soluciones a estos grandes problemas que rebasan toda capacidad individual. Sólo deseo manifestar y compartir mi sentir de una manera poética, a través de los cuerpos en movimiento y de su organización en el espacio escénico, crear distintas imágenes y lenguajes que expresan asombro, ira e indignación; hondas emociones que algunos experimentamos al conocer las vejaciones que sufren los desplazados.

El eterno caminar de los migrantes, sus recuerdos que lo mismo transitan entre el amor y la violencia forman parte de las imágenes que se recrean en la escena. El espectador se acercará a las largas e interminables caminatas que emprenden los migrantes en busca de una vida mejor; en su éxodo se entrelazan sueños, añoranzas y momentos difíciles, pero siguen adelante sin perder la esperanza.  Migrantes, a decir de su creadora, busca conmover al público y generar empatía con las personas que ya no tienen nada, sólo un camino que recorrer y una esperanza, a veces clausurada. “Tal vez así podamos avanzar en las soluciones, por lo menos por el lado de la solidaridad humana”.

El programa se complementará con la reposición de la obra lírica Ditirambos, una especie de himno celebratorio al espíritu dionisíaco de la vida y la creación. Es una propuesta que estrenó la maestra Rossana Filomarino en 2015, con música de Rodrigo Castillo Filomarino. Es una obra cuyo trazo y movimiento nos remite a un camino recorrido, con accidentes afortunados y desafortunados, con hallazgos y caídas.

En ambas piezas coreográficas se hace presente el sello de DramaDanza con un lenguaje exacerbado, intenso, provocador y de una fuerte expresividad. Participan los bailarines Amada Domínguez, Cristian Fuentes, Stephanie García, Mariana Granados, Natali González, Ulises González, Carlo Huerta, Irvin Guerrero, Patricia Marín, José Ortiz e Itzel Zavaleta; la música original es de Rodrigo Castillo Filomarino; iluminación de Roberto Arellano; el dramaturgista es José Alberto Gallardo y las coreografías son de la maestra Rossana Filomarino.

DramaDanza se constituyó en 1991 y en estos años de quehacer ininterrumpido la compañía ha profundizado en la fusión de la técnica dancística con convenciones y conceptos provenientes del arte dramático y de la danza Butoh para forjar un lenguaje propio que, valiéndose de toda la potencia corporal de la danza, le permite exponer escénicamente su particular temática. El resultado es un lenguaje exacerbado que se ubica entre el expresionismo, lo grotesco y la ritualidad. 

La compañía se ha presentado en los foros más importantes de la Ciudad de México, como el Palacio de Bellas Artes, la Sala Covarrubias, el Teatro de la Danza, y en prácticamente en todos los festivales de danza del país. Ha realizado numerosas giras a España, Italia, así como a Costa Rica, Ecuador y Canadá.

La puesta en escena es una producción de la Coordinación Nacional de Danza del INBA, y luego de presentarse en la Ciudad de México continuará temporada en Tlaxcala, Oaxaca y Morelos.


 

 

 

 

 

 

 

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La Costeña® y Guillermo del Toro lanzan concurso para jóvenes mexicanos

 

El concurso “Creando sabor con mis monstruos” invita a los jóvenes mexicanos a expresarse teniendo como referente a Guillermo del Toro

 

 

En el marco de la exposición “En casa con mis monstruos”, la cual se alberga en el Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara, La Costeña® convoca a todos los estudiantes mayores de 18 años a expresarse artísticamente, tomando como inspiración las obras de Guillermo del Toro y el sabor de La Costeña®.

Del Toro, además de ser un exitoso cineasta, es una persona que constantemente apoya el talento juvenil. Desde solventar los gastos para que estudiantes viajen a olimpiadas de conocimiento hasta brindar becas para que los jóvenes continúen con su preparación, se ha convertido en un referente de inspiración.  

La marca de conservas se suma a este esfuerzo con un concurso artístico para jóvenes, donde el concepto creativo puede ser expuesto mediante una obra fotográfica, pintura, dibujo o diseño gráfico. El proyecto debe incluir un concepto, obra, personaje, objeto, trama, situación o frase que haga alusión al director mexicano. Además, debe de incorporar algún elemento que tenga relación con      La Costeña®. Finalmente, los participantes tendrán que explicar de forma escrita la relación entre Del Toro y la compañía mexicana expuesta en su obra artística.

El certamen premiará 10 trabajos con un viaje todo pagado a Guadalajara, Jalisco, para que puedan conocer la exposición de “En Casa con mis Monstruos” de Guillermo del Toro y así continuar desarrollando ideas que en el futuro inspiren a más personas. Los primeros tres lugares podrán ganar una laptop, una tableta electrónica o una cámara fotográfica instantánea.

Los únicos requisitos para participar son: ser mayor de edad, residir en México y estar matriculado en alguna universidad de la República Mexicana. Las propuestas deberán ser enviadas al correo: creandoelsabor@lacostena.com.mx a más tardar el 16 de agosto de 2019.

Crea el sabor y dale el toque a tu imaginación con La Costeña®.

 

#LaCosteñaPorSabor

 

 

 

 

 

 

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El Goya sigue viajando por Andalucía y

Málaga será la sede de la entrega en el 2020

María Esther Beltrán  Martínez Fotos: J.Carlos Santana



Málaga, España.-  Después que fuera un éxito la entrega  de los galardones del Goya en el 2019 en Sevilla, ahora viajará a la ciudad de los museos,  Málaga. Tendrá un costo aproximado de 2 millones de euros más IVA. Y será la primera vez que la sede  sea un espacio deportivo, debido que se realizarán en el Palacio de los Deportes José María Martín Carpena, el 25 de enero de 2020.

El vicepresidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España,Rafael Portela, anunció, junto al alcalde de Málaga, Francisco de la Torre; la consejera de Cultura y Patrimonio Histórico de la Junta de Andalucía, Patricia del Pozo; el presidente la Diputación de Málaga, Francisco Salado, y el presidente de Unicaja Banco, Manuel Azuaga, que la Costa del Sol recibirá la ceremonia de los 34 Premios Goya.

Francisco de la Torre, agradeció la confianza y prometió estar a la altura de las circunstancias, con gran ánimo reiteró la amabilidad y el cariño que tienen los malagueños por el cine. Agregó que las instalaciones estarán listas para la fecha y que el equipo de gobierno de la Junta como del municipio darán todo para que la entrega del Goya sea histórica.

Rafael Portela indicó que sin duda es una decisión acertada que Málaga sea la sede de la próxima entrega. 

"Es un honor y un privilegio traer a Goya a la ciudad de los museos. Tras debatir distintas propuestas, y sentirnos muy queridos y bien acogidos en Sevilla el año pasado, hemos tomado la mejor decisión, la de venir a Málaga, cuyo festival de cine en español lleva sembrando el amor al séptimo arte entre sus habitantes desde hace 22 años. En el cine y en la vida hay que ir donde uno se siente querido", 

Ante los representantes de los diversos medios de comunicación que se dieron cita, se firmó el convenio entre las cuatro entidades que a partes iguales respaldan el evento -Junta de Andalucía, Ayuntamiento y Diputación de Málaga y Unicaja Banco-.

Los nominados se dará a conocer el 2 de diciembre, reiteraron que habrá sorpresas y que sin duda este 2019 ha sido un buen año para el cine español donde se han recibido premios en Cannes y se concursará en Venecia y San Sebastián.

No se dieron más pormenores de quiénes serán los conductores de la gala, aunque se dejó en el aire que si están de acuerdo puede repetir Andreu Buenafuente y Silvia Abril.

La decisión que fuera en Málaga ha sido bien recibida. Antonio Banderas en su instagram indicó “ la inmensa alegría” que le daba y que la entrega llegará a Málaga.

 

 

 

 

 

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Excelentes conciertos ha presentado Terral

en la Costa del Sol con Zenet y Ute Lemper



María Esther Beltrán Martínez   

Andalucía, España.-  El verano ha entrado y como cada año los festivales musicales se hacen presentes en las principales ciudades de España.

En la Costa del Sol, no podía faltar como año Terral, en esta ocasión  vuelve a traer cantantes representativos de la música internacional. Y también da espacios a los españoles como Zenet, cantante malagueño presentó  su nuevo material La guapería, un nuevo disco basado en las raíces cubanas. El Son y el ritmo latino  se lo apropia y lo hace suyo. 

Fueron más de dos horas en las que el malagueño se lució en todo su esplendor en el escenario. Acompañado de excelentes músicos: José Taboada (guitarra), Manuel Machado (trompeta), Moisés Porro (batería), Pepe Rivero (piano), Raúl  Márquez (violín), Uve Larsson (trombón) y Toño Miguel (contrabajo).

Zenet renueva temas del repertorio cubano de los años 40 y 50 que fueron cantados por Bola de Nieve, Olga Guillot, Celeste Mendoza, Melson Pinedo o Marta Valdés. Son un ramillete de boleros y canciones que abordan temas de pasiones o desgarradores desamores.

Zenet no sólo cantó y bailó; comentó cómo llegó a  la creación de este material, su búsqueda por temas y cómo la  vida lo llevó a la discografía cubana, en la que se dio cuenta que entre los 40 y 50 había temas que no eran tan cursis. Los tomó como propios como si fueran un ladrón de géneros.

Así como interactúo con el público bromeando con los que llegaron tarde y se perdían su primer tema, como de todos aquellos que se levantaban de su asiento durante el concierto: “Han tomado mucha agua con el calor, como traen loco al personal”.

Entre los temas se escucharon: Estas equivocada, Es tan difícil, Borrasca, No te empeñes más, Devuélveme mis besos, Tu no yo sí,  Un beso de esos, Fuiste tú y no podía faltar su gran éxito Soñar contigo.

Un concierto que dejó una gran experiencia musical, y ganas de seguir escuchando su música. 

Otro de los conciertos que cautivó al público fue el de la cantante alemana Ute Lemper quien lució como la gran diva. Su entrada al escenario robó la atención del público con su figura luciendo un vestido de lentejuelas negras que marcaba las curvas de su cuerpo. Y su extraordinaria voz que sigue cautivando a quien la escucha.

Dio las gracias al público malagueño y recordó que había estado en otras ocasiones y lo había pasado muy bien. 

Considerada como la legítima sucesora de Lotte Lenya y Marlene Dietrich. presentó Songs from the broken heart una colección de temas inspiración de Charles Bukowski, Paulo Coelho, Pablo Neruda, Lép Ferré, entre otros. Estuvo acompañada por una banda  formada por piano, teclado, bajo, batería y violín.

Ute se lució con el tema de Lola, en la que hace el acompañamiento de instrumentos de viento con su propia garganta  y al cantar: One for my bay, An angel weeps, That Jazz y Rue Pigalle.

Ute sigue siendo referente y cautiva con su estilo. 

Málaga disfrutó de su talento aunque con la asistencia de un público que ocupó medio teatro.  Ute Lemper fue ovacionada y recibió el aplauso por varios minutos.

 


 

 

 

 

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El fado, jazz, folk,matices latinos y

flamencos presentes en el Terral



María Esther Beltrán Martínez        Fotos: Cortesía Teatro Cervantes



Andalucía, España.-  Como todos los años el terral se hace presente en la Costa del Sol. Pero no me refiero al viento caliente que envuelve el ambiente y hace que el verano sea más caluroso. Sino llega el festival musical que programa año tras año el Teatro Cervantes en Málaga.

El Terral 2019 viaja del pop al fado y del folk al jazz con Rufus Wainwright, Mariza, The Chieftains, Ute Lemper, Paquito D’Rivera y Michel Camilo con Tomatito, Kroke, Zenet, Richard Bona y Yamato completan las diez fechas programadas por el Festival de Verano.

Las ediciones van cambiando y en está ocasión los organizadores votan por una nueva apuesta por la combinación de raíz y modernidad en el formato a la vez íntimo, cercano y cálido de un teatro a la italiana.

“Terral ha programado conciertos de primeras figuras en los que se recogen músicas de cuatro continentes que funden contemporaneidad con tradición. Grupos y solistas bien conocidos en las tablas del Teatro Cervantes como los polacos Kroke, el malagueño Zenet o el camerunés Richard Bona. La fadista Mariza, una de las más aplaudidas y ‘exportadas’ intérpretes portuguesas, es el perfecto ejemplo de la nueva dimensión de Terral: una artista con fuerte personalidad y vibrante voz, que recupera la tradición y la sabe actualizar. Viene de Polonia: Kroke volverán a derramar  su arrebatador klezmer contagiado por música étnica y sonidos de Oriente y combinado con jazz y retazos contemporáneos de su propia autoría. El trío formado por Tomasz Kukurba al violín, Jerzy Bawol en el acordeón y Tomasz Lato al contrabajo”

Agregó el director-gerente del Teatro Cervantes, Juan Antonio Vigar, The Chieftains son Embajadores Musicales de Irlanda. El grupo dublinés, piedra filosofal de la música celta contemporánea y uno de los principales responsables de su expansión mundial. The Chieftains les sucederá al día siguiente, Zenet con su nueva zambullida en las aguas de las músicas latinoamericanas.

Waingright conmemora en la gira que le trae a la Costa del Sol aniversario de su primer y homónimo disco. Ute Lemper, es la legítima sucesora de Lotte Lenya y Marlene Dietrich en la lectura del cancionero de Kurt Weill, lo que quiere decir del mejor musical y cabaret berlinés.  

El virtuoso bajista Richard Bona presentará un fronterizo proyecto en el que se aproxima al flamenco junto a Antonio Rey, ganador del Premio Nacional de Guitarra.

Todos estos cantantes harán posible que el verano sea agradable y deje  grandes recuerdos al público que se dé cita en el teatro municipal de Málaga.

 


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“La Media Naranja” un Interesante Libro del Novelista Alejandro Pohlenz

Por José Luis Sosa

Para todos los amantes a la buena lectura que aporte una clara visión, aderezada con conceptos positivos a nuestra vida personal y en pareja, un libro que ciertamente ha tenido una gran aceptación a escasos meses de su presentación, es la interesante novela La Media Naranja de Alejandro Pohlenz, reconocido escritor de telenovelas siempre creativo y sin abandonar el talento que le caracteriza al escribir una novela romántica y que mucho tiene que ver con nuestro entorno de cuidad, con la cual muchos podemos identificarnos.

