Fidelio, ópera de Beethoven: feminista y libertaria

María Esther Beltrán Martínez   Fotos: Daniel Pérez. Teatro Cervantes

Málaga, España.- Se presentó en el Teatro Cervantes de Málaga: Fidelio, única ópera que compuso Beethoven concebida como  una unidad estructural a gran escala siguiendo el patrón mozartiano. Y es la obra con la que da inicio a la 31 Temporada Lírica en  el Cervantes.

“Fidelio hay que verlo desde  la perspectiva de la ilustración: es decir, desde el clasicismo vienés posterior a Wolfgang Amadeus y en ningún caso dede Wagner; esta es una tentación  en la que caen muchos a la hora de interpretar esta ópera...Más allá de la sublime categoría de su música y de su arrolladora fuerza dramática, la única ópera de Beethoven es una verdadera proclama feminista y libertaria”, expresa José Luis Téllez,musicógrafo. 

Explica que lo moderno en Beethoven es el uso que hace de las dinámicas, lo que confiere a su música una fuerza inusitada. Lo novedoso de él es la fuerza sonora de su discurso, por ejemplo el tratamiento  que hace de las trompas en el aria de Leonore.

Una historia con gran punto feminista y libertaria, donde el papel de la mujer es primordial como valeroso ante sus deseos y querer salvar lo que ama.

Fidelio tuvo dos presentaciones con funciones agotadas, desde primeras horas de abrir la taquilla se agotaron y no sólo por la historia que se presenta sino por la calidad vocal del elenco. La soprano malagueña Berna Perles en el rol de Leonore/ Fidelio, la valerosa mujer que disfrazada de muchacho que da título a la obra trata de rescatar a su esposo, Florestan de la cárcel en la que está encerrado. 

El prestigioso director de escena José Carlos Plaza y el maestro Manuel Hernández Silva subrayan ese canto a la justicia y a la libertad con un montaje dominado por la lúgubre prisión, un espacio vacío encerrado entre dos enormes bloques metálicos cuyos muros derribará la luz y el aire fresco del amor auténtico de Leonore, erigida así en ariete contra el oscurantismo y portavoz de los principios de la Ilustración. 

Es una producción escénica del Teatro de la Maestranza de Sevilla y musical del Teatro Cervantes. El tenor César Gutiérrez encarna al prisionero ‘Florestan’, mientras que ‘Rocco’, el jefe de los carceleros, está interpretado por el bajo Tijl Faveyts. La soprano Beatriz Díaz es ‘Marzelline’, hija del carcelero y enamorada de ‘Fidelio’, mientras que el conserje ‘Jaquino’ está interpretado por el tenor Pablo García López, el barítono José Antonio López es ‘Don Pizarro’ y el bajo Luis López ‘Don Fernando’, con el tenor Jesús Gómez como ‘primer prisionero’ cerrando el elenco de voces solistas.

La Orquesta Filarmónica de Málaga en el foso y el Coro de Ópera de Málaga, que dirige como es habitual la batuta de Salvador Vázquez.

El vestuario de Pedro Moreno, la escenografía e iluminación de Francisco Leal y la labor de Gregor Acuña-Pohl como ayudante de dirección de Plaza merece una reconocida ovación. Un vestuario sencillo y una iluminación lúgubre dan la atmósfera del encierro y el despojo de la cárcel. Además que la escena final donde se ven edificaciones significativas de Sevilla dan el punto de excelencia en este montaje.

Fidelio es una ópera que en todo momento te mantiene alerta. Sin duda la escenografía es muy creativa y da los elementos necesarios para desarrollar la historia, por lo que fue un acierto comenzar con esta puesta la Temporada Lírica de Málaga.  
 

·         Fidelio 1. Los coralistas del Coro de Ópera de Málaga en segundo plano y en primero, de izda. a dcha., Beatriz Díaz (‘Marzelline’), César Gutiérrez (‘Florestan’), Berna Perles (‘Leonore’ / ‘Fidelio’), Tijl Faveyts (‘Rocco’), Luis López (‘Don Fernando’) y cuatro coralistas.

·         Fidelio 2. Coralistas.

·         Fidelio 4. Visión de la escena y del foso, con Manuel Hernández Silva dirigiendo a la OFM y los solistas.

·         Fidelio 6. Berna Perles (‘Leonore’ / ‘Fidelio’) y César Gutiérrez (‘Florestan’).

·         Fidelio 7. José Antonio López (‘Don Pizarro’), Tijl Faveyts (‘Rocco’), Berna Perles (‘Leonore’ / ‘Fidelio’) y César Gutiérrez (‘Florestan’).

·         Fidelio 11. Panorámica de la puesta en escena, con figurantes y Jesús Gómez (‘primer prisionero’) abriendo los brazos a la izda. de la imagen.

·         Fidelio 16. José Antonio López (‘Don Pizarro’).

·         Fidelio 19. Pablo García López (‘Jaquino’) y Beatriz Díaz (‘Marzelline’).

Por primera vez en España se revela la

vida y obra de la rusa Anna Ajmátova

María Esther Beltrán Martínez  Fotos: J.Carlos Santana

Andalucía, España.- La Colección del Museo Ruso en Málaga presenta por primera vez en España la obra y vida de  Anna Ajmátova fue una mujer rusa que amó y fue amada. Los hombres que pasaron por su vida sufrieron en sus propias carnes, como ella misma, todo el pesar de la vida rusa del siglo XX.

Ajmátova, poetisa rusa conocida  ya desde principios de la década de 1910, atraía la atención  de muchos no era solo, por sus versos. Su apariencia extraordinaria y memorable, así como su manera de comportarse y vestirse  se convirtieron en un estilo propio. Ejercía un notable magnetismos entre sus allegados y amistades. Fue inspiración en la obra de grandes poetas y musas de artistas como Amedeo Modigliani, Natan Atman o Kuzmá Petrov-Vodkin.

La exposición está conformada por retratos de ella y los hombres que formaron parte de sus vidas, poemas, libros y objetos que pertenecieron a la artista.

En la exposición Anna Ajmátova. Poesía y vida se puede ver una pequeña selección de los mejores retratos hechos en vida de Anna Ajmátova , como son Retrato de Anna. Ajmátova de Natán Altman (1915), además de fotografías y poemas, tanto de Ajmátova como de otros poetas de su tiempo. Todos los retratos son obra de artistas conocidos de la primera mitad del siglo XX, como el mencionado Natán Altman o Kazimir Malévich y otros.

