El VIII Festival Internacional de la Imagen (FINI) girará en torno al tema Fronteras

•  Del 26 de abril al 4 de mayo: exposiciones, conferencias, ciclos de cine, presentaciones, talleres, foros de análsis, eventos especiales y espectáculos

              •  República Checa, País Invitado de Honor

• Artistas Invitados: Jan Ŝvankmajer / Kai Wiedenhöfer / Aleŝ Najbrt / Alex Webb & Rebeca Norris / Rodrigo Moya / Lorenzo Armendáriz / Fritz Torres - Colectivo Plural / Sergio Arau / José Ramón Alcalá / Benito Cabañas / Eric Olivares / Mathieu Willcocks  / Mariella Furrer / Meggan Gould / James Stone

El Festival Internacional de la Imagen (FINI) es un encuentro multidisciplinario para promover, difundir y apreciar la creación artística y la comunicación visual en un espacio de reflexión y debate en torno a la estética, los significados y el valor de las imágenes en sus diversos géneros, expresiones y aplicaciones.

La VIII Edición del Festival Internacional de la Imagen (FINI), organizado por la Universidad Autónoma de Hidalgo y su Patronato, se llevará a cabo del 26 de abril al 4 de mayo y tiene como País Invitado de Honor a la República Checa.

En esta ocasión, el FINI propone una reflexión y análisis sobre un tema de actualidad y relevancia mundial: Fronteras, en torno al que se desarrollan las diferentes actividades del festival, tales como el Coloquio Internacional (con la presencia de destacados investigadores y especialistas nacionales y extranjeros), conferencias, clases magistrales, ciclos de cine, talleres, conciertos, exposiciones y actividades culturales, entre otras.

La palabra “frontera” se utiliza generalmente para referirse a la delimitación de la soberanía de un país. Como resultado de la globalización, las fronteras en algunos territorios se han flexibilizado; sin embargo, en otros, se han endurecido. Actualmente, las fronteras se encuentran en un proceso de transformación con la participación de diversos actores políticos y sociales, donde la tecnología, la economía y la sociedad del conocimiento tienen un papel protagónico, siendo un desafío para la tolerancia, el respeto al otro y la efectiva aplicación de los derechos humanos.

El FINI 2018 entregará un Reconocimiento por su Trayectoria Profesional al fotógrafo mexicano Lorenzo Armendáriz, especializado en la documentación de grupos étnicos y nómadas, quien presenta la exposición La gente del viaje: Gitanos sin fronteras. De esta manera, Armendáriz se integra a un conjunto de artistas que han recibido esta distinción, como Ariel Guzik, Pedro Valtierra, Ambra Polidori, Elsa Medina, Maya Goded, Francisco Mata Rosas y Alfredo De Stéfano.

Además, el FINI realiza un Homenaje a los creadores que han contribuido con su obra al enriquecimiento cultural de nuestro país. Entre los artistas que han recibido esta distinción están se encuentran Ramón Valdiosera, pintor, ilustrador, caricaturista, diseñador gráfico y de moda; Eduardo Terrazas, arquitecto y artista multidisciplinario; Carlos Jurado, pintor y fotógrafo; Vicente Rojo, artista plástico y diseñador gráfico; Felipe Cazals, director de cine; y Julio Souza, fotógrafo de la Agencia Hermanos Mayo.

En esta edición se rendirá Homenaje al extraordinario reportero gráfico Rodrigo Moya, que se ha distinguido como uno de los fotodocumentalistas más importantes de América Latina por su extraordinario trabajo sobre los movimientos sociales en la segunda mitad del siglo XX. Moya es, sin duda, uno de los protagonistas y precursores de la fotografía contemporánea.

 El FINI 2018 recibe un selecto grupo de Artistas Invitados. Nos acompaña en esta ocasión el galardonado cineasta checo Jan Ŝvankmajer, autor de una obra con gran influencia surrealista, quien por primera vez visita México. El director de cine dictará una Conferencia Magistral y se han programado, como parte de las actividades del festival, su película Alicia así como una selección de sus cortometrajes, obras excepcionales de la animación y el stop-motion.

Por su parte Kai Wiedenhöfer, destacado fotógrafo y diseñador editorial alemán, presentará la exposición Confrontier, una muestra de su trabajo sobre los muros más emblemáticos del mundo que han dividido a naciones y personas.

Gracias a la colaboración de Fundación Televisa, el FINI tendrá la oportunidad de mostrar el trabajo del estadounidense Alex Webb, uno de los fotógrafos contemporáneos más influyentes, integrante de la agencia Magnum, quien presentará La calle, una exposición que da cuenta de la vida cotidiana de algunas ciudades fronterizas en nuestro país, un proyecto excepcional en el que ha trabajado durante más de 30 años.

El diseñador checo Aleŝ Najbrt, egresado de la Academia de Artes, Arquitectura y Diseño de Praga, dirige desde 1994 el reconocido Estudio Najbrt, cuyo trabajo en el diseño gráfico le ha merecido numerosos premios por su calidad en el ámbito editorial, fotográfico, musical y artístico, quien inaugurará una exposición retrospectiva de su trabajo.

Además, entre los Artistas Invitados que nos acompañan en esta edición se encuentra Sergio Arau, artista, pintor y cineasta, de quien se proyectarán su película Un día sin mexicanos y su galardonado cortometraje El Muro; José Ramón Alcalá, artista y académico de la Universidad de Castilla-La Mancha, España quien dictará la Conferencia Magistral “Laboratorio de la mirada en la era de la post-imagen”; los diseñadores gráficos mexicanos Benito Cabañas y Eric Olivares, quien dará un Taller Especializado sobre Cartel; Mathieu Willcocks, fotógrafo ganador del World Press

Photo 2017; Mariella Furrer, fotógrafa suizo-libanesa; Meggan Gould, artista, fotógrafa y académica graduada en Antropología por la Universidad del Norte de Carolina; y James Stone, profesor, escritor y ensayista, Jefe del Departamento de Artes Cinematográficas de la Universidad de Nuevo México, Estados Unidos.

Al finalizar la Clausura del FINI 2018 se presentará el espectáculo multimedia Flujo Natural, producido especialmente para el festival por el Colectivo Plural, dirigido por Fritz Torres, con la participación musical de Pepe Mogt (ambos, creadores del exitoso proyecto Nortec Collective, de gran influencia en la escena musical y visual de Tijuana), Liliana Ospina en la ilustración y Ernesto Aello en animación, cámara y edición. Flujo Natural es un espectáculo audiovisual que reflexiona sobra la vida en la frontera norte de México y los fenómenos trasfronterizos alrededor del muro que nos separa de los Estados Unidos.

Por su parte, el Concurso Internacional de la Imagen 2018, una de las actividades más representativas dentro del festival, que convoca a creadores nacionales y extranjeros para participar en los géneros de Fotografía (análoga y digital), Técnicas Alternativas (collages, montajes o arte digital), Video Documental (corto y largometraje) y Cartel (técnica libre), en las categorías de Estudiantes y Profesionales, tuvo una gran respuesta por parte de los creadores de México y el mundo.

Las obras ganadoras del Concurso se podrán conocer en la Magna Exhibición de los Trabajos Finalistas el sábado 28 de abril del 2018, a las 7:30 horas, en el Patio La Garza del Centro Cultural Universitario La Garza de la UAEH, ubicado en Abasolo 600, Centro, Pachuca de Soto Hidalgo.

Cabe mencionar que los premios ascienden a más $45,000 USD y que la reciente edición contó con la participación de cerca de 1,400 trabajos, provenientes de 78 países alrededor del mundo. La Convocatoria estuvo abierta del 3 octubre de 2017 al 3 de febrero de 2018.

Con la realización del Festival Internacional de la Imagen, la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo refrenda su compromiso con la comunidad universitaria y la sociedad en general al abrir espacios incluyentes y multidisciplinarios para la creación, la reflexión y el debate en torno a temas de trascendencia social, contribuyendo así al desarrollo de la cultura local y global.

Para consultar la información completa: www.fini.mx

Para ver nuestro magazine:
https://www.uaeh.edu.mx/fini/2018/magazine-2018/ 

El MODO presenta su nueva exposición: “Ciudadanía, Democracia,  y Propaganda Electoral en México: 1910 – 2018”

• La exposición es una crónica de los procesos electorales que ha vivido México desde 1910 hasta 2018, narrada a través de más de dos mil objetos de propaganda electoral.
• Es una muestra que acompañará el proceso electoral de 2018 para contribuir a generar una conciencia ciudadana e incentivar la participación democrática.
• La exposición recoge la memoria histórica de los procesos electorales y las luchas por la democracia que ha vivido México a lo largo de su historia.
• El voto de las mujeres, los movimientos ciudadanos, la historia de las instituciones electorales  y la política en la nueva era digital, son algunos de los núcleos que los visitantes encontrarán en esta exposición.

 Fiel a su estilo de buscar siempre una manera original de presentar, a través de objetos, los temas más relevantes de la vida cotidiana de los mexicanos, el Museo del Objeto del Objeto (MODO) presenta su nueva exposición: “Democracia, Ciudadanía y Propaganda Electoral en México de 1910 a 2018”.

La exposición busca acompañar el proceso electoral de 2018 con una muestra que contribuya a generar conciencia ciudadana e incentivar la  participación democrática, a través de la memoria histórica de los procesos electorales y las luchas por la democracia que ha vivido el país a lo largo de su historia

El visitante podrá encontrar en la exposición una crónica de los procesos electorales que ha vivido México desde 1910 hasta 2018, narrada a través de más de dos mil objetos de propaganda electoral, como carteles, gorras, camisetas, botones de campaña, ceniceros y todo tipo de la parafernalia que han repartido candidatos y candidatas en campaña, así como fotografías, videos y aplicaciones digitales que hoy en día son parte esencial de la vida política.