En este libro transcurren de una manera ágil, entretenida y con ingenio, varios pasajes con cuestionamientos que de una u otra manera nos identifican en algún momento de nuestra vida cotidiana con una pareja, que pudiera ser o no en verdad nuestra media naranja.

Cuestionamientos como:

¿Le darías una segunda oportunidad al amor de tú vida?

¿Conoces a alguien que haya encontrado el amor de su vida y siga con él?

Muy probablemente y como tema recurrente el amor es la fuerza que mueve al mundo, el ideal de cada persona y la ilusión que todos conservamos a flor de piel, o en lo profundo de nuestro ser.

Una buena opción para entretenerse y disfrutar de lectura con calidad.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Málaga le da el banderazo de salida con éxito

Hotel Habana Show triunfa por el Son y sabor

cubano que presenta por las ciudades de España



María Esther Beltrán Martínez.        Fotos: Cortesía Producción

Andalucía, España.-  Danza, música, números de circo y buenos cantantes es lo que atrapa el espectáculo de la productora Letsgo, Hotel Habana Show. Son treinta y seis artistas cubanos que trae el Son de cuba y el ritmo en el cuerpo. Y  en conjunto con un gran equipo español llevan al público a un rincón de la Habana.

Son más de tres horas de diversión. El público convive con el elenco desde la entrada al recinto y disfruta del color intenso que tiene el Caribe, como de sus bebidas.

Iñaki y Gorka Fernández, productores indicaron en su presentación  lo orgullosos que se encontraban por estar en Málaga estrenando el espectáculo.

“Lo que ven ustedes aquí es el resultado de un viaje a Cuba. Una vez allí se inspiraron en sus calles, edificios, el mar Caribe y sus variados y coloridos personajes. Los artistas que forman parte del espectáculo tuvo lugar en la Habana, la mayoría provenientes de la Compañía Havana del Circo Nacional de Cuba. Al elenco se suma el artista Manu Badenes, que interpreta el papel de el extranjero, y ha participado además en la creación del guión. El papel de Rita, una de las artistas principales es interpretado por Sihara Dolores Balart, que fue durante veinte años la voz principal del famoso cabaret cubano Tropicana”.

El show cuenta la historia del Hotel Habana, o lo que queda de él. Un lugar estropeado por el tiempo que guarda bonitas historias de amor y éxitos.  

El espectáculo sumerge al espectador en la historia de Rita, una mujer ya mayor que antaño fue la vedette más famosa de las noches de La Habana, cuando era conocida como La Gran Rita Valdés, ¡La Única! Es la más antigua de los vecinos del edificio que albergó en sus años más dulces el emblemático Hotel Habana. Todo lo que queda ahora del glamour de los años 50 son los recuerdos de Rita, que transportan a su juventud y devuelven los brillos, las luces y las fiestas de entonces, con sus números musicales y sus coreografías.

El paso del tiempo ha cambiado mucho hasta sus  habitantes del hotel, está poblado por gente muy humilde, bohemia y con mucho talento. Sobre todos ellos pesa una orden de desahucio, han de desalojar el ruinoso edificio. Y entre todos, a espaldas de Rita, intentarán poner freno al —en apariencia— inexorable destino que les acecha.

Realmente el público disfruta desde el inicio, la calidad vocal de Linet Varela Calderón y Shiara Dolores Balart es muy buena, al escucharlas enamoran con su voz y es difícil escapar de su canto. Lo mismo sucede con José Alejandro Bolaños. Y si se tiene tan buena calidad es complicado escuchar a Lázaro Joa  Aguilera, que sin duda da su mejor esfuerzo y se desenvuelve en el escenario, pero el canto no le va muy bien.

Por los demás uno queda impactado de las acrobacias que desempeñan.  Son veintidós números impactantes de circo entre los que se encuentra un salto a la comba con más de 300 kilos de peso sobre el cuerpo y un trapecio volante con un triple mortal. Entre los espectáculos en el aire,destaca el número de la Barra Rusa, ganador de premios en el Circo  de Pyongyang. La calidad es muy buena y se agradece.

Las ciudades que visitará son : Palma de Mallorca, Santa Cruz de Tenerife, Las Palmas de Gran Canaria y Sevilla.El show ya tiene previsto además una gira internacional por Alemania, Francia, Inglaterra, Japón, China, entre otros. Y posiblemente visite México como lo ha hecho con otros espectáculos.

Sin duda Cuba deja huella con este espectáculo y principalmente da la alegría que transmite la música y el baile.

 


 

 

 

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Se reencuentra Iliazd y Picasso en Málaga

dos maestros sobresalientes del siglo  XX

María Esther Beltrán Martínez   Fotos: J.Carlos Santana

 

Andalucía, España.- Iliazd & Picasso. Páginas de arte y de vida es el título de la exposición única en España, que muestra la colaboración y amistad entre el artista malagueño y el escritor, artista y editor Iliazd, la muestra se presenta en el Museo Casa Natal de Málaga recoge en sus dos salas cerca de 200 obras en total, entre grabados de Picasso y otros artistas que ilustran los libros de Iliazd. Además de fotografías, documentos y publicaciones periódicas.

La exposición presenta testimonios de relaciones amistosas y creativas que vinculan a estos dos maestros del siglo XX, explica José María Luna, director  de la Agencia Pública para la Gestión de la Casa Natal de Pablo Ruiz Picasso y otros Equipamientos Museísticos y Culturales.

“Está exposición es el resultado de una suma de esfuerzos de instituciones que han unido para homenajear a quienes compartieron amistad durante medio siglo, el georgiano Iliá Zdanévich, conocido en el ámbito artístico como Iliazd, y el malagueño Pablo Ruiz Picasso. La complicidad y el espíritu libre dos artistas que compartieron su condición de extranjeros en el París de las vanguardias toma carta de naturaleza en esta exposición que recupera documentos y obras nunca vistas”.

El curador de la exposición es Boris Fridman quien explica: Por primera vez, la exposición "Iliazd & Picasso" presenta el trabajo conjunto y las relaciones personales de maestros tan aparentemente diferentes del siglo XX. En el proceso de preparar la exposición, estudiar en detalle los materiales de la creatividad y la vida de Iliá Zdanevich, y visitar repetidamente su extenso archivo en Marsella, comencé a encontrar cada vez más muchas evidencias de sus muchos años de amistad y unión creativa con Pablo Picasso. Sin embargo, no pude encontrar ninguna evidencia convincente de todo esto en la extensa literatura sobre la obra y la vida del artista. Fue esta circunstancia la que me impulsó a buscar y estudiar materiales relacionados con la publicación de Illiazd de libros de artista con los grabados de Picasso. Y mientras más avanzaba en este camino, más y más aclaradas estaban las circunstancias, que son la evidencia de las relaciones especiales de amistad y creatividad que se habían desarrollado entre Illiazd y Picasso”.

Está exposición contó con la asistencia de  la directora del Museo Pushkin de Bellas Artes, Marina Loshak, quien expresó que con esta presentación en Málaga muestra la retrospectiva de la creatividad de Iliá Zdanevich, que tuvo lugar hace tres años.

“Zdanevich, conocido en el extranjero como Iliazd, irrumpió en el arte mundial como un editor único de libros de artista con grabados de artistas destacados del siglo XX. Un lugar especial entre las publicaciones de Iliazd está ocupado por su colaboración con Pablo Picasso. Durante muchos años, estuvieron ligados a la amistad personal.

El proyecto de exposición, preparada junto con coleccionistas privados, con quienes el museo tiene muchos años de cooperación, pretende mostrar en su totalidad las obras creadas en la colaboración creativa de dos maestros del siglo XX. De particular importancia para nosotros es la oportunidad de mostrar este proyecto en la Casa Museo de Pablo Picasso en Málaga, en la casa donde nació el artista más grande del siglo pasado. En 1991, nuestro museo trajo obras gráficas de la colección del museo

a Málaga. Con especial alegría, después de casi treinta años, volvemos a este lugar emblemático para todos los amantes del arte”.

Los visitantes pueden disfrutar de un diseño museográfico muy cuidado cuenta con todas las publicaciones creadas por  Ilyazd con grabados de Picasso y las primeras publicaciones futuristas de Ilya Zdanevich durante su período de juventud en Tiflis, publicaciones de artistas de las colecciones de George Gens y Borís Fridman, así como en documentos y objetos del archivo Illyazd de Marsella y de otras colecciones de Francia y museos de Rusia.


 

 

 

 

 

 

 

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Clausura FINI 2019

Texto y fotos. Rafael Del Valle Contreras.

La novena edición del Festival Internacional de la Imagen, llegó a su finla pasada noche del 10 de mayo de 2019, en el Centro Cultural Universitario “La Garza” de la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo, a manos del rector de dicha universidad. Adolfo Pontigo Loyola.

Previo al evento, a medio día del mismo viernes, en el Edificio de Arquitectura, Instituto de Ciencias Básicas e Ingeniería (ICBI), de la Ciudad del Conocimiento. Se llevó a cabo la inauguración de un mural, autoría del artista plástico. NEUZZ. Obra que de acuerdo al tema principal del FINI “Populismo”, nos muestra un “Torito de Fiesta”, relacionando esta típica actividad en los festejos populares, con las reacciones químicas que se llevan a cabo en la combustión de la pirotecnia. Bajo el título de “Minotauro ihuiteco” se realizó bajo modernas técnicas de creación, trabajando previamente  en una computadora, para posteriormente traspasarlo al muro de la universidad.

Ya por la noche, antes del fin del festival, nuevamente en el Centro Cultural Universitario “La Garza”  la  directora del FINI Lorena Capmbell, agradeció a todas aquellas personas que intervienen en la construcción del evento, resaltando la labor y el esfuerzo de cada uno de ellos.

Como última carta de actividades, se rindió homenaje al diseñador y publicista mexicano Gonzalo Tassier. Con 78 años de edad, Tassier, es el autor de las letras del logotipo de PEMEX, así como también ha trabajado para firmas de automóviles, permaneciendo en el recuerdo e historia de la publicidad en México, el huevo que se fríe en un automóvil, o bien la animación de  Chicles Motita.

Tras un discurso, ameno que en varias ocasiones, hizo reír a todos los asistentes, posteriormente una vez terminadas formalmente las actividades del FINI, de forma sencilla, firmó autógrafos a todos aquellos estudiantes que se acercaron a él.

Sólo queda destacar, que para 2020 en su décima edición, el tema que se abordará será… Agua.


 

 

 

 

 

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Señor Ruiseñor la otra visión catalana

a diversas ciudades de España con éxito

María Esther Beltrán Martínez    Fotos: Ruano



Andalucía, España.-  La compañía de teatro  Joglars lleva a diversas ciudades de España la sátira de Señor Ruiseñor, con gran éxito y con una visión diferente ante los independentistas, una obra crítica  que pone la realidad ante una actualidad difícil.

“Rusiñol representa un mundo y un espíritu que no ha sido reemplazado. La sensualidad, la belleza y la vida alegre que él encarnaba han desaparecido. Queremos enfrentar aquella Cataluña de Rusiñol con la de ahora y reivindicar el arte como patria universal frente a las patrias identitarias”, arguye Ramón Fontserè, que dirige y protagoniza esta obra junto a Pilar Saénz, Dolors Tuneu, Juan Pablo Mazorra, Rubén Romero y Xevi Vilà.

Señor Ruiseñor, pieza escrita por Fontserè con la colaboración de Tuneu y Alberto Castrillo-Ferrer, comienza cuando un jardinero de Parques y Jardines debe dejar el trabajo por culpa del reúma y es reubicado en el Museo Rusiñol, donde interpretará al pintor y escritor presentando las visitas teatralizadas.

La acción se sitúa en el Museo de Santiago Rusiñol, destacado intelectual y bohemio catalán, considerado padre del Modernismo, que se está desmantelando para transformarlo en el Museu de la Identidad. El antiguo jardinero y ahora guía del Museo se convierte en Rusiñol sufriendo alucinaciones provocadas por la morfina a la que también era adicto el pintor, unos delirios que sirven para construir una mordaz crítica sobre la Cataluña actual frente a la culta, cosmopolita y cívica que él representó.

Para la compañía explican que  “Santiago Rusiñol (1861-1931), nacido en el seno de la burguesía catalana, simboliza una personalidad intensa y compleja, con una visión melancólica, amarga y desencantada de la vida. Un hombre dotado de un gran talento personal que deriva en la pintura y cuya obra figura en las más prestigiosas colecciones. También alcanza gran notoriedad como dramaturgo, escritor y poeta. Su carácter ingenioso y cosmopolita hace de él un referente de lo que los españoles consideran la Cataluña cívica, culta y abierta al mundo.

Con el Señor Ruiseñor queremos reflexionar sobre la destrucción de unos conceptos de vida libre, conceptos que no han sido sustituidos en la actualidad. En Cataluña se ha arrancado o falseado el pasado y de esta manera se ha podido configurar un orden inventado. Solo se utiliza la parte de conocimiento y de tradición que conviene para contar un relato sesgado. Para nosotros, Rusiñol es la antítesis de este mundo: este artista de carácter ingenioso y cosmopolita representa la inducción a la vida alegre y sensual, el gusto por la belleza, la sutileza y el conocimiento. Santiago Rusiñol -como dijo Josep Pla- fue un destructor de fanáticos que representó una sociedad de ciudadanos holgados y juiciosos a orillas del Mediterráneo”.

Es una obra contra las patrias identitarias y el fanatismo,  una fábula con la que reivindican el cosmopolitismo y la universalidad.

Sin duda es una visión crítica que incomoda  a los que se ponen un listón amarillo y no hay más visiones que la que les han impuesto  con cátedras en las escuelas y con el fanatismo que pueden tener en sus casas. La sociedad catalana está dividida y eso es una realidad que vive España.

Al ver la obra al final el público le ofrece un largo aplauso y una gran ovación, sin duda es por el valor que tienen de presentar este tema que es tabú y que siendo catalanes lo llevan a los escenarios, espacios que han sido negados en diversas ciudades de Cataluña como lo expresaban en entrevistas en varios medios.

