La
novena edición del Festival Internacional de la Imagen, llegó a su fin,
la pasada noche del 10 de mayo de 2019, en el Centro Cultural
Universitario “La Garza” de la Universidad Autónoma del Estado de
Hidalgo, a manos del rector de dicha universidad. Adolfo Pontigo Loyola.
Previo al evento, a medio día del mismo viernes, en el Edificio de
Arquitectura, Instituto de Ciencias Básicas e Ingeniería (ICBI), de la
Ciudad del Conocimiento. Se llevó a cabo la inauguración de un mural,
autoría del artista plástico. NEUZZ. Obra que de acuerdo al tema
principal del FINI “Populismo”, nos muestra un “Torito de Fiesta”,
relacionando esta típica actividad en los festejos populares, con las
reacciones químicas que se llevan a cabo en la combustión de la
pirotecnia. Bajo el título de “Minotauro ihuiteco” se realizó bajo
modernas técnicas de creación, trabajando previamente en una
computadora, para posteriormente traspasarlo al muro de la universidad.
Ya
por la noche, antes del fin del festival, nuevamente en el Centro
Cultural Universitario “La Garza” la directora
del FINI Lorena Capmbell,
agradeció a todas aquellas personas que intervienen en la construcción
del evento, resaltando la labor y el esfuerzo de cada uno de ellos.
Como última carta de actividades, se rindió homenaje al diseñador y
publicista mexicano Gonzalo Tassier. Con 78 años de edad, Tassier, es el
autor de las letras del logotipo de PEMEX, así como también ha trabajado
para firmas de automóviles, permaneciendo en el recuerdo e historia de
la publicidad en México, el huevo que se fríe en un automóvil, o bien la
animación deChicles
Motita.
Tras un discurso, ameno que en varias ocasiones, hizo reír a todos los
asistentes, posteriormente una vez terminadas formalmente las
actividades del FINI, de forma sencilla, firmó autógrafos a todos
aquellos estudiantes que se acercaron a él.
Sólo queda destacar, que para 2020 en su décima edición, el tema que se
abordará será… Agua.
Andalucía, España.- La compañía
de teatro Joglars lleva a diversas ciudades de España la sátira de
Señor Ruiseñor, con gran éxito y con una visión diferente ante los
independentistas, una obra crítica que pone la realidad ante una
actualidad difícil.
“Rusiñol representa un mundo y un
espíritu que no ha sido reemplazado. La sensualidad, la belleza y la
vida alegre que él encarnaba han desaparecido. Queremos enfrentar
aquella Cataluña de Rusiñol con la de ahora y reivindicar el arte como
patria universal frente a las patrias identitarias”, arguye Ramón
Fontserè, que dirige y protagoniza esta obra junto a Pilar Saénz, Dolors
Tuneu, Juan Pablo Mazorra, Rubén Romero y Xevi Vilà.
Señor Ruiseñor, pieza escrita por
Fontserè con la colaboración de Tuneu y Alberto Castrillo-Ferrer,
comienza cuando un jardinero de Parques y Jardines debe dejar el trabajo
por culpa del reúma y es reubicado en el Museo Rusiñol, donde
interpretará al pintor y escritor presentando las visitas teatralizadas.
La acción se sitúa en el Museo de
Santiago Rusiñol, destacado intelectual y bohemio catalán, considerado
padre del Modernismo, que se está desmantelando para transformarlo en el
Museu de la Identidad. El antiguo jardinero y ahora guía del Museo se
convierte en Rusiñol sufriendo alucinaciones provocadas por la morfina a
la que también era adicto el pintor, unos delirios que sirven para
construir una mordaz crítica sobre la Cataluña actual frente a la culta,
cosmopolita y cívica que él representó.
Para la compañía explican que “Santiago
Rusiñol (1861-1931), nacido en el seno de la burguesía catalana,
simboliza una personalidad intensa y compleja, con una visión
melancólica, amarga y desencantada de la vida. Un hombre dotado de un
gran talento personal que deriva en la pintura y cuya obra figura en las
más prestigiosas colecciones. También alcanza gran notoriedad como
dramaturgo, escritor y poeta. Su carácter ingenioso y cosmopolita hace
de él un referente de lo que los españoles consideran la Cataluña
cívica, culta y abierta al mundo.