Se podrá ver desde un ejemplar original del libro “La sucesión presidencial de 1910” de Francisco I. Madero, hasta unas botas con las iniciales del candidato Vicente Fox o los paquetes de semillas que repartía Miguel de la Madrid “para el florecimiento de México”; desde los boletos de camión que invitaban a votar por Miguel Alemán hasta el Plan Sexenal con el que se promovió Lázaro Cárdenas; los discos de 45 rpm que regalaba José López Portillo con un corrido alusivo a su vida en una cara y otro dedicado al general Arturo Durazo;  un lápiz labial que invitaba a votar por Felipe Calderón; o un impactante cartel impreso en seda que llamaba al voto por Francisco I. Madero y José María Pino Suárez en 1911.

Objetos de la picaresca popular como un copete de plástico de Peña Nieto, hasta objetos de uso doméstico y cotidiano como llaveros, pastillas de jabón y juegos de geometría marcados con los nombres de diversos partidos y candidatos.

Paulina Newman, Directora del MODO señaló que: “Con esta nueva exposición, el MODO busca contribuir a la revisión de los procesos a través de los cuales nos hemos transformado en una sociedad civil cada vez más movilizada y organizada y el camino que se ha recorrido en búsqueda de una sociedad política más representativa, vigilada, cuestionada y exigida”.

Es por ello que la exposición está dividida en 7 núcleos temáticos: “El sistema político mexicano”, “El voto de las mujeres”, “Movimientos sociales”, “Ciudadanía”, “Los medios digitales”, “La historia electoral en México” y “La evolución del órgano electoral”.

De acuerdo al curador de esta muestra, Juan Manuel Aurrecoechea:  “Las historias de la ciudadanía, la democracia y la propaganda electoral se yuxtaponen y atraviesan todas las historias del México moderno, desde que Francisco I. Madero exigió “Sufragio efectivo, no reelección” en 1909, hasta las competidas y debatidas elecciones políticas de la actualidad”.

Por esta razón, la exposición se complementa con infografías y videos que proporcionan la información necesaria para que el visitante pueda hacer una mejor lectura de los temas que se presentan, por ejemplo: la historia de los partidos políticos, la historia de la participación de las mujeres en la política electoral o las principales reformas electorales de los últimos años.

Se trabajó de la mano del INE, organismo que colaboró prestando objetos de su colección nunca antes mostrados como  boletas electorales, spots de los partidos políticos, actas de escrutinio y cómputo, liquido indeleble, marcador de credenciales, lápices y crayones para votar,   , canceles electorales, urnas, sellos, y credenciales para votar, desde los que se utilizaban en el siglo XIX hasta la credencial actual. Adicionalmente, el INE realizó, para esta muestra, un video con los testimonios de las primeras mujeres que votaron en 1953.

Cabe señalar que para Lorenzo Córdova, Consejero Presidente del INE, “Las campañas electorales constituyen el lapso estelar para la confrontación política y el debate informado en una sociedad democrática. Es por ello que los carteles, slogans y materiales repartidos durante las campañas no sólo reflejan el tipo de propaganda política, sino la creatividad y las estrategias de los competidores para acercarse a la ciudadanía en una elección específica. De ahí que para recordar una elección tengamos al menos, dos formas: revisar los resultados electorales y, hurgar en la propaganda política y los materiales utilizados en las campañas.”

Se mostrará también, video integrado con imágenes de actos de campaña de prácticamente todos los candidatos que han alcanzado la presidencia en los últimos cien años —de Porfirio Díaz a Enrique Peña Nieto—, así como de sus principales opositores, para mostrar una historia panorámica del país, en poco más de diez minutos.

“Democracia, Ciudadanía y Propaganda Electoral en México de 1910 a 2018” estará presente en El MODO hasta el próximo 29 de julio de 2018.

El Centre Pompidou Málaga nos descubre

al artista rumano Constantin Brancusi

María Esther Beltrán Martínez    Fotos: J. Carlos Santana

Andalucía, España.- En la Costa del Sol conocida actualmente como la ciudad de los museos, Málaga, se exhibe la diversidad de obras del artista Constantin Brancusi (Hobita, 1876- París, 1957), rumano de nacimiento, pero parisino de adopción.

Brancusi destaca como uno de los artistas más singulares de su generación y es en el Centre Pompidou donde se exhiben un centenar de fotografías, negativos y grabaciones así como esculturas y dibujos.

Son cinco partes en las que se observan: la figura de Brancusi, su taller, el diálogo entre la forma en bruto y la forma lisa, lo orgánico y finalmente un homenaje a La Columna sin fin, que es un rombo que aparece como aislado en un primer momento de la obra de este artista. Para luego transformarse en pedestal y en 1918 gana protagonismo con la primera escultura de La columna sin fin.

Julie Jones curadora de la exposición indica que a pesar de trabajar solo, sin asistente, el artista no se encuentra aislado de los creadores de su época: cuando se muda a Parçis en 1907, se hace  íntimo amigo de personalidades entre los que figuran: el compositor y pianista; Erik Satie, el artista; Marcel Duchamp, el poeta; Tristan Tzara, el fotógrafo Edward Steichen, además de frecuentar a las bailarinas

contemporáneas Lizica Codrano o Florence Meyer.

“Si bien su actividad como escultor es la más prolífica, Brancusi también dibuja, filma y fotografía  regularmente, eligiendo como temas principales sus esculturas, y el taller que ellas habitan. Estas imágenes del pasado  devienen instrumentos inestimables para apreciar la obra de un artista enteramente apegado a expresar el principio generador de la vida. A partir de 1914, Brancusi  declara que las reproducciones fotográficas de sus obras no le satisfacen y decide realizar el mismo fotos de esculturas. Según Él, sus fotografías nos hacer “ver” más su escultura que un comentario escrito”.

Explica la curadora que el movimiento, su principio y su filmación, revela la obsesión constante del escultor por el proceso natural de la metamorfosis.  

“Metamorfosis. La vida es fermentación y debe  transformarse para seguir viva”, afirmaba el artista. Julia señala que el interés por la energía generadora, en movimiento perpetuo, es ampliamente compartido por sus contemporáneos de principio  del siglo XX.

“La época está marcada por un  interés sin precedentes por los estudios  sobre el tiempo, el movimiento y la desmaterialización  de la materia, tanto en el ámbito de la filosofía como en los de las ciencias exactas, el arte o el esoterismo. De hecho, los nombres de algunas esculturas  Móviles como Leda, hace directamente referencia a la metamorfosis. La transformación se observa en la obra. en las diferentes versiones realizadas a partir de un mismo motivo, en mármol, madera o bronce”.

Un aspecto que presenta la exposición es que a menudo Brancusi posa como modelo para sus fotografías y películas, lo cual observamos durante el recorrido por la exposición que nos envuelve con la creación del artista. Observamos un hombre despeinado y  cubierto de yeso. Otro aspecto que nos presentan es que es un hombre que le gusta la música y en su taller cuentan tenía una buena colección de discos y que fue siempre un espléndido anfitrión en su taller para sus amigos, músicos, bailarines y escritores. Un amante de las mascotas, descubrimos varias fotos de sus dos perros uno blanco y otro negro.  

La madera es el material favorito del artista, lo que se confirma al ver sus esculturas, pedestales y muebles domésticos que él artista confeccionará para su taller algunos  con motivos del arte tradicional rumano por lo que dejan entrever el interés de Brancusi por el arte fuera de los cánones occidentales, especialmente el africano.

La exposición ha editado un catálogo en donde se puede apreciar las obras del artista, además que cuenta con textos muy bien explicados de los curadores sobre la obra y vida del artista. Se cuenta con la recopilación de afirmaciones de amigos del artista que dan cuenta de la vida y obra de Brancusi.

la actriz española Neus Sanz

María Esther Beltrán Martínez   Fotos: Moises Fernandez

Málaga, España.- Se presenta en gira el monólogo Un pedacito de mi, escrito por la actriz Neus Sanz. En una hora y con el sólo uso de fotografías, Sanz se descubre ante el público y nos habla de su vida.

Sanz quien ha participado en diversos proyectos como: Los hombres de Paco, Águila Roja o  la película Volver, se pone frente al público en un monólogo con un porcentaje de comedia y habla de su vida.

Es extraño que una obra empiece con agradecimientos y Neus rompe el patrón e inicia su monólogo con una decena de agradecimientos a familiares, amigos y compañeros de trabajo  por medio de un vídeo. Lo cual sorprende como espectador. Seguidamente sale al escenario y pide disculpas por los más de cinco minutos de agradecimientos.

“Siguen ahí”, dice sorprendida. Y comienza por explicar su decisión de agradecer a todos los que la han ayudado en su vida y empieza a narrar anécdotas de su infancia, juventud y vida.

El hilo conductor son fotografías que al verlas ella narra lo que hay alrededor de la imágen. El público se convierte en cómplice de sus aventuras. Mini historias que son como las que se cuentan muchas veces en reuniones de amigos y familiares. Recordando esos momentos de la juventud e infancia. Cuando los padres, amigos o conocidos actuaban de tal o cual manera, que causaban el dolor, la pena o la alegría de quien lo cuenta.

Y sin duda alguna es así como nace este proyecto. Así lo comenta Neus que “un día le contó la historia de una foto a una amiga y está le dijo que, tanto esa historia como todas las que siempre cuenta, da para un monólogo de comedia donde todo el mundo pudiese disfrutar de sus alocadas historias y las de su familia”.