Su vida tiene un antes y un después de la Revolución de Stalin. La primera época fue una mujer feliz que tenía contacto con la efervescencia  artística de la época en los que formaba parte de los círculos más exclusivos y de su vida tiene relación con poetas como Mandelshtam o Gumiliov, con quien se casó muy joven tuvo unas segundas nupcias con Vladímir Shileiko.

La segunda época de su vida estuvo marcada por las privaciones y el sufrimiento. El fusilamiento de Gumiliov, el arresto de su tercer marido, el historiador Nikolái Punin y, más tarde, el de su hijo. El estilo de Anna Ajmátova sufrió un cambio radical y de ahí surgió Réquiem, uno de los poemas fundamentales de la literatura rusa,  que recoge el sufrimiento de las mujeres que día a día hacían cola para conocer el estado de sus familiares. Su personalidad y figura se ha convertido en una leyenda de resistencia y dignidad para las generaciones posteriores.

Stalin, que la llamó mitad moja, mitad puta, ordenó respetarla para someterla a un sádico aislamiento. En su apartamento del Fontanka, abandonada  de todos menos unos pocos fieles, se convirtió en una leyenda de resistencia y dignidad.

URBANA llevó a cabo “Post-Mortuo”, la primera ofrenda de arte urbano en la Ciudad de México

·  La ofrenda de arte urbano está integrada por nueve murales hechos por cinco artistas de México y Francia, los cuales fueron develados el 1 de noviembre en el pueblo de San Juan Tlihuaca, en la alcaldía Azcapotzalco. 

·  Post-Mortuo se perfila como una actividad que inspirará a comunidades a reactivar espacios públicos a través del turismo cultural y sostenible. 

URBANA, asociación civil que se enfoca en incentivar el diálogo entre habitantes y su entorno a través del arte, presentó Post-Mortuo, la primera ofrenda de arte urbano en la Ciudad de México; que tuvo como sede una de las calles principales del poblado de San Juan Tlihuaca, en la alcaldía de Azcapotzalco.

Vidal Llerenas Morales, Alcalde de Azcapotzalco, e Izte González, cofundadora de URBANA, llevaron a cabo un recorrido por la calle Federico Gamboa para develar los nueve murales que a partir de ahora forman parte de la memoria visual de San Juan Tlihuaca.

El recorrido Post-Mortuo inició en la iglesia San Juan Bautista (construida en el siglo XVIII) y continuó por la estrecha pero concurrida calle Federico Gamboa. Como parte de esta verbena, un grupo de animeros, músicos, danzantes prehispánicos, cueteros y personas caracterizadas de catrines y catrinas se unieron a la procesión.

Las nueve piezas artísticas de la primera edición de “Post-Mortuo” fueron creadas por Said Dokins y Mothers (México); Mantra, Jean Michel Ouvry y Nicolas Barrome Forgues (Francia); con el apoyo de la alcaldía Azcapotzalco, y el Centro de Información de la ONU (CINU). Los murales son resultado de un encuentro previo que tuvieron los cinco artistas seleccionados con el consejo del pueblo de San Juan Tlihuaca para entender la importancia y arraigo de esta tradición.

“Post-Mortuo se convirtió en una experiencia inmersiva en medio de una verbena popular en San Juan Tlihuaca, barrio cuyo nombre en náhuatl significa lugar donde se guarda lo negro. Los asistentes a esta primera ofrenda de arte urbano conocieron los orígenes prehispánicos del poblado, que también es conocido por sus brujos, así como por sus relatos entorno a los nahuales y monumentos históricos. Además, los asistentes disfrutaron de la creatividad, visión y arte de cinco jóvenes artistas urbanos”, comenta Itze González, cofundadora de URBANA.

Así como todos los proyectos que desarrolla URBANA, Post-Mortuo fue ideado bajo la visión de los Objetivos de Desarrollo Sostenible (ODS) de la Agenda 2030; en alianza con el Centro de Información de las Naciones Unidas (CINU), enfocado en el turismo sostenible. 

“Promover nuestras tradiciones y costumbres es una manera de honrar a los que ya no están con nosotros, es fomentar una de las fiestas más emblemáticas de nuestro país, respetando a las comunidades locales y su patrimonio cultural. Con Post-Mortuo lo que buscamos es generar un turismo sustentable, que proporcione a la gente una visita emocionante y educativa, pero que al mismo tiempo sea beneficiosa para el lugar elegido. Esperamos que esta sea una de muchas ediciones anuales”, finaliza Lorena Cofradía, cofundadora de URBANA.

¡Cultura Urbana, Cultura de Cambio!

Por primera vez en España se revela la

vida y obra de la rusa Anna Ajmátova

María Esther Beltrán Martínez  Fotos: J.Carlos Santana

Andalucía, España.- La Colección del Museo Ruso en Málaga presenta por primera vez en España la obra y vida de  Anna Ajmátova fue una mujer rusa que amó y fue amada. Los hombres que pasaron por su vida sufrieron en sus propias carnes, como ella misma, todo el pesar de la vida rusa del siglo XX.

Ajmátova, poetisa rusa conocida  ya desde principios de la década de 1910, atraía la atención  de muchos no era solo, por sus versos. Su apariencia extraordinaria y memorable, así como su manera de comportarse y vestirse  se convirtieron en un estilo propio. Ejercía un notable magnetismos entre sus allegados y amistades. Fue inspiración en la obra de grandes poetas y musas de artistas como Amedeo Modigliani, Natan Atman o Kuzmá Petrov-Vodkin.

La exposición está conformada por retratos de ella y los hombres que formaron parte de sus vidas, poemas, libros y objetos que pertenecieron a la artista.

En la exposición Anna Ajmátova. Poesía y vida se puede ver una pequeña selección de los mejores retratos hechos en vida de Anna Ajmátova , como son Retrato de Anna. Ajmátova de Natán Altman (1915), además de fotografías y poemas, tanto de Ajmátova como de otros poetas de su tiempo. Todos los retratos son obra de artistas conocidos de la primera mitad del siglo XX, como el mencionado Natán Altman o Kazimir Malévich y otros.

Su vida tiene un antes y un después de la Revolución de Stalin. La primera época fue una mujer feliz que tenía contacto con la efervescencia  artística de la época en los que formaba parte de los círculos más exclusivos y de su vida tiene relación con poetas como Mandelshtam o Gumiliov, con quien se casó muy joven tuvo unas segundas nupcias con Vladímir Shileiko.