Señor Ruiseñor ya se ha representado en el Teatro María Guerrero de Madrid, el Principal de Alicante, el Principal de Zaragoza, el 42 Festival de Teatro de El Ejido y la población barcelonesa de Canovellas, entre otras plazas.

El montaje se apoya en un espacio muy funcional y visual, con coreografías y proyecciones de los cuadros de Rusiñol y diseñado para resaltar el trabajo del elenco actoral. Anna Tusell firma la escenografía, centrada en torno a un óvalo inclinado, y Castrillo-Ferrer la dirección de escena.

 

 

 

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Novena Edición del FINI Bajo el Tema “Populismo”

        

Texto y fotos. Rafael Del Valle Contreras.

         

El pasado 3 de mayo de 2019 en las instalaciones del Centro Cultural  Universitario “la Garza” de la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo, se llevó a cabo la inauguración de la novena edición del Festival Internacional de la Imagen (FINI). Cuyo tema central este año fue el “Populismo”.

De acuerdo al rector de dicha casa de estudios Adolfo Pontigo Loyola,  el embajador de Hungría, país invitado Iván Medveczky y la Directora del Festival Lorena Campbell.  El tema populismo, es un tópico muy amplio que se puede entender de diversas formas o manifestaciones pero que se ha utilizado últimamente en el aspecto político, limitando así, su entendimiento.

De tal forma, el FINI realizó un despliegue de actividades, para enfrentar el reto de explicar en diversas formas de abordar la imagen, el tema populismo. Comenzando por la exposición en la Expo Barda de la Ciudad del Conocimiento, del fotógrafo argentino Marcos López “Pop Latino”. Muestra que desdobla una obra colorida, dentro de los esquemas que se maneja como arte latino. En base a imágenes construidas,  Marcos López, quien manifiesta no ser él quien haga el clic en sus fotografías, sino ser quien dirige a los actores o personas que participan como modelos en la foto. Nos llena de pequeños detalles, en las actividades que sus personajes realizan, en  sus diversas labores cotidianas, como lo son el reunirse para comer, vacacionar o divertirse, incluyendo también la dependencia que se ha creado en torno a los dispositivos móviles de comunicación. Para el caso de México, nuevamente el autor que  desarrolla sus imágenes tipo mural, centra a México en el ambiente de la lucha libre, tal y como lo hacen las guías de turismo que proyectan a la Arena México y su espectáculo como un prototipo de la actividad de los mexicanos. Marcos López, se autodefine como el hijo del pintor y muralista Diego Rivera y el artista norteamericano Andy Warhol, por su forma de mezclar el arte pop y la forma de abordar los detalles del muralista mexicano.

    

Las actividades y muestras de los invitados especiales, se extiende a la que presentan dos importantes y reconocidos diseñadores gráficos, el también argentino Jorge Alderete, más conocido como Dr. Alderete y el cubano  Antonio Pérez  “Ñiko”  Dos generaciones muestran su trabajo, bajo diferentes escuelas e influencias, por su parte el Dr. Alderete bajo un camino que transcurre bajo la música especialmente el rock, la edición,  la literatura y la ilustración y por parte de Ñiko, dedicando su obra al cartel, resaltando que gran parte de su trayectoria la ha realizado en nuestro país, traspasando a todas las fronteras de América Latina.

Otra de las invitadas, ya dentro del desarrollo de la fotografía en México, es Yolanda Andrade, fotógrafa nacional, que desde los tiempos del llamado Consejo Mexicano de Fotografía, comenzó a registrar momentos con la entonces técnica análoga, siendo entonces el blanco y negro su forma de expresión. Ante la llegada de la tecnología digital y el reto de acceder y dominar  las nuevas formas de captar imágenes, Yolanda Andrade, nos muestra su total incorporación a las expresiones plásticas del nuevo milenio, no sólo dominando sus secretos, sino también mostrando un perfecto manejo del color. Ya que justamente sus fotografías exhiben un gran colorido, buscando los detalles en los diferentes viajes que ha realizado no sólo en México sino también por otros países del mundo. Dejando claro en su obra, que tanto el color que ahora aborda y el blanco y negro del pasado, han sido la forma de mostrarnos lo que su ojo mira y su mente piensa.

Como un invitado de lujo, siendo ya una constante del festival, que cada año, nos regala la oportunidad de conocer y convivir con los protagonistas de la imagen que han dejado huella en la historia del arte. El fotógrafo y  escritor catalán, Joan Fontcuberta, ofrecerá una conferencia magisterial bajo el nombre de  “Imágenes Conspirativas  Contra el Populismo Visual” Sin duda, uno de los momentos clave y especiales, de la edición 2019 del FINI. Teórico de la imagen, Fontcuberta es la referencia obligada en la enseñanza de la fotografía y las charlas de café en torno a ella. Citado en miles de publicaciones, programas culturales tanto de radio como de televisión, es un acierto su participación, en uno de los festivales más importantes en torno a la imagen como lo es el FINI.

Como carta especial, la muestra del  húngaro Adam Magyar titulada “Stainless” en el Museo Casa Grande de Real del Monte. Nos muestra a un fotógrafo que se negó a ser limitado por las fotos fijas y se dedicó a experimentar y crear mecanismos para poder hacer imágenes en movimiento, comenzando con la incorporación de un escáner a su cámara y de ahí desarrollar su propio equipo,  registrando el andar, expresiones y sentir de la gente que migra o bien se desplaza de un lugar a otro, tal y como lo muestra su obra en diferentes estaciones del metro en diversas ciudades del mundo.  Con  respecto a su imagen personal que nos lleva a hacer una similitud de estrella de rock, la inauguración de su muestra, se caracterizó por su amabilidad y convivio con la gente, dejando atrás algunos de los protocolos que dictan este tipo de eventos, para irse a tomar fotos con los jóvenes  estudiantes de preparatoria, que se dieron cita y marcaron el ambiente estudiantil de la inauguración, entre gritos  dirigidos a Adam y manifestando la presencia de sus escuelas.

Las actividades del FINI como cada año, se centran en la proyección de películas, talleres, conferencias magisteriales y la presentación de más exposiciones con invitados de calidad. Dejando así huella cada año, con la participación de sus invitados, quedando entonces a la espera y programación de la edición número 10 del festival, que sin duda será la cita para todos aquellos amantes e interesados en la forma de crear imágenes.


 

 

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Perversidad. Mujeres fatales en el arte moderno (1880-1950)

se presenta en el Museo Carmen Thyssen Málaga

 

María Esther Beltrán Martínez     Fotos: J. Carlos Santana

 

Málaga, España.- El Museo Carmen Thyssen  Málaga presenta 70 obras reunidas en una exposición que pone rostro a mujeres, anónimas o con nombre propio,reales o ficticias, mundanas o idealizadas que muestran la riqueza de puntos de vista sobre lo femenino en el arte de vanguardia, expresa la curadora de la exposición y directora Artística del Museo Carmen Thyssen, Lourdes Moreno,   .

Perversidad. Mujeres fatales en el arte moderno (1880-1950), plasma la evolución de la identidad

femenina a través de más de medio siglo de imágenes de artistas de los principales nombres de la vanguardia española e internacional como Klimt, Modigliani, Van Dongen, Man Ray, Grosz, Picasso, Dalí, Gargallo, Valadon, Mallo, Zuloaga, Anglada-Camarasa y Romero de Torres, entre otros.

El público puede disfrutar de diversos géneros artísticos: pintura, escultura, dibujo, grabado, fotografía e ilustración gráfica; y de numerosos estilos que van desde el simbolismo y el art déco a las vanguardias internacionales (fauvismo, expresionismo, surrealismo) y el arte nuevo español.

Moreno explica que  la muestra recorre más de medio siglo de imágenes protagonizadas por mujeres, en un período, entre finales del XIX y mediados del XX, en que su representación en el arte mostrará, como reflejo de las realidades sociales contemporáneas, un cambio de paradigma, ya que el punto de vista exclusivamente masculino y misógino se enfrentará al planteado por la mirada femenina sobre su propia identidad.

“Todas ellas se presentan bajo el signo de una perversidad polisémica: vinculada al pecado, la fatalidad y una sexualidad destructora en las femmes fatales finiseculares y de comienzos del XX, y a la subversión del orden patriarcal y hegemónico que desde los años 20 se ve como una amenaza, desde la óptica masculina, y como una reivindicación consciente y emancipadora desde la de las nuevas mujeres que rompen con los estereotipos y reclaman un espacio propio en la sociedad y el arte. De la belleza perversa y maldita la representación de la mujer dejará paso, pues, a artistas que reivindican una nueva forma de mirar y ser vistas. Así en la muestra es fundamental la presencia de mujeres artistas como Suzanne Valadon, Olga Sacharoff, Maruja Mallo y Delhy Tejero, y de figuras femeninas rompedoras y que encarnaron un tipo de mujer avanzada, autoafirmada y protagonista activa de su tiempo, como las actrices Sarah Bernhardt y Greta Garbo, la diseñadora Coco Chanel, y las artistas y musas Kiki de Montparnasse y Gala Dalí. Todas ellas aportan nuevas visiones de la mujer desde un punto de vista propio y femenino o representan iconos de modernidad y sientan las bases de la construcción de una nueva identidad femenina”.

Son varios segmentos en los que se divide la exposición: Belleza Maldita, es la revisión moderna del mito de la femme fatale surge en la literatura y las artes de finales del siglo XIX como reacción misógina a la progresiva reivindicación de las mujeres de un cambio de su papel en la sociedad. La amenaza a la hegemonía masculina planteada por estas aspiraciones de libertad e independencia y una visión sexualizada de lo femenino se conjugaron en esos ámbitos en una imagen de mujer cautivadora y

perversa, encarnación del pecado o incluso la muerte, con un poder de atracción magnético y fatal para sus víctimas masculinas.

Reinas del abismo. Mujeres de la noche y de la vida moderna. Entre finales del siglo XIX y principios del XX, y surgida de los deseos más íntimos y los temores más ocultos del hombre, se impone en el ámbito urbano una nueva visión de la mujer, como protagonista de un universo abisal poblado de ídolos eróticos y poderosos, de insaciable sexualidad.

Nuevas Mujeres. Activas, creativas e independientes. Las nuevas mujeres,que desafían el orden establecido por un patriarcado hegemónico, participan en las reformas sociales y se muestran libres, desinhibidas, audaces, inteligentes y en constante búsqueda del éxito profesional y la emancipación económica.

Sin duda la exposición es un cambio de mirada de los artistas ante la mujer como también para el público que visita esta exposición.

 

 

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Guerrero presenta la programación de la XXXII Edición de las Jornadas Alarconianas en Taxco de Alarcón.

*El evento cultural tendrá como tema principal, "El Mestizaje" y contará con la presencia de Hidalgo como estado invitado de honor e Italia como país invitado de honor: Mauricio Leyva Castrejón.

CDMX martes 29 de abril de 2019.- Teniendo como escenario el máximo recinto de la cultura de México, el Palacio de Bellas Artes, el Gobierno del Estado de Guerrero que encabeza Héctor Astudillo Flores a través de la Secretaría de Cultura a cargo de Mauricio Leyva Castrejón y el Gobierno Municipal de Taxco de Alarcón que preside Marcos Efrén Parra Gómez, presentaron a los medios de comunicación nacionales la programación de la XXXII edición de las Jornadas Alarconianas a celebrarse del 04 al 12 de mayo en la ciudad platera de Taxco de Alarcón.

En esta edición se contará con el estado de Hidalgo como invitado de honor y como país invitado de honor a Italia, entidades que presentarán una selecta programación cultural de sus lugares de origen.

En conferencia de prensa realizada en el Salón "Adamo Boari" del Palacio de Bellas Artes las autoridades encabezadas por Mauricio Leyva Castrejón, Secretario de Cultura en representación del Gobernador de Guerrero, Héctor Astudillo Flores acompañado por Cristina Rascón Castro, Coordinadora Nacional de Literatura, Marcos Efrén Parra Gómez, Presidente Municipal de Taxco, Olaf Hernández Sánchez, Secretario de Cultura de Hidalgo, Mónica Vázquez, representante de Riccardo Canetti, Director del Instituto Cultural de Italia, René Juárez Albarrán, Representante del Gobierno de Guerrero en CDMX, Eduardo Álvarez Ortega, Director de la Orquesta Filarmónica de Acapulco y Leonel Maciel, Director de las XXXII Jornadas Alarconianas, anunciaron ante la prensa nacional el programa oficial de las XXXII Jornadas Alarconianas que se realizarán del 04 al 12 de mayo del 2019 en el municipio guerrerense de Taxco de Alarcón.

Se espera la presentación un gran programa cultural, en el que se combinará talento local, nacional e internacional, con presentaciones artísticas, talleres, exposiciones y presentación de libros, distribuidos en varias sedes, entre las que destacan Plaza Veracruz, Depósito de Isotes, Corral Platero, Teatro Juan Ruiz de Alarcón, Grutas de Cacahuamilpa, además de plazas y callejones.

Durante su participación el titular de la Secretaría de Cultura en Guerrero, Mauricio Leyva Castrejón, informó que en esta edición el tema del evento será "El Mestizaje" y por instrucciones del Gobernador Héctor Astudillo Flores, en esta edición Taxco de Alarcón vivirá de 49 actividades culturales y artísticas que cubrirán las necesidades de la zona norte, ofreciendo actividades especialmente dirigidas a la comunidad infantil.

En coordinación con Hidalgo e Italia estado y país invitado de honor se presentará una activa participación de artistas y grupos de ambas entidades esto con la finalidad de fortalecer el magno evento que durante los ocho días de duración espera un promedio de 40 mil visitantes.

En esta edición el evento dedicado a "Juan Ruiz de Alarcón" servirá de escenario en donde se presentará parte de la programación y elenco que participarán en el Festival Internacional Cervantino que se realizará el mes de octubre del presente año en Guanajuato y en el cual el estado de Guerrero, será el Estado Invitado de Honor.