Es un monólogo íntimo y en algún momento se siente uno incómodo o simplemente sorprendido. Es tal vez de esas veces que se acerca alguien y te cuenta alguna situación familiar que no entiendes porque lo hace o qué espera de tí.

Neus termina por agradecer la asistencia de todos. Y sale al vestíbulo al dar abrazos al público. Antes de que salga los asistentes le dan una gran ovación.

MEXICRÁNEOS, SUBASTA CON CAUSA

·        2 cráneos monumentales y 12 litocráneos forman parte de Esto es Ahora Subasta de Arte Contemporáneo de Morton Subastas.

·        Lo recaudado beneficiará a fundaciones y comunidades indígenas del país.

Tal como anunció J. García López durante la presentación de la edición de MEXICRÁNEOS de este año, algunas de las piezas que formaron parte en 2017 se subastarán en beneficio de la Fundación “Un Granito de Arena” en pro de la asistencia a personas mayores; “Casa Hogar Pas”  para menores de escasos recursos; “Fundación Juntos para el Bienestar de Niños Contra el Cáncer IAP”; así como para la comunidad Huichol de la zona de Jalisco y la comunidad de artesanos de alebrijes de San Martín Tilcajete, Ocotlán en Oaxaca.

El próximo 19 de abril Morton Subastas, subastará 12 litocráneos. Entre los artistas se encuentran Gaby Villanueva, Marco Zamudio, Cocolvú; Sofía Castellanos e Ignacio Villanueva, por mencionar algunos. Además de dos cráneos monumentales, Mexicolor del artista Lao Gabrielli y Buenas Intenciones de Ángel Ricardo Ricardo Ríos.

Estas piezas que lograron gran sorpresa entre los asistentes a la muestra en Paseo de la Reforma, la cual fue visitada por mas de dos millones de personas. Los amantes del arte y coleccionistas podrán encontrar dichas obras en el catálogo Esto es Ahora Subasta de Arte Contemporáneo de la reconocida casa de subastas.

Antonio Banderas soñó con el

último paseo de Picasso por Málaga

María Esther Beltrán Martínez   Fotos: J. Carlos Santana

Málaga, España.-  Antonio Banderas lleva la mirada internacional a su ciudad natal, Málaga. Con el preestreno de la serie Genius. Y su cita del domingo de ramos para salir como todos los años junto con la cofradía de Lágrimas y Favores.

Después de superar los problemas de salud que tuvo de corazón, vemos un Antonio Banderas dando todo y trabajando continuamente. Ha sacado sus productos de diseño, viaja continuamente para filmar y está presente en los proyectos culturales como es el centro de Teatro en el Soho de Málaga.

Como cada año hace una parada en su Málaga en Semana Santa para estar junto con su Virgen de Lágrimas y Favores. Este año ha llegado antes para presentar  la serie de Genius.

Antes de su llegada estuvo en Madrid para dar diversas entrevistas a medios nacionales españoles y fue  Málaga, la protagonista para hacer el preestreno. Estuvo en el Auditorio del Museo Picasso donde dio una rueda de prensa y habló del trabajo tan arduo que realizó para interpretar un Picasso de los 40 años a los 80.

Ha reiterado que está  en el momento para representar a Picasso.  Y que deseaba que hubiera un reencuentro de Picasso con su Málaga. “No quería que Málaga fuera la niña tonta en la vida de Picasso”

A declarado que no ha sido fácil sacar las flaquezas del artista malagueño, sin embargo ha sido un placer encarnar un hombre con tanto talento.

Después de cumplir con el compromiso del reestreno. Se sumó a las actividades de cofrade. Participó en un coloquio durante la presentación de un corto sobre la Semana Santa Malagueña, además de estar en las diversas actividades de su cofradía que presta atención a diversas actividades sociales durante todo el año.

Para Antonio Banderas, indicó que es muy importante saber que se quiere hacer de la Semana Santa de Málaga. Si se considera que debe promocionarse más o perfeccionar lo que se tiene.  Además de señalar que para muchos es un acto de fe, mientras para otros una forma de espectáculo.

Antonio recalcó su compromiso porque está Semana Santa 2018 sea buena para todos las cofradías, que son más de cuarenta las que hay en la capital de Málaga.

Con un retraso de casi una hora salió la procesión a causa de la lluvia. Banderas ejerce como mayordomo, quien se encarga de dar toques de campana, de guiar el trono por las calles del centro de Málaga. También participa  su hermano Francisco Javier. La noche del sábado colocaron un crespón negro en la campana del trono para recordar a su madre Ana Banderas, que fue camarera de la Virgen y es de las que se encargan de vestir y ornamentar a la Virgen para salir en procesión.

El joyero de Málaga salió dirigido por Antonio. En la salida del desfile  estuvo a su lado su compañera Nicole Kimpel, el director de la serie de Genius Ken Biller, como familiares y amigos.

Al finalizar y regresar a la iglesia de San Juan, Banderas abrazado por todos los cofrades emocionados   cantaron la marcha Lágrimas de San Juan escrita por el propio actor.

Le seguimos echando cráneo a México…

ARTE, CULTURA Y TRADICIÓN CONQUISTARÁN LA CIUDAD DE MÉXICO

CON LA EDICIÓN DE MEXICRÁNEOS 2018

·  En conjunto con el Gobierno de la Ciudad de México, J. García López y Operadora Locos por el Arte, se desarrollaráMEXICRÁNEOS 2018.

·  Luego del éxito de la exposición con 54 cráneos monumentales y visitados por más de dos millones de personas,MEXICRÁNEOS inaugura su Galería de Arte en Pabellón Altavista, compuesta por más de 400 litocráneos intervenidos

El pasado mes de noviembre en conjunto con el Gobierno de la Ciudad de México, J. García López y Operadora Locos por el Arte se presentó en Paseo de la Reforma la exposición MEXICRÁNEOS “Orgullo de México”, la cual fue visitada por más de dos millones de personas; siendo esto un parteaguas en la difusión activa de la cultura y tradiciones de nuestro país. De ahí que MEXICRÁNEOS2018 sea una realidad, con el reto de acercar la cultura a todos y abrir la oportunidad a los artistas emergentes.

El desafío de MEXICRÁNEOS 2018 es superar las 54 obras monumentales de la primera edición en una de las avenidas más importantes de la CDMX, intervenidos por artistas con amplia trayectoria y nuevos talentos. El objetivo es integrar nuevas experiencias interactivas, sin perder la esencia de nuestra cultura y tradición; además de incluir la realidad aumentada a través de dispositivos móviles y contenido multimedia.

Al respecto, Óscar Padilla, director general de J. García López subrayó “gracias al apoyo del Gobierno de la CDMX será posible esta segunda edición, por que estamos convencidos de que el arte y la cultura deben estar al alcance de todos; siendo las tradiciones el ADN de nuestro pueblo, por lo que debemos trasmitirlas a las nuevas generaciones en el contexto tecnológico en el que hoy vivimos”.

Asimismo, en el marco del evento se anunció que luego del éxito de la primera edición, MEXICRÁNEOS inaugura su Galería de Arte en Pabellón Altavista, donde los amantes del arte contemporáneo podrán deleitarse con los litocráneos exhibidos o adquirir alguna de estas piezas únicas, acompañadas por su título de autenticidad.

Durante su participación, Paul Zarkin, director de Operadora Locos por el Arte, subrayó que las obras reflejan la grandeza de nuestro país y forman parte de todos los mexicanos, por lo que a partir del 15 de marzo, los visitantes de Pabellón Altavista podrán disfrutar de la Galería de Arte MEXICRÁNEOS. 

Asimismo, añadió “el aprendizaje obtenido el año pasado, fue en el sentido de que la interacción con los artistas y sus obras es fundamental para crear esa conexión de la cultura con los visitantes, así como la importancia de incluir la parte tecnológica para generar interés por el arte entre los más jóvenes; de ahí la importancia de contextualizar MEXICRÁNEOS 2018 con nuevas experiencias interactivas”.

#AnimalesDeLaNada

Un libro para fortalecer los valores de amor y respeto hacia la vida animal

Sabías que… por cada 7 habitantes que hay en la Ciudad de México existe un perro abandonado.

Para concientizar a los niños sobre la difícil situación que viven los animales de la calle, Funeral Pet, de la mano de Figallo No Format Agency, creó #AnimalesDeLaNada, una campaña social dividida en tres fases.

La primera etapa consistió en convocar al público en general para que compartiera su historia sobre cómo rescató a un animalito sin hogar. Para ello, se habilitó el site http://www.animalesdelanada.com/, una página que albergó más de 2000 anécdotas y que tuvo un alcance de más de 600 mil personas.

En la segunda fase se eligieron las 10 historias más conmovedoras y éstas fueron transformadas en cuentos por los escritores Libia Ortiz, Aydeé Bravo, Carlos Camaleón, Gerardo Castillo, Guillermo Murray y Mirella Rivera.

Posteriormente los cuentos fueron ilustrados por Tabata Bandin, Aarón Martínez, Alex Arizmendi, Fernanda Castro, Miguel Cárdenas, Eugenia Cano, Mariana Pliego, Efren Victoria, Lucero Martínez y Mariana González.

Para cerrar con broche de oro esta iniciativa, se creó el libro #AnimalesDeLaNada, el cual no sólo busca entretener a los niños, sino que a partir de sus cuentos quiere concientizar a los pequeños sobre la difícil situación que viven los animales de la calle y fortalecer los valores de amor y respeto hacia la vida animal.

De acuerdo con el Instituto Nacional de Estadística y Geografía (Inegi), en México 70% de los hogares cuenta con una mascota, pero el 40% de ellos los abandona. Asimismo, por cada 7 habitantes que hay en la Ciudad de México existe un perro abandonado.