La segunda época de su vida estuvo marcada por las privaciones y el sufrimiento. El fusilamiento de Gumiliov, el arresto de su tercer marido, el historiador Nikolái Punin y, más tarde, el de su hijo. El estilo de Anna Ajmátova sufrió un cambio radical y de ahí surgió Réquiem, uno de los poemas fundamentales de la literatura rusa,  que recoge el sufrimiento de las mujeres que día a día hacían cola para conocer el estado de sus familiares. Su personalidad y figura se ha convertido en una leyenda de resistencia y dignidad para las generaciones posteriores.

Stalin, que la llamó mitad moja, mitad puta, ordenó respetarla para someterla a un sádico aislamiento. En su apartamento del Fontanka, abandonada  de todos menos unos pocos fieles, se convirtió en una leyenda de resistencia y dignidad.

Primera Edición del Festival “Tzompantli, La Paz, 2019”

●    Inicia la primera edición del festival “Tzompantli, La Paz, 2019”, que se llevará a cabo del 29 de octubre al 01 de noviembre.

●    El Gobierno Municipal busca preservar y fomentar las tradiciones de Día de Muertos de la mano de la cultura y las artes.

El gobierno municipal de La Paz, Estado de México, arrancó la primera edición del festival “Tzompantli, La Paz, 2019”, con el que las autoridades locales buscan preservar y fomentar las tradiciones de Día de Muertos de la mano de la cultura y las artes.

Este evento, que se llevará a cabo del 29 de octubre al 1 de noviembre en la explanada municipal, delegaciones y panteones de este municipio, contará con más de 15 espectáculos musicales, de danza y teatro; tiene la intención de consolidarse para convertirse en una interesante opción turística y cultural de la región oriente del Valle de México.

Durante el festival se llevarán a cabo recorridos por los panteones de los pueblos del municipio, donde acompañados por la comunidad se realizarán presentaciones de teatro y música así como eventos culturales en La Pirámide y la Explanada Municipal, donde autoridades, instituciones educativas y vecinos instalaron la tradicional ofrenda monumental de La Paz.

Este festejo a nuestros muertos contará con la participación de artistas como el grupo musical In Xóchitl in Cuicátl, integrado por los músicos mexiquenses Francisco Natera y Paty Piñón, considerada una de las mejores percusionista de nuestro país, la compañía de danza contemporánea Árbol de Ginkgo y la compañía teatral Metamorfosis.

La presidenta municipal, Olga Medina Serrano señaló que “uno de los principales ejes del Gobierno Municipal de La Paz es la cultura, se busca a través de ella, recuperar espacios públicos, reconstruir el tejido social y dotar a los habitantes del municipio de el arraigo y orgullo de pertenecer a este municipio y a esta entidad.

El cementerio de Tecómitl se convierte en una deslumbrante galería de escultura-lapida de lodo

Milpa Alta es una de las alcaldías con mayores tradiciones, usos y costumbres, con una gama de historia y cultura en los diversos pueblos que la conforman, uno de ellos, es San Antonio Tecómitl, en el que el Gobierno de los Pueblos, en colaboración con el Comité Organizador, llevaron a cabo la celebración, de la 14a. Edición del Festival de Día de Muertos, con el concurso de adorno de tumbas, esculturas de lodo y de calaveras de chilacayote.

En este pueblo originario se realiza una particular tradición, que consiste en hacer monumentos funerarios con lodo, juntan la tierra al limpiar las tumbas, la remojan y empiezan a trabajarla, moldeándola y apretándola dándole vida a la muerte, consiguiendo dar forma a figuras de calaveras, pan de muerto, caricaturas, ofrendas prehispánicas en miniatura, carros, motos y una inmensa galería de figuras en las tumbas.

A medio día las tumbas van tomando forma y ya empezando la tarde el panteón se convierte en una galería de figuras hechas con lodo, todo le da vida y color, las flores, la diamantina de colores, la cal, la pintura de colores, no puede faltar el sahumerio y las veladoras que alumbran el camino de los familiares muertos.

Llegada la noche, el esfuerzo y esmero de los concursantes es premiado por el alcalde en Milpa Alta Octavio Rivero y los integrantes del comité organizador, algunos de los galardonados fueron, Daniel Espinosa, Diego Ramos, Gerardo Jiménez, Israel Pagia, Carla Siliceo y Fernando Ríos, quienes recibieron de manos del alcalde sus premios, así como el reconocimiento de los asistentes, quienes además se deleitaron con múltiples actividades artísticas y culturales, entre las que destaco la actuación del Trio los Panchos.

El Día de Muertos, es una tradición que resalta la gran riqueza cultural prehispánica, de los pueblos originarios de Milpa Alta.

Los nietos de Picasso y de Calder presentan obras

por primera vez juntos en el Museo Picasso Málaga

María Esther Beltrán Martínez

Málaga, España.-  Los nietos,  Alexander S. C. Rower, Presidente de Calder Foundation,  New York y Bernard Ruiz-Picasso, Copresidente de Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte (FABA);presentan la primera exposición en España dedicada a explorar los vínculos creativos  entre sus abuelos respectivos Calder-Picasso.La exposición reúne más de cien obras.

Bernard Ruiz-Picasso en entrevista manifestó su alegría de esta exposición en la que se hace presente el tema del vacío y la ausencia de espacio en las obras tanto de Pablo Ruiz Picasso como de Alexander  Calder.

“El concepto de está exposiciones explorar la trayectoria de grandes maestros del siglo XX, Calder- Picasso quiénes crearon obras con muchas similitudes por lo que surge el  inicio de esta exposición, en su concepto es profundizar en el vació que hay en el arte. Hay siempre un vació en el cual la percepción de ver siempre cambia”explica el nieto de Picasso.

Estos artistas Picasso- Calder nacieron a finales del siglo XIX y sus respectivos padres  eran artistas de formación clásica. Dejaron sus países de orígen y se marcharon a trabajar a Francia donde adquirieron su estilo y conviviendo con otros artistas  nutrieron sus creaciones y dieron un estilo propio a su obra.