Corral Plateresco

El Corral Plateresco escenario principal de las Jornadas Alarconianas recibirá un programa variado con artistas como: Anónimo Italiano, Guillermo Velázquez y Los Leones de la Sierra de Xichú, Cabernet Jazz y Huapango “La Bella Airosa” (Hidalgo), “La Leyenda de la China Poblana” Dir. Maricela Lara, ¿Conoces a Wolfy? de Mario Iván Martínez, Larissa, Grupo Zazhil y el Carro de Comedias de la UNAM.

Grutas de Cacahuamilpa

Así también dentro de las actividades principales durante el cierre de actividades de XXXII Jornadas Alarconianas se presentará en las Grutas de Cacahuamilpa el espectáculo interdisciplinario “Matices” en el que participarán los Hermanos Tavira, la Orquesta Filarmónica de Acapulco y la Compañía de Danza Contemporánea de Acapulco a cargo del Maestro Serafín Aponte.

Teatro “Juan Ruiz de Alarcón”

El teatro “Juan Ruiz de Alarcón” ubicado al interior del Hotel Misión contará con la presentación de las obras teatrales nacionales: “The Shakespearean TOUR” de la Compañía Parafernalia Teatro (CDMX), BALA.NA Compañía de teatro Dixhaza (Oaxaca) , “El Rey de sí Mismo”, Dirigida por Francisco Hernández, “Abrasados” con la Compañía Ranas de Laboratorio Artes Escénicas (Puebla), “El Desdichado en Fingir” de Juan Ruiz de Alarcón de la Compañía Colectivo Teatral de Guerrero, “Los Hombres que miran hacia el norte” de la Compañía Grupo Legión Teatro (Edo de México), “Hiladores de Sueños” de la Compañía Teatro Ariles (Morelos) y “El Jinete de la Divina Providencia” de la Compañía La última y nos vamos (Hidalgo).

Escenario Infantil en “La Plaza de La Veracruz”

Dentro de las Jornadas Alarconianas los niños y niñas podrán disfrutar del escenario con un programa especialmente dedicado para ellos: “La Sensacional Orquesta Lavadero”, “El Viaje de Ulises” de la Compañía Caracol Colectivo Artístico, el Grupo ROCKWELL ROADS, “Niña de la Guerra” de la Compañía La Gorgona Teatro, “Agua de Coco” de la Compañía Teatral Matrioska Teatro, “Lechuga Mecánica: Educación Ambiental a través de la Música”, “Cornudo Imaginario de Moliere” Carro de Comedias de la UNAM y “Los Juglares”.

Programa Cultural en “Depósito Isotes”

La programación de los diferentes escenarios llegará hasta el escenario ubicado en Isotes en donde vecinos del lugar podrán disfrutar del programa: “3 = 9” Malabar Didáctico para Niños, Cuarteto de Clarinetes del Estado de Hidalgo y el Grupo Sones y Boleros de Hidalgo.

“Actividades Académicas”

Dentro de las actividades la XXXII edición de las Jornadas Alarconianas se contará con Actividades Académicas con las conferencias: “ALMAGRO Santuario del Teatro Barroco” a cargo de Ignacio García, Director del Festival Internacional de Teatro Clásico de ALMAGRO en España,” Italia Retrato de un País Siglo XX y XXI” que impartirá Ricardo Canetti, Subdirector del Instituto Italiano de Cultura y el Homenaje a la Doctora Margarita Peña, con la participación de Federico Campbell, Mauricio Leyva Selma Beraud, Mario Melgar y Jaime Chaubaud.

Así también dentro del evento se rendirá un homenaje a la Dramaturga Marisela Lara, por su trayectoria y aportación a las artes escénicas.

Dentro de la Ceremonia Inaugural Gobierno de Guerrero a través de la Secretaría de Cultura realizará la premiación del Premio Nacional de Dramaturgia Juan Ruiz de Alarcón, El Bando Alarconiano y Elaboración del Cartel de la XXXII edición de las Jornadas Alarconianas.


 

 

 

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LA UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DEL ESTADO DE HIDALGO (UAEH) INVITA A LA NOVENA EDICIÓN DEL FESTIVAL INTERNACIONAL DE LA IMAGEN (FINI) 2019

  

·        En su IX edición, el Festival Internacional de la Imagen (FINI) girará en torno al tema “Populismo

 

·        Del 2 al 10 de mayo: exposiciones, conferencias, ciclos de cine, presentaciones, talleres, foros de análisis, eventos especiales y espectáculos

             Hungría, país Invitado de honor

• Artistas Invitados: Marcos López • Joan Fontcuberta• Adam Magyar• Yolanda Andrade• Gonzalo Tassier• Tatiana Parcero• “Dr. Alderete”• Antonio Pérez “Ñiko”• Everardo González• Dana Rotberg• Inti Cordera• Edgar Ladrón de Guevara

 

El Festival Internacional de la Imagen (FINI) 2019, organizado por la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo (UAEH), es un encuentro multidisciplinario que tiene como objetivo promover y difundir la creación artística y el periodismo gráfico, la tecnología y la comunicación, así como el debate en torno a la estética, los significados y el valor de las imágenes en sus diversos géneros, expresiones y aplicaciones.

La IX edición del Festival Internacional de la Imagen (FINI) tendrá como país invitado de honor a Hungría y se realizará del 2 al 10 de mayo, en Pachuca,  Hidalgo.  

Este año el Festival Internacional de la Imagen (FINI), tiene como eje temático el Populismo, que en el buen sentido del término se entiende como una doctrina política que defiende los intereses del pueblo o busca la equidad social. Dentro del marco cultural, esta palabra se refiere a aquellas tendencias o manifestaciones hacia lo popular, lo folclórico, tradicional, ritual y costumbrista. De esta manera, los asistentes podrán apreciar la obra de destacados artistas invitados en torno a este tema en un amplio programa artístico y cultural que incluye exposiciones, conferencias, mesas de debate dentro del Coloquio Internacional (con destacados especialistas e investigadores nacionales y extranjeros), ciclos de cine, proyección de documentales, talleres, cursos, presentaciones y espectáculos.

Una de las actividades más representativas dentro del Festival es el Concurso Internacional de la Imagen, que convoca a creadores nacionales y extranjeros en los géneros de Fotografía, Video Documental, Cartel y Técnicas Alternativas, y que tuvo gran respuesta en su reciente convocatoria, con cerca de mil 400 trabajos de 70 países. Por tal motivo, la UAEH abre sus puertas para mostrar las obras seleccionadas como finalistas, el sábado 4 de mayo, a las 20.00 horas, en el Centro Cultural Universitario “La Garza”.

Cada año el Festival Internacional de la Imagen (FINI) entrega un Reconocimiento a la Trayectoria Profesional de un artista nacional. En esta ocasión dicha distinción se otorgará a la fotógrafa y artista mexicana Yolanda Andrade, quien presentará su exposición “Imágenes de la cultura popular”. Actualmente los proyectos de esta artista versan sobre la relación de las personas y su entorno, la cultura popular, el viaje, la memoria y el paisaje en ciudades como París, México, Las Vegas y Nueva York, entre otras.

 Además, todos los años el FINI realiza un Homenaje a los creadores que con su obra han enriquecido el quehacer artístico y cultural de México. Este año el galardonado será el publicista mexicano Gonzalo Tassier, quien es pionero del diseño gráfico en el país y cuenta con una trayectoria de seis décadas en la comunicación, área en la que se ha destacado en el desarrollo de la identidad, publicidad, edición, diseño tridimensional y multimedia de organizaciones y empresas nacionales y extranjeras.

Otros artistas de talla internacional compartirán sus obras en este encuentro; tal es el caso del reconocido fotógrafo, documentalista y artista plástico argentino Marcos López, quien presentará una exposición de su trabajo, dará un taller especializado e impartirá una conferencia magistral. Este artista reflexiona y explora los valores y los símbolos que rigen la vida de la clase media sudamericana, con una mezcla de homenaje y de guiño humorístico sobre las expresiones de la cultura popular.

Del país invitado de honor en esta edición, llega al FINI 2019 el reconocido fotógrafo y cineasta húngaro Adam Magyar, quien inaugurará su exposición Stainless en Casa Grande, Real del Monte, y realizará una presentación de su proceso creativo en el Centro Cultural Universitario “La Garza”. Las obras de Magyar están incluidas en las colecciones de la Biblioteca Pública de Nueva York, el Museo de Bellas Artes de Houston, el Museo del Patrimonio de Hong Kong, entre otras. Sus fotografías han sido publicadas en libros como In The Life of Cities, Universidad de Harvard y Light and Lens, de Robert Hirsch.

El artista cubano Antonio Pérez “Ñiko”, uno de los más reconocidos ejecutantes del diseño gráfico en América Latina, inaugurará una exposición de su trabajo en cartel. También “Dr. Alderete”, artista mexicano exhibirá parte de su obra en cartel y ofrecerá una clase magistral. Asimismo, “NE

UZZ”, artista visual, realizará una intervención artística en el edificio de Arquitectura del Instituto de Ciencias Básicas e Ingeniería (ICBI), ubicado en la Ciudad del Conocimiento; mientras que el fotógrafo, teórico, ensayista y promotor de arte catalán Joan Fontcuberta ofrecerá la conferencia magistral “Imágenes Conspirativas: Contra el Populismo Visual”.

Para conocer más del Festival Internacional de la Imagen (FINI) 2019, está disponible el sitio web y redes sociales:

·  Sitio web https://www.uaeh.edu.mx/fini/

·  Facebook FanPage https://www.facebook.com/fini.mexico/

·  Twitter https://twitter.com/finimx

·  Instagram https://www.instagram.com/finimx/

·  YouTube https://www.youtube.com/user/FINImx

Con la realización del Festival Internacional de la Imagen, la Universidad Autónoma de Hidalgo refrenda su compromiso con la comunidad universitaria y la sociedad en general, al abrir espacios multidisciplinarios e incluyentes para la creación, la reflexión y el debate en torno a temas de trascendencia social, para contribuir así al desarrollo de la cultura local y global.


 

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Termina la Semana Santa y Andalucía

deja el recuerdo del esplendor y arte

María Esther Beltrán Martínez   Fotos: J.Carlos Santana

 

Andalucía, España.-  La Semana Santa termina y con ella deja experiencias visuales en millones de visitantes y locales. Aunque la actividad frenética de las calles disminuye considerablemente en Andalucía, se percibe todavía el olor a incienso y las imágenes comienzan a regresar a sus templos.

Sin ser religioso es innegable  la experiencia que se vive en las diferentes ciudades y pueblos, visitar Andalucía en esta fecha  no sólo permite disfrutar de la maravillosa Naturaleza con la que cuenta y de la arquitectura que tiene.

Las manifestaciones de arte y cultura que encierra la Semana Santa es inmensa. Basta ver las procesiones donde  lucen extraordinarias imágenes que datan algunas de la segunda mitad del siglo XVII, XVIII y XIX. Sus autores son artistas prestigiosos que han dejado huella en las Bellas Artes española. Juan de Mesa, Antonio Castillo Lastrucci, Manuel Galiano,  Pedro de Mena, Fernando Ortiz, Juan Domingo Olivieri y Salvador Gutiérrez de León entre otros. Sus obras roban la mirada y no puedes dejar de ver su rostro que manifiesta tanta dulzura o la peor de las amarguras y dolor.

Aunque estas imágenes son el centro de toda una procesión hay que ver su entorno como son las joyas que conservan y son  portadas con orgullo por los elementos de las diferentes cofradías, nombre que se da a la congregación o hermandad que forman devotos, y que cada primavera esperan para  salir a la calle.

La candelería que es el conjunto de velas o luces que lleva el paso de imagen, los capirotes de diferentes colores, las cruces principales que van en cada trono, es la cruz que abre el desfile procesional va acompañada por dos o cuatro nazarenos. Destacan los estandartes  que son de paño de terciopelo la mayoría ricamente bordados con figuras que son representativas de cada cofradía.Las peanas son de madera tallada, algunos revestidos con lámina de oro o plata. .

Pero no sólo se muestran obras antiguas sino que los artistas actuales participan con sus creaciones como es José Luis Puche, malagueño que realizó para la cofradía de los Estudiantes,  una obra donde se manifiestan elementos contemporáneos sin perder la esencia de la cofradía.

Puche  explica que con la Semana Santa fue su encuentro con el arte recuerda cómo el arte cofrade fue su inspiración para pintar.

El arte cofrades y el arte contemporáneo van por distintos caminos, explica.  Aunque la de Estudiantes apuesta por el arte contemporáneo razón por la que me escogieron para poder hacer esta obra qué es la imagen de Cristo.  Me da gusto poder hacerla, para poder entregar un poco de lo que el arte cofrade que ha dado. Desde pequeño siempre estuve muy cerca admirando las los trabajos artesanales los bordados ... y ahora puedo aportar algo de mi de mi obra.

“Yo he querido hacer un Cristo que se pueda oler, saborear”.

La obra de Puche ha sido utilizada para hacer carteles y uno de los programas de mano respecto a las actividades de Semana Santa 2019. Sin duda alguna es una imagen que cautiva y llama la atención y hace una separación de lo tradicional. En está ocasión se puede disfrutar de una obra contemporánea que habla de la belleza y la tradición. Es un acierto de una cofradía que habla a las nuevas generaciones, pero no rompe con las anteriores.

El cristo que muestra Puche deja  huella para un diálogo con todo sin importar sus creencias es una obra que roba la mirada.

Por lo que que sin duda deja la certeza que la Semana Santa es un espacio especial para el arte y la cultura.

 

 

 

 

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La Semana Santa de Andalucía  reúne

a millones de visitantes nacionales y extranjeros

María Esther Beltrán Martínez   Fotos: J. Carlos Santana



Andalucía, España.-  El Domingo de Ramos da el inicio a las Semana Santa y sin duda alguna las ciudades como: Granada, Sevilla, Jaén, Málaga y Huelva se desbordan con miles de visitantes y locales que salen ocupar un lugar en las banquetas de las principales calles del Centro de la ciudad.