Con #AnimalesDeLaNada será más fácil explicarle a un niño la difícil situación que viven los animales de la calle; pero también los niños –y los adultos- verán la adopción de una manera diferente, pues en el amor no hay razas y menos precios.

Por otro lado, con el libro se pretende reducir un problema de salud que tenemos en la CDMX; en la actualidad hay 1.3 millones de perros defecando en las calles, si las heces brillaran no necesitaríamos luz. Al adoptar a canes sin hogar también se podrá hacer frente a esta situación.

#AnimalesDeLaNada fue presentado este 28 de febrero en KidZania Cuicuilco. Al evento de lanzamiento asistió Miguel Ángel Cancino Aguilar, Procurador Ambiental y del Ordenamiento Territorial (PAOT); Alejandro García, director general de Funeral Pet; el Youtuber “Yorsh de Polanco” y Beto Castillo, presidente de El Muro A.C.

El libro está disponible en Gandhi, Kichink y en la página oficial de la campaña.

Un cuento forma parte importante en la vida de un niño y pronto también lo será para un animalito abandonado, Funeral Pet.

Historias ganadoras

·        Ximena De Anda López

·        Flor Nayelli Carreón García

·        Kitzia Mitre Jiménez O’farrill

·        Marco Antonio Beltrán García

·        Rodolfo Daniel Noriega Legorreta

·        Jorge Luis Gómez-Pimienta Meneses

·        Iliana Karina Ramírez Espinosa De Los Monteros

·        Óscar Daniel Torres Juárez

·        Leticia Muñoz Cruz

Y Fellini soñó con Picasso exposición

de dos talentos unidos por el arte

María Esther Beltrán Martínez  Fotos: J.Carlos Santana

Andalucía, España.-  El Museo Picasso Málaga inicia el año con la exposición Y Fellini soñó con Picasso. Los visitantes disfrutan de la obra de dos grandes figuras del siglo XX: Pablo Ruiz Picasso y Federico Fellini.

La curadora es Audrey Norcia, doctora en Historia del Arte. Muestra el mundo del cineasta italiano Fellini en torno a los sueños que tuvo con el artista español Pablo Ruiz Picasso.

La exposición contiene el mundo de Fellini con una selección de dibujos, películas, fotografías y otros documentos del director de cine italiano que, junto a pinturas, esculturas, dibujos y obra gráfica de Pablo Picasso. Que pone de manifiesto  la similitud de abordar temas como la sexualidad, la exaltación de a vida, la exuberancia y la metamorfosis.

La curadora explica  que el encuentro que se presenta de éstos artistas  no es una comparación sino por el contrario forma un diálogo: “Son estos  los elementos que le unen a Picasso, sin duda alguna, , aunque estén sumidos en los sueños. Lo mismo que su amor a la vida”.

“Una mañana de 1962, el célebre director italiano Federico Fellini (1920-1993) se levantó y describió un encuentro con Picasso en El libro de los sueños, cuadernos en los que -a modo de antología onírica- escribía y dibujaba sus ensoñaciones a petición de su psicoanalista, Ernst Bernhardt, discípulo de Carl Gustav Jung. Así, entre noviembre de 1960 y agosto de 1990, Federico Fellini completó dos gruesos volúmenes con un extenso imaginario de personajes e imágenes, germen de escenas inolvidables en sus películas”, explica.

No fue un sólo sueño hubo varios. Un primer sueño del 22 de enero de 1962, en el que Fellini y su esposa Giuletta Masina visitan la casa de Picasso, se reúnen en su cocina donde comparten una confortable escena de amistad. En sus memorias, el director afirma que “estábamos en una cocina, era claramente la cocina de su casa, una enorme cocina repleta de comida, de cuadros, de colores… Hablamos toda la noche”.

Norcia revela que el 18 de enero de 1967, el cineasta  sueña de nuevo con Picasso y anota en su cuaderno: “Toda la noche con Picasso, que me hablaba, me hablaba… Éramos muy amigos, me mostraba un gran cariño, como un hermano mayor, un padre artístico, un colega que me coloca a su altura, alguien de la misma familia, de la misma casta…”. Hay un nuevo sueño en 1968, que no dibuja pero sí redacta, en relación a una falsa noticia sobre la muerte de Picasso. Finalmente, en julio de 1980, Fellini describe su cuarta y última ensoñación, en la que asegura que éste vuelve a hablarle como un amigo y un maestro: “Sueño con Picasso (un poco más desmejorado, consumido, pero todavía muy vital) que me habla sin parar”.  

La exposición cuenta con un audiovisual  del director español Isaki Lacuesta con voz de la actriz Emma Suárez. Es un film de 22 minutos  en el que se han insertado fragmentos de películas de Fellini. Y se ha realizado un cartel del artista Curro González que es a la vez una hoja de sala ilustrada por el artista. En el anverso, a modo de pequeño cartel de cine felliniano, un dibujo nos muestra personajes, escenarios y elementos en los que  coexisten ambos artistas, mientras que en el reverso se reproducen los textos introductorios de las diversas secciones de esta exposición. 

Picasso. El deseo atrapado se exhibe en

la Casa Natal de Pablo Ruiz Picasso

María Esther Beltrán Martínez      Fotos: J. Carlos Santana

Andalucía, España.- Picasso. El deseo atrapado, indaga en las diferentes expresiones de deseo, anhelo, fantasía y el erotismo a través de  45 obras entre grabados y libros ilustrados de Picasso realizadas entre 1905 y 1971.

Mario Virgilio Montañez, curador de la exposición expresa que es un placer mostrar parte de la colección de la Fundación de Picasso Museo Casa Natal.

“El deseo atrapado se divide en ocho secciones agrupadas por temáticas: El cuerpo reconstruido, Los cuerpos creados, Los cuerpos observados, La mujer observada, La mujer que observa, Nuda veritas, El deseo y Fantasías del harén. El recorrido de esta exposición revela a un Picasso que, en diferentes etapas de su vida, siente y plasma el deseo de una forma diferente. En El cuerpo reconstruido, siguiendo los principios del Cubismo, descompone los cuerpos para que sea el propio espectador el que devuelva la forma a las figuras (Mujer desnuda con guitarra, 1913). En algunas escenas emplea elementos autobiográficos, como en la sección Los cuerpos creados, incluyendo en sus grabados a otros artistas para representar las escenas (Escultor y dos cabezas esculpidas, 1933)”.

Agrega que en la serie Los cuerpos observados presenta las figuras desnudas, sacando a la luz un acto íntimo (El taller del viejo pintor, 1954). En el apartado La mujer observada representa la imagen femenina más sensual, detallando en sus grabados pasajes bíblicos, como en la obra Salomé, (1905). Pero la mujer también adopta un papel activo en la serie La mujer que observa. La protagonista asiste a la escena y contempla lo que en ella ocurre, dando lugar a grabados que compaginan el clasicismo grecolatino con el frenesí erótico (Modelo y gran cabeza esculpida, 1933).

Hay una serie más titulada  Nuda veritas, la contemplación del cuerpo femenino también adopta otro papel, más cercano a ser un objeto de culto, de veneración, expresando un deseo casi inalcanzable (Desnudo con collar, 1944).

En ésta exposición Picasso desarrolló la atracción hacia los cuerpos vista desde diversos ángulos, en cada una de las obras nos muestra su talento con el manejo de diversas técnicas y principalmente por los temas.

Sin duda alguna ésta exposición invita al deseo. Al ver la belleza del cuerpo femenino como ser espectador de la  intimidad.

Un libro de arte sacro colonial para disfrutar

Ha sido un gran éxito la publicación del nuevo libro de Ábside Editores: “Iglesias del Centro Histórico de la Ciudad de México”. A un par de meses de su incursión en el mercado, los ejemplares de pasta dura se encuentran casi agotados y los de pasta rústica están teniendo una gran aceptación.  

Y es que es un libro único en su tipo que, a través de panorámicas y nítidas fotografías de Epstein y Morera, coloca en relieve el tesoro religioso, cultural y artístico que esconden las iglesias y los templos religiosos del Centro Histórico de la ciudad capital a través de sus pinturas, retablos, fachadas, altares, arquitectura colonial, tradiciones y reliquias.

Es un tesoro que pasa inadvertido para muchos visitantes de la zona, incluso aún para muchos de los más fieles devotos que frecuentemente rezan en tan hermosas iglesias sin advertir toda su riqueza. 

Y es que la Comisión de Arte Sacro generalmente no cuenta con recursos económicos suficientes para restaurar y hacer lucir al máximo sus monumentos católicos y todo el arte que encierran. Así lo comunica el Padre José Hernández Scheffler, director de dicha Comisión. 

No obstante, el restaurador de monumentos y autor del libro, Rafael Cal y Mayor Leach, en un esfuerzo por preservar este valiosísimo patrimonio religioso e histórico de todos los mexicanos, desempolva los mejores ángulos, hurga en la historia y recupera la tradición que hay detrás de cada obra de arte. 

Con el mérito de que es la única obra de consulta completa, que incluye también mapas y un cronograma.

Esta segunda edición del título (la primera se publicó en 2011 y se agotó) incluye 83 templos, once más que la primera, de los cuales dos son sinagogas. Y se vende en cadenas como Gandhi, San Pablo, en el pasaje Catedral, en la Libraría Bellas Artes y en la Antigua Librería Madero, así como en librerías religiosas. También es posible comprarlo vía online y con envío gratis dentro de la Ciudad de México a través del sitio: https://sites.google.com/view/ichcm

FB: absideeditores 

Hors Pistes enlaza deporte y cultura

en el Centre Pompidou Málaga

*El ayuntamiento de Málaga y el Centro Pompidou  prórroga su acuerdo de colaboración hasta el 2025.