Alexander Calder, norteamericano (1898-1976) fue un artista prolífico que desafió el espacio euclidiano convencional y fue más allá de las tres  dimensiones clásicas de altura, anchura y profundidad explorando la cuarta dimensión del tiempo. Sus esculturas figurativas de alambre - definidas por la crítica  en 1929 como dibujos en el espacio delinean volúmenes transparentes, que quedan replicados en las sombras que proyectan sobre la pared. La composición de sus móviles no objetivos es  infinitamente variable, activada por los caprichos de la naturaleza, desdibujando las fronteras entre pintura, escultura y coreografía y dinamizando el espacio de manera impredecibles. Y Pablo Picasso, español (1881-1973)  el vacío se expresaba como una necesidad creativa, nacida de su conciencia de la mortalidad. En sus dibujos, pintura y esculturas, nos encontramos con el mismo principio que consiste en crear figuras añadiendo formas orgánicas, así como una forma inesperada de manejar el volumen dentro de los límites del lienzo. A medida que Picasso simplificada. Explica los especialistas.

Calder y Picasso innovaron con maneras inéditas de percibir los grandes temas del arte. El diálogo entre los dos está  abierto a infinitas posibilidades, pero hay un nexo vital en la exploración y explotación del vacío.

José Lebrero indicó que el si bien hay ciertos paralelismos y sin energías en el trabajo de estos dos íconos de la modernidad, sus encuentros personales fueron escasos. Se conocieron en 1931, cuando Calder presentó su primera exposición de esculturas no objetivas en la Galerie Percier de París. 

Lo que presenta el Museo Picasso Málaga es una visión  general de la extensa obra de Calder con una selección de sus figuras tridimensionales de alambre así como de sus creaciones artísticas más conocidas como son los móviles y el stabile además de sus posteriores  constelaciones, torres y gongs.

“Creador de formas, innovador de la línea y el espacio, el artista investigó la fuerza de la gravedad, el tránsito del aire y la intervención de azar. Su curiosidad y amplitud intelectual le llevó a revolucionar  la escultura a través del potencial cinético del arte, experimentado con materiales variados en sus obras al introducir elementos de la naturaleza como el soplo del viento. Según observó Jean-Paul Sartre, Calder no sugiere el movimiento, sino que lo encarna: “un objeto de Calder es semejante al mar y fascinante como este: siempre recomienza, es siempre nuevo”.

“Picasso personalizó la exploración centrándose en el yo interior emocional. `Para el incansable Picasso, el vacío  se expresaba como una necesidad creativa, nacida de su conciencia de la mortalidad. En sus dibujos, pinturas y esculturas, nos encontramos con el mismo principio que consiste en crear  figuras añadiendo formas orgánicas, así como una forma inesperada de manejar el volumen dentro de los límites del lienzo. A medida que Picasso simplificada o purificaba la solidez de una figura, accedía a la verdad del modelo”. Explica la curadora.

Añade que aunque habitaron territorios opuestos- Calder exploró abstracciones multidimensionales, mientras Picasso investigó constantemente el cuerpo humano y animal-esta  exposición invita a experimentar las formas y a entender el espacio real de conversación entre los dos artistas.

La exposición permite ver las obras en diferentes ángulos y disfrutar de su estructura. Además de conocer más la creatividad artística de estos personajes que revolucionaron el arte en el siglo XX.

Hits de Tricicle presenta los mejor

de su trayectoria escénica en Málaga

María Esther Beltrán Martínez    Fotos: Cortesía Teatro Cervantes

Málaga, España.-  Joan Gràcia, Paco Mir y Carles Sans, quienes conforman Tricicle presentaron cuatro funciones con foro lleno.Hits  -acrónimo de Humor Inteligente Trepidante y Sorprendente- espectáculo con el que se despiden de los escenarios, es una recopilación de sus mejores gags.

Ante los sucesos que pasan en Cataluña, que se ha vestido de violencia y de manifestaciones fue un descanso y tener alegría ver el trabajo de Tricicle. 

Los mejores  sketches fueron presentados para el deleite del público. Este trío destaca que se reúnen doce escogidos por el público a través de las redes sociales y un amplio resumen, que cierra el espectáculo, compuesto de gags  cortísimos que -atención- pueden provocar algún colapso respiratorio.

Agregan en el programa de mano es un compendio de cuarenta años de carrera en el que lo más difícil  no ha sido escoger “lo mejor de lo mejor” sino haber cumplido esos cuarenta años de trabajo que , esquemáticamente, quedarían reducidos a diez  espectáculos, decenas de países, cientos de ciudades, miles de risas y todo sin perder nunca la ilusión de los primeros días porque, en el arte del humor, nadie puede dormirse en los laureles.

Está gira de Hits comenzó en Albacete en el 2016 y acabará a principios del 2020 cuando cumplen  cuarenta años de trayectoria. Cabe destacar que es el trío con sus componentes originales.

Creadores de espectáculos  reconocidos no sólo en ciudades españolas sino internacionalmente también fueron ovacionados.

Han creado nueve obras:Manicomic, Exit, Slastic, Terrífic, Entretres, Tricicle 20, Sit, Garrick y Bits son espectáculos que están de gira unos cuatro años.

Sin duda es un trío que hace reír, pero también son muy críticos y para algunos irreverentes. Sus espectáculos siempre dejan momentos para la reflexión y han sobrevivido y permanecen juntos hasta el final. 

Han estado presentes  también en el mundo del cine, la televisión o la publicidad. Sin duda alguna Tricicle representa parte del humor catalán. Ya veremos si al llegar la fecha de bajar el telón se arrepienten y dan otra posibilidad al público de seguir disfrutando de su talento y reír que es una de las mejores terapias que se tienen ante este mundo alterado.

La danza internacional está de luto por

el cierre de la compañía de Víctor Ullate

María Esther Beltrán Martínez

Andalucía, España.-   La compañía de Víctor Ullate cierra y deja de dar funciones por lo que en Málaga se cancela su presentación que tenía para presentar 30 años de danza. Las razón que da es que la medida fue tomada ante la inviabilidad económica del proyecto.

A través de un comunicado, el Víctor Ullate Ballet ha anunciado el cierre de la compañía, tras 31 años de actividad. 

Lo que es realmente una pena y un golpe fuerte a la danza contemporánea. Sin duda España pierde un elemento esencial de la danza que es referencia internacional. Sus presentaciones siempre estuvieron a la altura de las grandes presentaciones y contó con la técnica que dejará huella el gran Maurice Béjart.

Recordarán que Víctor Ullate fue alumno de este excelente coreógrafo. Ullate llevaba la misma trayectoria y sus coreografías marcadas por la técnica, la belleza de vestuario, una iluminación cuidadosa y un trabajo ardúo hacía de cada presentación un deleite para el público quién lo ovacionaba por varios minutos cada vez que su compañía pisaba un escenario.