Sevilla destaca por los centenares de nazarenos que acompañan a  sus tronos que son llevados por costaleros sobre la cerviz, hombres que van debajo del trono;mientras que en  Málaga los lleva los hombres de trono que meten su hombro debajo de los varales que son las piezas de metales de varios metros de longitud  que sobresalen por delante y detrás de la estructura del trono. Son de gran tamaño y con diversos pasos llevan.

Son 44  cofradías  en Málaga que procesan desde el Domingo de Ramos  por el recorrido oficial, Una de las cofradías que tiene gran cariño de los malagueños es la de Lágrimas y Favores. En ella participa el actor Antonio Banderas y pertenecen a la Cofradía personalidades ilustres de la cultura, como  la baronesa Carmen Thyssen. Este año Málaga cambió el recorrido oficial lo cual permitió que por primera vez esta Cofradía entrará a la Catedral y su recorrido se extendiera hasta la noche

Cabe destacar que el sábado anterior al Domingo de Ramos, Málaga madruga. miles  asisten a los alrededores de la iglesia y el recorrido que cada año tiene la imagen del Cautivo acompañado de la Virgen vestida de blanco y azul.

Mientras hace el recorrido a su casa de Hermandad donde se encuentran los tronos y los visten para Semana Santa, se les lanza claves rojos que serán usados en el trono  que lucirá el lunes Santo.

El Domingo de Ramos salen nueve  cofradías, la primera se conoce como la Pollinica que muestra a Jesús a su entrada a Jerusalén y María Santísima del Amparo, está procesión van centenares de niños y es la primera en procesionar.

Cada cofradía sale con colores distintos lo que es una forma de distinguirlas. Aunque hay localidades que cuestan dinero y tiene abonados, los visitantes pueden verlas recorriendo las calles y buscando sitios abiertos.

La Semana Santa se vuelve un maratón si se quiere ver las procesiones y observar cada detalle. Por cierto que los nazarenos usan capirotes y van vestidos de túnicas largas y llevan un cirio entre las manos. La Semana Santa en Andalucía hace que aumente nuestra visión cultural. No sólo por observar las hermosas imágenes talladas, los bordados de sus vestidos y tronos como  las tallas de madera. Los arreglos florales que llevan en distintos colores.

El Domingo de Ramos cierra  Prendimiento que luce en su trono un Olivo natural y la virgen luce un manto de más de cinco metros de largo y bellamente bordado.

Esto es el inicio de la Semana Santa.

 


 

 

 

 

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Las niñas bien y Esto no es Berlín se llevan

Biznaga en Málaga en su 22 edición Festival

· El documental Titixe se lleva una mención especial del jurado y Kyzza Terrazas se lleva una Biznaga de plata a la mejor dirección por Bayoneta.

 

María Esther Beltrán Martínez   Foto: J.Carlos Santana

Málaga, España.-  Tras finalizar la 22 edición del Festival de Málaga. Cine en español. Las producciones mexicanas fueron las mejores del cine iberoamericano recibieron el máximo galardón que ofrece Málaga que es: la Biznaga de Oro y plata.

Dos películas fueron las galardonadas en varias categoría. Empecemos por Esto no es Berlín. Se llevó Biznaga de plata premio especial del jurado, al mejor actor de reparto a Mauro Sánchez Navarro, “Deluxe” a la mejor fotografía a Alfredo Altamirano y premio especial del jurado de la crítica de la Sección oficial  por su capacidad de captar la época y contar una historia universal, a través del retrato juvenil de una generación turbulenta que apostó por el impulso creativo, la rebeldía y la ruptura del status quo, sin ocultar los estragos  que trajo consigo. traslada a los espectadores a la movida de los 80 para recordarles que la sociedad les ha adormecido

El largometraje Esto no es Berlín lo dirige el mexicano Hari Sama.  Está basado su  autobiografía de Sama quien busca trasladar a los espectadores a la época más intensa y rebelde de los ochenta. 1986 México celebra un mundial, y la situación que vive la juventud no es de libertad. Los protagonistas  viven experiencias y se enfrenta a una sociedad donde los tatuajes y cortes de pelo diferentes forma parte de la discriminación y castigos en la escuela. Es una película transgresora, una historia que muestra lo que vivieron muchos jóvenes que lucharon por tener una sociedad diferente y que en la actualidad se ve como un sueño.

Sama en entrevista manifestó su alegría por ver la reacción que causó la película en el público malagueño, además de informar que en el mes de junio se estrenará en diferentes salas de cine de toda España.

La presencia de los actores principales, Daniel Villar y Xabiani Ponce de León no pasó desapercibido, durante la alfombra roja gozaron del entusiasmo de las jóvenes malagueñas que pidieron sus autógrafos y se sacaron fotos con ellos, además de plantarles sendos besos.

Mientras que Las niñas bien, se llevó la Biznaga de oro a la mejor película iberoamericana, dotada con 12 mil euros, Biznaga de plata  al mejor guión para Alejandra Márquez Abella quién no estuvo presente debido a su maternidad, pero mandó un vídeo donde agradeció el premio recibido así como también Miguel Schverdfinger, quien se llevó la Biznaga de plata al mejor montaje.

La crítica que recibió fue muy favorable, muchos indicaron la calidad de la película, así como el buen trabajo de la actriz  Ilse Salas quien muestra cómo las mujeres de la llamada sociedad alta se vieron ante la crisis económica que sufrió México en el sexenio de López Portillo.

Otra Biznaga de Plata  a la mejor dirección la recibió  Kyzza Terrazas por  Bayoneta en la sección Zonazine. El fue el único que estuvo presente en la entrega de las Biznaga  y agradeció el premio.

Y por último se dio mención especial del jurado a Titixe de Tania Hernández Velasco. Donde nos muestra el último campesino de una familia mexicana que  ha muerto y con él se ha ido toda sabiduría para trabajar la tierra. Sin experiencia agrícola, su hija y su nieta (la directora de esta película) intentarán una última siembra para convencer a la abuela de quedarse con el terreno familiar. Juntas encontrarán los vestigios –el titixe– de este hombre y su trabajo: brotes que bailan al son de norteñas, un árbol de luto, el lenguaje de las nubes, fantasmas, historias y muchas semillas. Este es un mosaico intimista de la cosecha final de una familia en un país que ha dado la espalda a su campo. 


 

 

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Inicia la celebración del 150 Aniversario del

nacimiento de Henri Matisse en Málaga

María Esther Beltrán Martínez    Fotos: J.Carlos Santana

 

Andalucía, España.-   El Centre Pompidou Málaga presenta una selección de obras de Matisse. Un conjunto de 48 obras entre pinturas, esculturas y dibujos fechadas entre 1900 y 1952. Las creaciones  que destacan son: El violinista en la ventana (1918) y Bailarín (1937).

Serge Lasvignes, presidente del Centre Pompidou, indicó en conferencia de prensa, que la exposición Un país nuevo. Henri Matisse (1869-1954) es el inicio de la celebración del 150  Aniversario del nacimiento del artista francés Henri Matisse.

“Esta exposición traza la trayectoria del artista gracias a una selección de obras icónicas que hacen dialogar la pintura, escultura y dibujo. Seis secuencias cronológicas que rastrean el recorrido de este artista fundamental de la modernidad, desde sus inicios hacia 1900 hasta sus últimas obras de principios de la década de 1950, en una evocación de los interiores de Vence y de su última obra para la Capilla del Rosario”.

Aurèlie Verdier curadora de la exposición explica que “No abundan los pintores como Matisse, capaces de llevar a cabo un minucioso análisis del proceso de elaboración de su propia obra. Hay que volver una y otra vez a la famosa frase del artista en 1908, según la cual el arte debería ser como “un buen sillón” en el que el espectador se sienta a descansar.

Ciertamente su obra emana  una forma de dicha, pero el precio pagan consistió siempre en un arduo trabajo que perseguía ocultar ese esfuerzo. El arte hecho de “equilibrio, pureza y serenidad” al que Matisse aspiraba era en realidad el fruto de un forcejeo; un arte luminoso y simple de contemplar, pero complejo en su génesis. Un año antes, en 1907, enfrentado a la incomprensión del público y aún a la de otros artistas, Matisse libró una encarnizada batalla por tu obra, que le sirvió sobre todo para esforzarse en tomar plena conciencia de su recorrido pictórico: “Creo que la personalidad del artista se desenvuelve, se afirma, a través de las luces luchas que tiene que librar [...]. Sí  el combate le es fatal, [...} ese y no otro era su destino.”

Los visitantes al Centre Pompidou Málaga pueden conocer la posición de un artista que revolucionó la mirada moderna con una producción artística que se extiende a lo largo de más de sesenta años y lo sitúa entre los artistas más destacados del siglo XX.

La muestra, con obras fechadas entre 1900 y 1952 es amplia y destacan piezas como: El violinista en la ventana (1918) realizada durante su primera estancia en Niza, el Desnudo sentado rosa (1935-1936) que muestra la simplificación radical abordada por el artista desde sus inicios, o uno de sus primeros papeles recortados, Bailarín (1937).

Son seis secciones que forman la exposición: Con y contra  los maestros, inicios y rupturas; “Medios más simples” El periplo fauve y “ primitivo” (1905-1909),La apuesta por la radicalidad. Retratos y figuras (1909-1917),Niza, interiores, figuras (1917-1929), Modernidades, los años 1930 y Una habitación propia, vence . Los últimos interiores.

“El último período de Matisse, definitivamente instalado en Vence durante la guerra, fue testigo de un excepcional brotes de creatividad. Su reinstalación en el Hotel Régina, en 1949, le permitió abordar proyectos de gran formato a los que destinó una técnica que ya había ensayado en los años 1930, pero cuyo desarrollo a plenitud se produjo en el ocaso de su vida: los recortes de papel pintado con gouache. Esta técnica facilitaba el establecimiento de correspondencias entre el color, el dibujo y el espacio con la aparente  simplicidad que Matisse busco a lo largo de su vida”, indica Verdier.

 

 

 

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El MODO presenta la exposición "México a Color"

 

·         La muestra presenta un recorrido por los colores que por numerosas décadas han caracterizado a México, desde el arte popular y la arquitectura, hasta las artes aplicadas y la mercadotecnia.

·          En alianza con Comex, la exhibición incluye ocho piezas creadas especialmente para ésta por reconocidos diseñadores y artistas.

Como un homenaje a la riqueza y diversidad cromática de México, el Museo del Objeto del Objeto (MODO) presenta su nueva exposición temporal: “México a COLOR” curada por Ana Elena Mallet y Mariano Marroquín.

Esta exposición es una revisión cultural de la percepción del color en México y sus consecuencias en las artes y el diseño. Uno de los primeros acercamientos que experimentará cada visitante es la conceptualización del color en las artes populares para la creación de identidad. Posteriormente, este elemento es retomado como un rasgo distintivo en las artes y finalmente, como un agente para la modernización del país.

A través de sus ocho núcleos temáticos, la muestra permite recrear un entendimiento a profundidad sobre la gama cromática del país que va desde el arte popular y los primeros acercamientos que forjaron, una identidad nacional, hasta diseños contemporáneos que importantes artistas y diseñadores crearon en exclusiva para esta exposición en colaboración con Comex.

"En México, la extensión del territorio ha permitido que la gama cromática del país sea vasta, sin embargo, no fue hasta terminada la Revolución Mexicana que el régimen emanado sentó las líneas pertinentes para que intelectuales y artistas consolidarán una clara estética nacionalista en donde el color jugó un papel de suma importancia", comentó la curadora Ana Elena Mallet.

"La riqueza y diversidad cromática en los paisajes, las fiestas tradicionales, la arquitectura vernácula, la artesanía y la cultura popular suman a la creación del mito de una nación multicolorida, luminosa y alegre.  Desde las artes plásticas y la arquitectura, hasta el método Best Maugard,llegando al desarrollo y transformación de la estética mercadotécnica", indicó el curador Mariano Marroquín.

En el recorrido por las salas de la exhibición, el color se convierte en la materia de estudio que permitirá a los visitantes apreciar y reconocerse a sí mismos como un componente en la construcción del México moderno.

Para Comex, el color es el vehículo perfecto para liberar lo que deseamos expresar.  

Pasarelas, escaparates, exposiciones, productos, empaques, maquillajes, accesorios, edificios, obras majestuosas, interiorismo, y muchos otros espacios, se transforman con la paleta de colores ColorLife de Comex en este espacio que rinde un homenaje a nuestra esencia: el color.

Un grupo de expertos participaron con nosotros en la generación de las propuestas que presentamos en este espacio, con el propósito de ser la referencia que inspira a los mexicanos para embellecer y transformar los espacios que habitan, convertirlos en escenarios de historias maravillosas, presentar piezas únicas y cotidianas que nos enseñan a apreciar la relevancia del color y su presencia constante en nuestra vida cotidiana” aseguró Hector Escamilla, Director del Programa ColorLife de Comex

Paulina Newman, directora del MODO, dijo: "A través de más de 1,000 objetos, instrumentos de pintura, empaques y envases de la nutrida colección del MODO, a los que se suman obras de otras importantes colecciones, esta exposición nos acerca a un México que tradicionalmente se ha distinguido como un país exótico, de intensos colores" 

 


 

 

 

 

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La Flauta Mágica, según Papageno de W.A. Mozart, un espectáculo lleno de música y fantasía

•  La propuesta es una adaptación de la última ópera del genio de Salzburgo

•  El montaje es traducido completamente al español por el director Óscar Tapia

•  Dos únicas funciones los domingos 17 y 24 de marzo en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris

La Flauta Mágica, según Papageno de W.A. Mozart es una divertida ópera que cuenta la historia del príncipe Tamino y del hombre-ave Papageno, quienes emprenden una aventura para rescatar a la princesa Pamina. En su travesía, el amor surge entre los principes, son guiados por el camino del conocimiento de Sarastro y conocen a la malvada Reina de la Noche, entre otros fascinantes pasajes. Toda la historia está envuelta en la música de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), mientras la ópera es traducida completamente al español por el director Óscar Tapia.

La propuesta, que regresará al recinto de Donceles, es una adaptación contemporánea en versión a piano y flauta desarrollada por Producciones Arándano A.C. y con la participación de Luís Rodarte, Juan Carlos López, Graciela Morales, Anabel de la Mora y Daniel Cervantes, entre otros.