María Esther Beltrán Martínez Fotos: J. Carlos Santana

Málaga, España.-  Uno de los museos que se visitan más en Málaga es el Centre Pompidou Málaga cuyo éxito ha llevado a prorrogar el acuerdo de colaboración  entre el Ayuntamiento de Málaga y el Centre Pompidou por cinco años más.

Y sin dejar de parar presenta la exposición Hors Pistes, evento anual multidisciplinar que propone cada año un conjunto de obras relacionadas con un tema de actualidad, que se presentan  mediante un dispositivo participativo reinventando  en cada edición. Como su título indica Hors Pistes: fuera de pista se trata de replantear, producir y dar a conocer creaciones que se sitúan fuera del camino trillado.

“Desde hace dos años, Hors Pistes analiza el universo del deporte desde un prisma político y crítico desarrollando paralelismo con la sociedad. Al tiempo que poético, sobre la reapropiación  por parte de los artistas de las formas, códigos e imaginario del deporte, para captar su absurda y poesía. La propuesta del evento desarrolla desde el ángulo descrito. Del estudio de las proporciones del cuerpo humano al de los desplazamientos y sus movimientos dentro del espacio, el deporte  lleva siendo representado en el arte desde  la antigüedad, esculturas, cerámicas o fotografías muestran la potencia física del cuerpo humano durante el esfuerzo”, explica  Gemma del Corral, Concejala de cultura.

En la exposición se presentan ocho proyectos en vídeo,  con diversa temáticas entre las que se encuentra:  Crap Days, 2010. Solas frente a la cámara, personas anónimas entonan los cánticos de los hinchas de fútbol  británicos, con lo que se crea un vínculo entre lo familiar y lo ajeno, explica la curadora Géraldine Gómez.

Explica  que en la obra Infinity, 2006 de Mai Yamashita + Nao Kobayashi  se les ve correr  formando un signo infinito que, día tras día, va quedando  físicamente marcando en el césped. Al obligarse a cumplir una misión  aparentemente sin objetivo, los dos artistas adoptan aquí  una actitud  sincera, no exenta  de humor, que permite que los espectadores se replanteen los innumerables  rituales sin sentido que marcan el ritmo de nuestra vida cotidiana.

Ne vous laissez pas consoler, 2009 y No hay espectadores, 2010. Son proyectos  cuyo tema son los hinchas. El primero  realizado en colaboración con los Ultramarines, los ultras del equipo de  fútbol Girondins de Burdeos. El 27 de septiembre  de 2009, durante  el partido del Girondins de Burdeos y el Stade Rennes, se insertaron sentencias de carácter político que cuestionan la lógica misma del espectáculo. La segunda es sobre el proyecto realizado en colaboración con la barra de fútbol Santiago Wanderers de Valparaíso, Chile. Se trata de una  serie de material publicitario  con eslóganes que remiten a la lucha política  y deportiva, y un vídeo de  dos canales  que simultáneamente da cuenta de los preparativos  de la barra  brava y de los carabineros para un partido  que tuvo lugar entre Santiago Wanderers y la Universidad de Chile en febrero de 2010.

Entre otro de los proyecto está  La nadadora, 2006.  Maite Cajaraville  muestra una proyección múltiple en una sala cerrada. Presenta a una nadadora de élite  realizando unos ejercicios acrobáticos que se modifican  por pequeños errores imperceptibles hasta un inesperado desenlace.

The Beatles  vs The Rolling Stone

en la Térmica de la Costa del Sol

María Esther Beltrán Martínez Fotos: J.Carlos Santana

Málaga, España.- La exposición The Beatles vs The Rolling Stone  que presenta la Térmica. Centro de Arte Contemporáneo de Málaga muestra fotografías de Gered Mankowitz y Terry O’Neill. Imágenes que  llevan al tiempo mágico en que los Beatles se convirtieron en los Beatles y los Rolling en lo que son.

Está exposición muestra los comienzos de dos bandas que son referentes de la música internacional. Vemos el trabajo de dos fotógrafos ingleses que inmortalizaron personajes internacionales y conocidos de la historia  contemporánea.La curadora de la exposición es Cristina Carrillo de Albornoz, recopila las fotos realizadas  por O’Neill y Mankowitz.  

“Una clave de la exposición es desmontar la supuesta rivalidad de ambos grupos. A pesar de toda la  habladuría anti-Beatles, ambos grupos eran amigos. Se conocieron en abril 1963; por entonces The Beatles estaban  ya en la cima con singles como: From me to you, She loves you o I want to hold  your  hand, mientras que los Rolling Stones estaban aún comenzando. Tras su aparición en el programa Thank Your  Lucky Stars, The 4 Fabs fueron a ver cantar a Mick Jagger en el pub  Richmons. Este fue su primer apoyo. Curiosamente Los Beatles aparecieron vestidos muy modernos con chaquetas de cuero y gorros a juego  que habían comprado en su concierto en Hamburgo, mientras que los Stones tenían un aspecto desaliñado. No fue la única vez que fueron a Richmond, donde por entonces cantaban habitualmente los Rolling”, explica la curadora y agrega.

“El primer gran éxito de los Rolling Stone se lo deben a los Beatles. Ocurrió en septiembre de 1963 y fue Andre Loog Oldham y sus conexiones con Los Beatles lo que les procuró a Los Rolling Stones  su primer  empuje importante, una noche  que Oldham salía descontento  del club, se topó con Lennon y McCarney y les llevo  al Richmond. Allí, detrás de escena tocaron  varios temas que estaban componiendo  ambos Beatles titulado I wanna be your  man, fue toda una lección magistral  durante  la que Oldham  les pidió que le dejaran cantar a los Rolling  uno de esos temas titulado I wanna be your man; Lenon y McCarney accedieron, los Rolling realizaron su versión y se convirtió en un éxito. Así fue como gracias al apoyo de ambos componentes de los Beatles, Los Rolling lograron la atención del público situándose  dentro del Top  10  británico y de los medios”

Voceros de prensa indican que: “O’Neill fue el primero en fotografiar a los Beatles y a los Rolling Stones al comienzo de sus carreras musicales publicando el material en prensa y Mankowitz  fue asimismo uno de los que más contribuyó a crear la imagen peligrosa asociada a la banda de Jagger, Richards, Jones, Wyman y Watts con la portada del mítico álbum Between the Buttons”.

Durante su visita a la Costa del Sol, Terry O’Neill aseguró que las tres reglas imprescindibles de un fotógrafo son: “ser invisible, tener paciencia y saber combinar la discreción y relaciones públicas”. Lo que le ha valido un éxito indiscutible plasmando imágenes espontáneas y cercanas.

Durante el recorrido por la exposición vemos imágenes inéditas de las dos bandas, algunas llegan a sorprender al ver la cercanía que tenían los elementos de las bandas entre si.

La exposición se completa con el vídeo del documental Eight days a Week,  trabajo de Ron Howard nominado y ganador de varios premios este año (grammy, bafta, satellite awards…) que recoge los primeros años de la carrera del grupo de John, Paul, George y Ringo desde sus comienzos en el pub The Cavern de Liverpool hasta la actuación que hicieron en 1966 en San Francisco.

Se exhiben LP’S originales de la época y memorabilia provenientes de los fondos de la colección de Antonio Jurado que ha reunido a lo largo de  tres décadas; destacan las portadas de discos diseñados  por Andy Warhol, gran amigo de The Rolling Stones, y lo más llamativo es una carta excepcional en la ue Brian Jones, el prodigio musical  que realmente unió al grupo en 1963, explica cómo dejó de ser el líder del grupo en favor de Mick Jagger.

El Centro de Arte Contemporáneo de

Málaga festeja sus XV años a lo grande

María Esther Beltrán Martínez     Fotos: J. Carlos Santana Ruiz

Málaga, España.-  Con decenas de actividades culturales y recreativas el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (CAC) celebra sus XV años.

En un comunicado de prensa el centro  agradece a todos los malagueños y visitantes su apoyo incondicional, que junto al trabajo diario del museo han conseguido situar en “estos quince años como un centro de referencia tanto a nivel nacional como internacional. Este centro abrió sus puertas en febrero de 2003, así lleva Quince años siendo el arte de Málaga. El primer museo que abría sus puertas a la ciudad de Málaga, de una serie de brillantes museos que han conformado está Málaga Ciudad de Museos”.

Son quince años de arduo trabajo que busca la calidad de sus exposiciones y ha llevado a la ciudad de Málaga lo más representativo del arte contemporáneo, además de acercar al público con toda clase de expresiones artísticas: pintura, escultura, instalaciones y vídeo.

Ubicado en el antiguo Mercado de Mayoristas de Málaga, se ha destacado por presentar más de un centenar de exposiciones de creadores individuales y decenas de colectivas. Su director, Fernando Francés, ha sido un luchador y amante del arte. Expone  lo más representativo del arte contemporáneo internacional por lo que en la lista de artistas que se han presentado se encuentran: Gerhard Richter, Louise Bourgeois, William Kentridge, Tracey Emin, Jake y Dinos Chapman, Erwin Wurm, Yan Pei- Ming, Philippe Parreno, Marc Quinn, Adrian Ghenie y recientemente Mark Ryden, artista entre los más cotizados y de los que sin duda dejó un gran número de visitantes al CAC.

No sólo es un centro de exposiciones, ofrece  visitas guiadas; para colegios, institutos o grupos por lo que regularmente siempre hay visitantes jóvenes que se recrean con las obras que se presentan.