El comunicado indica que: “Sin embargo, el maestro Ullate ha decidido seguir luchando por mantener su legado y continuar formando a futuros bailarines como lo ha hecho hasta ahora, razón por la cual la Escuela y Fundación Víctor Ullate mantendrá sus puertas abiertas. El maestro no renuncia a sus sueño de darle la oportunidad de convertirse en bailarines a niños que por su situación de exclusión social no podrían hacerlo”.

Ullate en varias ocasiones había dado a conocer la falta de apoyo por parte de las autoridades y ahora que a cerrado. Las voces gubernamentales sacan diversos discursos para limpiar su participación en el cierre de esta compañía de baile.

Como público puedo solamente decir que deja un hueco enorme en la danza y que esperemos pronto haya personajes sociales que se sumen a rescatar esta compañía y se pueda seguir difundiendo la danza que es tan limitada y como se ve recibe pocas ayudas, no sólo es un problema de España, sino de muchas compañías en el mundo.

En estos treinta años han formado  parte de la compañía grandes bailarines entre los que se encuentra Eduardo Lao, se ha contado con estrellas invitadas: Marie Claude Pietragalla, Carole Arbó, Joan Boada o el bailaor flamenco Antonio Márquez. Han trabajado para la compañía compositores españoles como Enrique Morente, Estrella Morente y Carmen Linares.

En México quedará presente la memorable actuación que tuvo al aire libre en la Plaza del Zócalo, en el marco del Festival del Centro Histórico.

Educación y cultura debe ir de la mano: Seminario

Internacional Museos europeos, mutaciones y migraciones

María Esther Beltrán Martínez   Fotos:J. Carlos Santana

Málaga, España.- Se realizó en Málaga el seminario internacional Museos europeos, mutaciones y migraciones, un encuentro que es una iniciativa  de la Embajada de Francia en España y es fruto de la colaboración del Institut Fraçais en España, el Centro Pompidou Málaga y el Museo Picasso Málaga.

Fueron dos días donde especialistas de  Francia, Alemania, España, Suiza analizaron el tema de las migraciones que sufre Europa actualmente y como repercuten en el trabajo de los museos. Cada uno habló del trabajo que realizan para que el museo sea un espacio de la comunidad y sienta la población que es parte de su identidad.

Se como objetivo  analizar el papel de los museos europeos en una época de profundas mutaciones, marcadas  en particular por las migraciones, no solo de grandes flujos humanos sino también de valores culturales y principios económicos.

En entrevista con Anne  Louyot, Consejera de cooperación y Acción Cultural de Embajada de Francia y Directora general del Institut Français de España.

El papel de los museos actualmente debe cambiar. Ahora en Francia hay nuevos museos que  tienen nuevas políticas. Por ejemplo el Louvre y el museo de Orsay, están cambiando sus estrategias para  que los museos hablen a todo el público, incluido a todos aquellos que no tiene las llaves de entender las obras, expresa Louyot.

“Hay que trabajar, para  tener políticas de mediación  mucho más desarrolladas, innovadoras e inventivas, en las cuales participa el público y no solo el museo cuenta  historias sino el público puede expresar sus opiniones sobre lo que se muestra. Segundo se debe enriquecer el conjunto de obras presentadas agregando obras que vienen de otras partes del mundo no sólo obras europeas”. 

Expresó que se debe desmontar el eurocentrismo y convocar otras obras del mundo entero. Tercero se debe diversificar la colección de los museo y cambiar otros relatos para que sean vayan en sintonía con lo que pasa en las sociedades.

Anne comentó  con agrado el trabajo que realizan en diversos museos franceses y destaca el cambio que surge en la actualidad con la sociedad. Buscando la manera de romper las barreras de identidad, de género y conocimientos.

Una reflexión que se tuvo fue la necesidad de ver los cambios por lo que pasa cada ciudad y como  su comunidad va cambiando y sobre estos cambios dar al público materiales necesarios para que se integren y encuentren respuestas a sus necesidades.

Sin duda esto es una preocupación que tiene Europa por seguir dando los cimientos necesarios para que se siga siendo fuerte, la cultura como el cemento para su crecimiento.

PRESIDENTE INTERCONTINENTAL       POLANCO Y LA GALERÍA HISPÁNICA INAUGURAN EXPOSICIÓN DE “POP ART”

Esta exposición compuesta por obras de 10 reconocidos artistas de talla internacional, engalanarán el lobby del hotel del 26 de septiembre al 28 de noviembre de 2019

Grupo Presidente en conjunto con la Galería Hispánica Contemporánea de México presentan una extraordinaria exposición de Arte Pop compuesta por 28 obras de 10 reconocidos artistas de talla internacional en el lobby del hotel Presidente InterContinental Polanco.

Tras 7 años de su primera exposición en el lobby del hotel Presidente InterContinental Polanco, la Galería Hispánica Contemporánea reunió una minuciosa selección de obras de los artistas: Paul Rousso, Fidia Falaschetti, Peter Anton, Mr. Brainwash, Ricardo Cavada, Rafael Barrios, Mel Bochner, Manolo Valdés, Lucia Vallejo y Nicolás Guzmán, representantes del Pop Art, así como de otras tendencias artísticas que por sus características mantienen conexión con el arte pop.

Estos artistas poseen una amplia trayectoria y en su mayoría han llevado a cabo importantes exposiciones en museos e instituciones en diversas partes del mundo. Simultáneamente, Lucía Vallejo cuenta con una muestra artística en el Museo Lázaro Galdiano de Madrid, España; mientras que Fidia Falaschetti tiene en exhibición un “Freaky Mouse” en la entrada al Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Ámsterdam (MOCO, por sus siglas en inglés). Así mismo, por el gran prestigio a nivel internacional se puede destarar a: Manolo Valdés, Mel Bochner y Rafael Barrios.

La Galería Hispánica Contemporánea con matriz en Madrid, España, desde que abrió sus puertas en México, además de trabajar con artistas consagrados internacionalmente y artistas españoles que por su relación con México tienen gran interés en exponer en nuestro país, también trabaja con artistas mexicanos consolidados y de mid-career.