Producciones Arándano A.C. fue creada en 2003, en el Estado de México. Han realizado más 37 títulos y entre 2006 y 2013 producido las temporadas de Ópera del Desierto en Ciudad Juárez, Chihuahua, donde estrenaron 21 diferentes títulos, entre ellos, Bodas de Fígaro de Mozart, Madama Butterfly de Puccini yRigoletto de Verdi, entre otras

La dirección está a cargo de Óscar Tapia del Castillo, egresado de Ciencias de la Comunicación en la Universidad Franco Mexicana (UFRAM), con estudios en fotografía profesional con Rosalío Vera y dirección de escena con José Caballero en Casa del Teatro. Inició su carrera como director de escena de ópera en 2003 y hasta la fecha ha realizado más de 35 estrenos que abarcan ópera clásica, bufa, contemporánea e incluso exitosas adaptaciones para niños.

La Flauta Mágica, según Papageno de W.A. Mozart se presentará los domingos 17 y 24 de marzo a las 13:30 horas en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris(Donceles 36, colonia Centro Histórico, cerca del Metro Allende). Localidades: 200 pesos. Descuentos del 50% a estudiantes de nivel básico, maestros, personas con discapacidad trabajadores de gobierno y miembros del INAPAM con credencial vigente. Sujeto a disponibilidad y aplican restricciones.

Para consultar la programación completa de Teatros Ciudad de México visite: www.teatros.cultura.cdmx.gob.mx. Asimismo, descargue (en sistemas operativos Android e IOS) la aplicación TeatrosCDMX.

#escenariosquetransforman, #SomosÓpera, #HabitanTeatros


 

 

 

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El arte contemporáneo más vivo que nunca

en la feria de  Justmad X edición  de Madrid

María Esther Beltrán Martínez    Fotos: J.Carlos Santana.



Madrid, España.- En el Palacio de Neptuno en Madrid se celebró  la décima edición de la feria Justmad. En la que vimos obras de diferentes técnicas y expresiones para todos los gustos. Entre las galerías estuvieron:  Eldevenir Art Gallery, Heartbeats Art Gallery México,Collblanc espai d’art, Aca artists y Luciazabidea entre otras.

Justmad durante seis días presentó un conjunto de obra en las que se encuentran diversos conceptos.  Así es como la galería Eldevenir vimos que sigue con un proyecto centrado en la difusión cultural y en apoyar el arte contemporáneo. Es una galería de arte que no tiene espacio físico permanente, pero tiene  presencia tanto online como offline comisariando exposiciones, participando en workshops, charlas, ferias, dando soporte a los artistas con los que colaboramos, que son tanto consagrados como emergentes, y asesorando a coleccionistas, expresa su directora María Rosa Jurado Sánchez, arquitecta y licenciada en bellas artes.

Entre los artistas que representa estuvieron presentes en la feria  Simón Zabell y Jonathan Notario.

Zabadell presenta Proyecto Our men in Tahiti se basa en una amplia investigación en torno a la novela  tardía de Robert Louis Stevenson The Ebb-Tide. Emocionado por presentar su obra en acuarela indica que el proyecto supone un seguimiento de su proceso creativo y que incluye desde pintura, acuarela hasta un corto documental.

“Cayó en mis manos este libro de Stevenson porque compré La Isla del Tesoro para leérselo a mis hijos. La única edición que encontré traía esta novela, Bajamar. Todo el tiempo tuve en mente que quería hacer una serie de acuarelas, por aquello del libro, algo más cercano al propio libro, buscando esa sensación de saturación de luz, ese exceso de sol que hay cuando se está en una isla, en un sitio como el Pacífico, en el que a veces el ojo no da para eliminar suficiente luz. Se produce entonces una sensación de comezón o de sobreexposición, en términos fotográficos. Hay elementos que salen de esa sobreexposición porque están muy contrastados, pero hay cosas que se pierden en la luz”

Y Jonathan Notario ofrece el  Proyecto Arcade Painting. Emocionado e inquieto nos habla de su proyecto además de la obra que realizó durante la residencia en Justresidence es una iniciativa por la feria de Justmad. Cada año la residencia se celebra en una localización diferente, como han sido Avilés, Málaga, Genalguacil o Madrid, y ayuda a un grupo  de artistas jóvenes a realizar nuevos proyectos artísticos. Este año vuelve a realizarse en Madrid, en Espacio Oculto, el el barrio de Usera. Durante la celebración de la feria se pueden ver las obras realizadas por los artistas seleccionados entre los que se encuentra Notario.

Sobre Arcade Painting indica es un proyecto basado en la realización de una serie de pinturas de carácter ilustrativo, inspiradas en universos de videojuego , como pretexto para poder crear nuevos imaginarios personales que rompen la lógica del paisaje convencional e incorporan elementos lúdicos. “Arcade paintings reflexiona a nivel conceptual, sobre el videojuego como evasión de la realidad en las nuevas generaciones Milennial. Un divertimento que te hace olvidar las responsabilidades banales de la vida diaria. Superando obstáculos dentro de un colorista mundo ficticio, mientras dejas de lado las auténticas responsabilidades del mundo real y adulto. A nivel formal el mundo de los videojuegos es una interesante inspiración ya que me permite experimentar mucho con las composiciones, colores y universos de ficción, reflexionar sobre los límites entre pintura y escultura, ilustración, diseño, imagen digital y elaboración manual. El proyecto es una continuación de las investigaciones realizadas en "Realidad aumentada", mi proyecto anterior, en el que reflexionaba sobre la relación entre lo analógico y lo digital creando grandes instalaciones de inspiración informática, pero realizadas a mano con cartón en una especie de parodia del mundo digital y la realidad”.

Los visitantes de Justmad con Lucía Zalbidea se enfrentaron a la obra de Mi otra piel,Collblanc espai d’art con  Yo soy. Memoria de las rapadas, nos presenta las artistas gemelas Mónica y Gema Del Rey Jordá aúnan las distintas líneas de trabajo que las caracterizan: la reflexión sobre la intimidad en la idea de doble  está muy presente, el análisis de las imágenes como portadoras de ideología y la búsqueda de la justicia social. El proyecto homenajea a las rapadas, mujeres represaliadas por el franquismo por sus ideas políticas o por sus actitudes liberales. El despojamiento del cabello era sólo una de las vejaciones sufridas. Se utilizaba a los vecinos para maltratarlas, creando un ritual de humillación, al estilo del inquisitorial, explica Mariano Poyatos Mora.

México no podía faltar, la galería  Heartbeats presentó obras de Horacio Quiroz, Paulina Jaimes, Mateo Pizarro, Anahi H. Galaviz y Abraham Jiménez.

Jiménez desarrolla en torno a la figura humana. El proceso de su pintura es muy lento, a veces  cambia de tema y después de años regresa a un tema anterior. Evoca a Johannes Vermeer que pintó 34 obras. Establece un diálogo con distintas técnicas pictográficas  para atrapar la luz, el color, y el dramatismo y el transmitirlo a su pintura.

 


 

 

 

 

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Málaga cierra con broche de oro el 36 Festival de

Teatro con cifras superadas de ediciones anteriores

 

María Esther Beltrán Martínez  Fotos: Daniel Pérez 

 

Málaga, España.-   El 36 Festival de Teatro de Málaga cierra con broche de oro y con la satisfacción de superar sus cifras de asistencia. Fueron más de 34 mil espectadores  que acudieron a las 91 funciones de 43 obras programadas en los teatros municipales malagueños, superando las cifras de anteriores ediciones.

Con la presencia de la actriz Concha Velasco, quien recibió el premio Málaga de Teatro, se cerró la edición.

Sin duda este año deja el listón muy en alto el festival. Grandes producciones cautivaron al público con la presencia de primeros actores como fue Juan Echanove  transmutado en Mark Rothko en Rojo. O la fiesta escénica que nos tiene acostumbrado al público la compañía de La Cubana, aunque este año con Adiós Arturo  se cae un poco el clímax y el desenlace queda bajo en comparación a otras presentaciones. La Fura dels Baus sin duda robo el aliento hasta el final con su montaje de Carmina Burana.

¿Quién es el señor Schmitt?, cautivo y dejó mucho para pensar, además que la actuación del primer actor  Javier Gutiérrez, ganador de Goya y próximamente recibirá el premio Málaga- Sur.

Con la presencia de Concha Velasco, el festival baja el telón y aunque para muchos la obra de el Funeral dejó mucho que desear, la primera actriz demostró que cuando se tiene la trayectoria que ella lleva y se tiene el cariño del público se pueden hacer lo que quiera.

Y así lo hizo, montó un espectáculo donde ella brilla con su vestimenta blanca y se despide del público.Asiste a su propio funeral y  se despide con los brazos abiertos del público que la ha visto en decenas de obras donde ha robado la atención y sacado las emociones. Para los exquisitos críticos del teatro la devoraron en sus escritos, yo me quedo con el cariño que el público le muestra cada vez que la ven en el escenario. Esperamos verla nuevamente robando la escena.

Y también hay que sumar el esfuerzo que tiene la organización para apoyar nuevos talentos. Este año hubo varios estrenos de compañías malagueñas que demostraron su talento y algunas ya tienen nuevas funciones durante el año. Lo que demuestra que si se trabaja en las nuevas generaciones seguramente habrá mucho talento que seguir cosechando para el disfrute del público.

Finalmente un aplauso a los que hacen el teatro infantil, vaya trabajo el hacer que los niños se mantengan atentos por una hora o más. Este año tuvimos un crisol de trabajo escénico. Disfrutaron adultos y niños y salieron la mayoría de las veces con una sonrisa. Y con ganas de repetir la experiencia, lo cual demuestra que si se hace un trabajo bueno con los niños se está trabajando para que sea el próximo público adulto que llene las salas y siga dando mucho  que decir las artes escénicas españolas

 


 

 

 

 

 

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El Jurado del Premio Nacional de las Artes Gráficas 2019 ya seleccionó a los ganadores de la edición número 39

 

El Premio Nacional de las Artes Gráficas (PNAG), galardón consolidado como el reconocimiento más importante para la industria de la impresión en México, otorgado por La Unión, Empresarios de la Comunicación Gráfica, finalizó este viernes 15 de febrero su proceso de evaluación de los más de 840 trabajos que fueron registrados este año. Durante un evento en agradecimiento a la participación del jurado organizado en La Casa de Cultura, Canon Academy; se reconoció todo el esfuerzo invertido por el jurado en esta semana de evaluación y aprovechó para extender la invitación a la ceremonia de premiación que tendrá lugar el próximo 6 de marzo en Centro Citibanamex en el marco de Expográfica.

Uno de los objetivos principales del Premio Nacional de las Artes Gráficas es construir vínculos institucionales entre líderes empresariales, organizaciones y responsables de la comunicación gráfica del país, con el fin de generar proyectos de valor encaminados al desarrollo de la comunidad gráfica en México. Para lograrlo, cuentan con un jurado calificador experto en la industria de la comunicación gráfica, merecedores de todo el reconocimiento por su trayectoria, para fungir como tomadores de la decisión final para la entrega del Premio.

Enrique Sánchez Rebollar, Presidente de La Unión externó su agradecimiento a los invitados y entregó reconocimientos a los profesionales de la industria gráfica que formaron parte de un gran equipo calificador… “Hubo grandes cambios, y grandes retos para las empresas que presentaron proyectos, pero estamos seguros que nos sorprenderemos con la calidad, el profesionalismo, la creatividad de los proyectos, sin duda, será uno de los mejores eventos que el premio ha tenido en mucho tiempo”.

Todos los miembros del jurado estuvieron presentes en el evento, entre los que se encuentran: Enrique Somohano, Presidente egresado del Centro de Capacitación de la UILMAC donde estuvo como instructor en esta Institución. Laboró como Gerente de Producción en diversas imprentas en la Ciudad de México y en Oaxaca donde radica actualmente. Es representante comercial en Oaxaca y Chiapas de empresas dedicadas a la venta de equipos e insumos para las Artes Gráficas. Fue Presidente de CANAGRAF Delegación Oaxaca y Consejero Nacional. Ha participado en el Premio Nacional de las Artes Gráficas desde hace 8 años.

Como jurado técnico: Ing. Kay Ávila, Ing. Luis Ángel García, Ing. Javier Navarro, Ing. Salvador Durán, Prof. Carlos Alvarado, Lic. Eduardo Cisneros, Ángel Flores Guerra, Alfonso Hidalgo y Sergio Tellez,  También asistieron los 2 jurados especiales conformados por Sergio Rangel y Alfredo Cottin.

Este año, en su edición número 39, se rompió récord en registro de proyectos y las categorías que serán evaluadas son:

·  Comercial

·  Editorial

·  Empaques y etiquetas

·  Punto de venta

·  Promocionales

·  Transaccional

·  Acabados especiales

·  Categorías especiales

La Unión, premiará a los mejores proyectos de la comunicación gráfica de mayor calidad durante la Edición 39 del PNAG el próximo 6 de marzo en el Centro CitiBanamex de la Ciudad de México. Boletos en 56115911

 


 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Ambiance toda una obra de arte presente en Zona Maco

·       La marca Premium de baños Ambiance, con más de 20  años de experiencia en el mercado mexicano, presenta “su obra de arte” en Zona Maco,

·       En esta obra de arte se ven plasmadas las cuatro inspiraciones de la marca: Moderna, Minimalista, Zen y Atemporal.

 

Ambiance la marca Premium de baños, con más de 20  años de experiencia en el mercado mexicano, presenta “su obra de arte” en Zona Maco, la ventana al diseño y arte en donde la marca muestra su sello distintivo que tanto la caracteriza: la innovación, estilo, funcionalidad, tecnología y  diseño que se funden en productos para transforman espacios genéricos en un lugar especial y único.