Sin duda alguna es uno de los espacios expositivos de prestigio en España y seguirá siendo uno de referencia para el arte internacional como nacional.

Termina el 35 Festival de Teatro de Málaga

cierra telón: Priscila, reina del desierto.

María Esther Beltrán Martínez  Fotos:  Festival de Teatro

Andalucía, España.-  Con una tasa media de asistencia del 78 por ciento en las 74 funciones de las 42 obras programadas el 35 Festival de Teatro de Málaga baja el telón con gran alegría de  ver como supera los porcentajes de asistencia de los años anteriores.

Sin duda alguna Miguel Gallego, director de producción de los teatros Cervantes y Echegaray,  tiene razón al decir: “cuando hay calidad se nota en la asistencia a los foros”. Con un total 22 mil 167 espectadores cierra esta edición que tuvo una programación variada y atractiva.

Priscila, reina del desierto, basado en la película ganadora de un Oscar, narra las  aventuras de tres artistas drag que atraviesan el desierto australiano a bordo del autobús que da nombre al musical, es un viaje cuya banda sonora está formada por  I will survive y las canciones más bailadas de historia.

Es un espectáculo  que consta con una extraordinaria puesta en escena original con la que  fue estrenado en Londres, incluido cuarenta artistas en escena, el exuberante vestuario galardonado con un Oscar.

Con un total de siete funciones Priscila conquistó al público siendo el broche de oro en el cierre del festival y en el marco del Carnaval 2018.  

El libreto es Stephan Elliott & Allan Scott, la adaptación y director residente: Miguel Antelo, actúan:       Armando Pita, Jaime Zatarain, Christian Escudero, José Navar, Ana Dachs, Teresa Ferrer, Aminata Sow, Etheria Chan, Cristina Rueda, Carlos J. Benito, Joaquín Oliván, Pau Quero, Ricardo Mata, Joan Salas, Raúl Pardo, Guillermo Flores, Israel Trujillo, Álex González-Chávarri, José Antonio Torres y María José Capel.

Priscila sin duda fue una buena opción para cerrar la programación. Un musical que deja muy buen recuerdo, además que la producción es muy buena y colorida. Las actuaciones tienen calidad y se entregan en cada función, por lo que se justifica que el público ovaciones por varios minutos a los actores.

Este año el festival ha mostrado lo mejor  la escena teatral de España obras que se siguen presentando en las principales ciudades. Esperando la próxima edición seguiremos conservando los recuerdos que ha dejado la calidad y las buenas interpretaciones de primeros actores y actrices.

Así como las producciones en las que el vídeo es el retoque que refuerza cada argumento y las iluminaciones que dan la atmósfera deseada en las historias.

Los carnavales de Cádiz y Málaga dan voz

al pueblo por medio de las chirigotas

María Esther Beltrán Martínez    Fotos: Carnaval de Málaga

Andalucía, España.- Comienza el año y todo está listo para hablar de carnaval. El trabajo es ardúo para centenares de personas que se esmeran en dar su mejor esfuerzo y viven con la ilusión de presentarse ante decenas de personas y cantarles sus coplas en diferentes ritmos.Los miembros de las agrupaciones luchan lucir los mejores vestuarios, tener una escenografía esmerada y principalmente tener una comparsa, cuarteto o  murga lista para deleitar.

El escenario que recibe decenas de agrupaciones en Cádiz es el Gran Teatro de Falla y en Málaga el Teatro Cervantes.

Cádiz es referencia del carnaval en Andalucía, sin embargo Málaga cada año presenta renovadas agrupaciones que se esmeran en sus estrofas y ponen el listón muy en alto en calidad y estilo. Y no sólo son éstas ciudades hay interes por formar sus grupos. La tradición se extiende y llegan a Cadiz grupos de: Sevilla,  Córdoba, Estepona y Granada entre otras.

La impresión que causa al escucharlas por primera vez es de admiración.  La calidad vocal es muy buena. Sus vestuarios y maquillaje es una muestra del cariño y pasión que tienen por resaltar el carnaval y ser reconocidos por la población, que es el público que disfruta de sus participaciones con  temas que son los de actualidad y se identifican con lo que escuchan.

Los carnavales de Andalucía son familiares, hay espacios y tiempos para todos. Aún para los niños que siguen la tradición de ser parte de alguna agrupación y concursar, este año han sorprendido por sus temas que si bien ponen su punto de vista en los problemas sociales, también mandan mensajes a los adultos sobre la desigualdad que les ha sido heredada.

Padres e hijos se ven disfrazados y escuchando en las calles principales del centro a las  chirigotas, que son  coplas que poseen géneros de pasodobles, rumbas, sevillanas, tanguillo, seguidilla, jota o cualquier estilo musical moderno. Lo que llama la atención son las letras que mencionan personajes políticos, sociales, espectáculos o de cualquier otro que éste en las noticias del día. Pero también hacen referencia a la situación social y lugar que está el pueblo, con sus problemas de desempleo, falta de ayudas y esperando lo prometido por los líderes políticos.

Pero la época del carnaval no sólo es en el sur de España. En las islas Canarias como entre otras principales ciudades se realizan desfiles y los concursos de carrozas.

Una particularidad que tienen estos carnavales es que se piensa mucho en la familia. Por lo que existe mucha seguridad en cada lugar, las chirigotas las disfrutan en las calles y los desfiles son coloridos para que todos los miembros de la familia disfrute de unos momentos de alegría.

Así como para los adultos hay espacios para poder disfrutar de la gastronomía de cada región y beber con los los amigos.

Por lo que sin duda el carnaval se espera y se disfruta.

Javier Camarena regresa al Metropolitan Opera House para debutar el rol de Idreno en la ópera Semiramide de Rossini.

·         La premier será el próximo 19 de febrero con funciones subsecuentes el 24 y 28 de febrero, y 3, 6, 10, 14 y 17 de marzo de 2018.

·         Semiramide es una reposición de la producción de John Copley de 1990 en el MET.

 El tenor Javier Camarena retorna al MET, después de haber participado en la Gala del 50 Aniversario del recinto el 8 de mayo de 2017.

La premier de la ópera “Semiramide”(1823) del compositor italiano Gioacchino Rossini (1792-1868), tendrá lugar el próximo 19 de febrero en el Metropolitan Opera House de Nueva York, después de casi 25 años de no haberse presentado en esteprestigioso teatro.

Javier Camarena da vida por primera vez a Idreno, príncipe de las Indias que busca el amor de la princesa Azema. El elenco lo conforman: Angela Meade en el rol de Semiramide, la mezzosoprano Elizabeth DeShong como Arsace y los bajos Ildar Abdrazakov como Assur y Ryan Speedo Green como Oroe; la dirección musical corresponde al maestro Maurizio Benini.

Respecto a este nuevo rol en su carrera, Javier Camarena nos comenta:

“Un nuevo rol siempre representa nuevos retos, nuevos desafíos. Después de un año en que he abordado roles más líricos, volver al estilo musical de Rossini ha sido toda una aventura. Esta ópera, la última ópera seria que compuso el cisne de Pesaro, muestra su madurez creativa en todo su esplendor. Las melodías deliciosas, las coloraturas vigorosas y el conocimiento profundo de las voces y sus capacidades, hacen de cada personaje un verdadero despliegue de virtuosismo vocal. Para mi, siempre es una gran alegría volver a este maravilloso teatro y mucho más esta vez, pues será mi primera vez en una producción que se transmite en HD directo a todo el mundo. Así que: ¡Nos vemos pronto en la pantalla grande!”

Semiramide será transmitida por SIRIUS Radio/MET Live Stream el día del estreno, 19 de febrero y el 6 y 10 de marzo. El 10 de marzo será también transmitido por HD en cines en todo el mundo y en nuestro país y en el caso de la Ciudad de México, en el Auditorio Nacional. 

A través de sus redes sociales, el tenor nos ha mantenido al tanto de los avances en la puesta de esta producción de estilo clásico, así como de la dificultad de las arias que interpretará tales como “Ah! dov’è il cimento” (Donde se encuentren los retos) y “La speranza più soave” (La esperanza más dulce).

Adicionalmente, se prevé la presencia de Javier Camarena en la Ciudad en México para el próximo mes de abril, donde ofrecerá dos galas, los días 12 y 15 en el Palacio de Bellas Artes, las cuales serán a beneficio de las víctimas del pasado sismo del 19 de septiembre.

Para estas funciones, el programa será dedicado a Rossini y servirá para conmemorar los 150 años del fallecimiento del compositor de bel canto. Los boletos para estas galas de beneficencia saldrán a la venta aproximadamente en diez días.

Inauguran macro-intervención de arte urbano más grande del mundo

·  Abarca 41 mil metros cuadrados y se suma al programa de impacto social ‘Comex por un México Bien Hecho´

·  Tlajomulco refuerza su objetivo de convertirse en la capital del street art y en un semillero de artistas urbanos

En conjunto, PPG Comex, el Gobierno de Tlajomulco, Jalisco y el Instituto de Alternativas para los Jóvenes (INDAJO), inauguraron la Macro-intervención de arte urbano más grande del mundo que abarca 41 mil metros cuadrados y se suma al programa de impacto social ‘Comex por un México Bien Hecho´, con el objetivo de recuperar espacios públicos que generen lazos de respeto y paz entre la comunidad.

El programa de PPG Comex tiene el objetivo de generar un impacto social para mejorar la calidad de vida de los mexicanos, mediante la recuperación de espacios públicos que permiten la sana convivencia, así como la transformación del tejido social por medio del color, el arte y la protección de cada rincón del país.