Por su parte, en su constante búsqueda por promover diferentes expresiones culturales, Grupo Presidente desarrolló el concepto “HospedARTE”, una iniciativa que tiene como objetivo dar a conocer las obras de reconocidos artistas de diversos ámbitos, convirtiendo sus instalaciones en un espacio perfecto.

Las obras que componen esta exposición se encuentran en exhibición y a la venta en el lobby del hotel Presidente InterContinental Polanco hasta el 28 de noviembre y el público interesado podrá disfrutarla sin costo alguno.

Antonio Banderas da todo por el Soho

CaixaBank porque es el proyecto de su vida

*El musical Chorus Line se estrenará a mediados de Noviembre y se prolonga hasta el 26 de enero en Málaga. Se presentará en diversas ciudades de España e irá a Estados Unidos.

* Dos mexicanas forman parte del elenco de Chorus Line.

*Pablo Puyol será el sustituto de Antonio Banderas.

María Esther Beltrán Martínez    Fotos: J.Carlos Santana

Málaga, España.-  Un megaproyecto es lo que presenta el actor español Antonio Banderas al presentar oficialmente el musical Chorus Line, acompañado de una compañía internacional que ha reunido y seleccionado con diferentes casting para realizar el proyecto de su vida.

La expectación es grande entre los medios de comunicación de Málaga y España. La cita es en la  Escuela Superior de Artes Escénicas de Málaga, lugar que apoya Banderas y es el semillero para preparar profesionales del espectáculo. Como ejemplo hay ya alumnos que forman parte de la compañía de Chorus Line. Y tiene entre sus planes llevar especialistas en maquillaje, edición y producción para dar talleres y den  alternativas a los alumnos. Expresó que no todos llegarán a ser estrellas, pero pueden encontrar su vocación en otras áreas que necesita de expertos en escenografía, maquillaje, producción, gestión teatral y otros campos en los que pueden tener una profesión con éxito.

Antonio cuenta con un equipo pequeño, pero de un profesionalismo internacional. Solo basta decir que la dirección  artística está a cargo de Baayork Lee, una leyenda de Broadway. Y la calidad del elenco es muy buena, entre ellos se encuentran dos mexicanas: Marcela Nava Beltrán y Estibaliz Ruiz, ambas con una gran experiencia en musicales presentados en la Ciudad de México. Asimismo se tienen malagueños como Pablo Puyol que será el sustituto de Banderas; artistas de procedencia de Francia, Alemania y si se ve la trayectoria de los españoles; cada uno de los que integran este musical han pasado por diversos países, siendo reconocidos por su desempeño actoral.

Antonio Banderas indicó que la fecha de estreno se ha atrasado más de lo previsto debido a las obras que se están realizando en el nuevo edificio que albergará Teatro del Soho CaixaBank. Razón por lo que se espera el estreno a mediados del mes de Noviembre y se prolongará en Málaga hasta el 25 de enero, después del día de la gala de los Goya.

Banderas quién ha tenido un verano muy movido y ha viajado  a las diferentes ciudades para las presentaciones de la película de Almodóvar, Dolor y gloria y de Steven Soderbergh The Laundromat . Indicó que dará todo para terminar lo que ha iniciado. Al ser cuestionado sobre cuál ha sido su mayor proyecto sin dudarlo dijo: “El Soho es el proyecto de mi vida;pero no es una tumba, es una cuna” Y agregó que se está creando un niño precioso donde no sólo será teatro. Habrá un espacio para la música, la danza y donde se presenten proyectos en los que se  involucraran diferentes compañías de teatro. Además que se siente orgulloso de tener un equipazo liderado por Lluis Pasqual, “es el mejor director de teatro de este país” subrayó Banderas.

Se espera que para la inauguración estén presentes cuarenta invitados de Broadway, que son parte del elenco original que ha invitado Lee. Y seguramente habrá muchos personajes importantes que asistan al estreno y ocupen una de las casi  novecientas butacas que conforman el teatro de ensueño que quiere Banderas.

Durante la presentación se tuvo un ensayo de Chorus Line donde se vio la vitalidad, elegancia y técnica de los más de treinta bailarines así como de la actuación de Banderas que dará vida al personaje de Zach; célebre y exigente coreógrafo y director teatral; su trabajo y su vida son una misma cosa.

Banderas dejó muy claro que su producción cuenta con música en vivo y que se está trabajando para que no se engañe al público.Por lo que se contará con una orquesta formada por veinte  músicos, la dirección está a cargo de Arturo Boscovich.

Sin duda alguna Antonio Bandera cumple su sueño con él muchos amantes del buen teatro sin importar nacionalidades. Málaga será no sólo un punto de encuentro para los amantes de los museos, sino de las artes escénicas. Bravo por este malagueño.

Cirque du Soleil llega con Kooza a Málaga

y cautiva con su excelente trabajo y estilo

María Esther Beltrán Martínez  Fotos: J.Carlos Santana.

Málaga, España.-  Son más de siete millones de personas que han visto Kooza,que se inspira en la  palabra sánscrita koza, hace referencia a caja, cofre o tesoro. Es un espectáculo familiar que remonta a los inicios del circo puro donde  el público disfruta de las acrobacias y el arte y cercanía de los payasos.

Kooza, cómo todos los espectáculos del Cirque  du Soleil cuentan con la calidad, el ritmo y la belleza que da su iluminación, coreografía, música y vestuario. Y sin duda alguna el contar con magníficos artistas procedentes de diferentes nacionalidades.

Durante el espectáculo de más de dos horas y media se escucha música en vivo: trompeta, trombón, bajo, batería, percusión, saxofón, guitarra y teclado. Y dos cantantes interpretan 18 temas inspirados en los sonidos de la cultura pop occidental, desde el funk de los años setenta hasta los arreglos orquestales completos. 

La emoción se hace presente  desde que entras a tomar tu lugar y ver desde tu asiento los alambres que no sabes qué pasará con ellos, el personal vestido de negro con el logo del circo de un lado a otro, subiendo por las columnas ver en la pista y de pronto descubrir a los  payasos que interactúan con el público.

El espectáculo ha comenzado cuando un personaje mágico llamado Trickster irrumpe en escena ante el Inocente con una caja de sorpresas, que lo lleva a encontrarse con una serie de personajes cómicos como son: el Rey, Heimloss, Detestable turista y su perro malo.