Juan Carlos Suarez Pérez, director de mercadotecnia, dijo: “En cada uno de los productos del portafolio Ambiance se ve reflejado el proceso creativo en donde la inspiración es uno de los elementos fundamentales. Es por este motivo que para todos nosotros es un orgullo estar presente en Zona Maco, siendo parte de este tipo de proyectos que promueven e impulsan el arte y diseño en México”

Ambiance ofrece Productos con diseños  que los hacen únicos para que los arquitectos, especificadores, diseñadores y consumidores, puedan dar a sus proyectos un toque especial de diferenciación, uniendo al mismo tiempo lo mejor del diseño y tecnología para garantizar un óptimo funcionamiento.

Para ser capaz de transformar un objeto en arte es necesario desprenderse de lo que no necesitamos, entender la pureza de los elementos y volver al origen, bajo esa premisa, Ambiance en Zona Maco, invita a la audiencia a adentrarse en un espacio de sensaciones infinitas, que recrea un “templo” moderno donde se le rinde tributo a la inspiración.

La presencia de Ambiance en Zona Maco se traduce en esta pieza artística “templo”, en el cual se ven plasmadas las cuatro inspiraciones: Zen, Atemporal, Minimalista y Moderna que constituyen y representan la esencia de la marca. Estos cuatro estilos se ven plasmados en las trece series coordinadas de diseño de productos para baños en las áreas del sanitario y lavamanos que constituyen Ambiance y que brindan diversas alternativas y versatilidad para satisfacer todos los gustos y tipos de baño.

Camilo Moreno, arquitecto del estudio arquitectónico Lateral, colaboradores del proyecto, comentó: “En el “templo” los asistentes vivirán una experiencia multisensorial, adentrándose a un recorrido donde se reinterpretará cada inspiración y se podrán ver en su máxima expresión. En él, se muestra la evolución desde la inspiración y el proceso creativo del diseño a través de su origen artístico”.

El espacio Ambiance, fusiona el diseño, la pureza de las formas, la elegancia y la inspiración, con el video arte, la escultura, la luz y la contemplación. Refleja lugares emblemáticos de México, formas abstractas, detalles, naturaleza, todo es inspiración.

Con la participación en Zona Maco, Ambiance quiere dejar su sello demostrando a través de sus inspiraciones que sus productos son arte, somos Arte.

 


 

 

 

 

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Roma se lleva el Goya a mejor

película Latinoamericana

 

+ La entrega  que duró más de tres horas  reivindicó varios sectores sociales.

María Esther Beltrán Martínez  Fotos Cortesía Goya

Sevilla, España.- La película de Alfonso Cuarón Roma se lleva el Goya por Mejor película Latinoamericana en su 33 edición de los Goya.

La película más premiada fue  El Reino, de Rodrigo Sorogoyen, quien obtiene el Goya a Mejor director. Mientras el de Mejor película es para Campeones, de Javier Fesser.

En la 33 edición de los Goya, galardones  creados para reconocer a los mejores artistas y técnicos  de la industria cinematográfica española. Por segunda vez en su historia se celebran fuera de Madrid. La primera vez  tuvo como sede Barcelona y en esta ocasión es Sevilla.

Los conductores de la gala fue el matrimonio formado por la actriz Silvia Abril y el humorista, presentador y productor Andreu Buenafuente, durante más de tres horas tomaron las riendas de la Gala y mostraron su profesionalismo y las tablas que tienen en el escenario.

La parte musical estuvo a cargo de Rosalía y el trío formado por Amaia Romero,Rozalén y-Judit Neddermann, que interpretaron una pieza compuesta por Manu Guix en la que se incluyeron los cuatro temas nominados a Mejor Canción Original.

Goya de Honor se le entregó a Narciso Ibáñez Serrador, creador de películas como La Residencia y ¿Quién puede matar a un niño?,un maestro del cine del terror y suspenso.Alejandro Amenábar, Jaume Balagueró, Juan Antonio Bayona, Rodrigo Cortés, Álex de la Iglesia, Juan Carlos Fresnadillo, Paco Plaza y Nacho Vigalondo rindieron un homenaje.

Sin duda alguna el discurso más emotivo fue el de Jesús Vidal, quién se llevó el Goya a Mejor actor revelación por la película Campeones.

“Señoras y señores de la Academia, ustedes han distinguido como mejor actor revelación a un actor con discapacidad, ustedes no saben lo que han hecho. Me vienen a la cabeza tres palabras: inclusión, diversidad, visibilidad. ¡Qué emoción! ¡Muchísimas gracias!..

Begoña León, donde estáis vosotros, mi familia. Primero, gracias a mi hermana, por ser la mejor hermana del mundo y querer y cuidar tanto a nuestros padres. Mamá, gracias por darme la vida, por dármelo todo, porque hiciste nacer en mí el amor hacia las artes y porque me enseñaste a ver la vida con los ojos de la inteligencia y del corazón. Te quiero todo. Don José Vidal Conde, gracias por haber venido, por luchar tanto por mí y por ser la persona con más ternura del planeta. Y porque sin saberlo, con solo una sonrisa, cambias y cambias el mundo. Queridos padres, a mí sí me gustaría tener un hijo como yo porque tengo unos padres como vosotros, muchísimas gracias”.

Asimismo existió la reivindicación al feminismo tanto por  Silvia Abril como por Eva Llorach, ganadora de Goya a la mejor actriz revelación por Quién te cantará, quien invitó a poner de pie por una mayor representación femenina en el cine después de los 40, 50 y 60 y por un pago más igualitario.

En la alfombra roja lucieron diseños de los diseñadores Carla Ruiz, Bvlgari, Martinelli, Oscar de la Renta, Dsquared2, Paco Varela,Cortana, Duyos, Armani, Manolo Blahnik, Christian Dior, Agatha Ruiz de la Prada, Juan Vidal, entre otros.

Entre los asistentes estuvieron: Penélope  Cruz, Lola Dueñas, Eduard Fernández, Natalia Molina, Anna Castillo, Carlos Acosta, Javier Gutiérrez, Antonio de la Torre, José Coronado,  Rossy de Palma, David Trueba, Nora Navas, Belén Rueda, Pedro Almodóvar, entre otros.

La 33 entrega de los Goya deja aspectos cómicos y visibilidad a la lucha por la propuesta de las mujeres y personas con discapacidad que ahora se conocen como Campeones.

28 PREMIADOS

MEJOR PELÍCULA: “Campeones”

MEJOR DIRECCIÓN: Rodrigo Sorogoyen, por “El reino”

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA: Antonio de la Torre, por “El reino”

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA: Susi Sánchez, por “La enfermedad del domingo”

MEJOR GUIÓN ADAPTADO: Álvaro Brechner, por “La noche de 12 años”

MEJOR GUIÓN ORIGINAL: Isabel Peña y Rodrigo Sorogoyen, por “El reino”

MEJOR ACTOR DE REPARTO: Luis Zahera, por “El reino”

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO: Carolina Yuste por “Carmen y Lola”

MEJOR ACTOR REVELACIÓN: Jesús Vidal, por “Campeones”

MEJOR ACTRIZ REVELACIÓN: Eva Llorach “Quién te cantará”

MEJOR DIRECCIÓN NOVEL: Arantxa Echevarría, por “Carmen y Lola”

MEJOR PELÍCULA EUROPEA: “Cold War"

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN: “Un día más con vida”

MEJOR DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN: Yousaf Bokhari, por “El hombre que mató a Don Quijote”

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL: “El silencio de los otros”

MEJORES EFECTOS ESPECIALES: Lluís Rivera y Laura Pedro, por “Superlópez”

MEJOR SONIDO: Roberto Fernández y Alfonso Raposo, por “El reino”

MEJOR DISEÑO VESTUARIO: Clara Bilbao, por “La sombra de la ley”

MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA: “Roma”

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL: “Este es el momento”, por Coque Malla de “Campeones”

MEJOR MÚSICA ORIGINAL: Olivier Arson, por “El reino”

MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA: Sylvie Imbert, Amparo Sánchez y Pablo Perona, por “El hombre que mató a Don Quijote”

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Juan Pedro Gaspar, por “La sombra de la ley”

MEJOR DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Josu Incháustegui “La sombra de la ley”

MEJOR MONTAJE: Alberto del Campo “El reino”

MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN: “Cerdita”

MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL: “Gaza”

MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN: “Cazatalentos”

PREMIO ARIEL: La película española que representará a nuestro país en la 60 edición de los Premios Ariel es “Campeones”


 

 

 

 

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La Strada, Euria  y Juntos ovacionadas el segundo

fin de semana del 36 Festival de Teatro de Málaga

María Esther Beltrán Martínez  Fotos: Cortesía Festival de Teatro

 

Málaga, España.-   El 36 Festival de Teatro de Málaga continúa con éxito, a pesar del mal tiempo y  bajas temperaturas, el público disfruta de buenas producciones. La calidad de la esta edición deja buenos momentos para recordar. La Strada, Euria y Juntos han sido ovacionadas y destacan por la calidad actoral y su producción.

Con dos funciones La Strada,  dirigida por Mario Gas, introduce al público a la cinta de Federico Fellini. Gerard Vázquez  adapta el guión original de la película, firmado por Fellini y Tullio Pinelli Verónica Echegui y Alfonso Lara abordan el reto de emular las memorables interpretaciones de Giuletta Massina y Anthony Quinn.

Desde que se entra al patio de butacas nos reciben Gelsomina, Zampanó y El Loco. Entre ellos usan la mímica para señalar al público que va buscando sus lugares. Bajan del escenario y interactúa con el público.

No hay tercera llamada, la historia que vive el público comienza cuando una muchacha ingenua y tranquila es vendida por su madre a Zampanó, un forzudo de circo, bravucón y violento, para que le ayude en su espectáculo ambulante. Entre ellos surge un atisbo de amor que no consigue aflorar a causa del orgullo de él y de la timidez de ella. Ambos comparten una profunda soledad y una vida de marginación, desarraigo y miseria, hasta que se encuentran con El Loco, otro artista circense que provocará los celos de Zampanó y, con ello, un trágico desenlace. La poesía y la miseria para reflejar la Italia de la posguerra.

La actuación es soberbia que nos muestra la vida trágica de tres personajes que sobreviven del teatro ambulante. Verónica Echegui, transmite la inocencia, el dolor, el amor y la desesperanza. Mientras que Alfonso Lara nos muestra un hombre violento que vive en la lucha por el pan diario y por temor a la responsabilidad pierde la oportunidad de compartir su vida con una mujer. Alberto Iglesias es equilibrista quién da respuestas a la existencia de  Gelsomina.

Gas expresa que trata de poner en escena la triste y demoledora historia de tres personajes perdidos en sí mismos y en el mundo que les ha tocado vivir. El circo como metáfora. La tierra deprimida como argolla que atenaza, La supervivencia, el miedo, la alineación, el hambre, la desolación. Tres personajes enfrentándose a la miseria y convertidos en juguetes que aman , poseen, temen y se diluyen en la nada...

Euria (Lluvia) es un montaje de Markeliñe etiquetado con el prestigioso Premio FETEN 2017 al Mejor Espectáculo. Teatro visual y danza para todos los públicos que con metáforas visuales, humor y poesía. Un paraguas colgado como recuerdo en un perchero. Un personaje sumido en la tristeza por la pérdida de un ser querido. Otro paraguas, roto y abandonado, que nuestro personaje decide arreglar sin saber que, desde ese momento, su vida empieza a cambiar.

Fernando Barrado, Natalia García y Loar Fernández llevan al público, y al más estricto de todos: los niño.  Lluvia habla de lo que sentimos cuando queremos algo y lo perdemos. Y que estas circunstancias de la vida también deberían ser explicadas en la infancia.

Una buena producción con elementos visuales que mantiene la atención del público, y hacen posible que disfruten de casi una hora de movimientos y se mantenga el silencio en la sala.

Y  Juntos una comedia de calidad con el tema central del cuidado de enfermos mentales. Una obra francesa que es adaptada y dirigida por Juan Carlos Rubio y Luis Miguel Serrano. Carlos Rubio. Melani Olivares, Gorka Oxoa, Kiti Mánver e Inés Sánchez dan vida a una familia que nos lleva a meditar sobre las relaciones familiares y los problemas que tienen que enfrentar cuando la falta de comunicación hacen que se malentiendan acciones que son difíciles de comprender.

En un escenario rotativo, el público observa la vida de una madre que vive con su hijo enfermo y cómo con la llegada de su hija, que no ve desde hace años, se ve obligada a vivir momentos difíciles que tienen que superar juntos.

Juntos es la comedia que hace que el público se mantenga atento y cambie de estados de actitud: de risas, a un silencio extremo o dejar escapar una lágrima.

El Festival de Teatro de Málaga sigue con éxito y sin duda alguna muestra lo mejor de las artes escénicas de España.

 


 

 

 

 

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Tercera Llamada en Málaga

Foros llenos y público satisfecho en el

primer fin de semana del Festival de Teatro

María Esther Beltrán Martínez    Fotos: Cortesía Teatro Cervantes



Málaga, España.-  Los dos teatros municipales de la ciudad de Málaga; Cervantes y Echegaray, viven con intensidad la tercera llamada de la 36 edición del Festival de Teatro.. El fin de semana se presentaron tres producciones que deleitaron al público.

Empezaré por la producción infantil. Usted que me lee posiblemente comparta la opinión que es difícil encontrar buenas producciones infantiles que sean del gusto de los niños y capte su atención por más de una hora.

Teatro de Malta es la primera opción infantil del festival. Presenta Cenicienta siglo XXI,  música y clowns para subvertir  los roles de género presentes en los cuentos  clásicos. La responsable de la dirección es Marta Torres quien define los personajes de:  Delfín Caset, Oti Manzano, David Bueno y Paloma Vidal, responsables de mantener la atención de infantes y adultos con la historia de Cenicienta, pero con el argumento cambiado, adecuado a los cambios sociales que vivimos.. Con temas musicales muy rítmicos, coreografías y diálogos cortos y entretenidos, la familia disfrutan de entretenimiento y de una historia divertida. La producción es sencilla y usa recursos visuales que refuerzan la historia y los diálogos de los personajes.

La segunda producción que cautivó al público adulto fue A secreto agravio, secreta venganza.  Es un montaje de Jóvenes Clásicos  que ya ha sido premiada y presentada en diversas ciudades españolas. En Uruguay  la Asociación de Críticos de Teatro la reconoció con el Premio Florencio al mejor espectáculo extranjero en 2018 y  en el Festival de Almagro ganó el Premio al mejor espectáculo de la sección Off. El protagonista José Carlos Cuevas, recibió el premio al Mejor Actor  en los galardones teatrales del Ateneo de Málaga.