“Al igual que nuestro programa de impacto social, la Macro-intervención en Tlajomulco da identidad a la cultura de sus habitantes, creando vínculos sociales positivos que impactan en mayor seguridad”, mencionó Gilberto Alcaraz, Director del Programa de ‘Comex por un México Bien Hecho’. “Estamos seguros que al ser la intervención de arte urbano más grande del mundo, se convertirá en un referente turístico obligado” añadió.

La macro intervención se encuentra ubicada en los parques, espacios públicos y bardas de las principales avenidas del Fraccionamiento Santa Fe, el cual fue construido de manera amurallada, con bardas que en su momento fueron utilizados para grafitear de manera vandálica, y que actualmente son espacios recuperados con el esfuerzo del Presidente Alberto Uribe Camacho y en esta ocasión, también de PPG Comex.

Para realizar esta macro-intervención se utilizarán más de 10 mil litros de pintura y 3 mil aerosoles, con los que 30 artistas urbanos locales, nacionales e internacionales, plasmarán elementos mexicanos para formar el primer museo de arte comunitario en México que beneficiará a un total de 37,726 personas.

Con iniciativas como ésta, el  municipio de Tlajomulco refuerza su objetivo de convertirse en la capital del street art y en un semillero de artistas urbanos, además de contar con una galería que será referente nacional e internacional.

“Yo Soy Santa Anna” Llega al Teatro NH

Por Laura Moheyer Foto Elnora Domínguez

Nuevamente aparecen en escena “Las Meninas” Cecilia, María Bárbara y Alma María, juntas ahora para relatarnos la historia del Dictador Antonio López de Santa Anna.

Santa Anna, uno de los ex Presidentes más odiados en la historia de nuestro país, entre otros, por ceder a los estadounidenses una gran parte del territorio mexicano,  Instaurado como dictador vitalicio, identificado como su  Alteza Serenísima por todo el país, a lo largo de su extensa carrera política fue considerado ambiguo por participar en partidos contrarios, monárquicos, republicanos, unitarios, federales, liberales y conservadores, ocupo 11 veces la Silla Presidencial, fue gobernador de Yucatán y de Veracruz.

En esta ocasión las Ibarguenguer nos cuentan muy a su estilo la vida de este fatídico personaje de nuestra historia.

Las Meninas, personajes que han tenido un gran éxito en el Teatro NH a lo largo del año pasado, deleitándonos con episodios como, “Desde el Cielo, Una Hermosa Mañana”, ahora nos traen a escena “Yo Soy Santa Anna”, continuando con su muy peculiar forma de relatar las historias, tienen al espectador al borde de la carcajada a lo largo de su narración, esta es la primera de seis puestas en escena relacionadas con la historia de México,  que realizarán en el transcurso del 2018, aun no se cuenta con los títulos de las siguientes obras pero se sabe que una será escenificada en el mes de marzo y la siguiente en abril.

No te puedes perder de los relatos chuscos de estas tres Damas de la Sociedad Española, que se reúnen en el Teatro NH para convivir con los plebeyos y dar a conocer su punto de vista relacionado con el General Antonio López de Santa Anna muy a su estilo, los días 4, 8, 11, 15 y 18 de febrero, en Liverpool #155, Zona Rosa, Col. Juárez.

Adquiere tus boletos en el sistema ticketmaster y en la taquilla del teatro.

Quevedo presente en el Festival de Teatro

de Málaga bajo la piel de Juan Echanove

María Esther Beltrán Martínez       Fotos: Javier Naval

Málaga, España.-  En el marco del  35 Festival de Teatro de Málaga se presentó la obra Sueños, protagonizada por el primer actor Juan Echanove, quien da vida al escritor español, Francisco de Quevedo, en sus últimos años de existencia.

El público por más de dos horas es testigo del dolor y de los pecados del escritor español, quien es catalogado entre los maestros de la literatura del Siglo Oro (1492-1659). Entre sus obras  destacan la novela picaresca Vida del Buscón, Parnaso español, Sueños y discursos Quevedo y Los poetas entre otras obras.

Através de la actuación del actor Echanove vemos la personalidad del escritor que lucha con sus demonios, sus sueños y sus recuerdos.

Definir la actuación de Echanove la podemos resumir en una palabra: sublime. Da todo por escenificar al escritor, su voz; es potente y poderosa. Su cuerpo se transforma, vemos  un hombre enfermo que camina con dificultad entre las butacas sorprendiendo al público.

El montaje es moderno utiliza multimedia en donde se proyectan imágenes en pantallas gigantes. Echanove está acompañado por un buen elenco entre los que que encuentra: Beatriz Argüello, Ángel Burgos, Críspulo Cabezas, Markos Marín, Antonia Paso, Marta Ribera, Chema Ruiz, Eugenio Villota y Abel Vitón. La  coproducción de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, La Llave Maestra y Traspasos Kultur que revive en escena los análisis de Quevedo sobre el Estado, la monarquía, el poder, la honestidad, la corrupción o el amor.

Juan Echanove en diversas entrevistas ha expresado “que la obra de Quevedo es inmensa y que en cualquier estrofa, cualquier aforismo o cualquier verso suyo podríamos encontrar lecciones que nos desentrañan los enredos de la sociedad actual. ¿Quevedo era un visionario o somos nosotros  quienes hemos retrocedido a las posiciones del Barroco?” se pregunta el actor.

Para Echanove, Sueños transita por tres “autovías”: la primera sería un infierno blanco, alegórico, de hielo, el que que pululan la envidia, el hambre, el poder, el clero y Dios; la segunda, la decadencia barroca, la citada debacle de un Estado en descomposición, y la tercera, la biografía de un autor y personaje que se está muriendo y que arrastra las consecuencias de una vida disoluta, excesiva, llena de cuchilladas y con las marcas de su encierro de cuatro años en una celda de León (“érase un hombre a un dolor pegado”, resumió el actor).

Mientras que el director de la obra Gerardo Vera, expresa que “enfrentarse a Quevedo y, sobre todo, zambullirse en ese caudaloso discurso brillante y doloroso sobre la decadencia de un imperio, es una insensatez de la que solo eres consciente cuando ya estás con el agua al cuello, tratando de sobrevivir a esa embestida directa contra las conciencias que es la obra magna del gran cronista de la realidad española sin adornos, sin coartadas, yendo a lo más profundo de la herida aunque te empapes en su sangre. Como un reflejo poderoso, esa herida es el manantial del que brota la obra de Quevedo.

Y esa llaga abierta a partir de su encierro en la Cárcel de San Marcos, tan física que impregna todos sus escritos. Su obra se transforma en una sangría existencial, un tránsito doloroso de lo pasajero a lo eterno. El testamento de un artista, pero sobre todo de un hombre que padecía en carne propia el desistimiento de unas fuerzas llevadas a su límite en un tiempo en el que ya no se podía soñar, donde lo épico se degradaba en retórica, la valentía en soberbia, la nobleza en herencia sin merecimientos.

La realidad del XVII era tan contundente que “solo se podía vegetar o vivir en carne viva”. Y así vivió Quevedo, contemporáneo de Velázquez, pintor también de la liquidación española. Eso hemos intentado reflejar a partir de su obra más personal, sus Sueños, crónica dolorosa y lúcida de una España presa de la corrupción de las monarquías absolutas de Felipe III y Felipe IV, víctima del ocio y de la ignorancia, donde la filosofía era esclavizada por la teología. En un momento, también, donde todo olía a corrupción en Madrid y en las Españas, y ahí es donde nos asombran y nos deslumbran esos sueños, chismosos y veraces, caricatura, testimonio, dolor y carcajada, escritos por una mano atravesada por el sufrimiento que rezuma su propia herida interior. Quevedo se convierte, sin querer, en el testigo más fiel de cómo un imperio empieza a descomponerse”.

Ver una obra clásica muchas veces es tedioso, pero con Sueños  la reacción es contraria debido a la calidad actoral y de producción.   

Dan la tercera llamada en Málaga y se

abren los telones en el centro de la ciudad.

María Esther Beltrán Martínez  Fotos: Festival de Teatro de Málaga.

Andalucía, España.-  El 2018 ha iniciado y la ciudad de Málaga ha dado la tercera llamada para iniciar el 35 Festival de Teatro de Málaga en la que participan 42 obras y ocho estrenos.Nombres como Aitana Sánchez- Gijón, Edu Soto, Pepón Nieto, María Barranco y compañías como La Fura dels Baus, Yllana, Sindrome Clown y el Centro Dramático Nacional son los responsables de mantener la calidad y mantener el éxito con sus salas con aforos completos.

Entre las obras con las que ha dado inicio este festival fue Troyanas  en la que participan las actrices Aitana Sánchez-Gijón, Maggie Civantos, Alba Flores, Gabriela Flores, Miriam Iscla, Pepa López y Nacho Fresnedo.

El público disfruta de la versión de Alberto Conejero del clásico de Eurípides. La dirección corre a cargo de Carme Portaceli dirige un montaje que se estrenó el verano pasado en el Festival Internacional de Teatro de Mérida, y que está coproducido entre dicho certamen clásico extremeño, el Teatro Español, una de las plazas donde recaló posteriormente, y Rovima Producciones.