La explosión de colores,la música y la sorpresa logran que el pulso se acelere. Y comienza la presentación de los artistas que con los números de:  manejo de aros,teeterboard; el trampolín lanza a los artistas al aire, donde ejecutan quíntuples saltos mortales con giros. Y eso es solo el preámbulo de lo que vendrá: otros acróbatas harán lo mismo a más de 9 metros sobre el escenario con zancos de metal dobles e individuales atados a sus piernas. Contorsionismo,dúo de monociclo,equilibrio sobre sillas,alambre alto,rueda de la muerte,correas aéreas y la House Troupe entra en acción en el momento álgido del espectáculo. En el número destacan las pirámides humanas, los cuerpos que vuelan por el aire colisionando de forma impactante (en un atrevido salto hacia un círculo de tela inspirado en el Nalukauq, el tradicional juego inuit de lanzar la manta) y las colchonetas salvavidas típicas de los bomberos.

“KOOZA trata de la conexión humana y el mundo de la dualidad, lo bueno y lo malo”, afirma David Shiner, autor y director del espectáculo. “El tono es alegre y divertido, ligero y abierto. El espectáculo no se toma a sí mismo demasiado en serio, pero tiene mucho que ver con las ideas. A medida que evoluciona, exploramos conceptos como el miedo, la identidad, el reconocimiento y el poder”.Para KOOZA, Marie-Chantale Haupt se inspiró en una amplia variedad de fuentes: desde novelas gráficas o el pintor Klimt hasta películas de Mad Max y de viajes en el tiempo a la India y a Europa del Este. Pero también en el movimiento de los relojes, los soldados de hojalata, las bandas de marcha, los uniformes y las ilustraciones de libros infantiles. Todo ello combinado para crear un aspecto que recuerda a Alicia en el País de las Maravillas, Barón Munchaüsen y El mago de Oz. Durante el espectáculo se producen numerosos y rápidos cambios de vestuario. Para lograrlo, Marie-Chantale tuvo que investigar las técnicas de los magos para cambiarse de forma rápida y así crear su propia magia de vestuario, nos indica el departamento de prensa.

Sin duda alguna Kooza, vale la pena verlo. Nos remite al tradicional espectáculo del circo, combinado con  un colorido especial que ponen con el vestuario, una magnífica iluminación y qué decir de la música.

En Málaga permanecerán un mes y seguramente será la alegría que se tiene para finalizar casi finalizar el verano.

Antonio Banderas cumple sus sueños

con el Teatro del Soho CaixaBank

María Esther Beltrán Martínez

Andalucía, España.-  Málaga espera la tercera llamada del Teatro del Soho CaixaBank. Qué es el sueño hecho realidad del actor, productor, director, Antonio Banderas. Las puertas se abrirán en el mes de octubre y próximo 19 de septiembre se tendrán los pormenores en una rueda de prensa.

Debido a la gira que tiene Banderas por la película Dolor y gloria, el actor ha sido cuestionado por el proyecto que tiene ya más que avanzado en la Costa del Sol. Y en la propia página del teatro expresa: “El teatro ha sido y es mi mejor escenario. La interpretación más pura, más cercana y más emocionante siempre se vive sobre las tablas. Mi época profesional más feliz ha estado ligada al teatro, y sueño con tener  uno desde los años 70”.

Sin duda es una realidad en el centro de Málaga el público nacional como los miles de visitantes que pisan suelo malagueño descubrirán  un espacio de explosión cultural y artística.

Poco a poco se han ido descubriendo los cimientos de este sueño, sin duda lo encabeza Banderas, quien es muy comprometido con su tierra, y para prueba decenas de botones. A invertido en Málaga y da trabajo a centenares de personas. Colabora con Asociaciones benéficas es partícipe de la Semana Santa siendo Hermano Mayor.

Tiene uno de los festivales de verano con un crecimiento increíble. Y lo mejor con gente súper profesional. Y por tal es un éxito el Starlite. Y el trabajo se ha extendido hasta México.

Sin duda las redes  sociales como el instagram han sido las ventanas para poder ir viendo el trabajo que desarrolla el proyecto. 

Nos enteramos de que el director será Lluis Pasqual, reconocido por sus trabajos escénicos siendo el último en Barcelona. Y actualmente conoce el elenco. 

El musical que se va a presentar es Chorus Line que se desarrolla en el teatro  de Broadway a mediados de los años 70. Comienza en medio de una audición  para una nueva producción. Se va desarrollando con el trabajo de selección donde los candidatos trabajan duramente para quedarse y en medio de la convivencia dan a conocer su historia. El punto final es One número culminante de la historia donde se ve la unidad del equipo. 

Es una obra que ha sido ovacionada y sin duda representa un esfuerzo y un gran reto para Banderas. Para presentar una producción excelente.

La casa Natal de Pablo Ruiz Picasso

presenta reflexiones sobre la muerte

María Esther Beltrán Martínez Foto: J. Carlos Santana

Málaga, España.-  En la Casa Natal de Pablo Picasso se exhibe la exposición Picasso: Le Chant des Morts y el género de la vánitas. Compuesta por grabados, ilustraciones y poemas. Las obras seleccionadas por el comisario de la exposición, Carlos Alberdi, provienen de los fondos de la Biblioteca Nacional y de la Fundación Picasso Museo Casa Natal.

Está exposición muestra en la sala de Plaza de la Merced las ilustraciones realizadas por Picasso para ilustrar  Le Chant des morts de Pierre Reverdy en relación con otras obras antiguas y contemporáneas que ahondan en el concepto tradicional de la vánitas, explica Alberti.

“Desde los tiempos lejanos en  que en los cortejos triunfales de Roma un acompañante del vencedor le susurraba al oído, a lo largo de todo el  desfile, Recuerda que eres mortal, pasando por las enseñanzas de Eclesiastés y los pesares del Santo Job, hay en la cultura occidental una componente moralista y pesimista que plasmó sus consejos y enseñanzas en el género llamado vanitas adoptando la admonición bíblica que veían por doquier  vanitas vanitatum et omnia vanitas (vanidad de vanidades y todo es vanidad). 

Esa corriente de pensamiento y creación rigorista habría de renacer en los momentos de mayores calamidades  colectivas, como la epidemia de la Peste Negra en la Edad Media, la Guerra de los 30 años coincidente con el Barroco, la Guerra de la Independencia coincidiendo  con los albores del Romanticismo o la Segunda Guerra Mundial coincidiendo con las vanguardias. Es Ahí , entonces, cuando el poeta francés Pierre Reverdy escribe  entre 1945 y 1948 en la abadía benedictina de Solesmes, a la que se retiró en 1926, 43 poemas lúgubres que buscaban devolver la voz y el alma a los difuntos. 