Con estos reconocimientos comprenderá que la obra  tiene sello de calidad. Sobre el original de Calderón de la Barca versionado por el periodista y escritor malagueño Pablo Bujalance. Es una puesta en escena que atrapa por la la calidad actoral y la fluidez que tienen los textos en verso. Y si en verso. Sin embargo, es una obra que capta al público y cautiva. La dirección corre a cargo de   Pedro Hofhuis y José Manuel Padilla, está a cargo de la composición y dirección musical que seduce con el ritmo del fado.

Los actores José Carlos Cuevas, David   Mena, Pilar Aguilar, Mai Martín y Rubén del Castillo dan vida a los personajes de la creación de Calderon de la Barca que narra la historia de los inspectores Delgado y Ferrer, quiénes investigan la aparición de un cuerpo sin vida en un puerto de Lisboa. Los interrogatorios y recuerdos de los personajes apuntarán a don Lope de Almeida, noble portugués, cuya mujer murió en un terrible incendio pocos días antes de la aparición del cadáver.

La tercera producción es super recomendable. El título ¿Quíen es el señor Schmith? Si la llegas a ver en cartelera no dudes en verla. El montaje que se presenta en España está dirigido por Sergio Peris- Mencheta y actúa Javier Gutiérrez ganador de Goya y excelente actor.

Lo acompaña los actores Cristina Castaño, Xabier Murua, Ouique Fernández y Armando Buika. Es una obra que de comedia pasa al absurdo y el final es sorpresivo. Nos habla de la identidad y de la lucha por descubrir lo que verdaderamente son los personajes. Y muchas veces vemos cómo podemos caer en la confusión no sólo de lo que se vive sino de lo que se ve. El propio público se ve sorprendido al ver el cambio de la escenografía ante sus propios ojos.

Es una obra que ha tenido éxito en Argentina y ahora lo hace en España.  El señor y la señora Carnero cenan tranquilamente en su casa; en ese momento suena el teléfono. Pero los Carnero no tienen teléfono. El misterioso interlocutor insiste en hablar con un tal señor Schmitt... Más extraño aún, los Carnero descubren que están encerrados en una casa que no parece su casa, los cuadros han cambiado, los libros no son sus libros, la ropa de sus armarios no les pertenece... El pánico se apodera de ellos. ¿Son acaso el señor y la señora Carnero, sin saberlo, el señor y la señora Schmitt? ¿Quién está loco? ¿Quién está en posesión de la verdad? ¿Él? ¿Ella? ¿Los 'otros'? ¿El espectador? ¿Quién es el señor Schmitt?

 


 

 

 

 

 

 

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Dan la tercera llamada en Málaga para iniciar el

36 Festival de Teatro con 90 pases de 42 obras

 

María Esther Beltrán Martínez Fotos: Cortesía del Teatro Cervantes

 

Málaga, España.- El 36 Festival de Teatro en Málaga  tiene previsto la presentación de 42 obras con 90 pases que disfrutará el público. Los escenarios del Teatro Cervantes y Echegaray  está listo para recibir a las compañías como: La Fura, Teatro de la Abadía, La Cubana e intérpretes de la altura de la primera actriz; Concha Velasco, el primer actor; José Sacristán, Kiti Mánver, Javier Gutiérrez, Juan Echanove, entre otros.

Como sucede a principio de año Málaga presenta su festival de teatro para deleitar al público con las puestas en escena de buenas compañías y talento de primeros actores y actrices como de los jóvenes que destellan en el escenario.

La capital de la Costa del Sol recibirá en poco más de cinco semanas una buena parte de lo mejor de la cartelera nacional, una densa programación de comedias, dramas y adaptaciones literarias y cinematográficas para la escena que coincidirá con siete estrenos absolutos.

Las premières de El Espejo Negro (Espejismo), Tenemos Gato (La perra), Caramala (La plaga), Nuevo Teatro Musical (Verne: futuro y ficción) o La Teta Calva (Qué pasó con Michael Jackson) comparten cartel con montajes muy esperados en la ciudad.

En ésta edición, se ha empezado con un plato fuerte Señora de rojo  sobre fondo gris del escritor  español Miguel Delibes.

La historia nos presenta a Nicolás, un pintor con años en el oficio, lleva  tiempo sumido en una crisis creativa y personal. Desde que murió de forma imprevista su mujer no ha podido volver a pintar.  En el escenario bien plantado vemos al primer actor José Sacristán en un monólogo de más de una hora nos introduce a la vida del `pintor que sufre y vive la pena de ver como su esposa se le declara una repentina enfermedad que le condujo, sin nadie poder suponerlo a una muerte inesperada a los 48 años.

Sacristán vive el papel y transmite la alegría de los días felices que vivió Nicolás, como el dolor y la angustia ante la pérdida de su joven esposa. Se reencarna en el personaje y transmite los sentimientos vividos hace cómplice al público.

Durante más de  una hora describe a su mujer y deja ver lo fuerte que era, una dama que impresionaba en los negocios y era fuerte en situaciones desesperadas como las que vivieron cientos de familias al ver a sus hijos arrestados durante el mandato de Franco.

Una mujer que no se quejó y llevó con tranquilidad su destino, mientras que Nicolás sufría el no poder dar una respuesta a la situación que pasaban.

Es un monólogo lleno de temperamento, emociones y talento. Sacristán, sin duda primer actor de la escena española que es un lujo ver en escena. Un hombre con temperamento y con la casta de los buenos actores.

El público disfruta, ríe, llora y guarda silencio (si la tos se lo permite) en momentos claves del monólogo. Una puesta en escena adaptada , dirigida y producida por José Sámano. Aunque en los créditos de adaptación también aparece Sacristán.

Sin duda disfrutar de la buena actuación es punto de referencia para este festival que tiene preparado obras que han llenado salas en diferentes ciudades de España.

Sacristán fue ovacionado por varios minutos y agradeció el cariño del público y recomendó se cuidarán debido que un elemento que sobresalió por parte del público fueron los tocidos y qué decir de alguno que no apaga el celular y deja que suene durante la función. Sin duda es una falta de respeto que aún no entienden muchos.

 


 

 

 

 

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Exposiciones y restauraciones cerca del público



Sevilla conmemora el  IV centenario

del nacimiento de Murillo

María Esther Beltrán Martínez     

Andalucía España.-  Este año la Junta de Andalucía ha conmemorado IV Centenario del nacimiento del artista sevillano, Bartolomé Esteban Murillo. Han efectuado  exposiciones y restaurado dos obras de gran formato. Los lienzos: Moisés haciendo brotar el agua de la roca y Milagro de la multiplicación de los panes y los peces; son obras cumbres de Murillo creadas en su ciudad natal y han permanecido hasta el día de hoy.

Los dos cuadros, ambos de iguales dimensiones (333 x 550 centímetros aproximadamente), son óleos sobre lienzo con marco de madera tallada y dorada. La intervención del IAPH ha permitido mejorar la apreciación e interpretación formal de las obras, logrando un resultado estético acorde a su gran valor patrimonial y sus características materiales. Así, se ha actuado sobre los elementos degradados realizando acciones curativas, incidiendo en las causas del problema más que en los efectos y limitando la actuación al mínimo, para garantizar su seguridad y perdurabilidad.
Con esta conmemoración  se tiene la oportunidad de ver obras que se encuentran en colecciones privadas o museos extranjeros. Las obras de Murillo  fueron cotizadas y salieron de España. Con la exposición Murillo. IV Centenario  integrada por 55 lienzos procedentes de Inglaterra, Francia, Alemania, México y Estados Unidos se tiene la oportunidad de verlas reunidas en el Museo de Bellas de Sevilla.Además se suman 17 de la exposición de Capuchinos dando un total de 72 obras.

Es la mayor y más completa exposición de Murillo celebrada hasta la fecha en nuestro país. La muestra nos ofrece una visión global de una de las figuras maestras del Barroco español y de la Escuela pictórica sevillana.

La exposición permite al visitante abordar la trayectoria del pintor y nos muestra diferentes temáticas, desmontando determinados prejuicios simplistas en torno a Murillo, pues su estilo, sus propuestas, y el conjunto su obra, que va mucho más allá de la temática religiosa, marcó un hito en la historia de la pintura española, proyectando su arte desde Sevilla al conjunto de Europa.  La curadora es la directora del Museo de Bellas Artes de Sevilla, Valme Muñoz, y por el jefe de Conservación del centro, Ignacio Cano.

Actualmente en el mercado de obras de arte, el sevillano se ha revalorizado y ha  alcanzando más de los 700 mil euros. Y los que gustan del arte pueden descubrir las obras de Murillo que han permanecido en colecciones privadas o museos extranjeros.

Respecto a las restauraciones de los lienzos pertenecientes a la Iglesia de San Jorge en Sevilla fueron trasladadas en diciembre de 2016 al Instituto Andaluz del Patrimonio Histórico para su estudio e intervención.

“Constituyen una de las aportaciones más monumentales al catálogo murillesco y su estudio ha supuesto una importante  contribución para conocer el proceso creativo de Murillo. Su restauración ha hecho posible la consolidación de la iglesia de San Jorge como uno de los espacios Murillo por excelencia, de gran interés para la oferta turística y patrimonial de la ciudad en el marco de la celebración del Año Murillo.

En torno a la restauración de los lienzos se ha desarrollado un programa de comunicación y difusión con el fin de acercar a la ciudadanía este proyecto. Con la exposición Murillo cercano. Miradas cruzadas,  el público disfrutó las obras con tal cercanía que jamás podría imaginar, debido que estas se encuentran siempre a seis metros de distancia.

El consejero de Cultura en funciones de la Junta de Andalucía, Miguel Ángel Vázquez, ha valorado de forma muy positiva estos datos que “reflejan el éxito de una propuesta que nos permite disfrutar de lo más selecto de la extensa producción de Murillo. La aceptación por parte de público viene a reconocer el esfuerzo realizado para reunir en Sevilla la mayor concentración de ‘Murillos’ realizada hasta el momento se demuestra que estamos ante un magnífico cierre para el ‘Año Murillo’, un gran evento cultural de carácter internacional con el que Sevilla ha homenajeado al pintor desde todas las perspectivas: artística, científica, cultural, patrimonial y también social”.

 


 

 

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Reivindican la obra del artista español

Francisco Iturrino en la ciudad de Málaga



María Esther Beltrán Martínez  Fotos: J.Carlos Santana

Andalucía, España.-  El Museo Carmen Thyssen Málaga presenta medio centenar de obras en  la exposición La furia del color. Francisco Iturrino (1864-1924). Artista español  renovador singular de la plástica española de la primera década del siglo XX, introdujo una nueva manera de interpretar la figura femenina  en relación con la Naturaleza, coherente con la corriente internacional.

“Aportó una visión distinta de los temas tradicionales, con una pintura gozosa y vitalista, y lo hizo desde un tratamiento técnico que mostraba recursos novedoso, con una pincelada líquida, alargada y gestual y una cromática intensa y exaltada su obra supuso la fusión de elementos heredados de maestros del postimpresionismo con la aventura regionalista. En la temática escogida, mostró un paralelismo con su tiempo. Cuando Iturrino comenzó a pintar, hacia 1982, confluye en el ámbito internacional un gusto por este asunto. En otros aspectos tuvo una estrecha vecindad con el fauvismo, llegando a ser considerado un precursor del mismo, pero Iturrino, nómada de espiritu viajero incansable realizó su obra en soledad”, explica la curadora de la exposición Lourdes Moreno.

Agrega que nacido en Santander en 1864, pero vasco de adopción, a pesar del gusto artístico de la burguesía local e Bilbao no optó por la temática realista y rural en torno al caserío o de arrantzales y remeros, a la manera Anselmo Guinea o Manuel Lozada; tampoco se vinculó al compromiso social de autores como Adolfo Guiard. Su aportación fue otra, desde una perspectiva más radical e innovadora.

Recibió una formación cosmopolita e internacional. Estudió en Bélgica y trabajó en París y recorrió de forma intensa toda la geografía española, expuso con Picasso y pintó mano a mano con Matisse y fue uno de los artistas españoles de su tiem`po que trabajo con mayor libertad en sus obras. Rindió culto al color y estuvo cercano a miembros del grupo fauvista, pero Iturrino fue un creador que mantuvo una clara independencia estilística y vital. Un autor de compleja clasificación, entonces y ahora.

Sin duda alguna, la exposición revisa  una perspectiva inédita, la pintura de Iturrino. La muestra ahonda en la reivindicación de su arte, destacando el carácter  marcadamente personal de su obra, pero sobre todo las numerosas influencias e intercambios con el poliédrico contexto nacional y europeo de su tiempo, que le sitúa en una renovadora corriente internacional de exaltación del color como elemento expresivo y compositivo.

Junto con los mejores lienzos de Iturrino se muestran obras de otros doce artistas, entre los que se encuentran Matisse, Derain, Maurice de Vlaminck, Zuloaga, Anglada- Camarasa, Regoyos, Nonell, Juan de Echevarría, Vázquez Díaz, Ismael Smith, Fernando de Amárica y Manuel Ortiz de Zárate.

Se  exhibe un retrato que le hizo en 1914 su amigo André Derain, uno de los iniciadores del fauvismo, abre la exposición La furia del color, ilustrando las conexiones que Iturrino estableció en París con los protagonistas de las corrientes renovadoras del arte de su tiempo, y que en esta muestra se presentan como fundamentales para su pintura.

Moreno enfatiza que todas las amistades del pintor entre las que se incluyen los principales protagonistas de las vanguardias de comienzos del siglo XX o literatos como Unamuno y Gómez de la Serna, y sus puntos de encuentro muestran, en definitiva, que Iturrino, pese a su absoluta singularidad den la España de su tiempo, no fue un artista aislado o al margen de las grandes corrientes pictóricas.

En la inauguración de la exposición se contó con familiares del artista entre los que se encuentra su nieto.