“Eurípides con los vencidos. Después de la guerra de Troya (o cualquier guerra que podáis imaginar hoy, ayer, mañana), parece que ya está todo acabado, que la ‘gran acción’ ha terminado. Pero entonces, como el comercio cuando acaba el horario comercial, empieza la otra acción, la acción de la que no se habla, la que se hace ‘por derecho’ con los ciudadanos de ‘segunda’, la que no cuentan en las noticias: el reparto de las mujeres como esclavas ‘sexuales’, o esclavas de cualquier otro tipo. Hécuba, Políxena, Casandra, Andrómaca, Briseida, Helena, esos nombres... u otros nombres cualquiera... a ellas se las rifan para hacer más daño a los vencidos, para acabar con un país, con una cultura. Taltibio lo recuerda desde hoy, porque jamás lo ha podido olvidar desde que estuvo allí, porque esa ‘salvajada’ le ha quedado dentro para toda la vida, no lo ha dejado vivir... ni morir. Por eso necesita contárnoslo cada noche, para liberarse de ese recuerdo que lo privó de la humanidad que ha de tener una persona...” explica Portaceli.

El público disfrutó de Smoking room montaje de un drama que muestra el sentir del personal ante diversas situaciones en las que se ven implicados en la  oficina. El trabajo no sólo es lo que tienen que sobrellevar sino su propia existencia ante los compañeros de trabajo.

La dirección corre a cargo de Roger Gual ha cambiado la cámara por el proscenio para dirigir a Secun de la Rosa, Miki Esparbé, Manuel Morón, Pepe Ocio, Manolo Solo y Edu Soto en una adaptación “bastante fiel y respetuosa” de su película de culto Smoking room.  “El texto habla de lo muy difícil que es para la mayoría de los humanos de llevar a cabo un proyecto en común. De cómo los intereses personales siempre se ponen por delante del bien común”, expresa el director.

Una de las reconocidas compañías españolas hizo el deleite de un performance La Fura dels Baus y Divina Mysteria convergen en la cantata profana  De los agricultores (Bauernkantate BWV 212), de J.S. Bach ideada y dirigida por Miki Espuma y David Cid.

Free Bach 212 es un trabajo multidisciplinar en el que el ensemble barroco Divina Mysteria interpreta la obra original completa, que se enriquece con los ‘reprises’ flamencos de la cantaora Mariola Membrives y los paisajes sonoros electrónicos. Mientras tanto, el trabajo videográfico envuelve a músicos, bailaor (Miguel Ángel Serrano) y cantantes líricos (la soprano Eulalia Fantova y el barítono Juan Garcia Gomà) y da sentido y perspectiva a la obra. Mediante canciones y danzas populares, estructuras de corte noble y tentadoras insinuaciones a los placeres mundanos, Bach nos invita a la mesa con esta pieza que termina en una taberna en la que la cerveza es el brebaje unificador. El convite está servido. El público disfruta de La Fura dels Baus excéntrica e innovadora. La capacidad de unir y adaptar carnalidad y misticismo; naturaleza y artificio; grosería y sofisticación; primitivismo y tecnología, en cada uno de sus espectáculos, ha conseguido el éxito y el prestigio internacional de La Fura dels Baus.

El Festival sin duda alguna se afianza en el gusto del público. Las salas se ven con foro completo y las ovaciones son repetidas al finalizar cada presentación.

Por primera vez el artista Rubén Guerrero se

presenta en Centro de Arte Contemporáneo Málaga

María Esther Beltrán Martínez   Fotos: J.Carlos Santana

Andalucía, España.- Con once obras, el artista sevillano Rubén  Guerrero se presenta por primera vez en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (CAC), Familias mínimas (Rojo, amarillo y azul) es el título de la exposición en la que Fernando Francés es el curador.

“Hay aspectos que han cambiado muy claramente en mi trabajo y que están más relacionados con el ámbito procesual y metodológico en la creación de la imagen pictórica, el enfrentamiento con la pintura ahora está acompañado de preparativos tridimensionales, como esculturas y maquetas como apoyo al servicio de la pintura. Me inclino cada vez más por encontrar una posición más liminal entre lo reconocible e insólito, una aproximación más radical a la abstracción paradójicamente desde la figuración, me interesa provocar un sentimiento de duda en el espectador”, precisa el artista Rubén Guerrero sobre la intencionalidad de su obra.

Por su parte Fernando Francés explica que “la obra de Guerrero se caracteriza por un organizado trabajo de capas de color superpuestas en pinceladas espesas, con una trama dividida. Interesado por las posibilidades del proceso creativo, cada obra de Guerrero tiene su condición individual y se defiende por sí misma. Estas renuncian a la representación del espacio, no son cuadros “ventana”. Interesado por ese punto donde coinciden la realidad figurativa y la propia realidad de la superficie del cuadro.  Es un artista muy minucioso y puede estar una larga temporada con la misma obra, cambiando pequeñas parcelas hasta que alcance la perfección que necesita para que considere la obra como finalizada. Toda ella está llena de trampas de pintor, de trucos para crear múltiples vías de escape a la interpretación desde planos inusuales y realidades inverosímiles”.

Y agrega que  Guerrero ha  creado desde hace años un archivo de imágenes que nunca deja de aumentar, donde reúne documentos de una realidad fragmentada, que  una vez han llamado la atención del artista y manualmente para luego ir conviviendo y relacionándose con otras, apareciendo  y desapareciendo en el proceso compositivo y transformándose.

Al ver sus obras de gran formato nos enfrentamos con imágenes que intercambian lleno y vacío, componen realidades fragmentadas que trasladan a las dos  dimensiones, construyen una realidad paralela en la que cada plano se compone  de cientos de capas, realidades y materia.

Entre las obras que se exhiben está S/t (la mitad de lo que ves) (2016), un fondo azul ha sido invadido por una aparente maqueta de papel y cartón convenientemente plegada, pegada, recortada y vuelta a ser doblada, en la que el espectador intuye un círculo, una forma que éste inventara, ya que realmente no es posible verla, falta parte de la “realidad”. Por otro lado, en Composición con amarillo P.M (2015), la forma central vuelve a estar plegada creando un triángulo. Sus colores, azul, blanco, amarillo y detalle en rosa, coincide con S/t (pura apariencia neoplasticista P.M.) (2016), es como si en otra realidad, esta obra se hubiera empapado, plegado, colgado y ayudado a crear Composición con amarillo P.M (2015), donde el papel principal lo juegan cajas y volúmenes de colores.

Rubén es un artista considerado como representante de una generación de pintores andaluces, que explora los límites de la pintura y sus nuevas vías de desarrollo. Ha realizado exposiciones en Madrid, Sevilla y Miami.

Las recientes esculturas monumentales de Sean Scully se presentarán  por primera vez en Latinoamérica en la Cuadra en el Estado de México, en la exposición ‘Sean Scully – San Cristóbal’

Desde el 7 de febrero y hasta el 24 de marzo durante la semana de arte en México, se exhibirá por primera vez en Latinoamérica las recientes esculturas monumentales de Sean Scully, uno de los artistas abstractos más importantes del mundo, en los espacios internos y externos de la Cuadra, el icónico monumento modernista de Luis Barragán en el municipio de Atizapán en el Estado de México, en la que será la primera exposición en San Cristóbal titulada: ‘Sean Scully – San Cristóbal’.

La cuadra fue construida  entre 1966 y 1968, como un complejo ecuestre y residencial, la propiedad todavía está ocupada por la familia Egeorstrom para quien fue construida. Esta será la primera vez que las esculturas de Sean Scully se exhibirán en América Latina y estas incluirán las monumentales cajas de acero COR-TEN de cincuenta pies de largo, "Boxes of Air", así como esculturas apiladas tanto en COR-TEN como en metal pintado. El proyecto fue curado por Oscar Humphiries con el apoyo de la galería inglesa Blain Southern.  

‘Sean Scully - San Cristóbal’ presenta el trabajo de Sean Scully, uno de los artistas abstractos más importantes del mundo, en el icónico monumento modernista de Luis Barragán, Cuadra San Cristóbal. Las geometrías dramáticas y alargadas y los poderosos colores vistos en San Cristóbal representan el vértice del "período alto" de Barragán (desde finales de 1940 hasta mediados de los 70) y forman un telón de fondo apropiado para las esculturas poderosas y emotivas de Sean Scully.

 El artista Mathias Goeritz fue el primero utilizar el término 'Arquitectura emocional' en relación con el trabajo de Barragán. La abstracción de Scully es también profundamente emocional, y la cual fue evolucionando desde los años setenta hasta convertirse en algo más conmovedor y más humano, con lo cual ha asegurado su lugar como un gran artista internacional. Tanto el trabajo de Scully  como el de  Barragán derivan, en parte, de los primeros modernistas: Mondrian y Le Corbusier.

Y así es como Scully desde la perspectiva de un artista y Barragán como arquitecto disolvieron las viejas etiquetas, encontrando una interacción totalmente individual y contemporánea de lo que la arquitectura moderna y la pintura abstracta pueden ser. La 'Abstracción Emocional' de Sean Scully dará vida a la obra maestra de Barragán.

Ver a Scully como un escenario así revelará el arte histórico y los orígenes arquitectónicos de la práctica contemporánea de Scully, creando una yuxtaposición que es a la vez contraria y comprensiva. Esta intervención delicada, realizada con la consulta de la familia Egeorstrom arrojará nueva luz sobre este conocido monumento y agregará una nueva y poderosa perspectiva al trabajo de uno de nuestros artistas contemporáneos.

“La primera vez que visité México, no tenía ni idea de quien era Luis Barragán hasta que vi una hermosa foto de la escalera voladiza de la Casa Barragán y pensé ¡Esto es maravilloso! y desde entonces me quedé pensando en él.” Comentó Sean Scully. “Para mí es interesante que Barragán integre el color en las formas en su creación. Instintivamente pienso en él sintetizando la forma y el color en su imaginación. Mi instinto dice que los edificios nacieron cuando los vio en su cabeza. Lo que me atrajo de México fue la brutalidad de la cultura y la naturaleza excluyente de la misma". Finalizó.

Esta exposición cuenta con el generoso apoyo de Blain Southern.