Picasso ilustró aquel libro con 125 litografías en rojo que  su vez querían ser alfabeto imaginario y un despliegue de huesos recorriendo las páginas. Está exposición recorre ese espíritu desde el siglo XV al siglo XXI con obras de la Biblioteca  Nacional de España”, expresa el curador. Entre las obras que se exhiben se encuentran grabados de Picasso, Rembrandt , Goya y Durero.

Sobre los atributos que caracterizan  a la vánitas se integran en la composición  representando conceptos intelectuales o ideas abstractas,  explica Rosario Camacho, que además del cráneo, el reloj, las flores u hortalizas ajadas, espejos, el cirio apagado, gusanos, la pompa de jabón cualquier objeto que represente la gloria mundana puede convertirse, según  el contexto y por negación , en vanitas, en alegoría de la muerte: joyas, coronas, armas, tiaras, cetros, monedas, naipes, libros, elementos del saber, aparatos científicos, instrumentos musicales etc. Y las grandes alegorías, aun manteniendo su carácter de vánitas, sobrepasan en mucho el concepto general de la Naturaleza muerta, enfatizando su significación simbólica.

Entre la vánitas en la poesía se encuentra el siguiente de Sor Juana Inés de la Cruz (1648-1695)

Este que ves, engaño colorido,

que, del arte ostentando los primores,

con falsos silogismos de colores

es cauteloso engaño del sentido;

éste, en quien la lisonja ha pretendido

excusar de los años los horrores,

y venciendo del tiempo los rigores

triunfar de la vejez y del olvido,

es un vano artificio del cuidado,

es una flor al viento delicada,

es un resguardo inútil para el hado:

es una necia diligencia errada,

es un afán caduco y, bien mirado,

es cadáver, es polvo, es sombra, es nada.

El Centre Pompidou Málaga presenta una

retrospectiva del artista americano Jim Dine

María Esther Beltrán Martínez   Fotos: J.Carlos Santana

Málaga, España.-  Para los que visitan el Centre Pompidou Málaga se encontrarán con la obra del americano Jim Dine (1935 en Cincinnati, Ohio), pintor, escultor, grabador y poeta. La sala de exposiciones temporales muestra una selección de treinta obras donadas por el artista  al Musée National d´Art Moderne, entre 2017 y 2018 y agrupa obras pertenecientes al periodo de 1961 a 2016.

Jim Dine quién estuvo presente durante la inauguración mostró un conjunto de pinturas y esculturas que revelan la incesante exploración autobiográfica através de los elementos recurrentes como son  herramientas de acero, corazones diseñados con diversos materiales, albornoces, venus y pinochos de madera entre otras obras.

Mostró su gusto por estar en la ciudad de Málaga y su beneplácito por la exposición, disfruto de la presencia de la prensa que cedió a tomarse las fotografías que se pidieran, y él tomó las propias. Un hombre que transmite paz más cuando se le ve vestido de blanco.

Su práctica de la poesía se hace presente debido que el artista escribió poemas inéditos con carboncillo en las paredes y las palabras amplifican las cualidades plásticas y simbólicas de sus obras.

La curadora de la exposición Annalisa Raimundo, explica que los primeros objetos que Jim Dine elige para sus composiciones son prendas de ropa (trajes, corbatas, zapatos, guantes...). Unos accesorios con mucha connotación que se convierten en presencias metafóricas por la forma en que se exponen, inertes, cual reliquias Mi esmoquin muestra  la luz un sorprendente borde difuminado, 1965. Sirven en cierto modo de transición entre el cuerpo y el objeto y representan la extensión del cuerpo del artista en el paisaje que lo rodea. Rápidamente, Dine asigna a las herramientas que han forjado su infancia -sus abuelos tenían una ferretería- un uso autobiográfico. Además de los objetos seleccionados por su connotación autobiográfica, Jim Dine utiliza figuras emblemáticas para diseñar múltiples alter ego que le permiten dialogar consigo mismo y abordar su relación con el arte y con su proceso creativo.

Sobre la Donación  Jim Dine explica en el catálogo expreso para la exposición: “ Soy un artista versátil, de modo  que podría haber donado otras creaciones del mismo periodo o de otros periodos diferentes. Todas las obras  proceden de mi colección personal. Al principio, elegí guiándome por la intuición , pero después empecé a pensar en la relación entre cada obra que añadía y las demás. Quería mostrar todo el rango de mis temas y mis iconos y realizar una donación que tuviese fuerza en conjunto”.  

La exposición tiene tres segmentos: Objetos simbólicos, Alter ego y El acto creativo y sus huellas.

Además de los objetos seleccionados por su connotación autobiográfica, Jim Dine utiliza figuras. Dibujados esquemáticamente, son planos, frontales y siempre muestran la misma postura, con los puños en las caderas, evocando una presencia amistosa pero indolente. En Stephen Hands Path asocia este motivo a un tronco cortado, oponiendo así ausencia corporal y cualidades físicas y dramatizando la inercia del albornoz. 

“El albornoz llega a convertirse en un tema casi obsesivo que ocupa gran parte de la creación pictórica y gráfica de Jim Dine en dos momentos precisos: en 1964-1965 y entre 1974 y 1986. En esta segunda fase, los albornoces, presentados con múltiples registros de luces y colores, se disuelven en un fondo brumoso que les confiere un aspecto un tanto inquietante (The Farmer). A partir de 1983, los albornoces van cediendo paso a las venus. Dine personaliza la icónica Venus de Milo decapitandola y realizando en su estudio una moldura ampliada de yeso que ha presentado a lo largo de las décadas con formas, materiales y composiciones muy variados. Esta forma aparece tras un largo periodo en el que Jim Dine, retirado en Vermont, se centra en el estudio minucioso de la naturaleza y de su propio cuerpo y profundiza en el conocimiento de la historia del arte. Extraída de este contexto, simboliza esta etapa de investigación y, como los corazones, incluye a veces herramientas y objetos especiales para el artista. Dine comienza después a desarrollar sus creaciones en torno a la figura de Pinocho: se identifica con este niño solo en el mundo y lo usa como una metáfora de la creación. Con su actitud pícara, distraídos y despreocupados, a menudo con los pies desbordando el zócalo, los pinochos evocan la relación entre el creador y la materia prima simbolizando la historia de la escultura” explica la curadora.