Con el Señor Ruiseñor queremos
reflexionar sobre la destrucción de unos conceptos de vida libre,
conceptos que no han sido sustituidos en la actualidad. En Cataluña se
ha arrancado o falseado el pasado y de esta manera se ha podido
configurar un orden inventado. Solo se utiliza la parte de conocimiento
y de tradición que conviene para contar un relato sesgado. Para
nosotros, Rusiñol es la antítesis de este mundo: este artista de
carácter ingenioso y cosmopolita representa la inducción a la vida
alegre y sensual, el gusto por la belleza, la sutileza y el
conocimiento. Santiago Rusiñol -como dijo Josep Pla- fue un destructor
de fanáticos que representó una sociedad de ciudadanos holgados y
juiciosos a orillas del Mediterráneo”.
Es una obra contra las patrias
identitarias y el fanatismo, una fábula con la que reivindican el
cosmopolitismo y la universalidad.
Sin duda es una visión crítica que
incomoda a los que se ponen un listón amarillo y no hay más visiones
que la que les han impuesto con cátedras en las escuelas y con el
fanatismo que pueden tener en sus casas. La sociedad catalana está
dividida y eso es una realidad que vive España.
Al ver la obra al final el público le
ofrece un largo aplauso y una gran ovación, sin duda es por el valor que
tienen de presentar este tema que es tabú y que siendo catalanes lo
llevan a los escenarios, espacios que han sido negados en diversas
ciudades de Cataluña como lo expresaban en entrevistas en varios medios.
Señor Ruiseñor ya se ha representado en
el Teatro María Guerrero de Madrid, el Principal de Alicante, el
Principal de Zaragoza, el 42 Festival de Teatro de El Ejido y la
población barcelonesa de Canovellas, entre otras plazas.
El montaje se apoya en un espacio muy
funcional y visual, con coreografías y proyecciones de los cuadros de
Rusiñol y diseñado para resaltar el trabajo del elenco actoral. Anna
Tusell firma la escenografía, centrada en torno a un óvalo inclinado, y
Castrillo-Ferrer la dirección de escena.
El
pasado 3 de mayo de 2019 en las instalaciones del Centro Cultural
Universitario “la Garza” de la
Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo, se llevó a cabo la
inauguración de la novena edición del Festival Internacional de la
Imagen (FINI). Cuyo tema central este año fue el “Populismo”.
De acuerdo al rector de dicha casa de estudios Adolfo Pontigo Loyola,
el embajador de Hungría, país invitado Iván Medveczky y la Directora del
Festival Lorena Campbell. El tema populismo, es un tópico muy
amplio que se puede entender de diversas formas o manifestaciones pero
que se ha utilizado últimamente en el aspecto político, limitando así,
su entendimiento.
De tal forma, el FINI realizó un despliegue de actividades, para
enfrentar el reto de explicar en diversas formas de abordar la imagen,
el tema populismo. Comenzando por la exposición en la Expo Barda de la
Ciudad del Conocimiento, del fotógrafo argentino Marcos López “Pop
Latino”. Muestra que desdobla una obra colorida, dentro de los esquemas
que se maneja como arte latino. En base a imágenes construidas,
Marcos López, quien manifiesta
no ser él quien haga el clic en sus fotografías, sino ser quien dirige a
los actores o personas que participan como modelos en la foto. Nos llena
de pequeños detalles, en las actividades que sus personajes realizan, en
sus diversas labores cotidianas, como lo son el reunirse para comer,
vacacionar o divertirse, incluyendo también la dependencia que se ha
creado en torno a los dispositivos móviles de comunicación. Para el caso
de México, nuevamente el autor quedesarrolla sus imágenes tipo mural, centra a México en el
ambiente de la lucha libre, tal y como lo hacen las guías de turismo que
proyectan a la Arena México y su espectáculo como un prototipo de la
actividad de los mexicanos. Marcos López, se autodefine como el hijo del
pintor y muralista Diego Rivera y el artista norteamericano Andy Warhol,
por su forma de mezclar el arte pop y la forma de abordar los detalles
del muralista mexicano.
Las actividades y muestras de los invitados especiales, se extiende a la
que presentan dos importantes y reconocidos diseñadores gráficos, el
también argentino Jorge Alderete, más conocido como Dr. Alderete y el
cubanoAntonio Pérez
“Ñiko”
Dos generaciones muestran su
trabajo, bajo diferentes escuelas e influencias, por su parte el Dr.
Alderete bajo un camino que transcurre bajo la música especialmente el
rock, la edición,la
literatura y la ilustración y por parte de Ñiko, dedicando su obra al
cartel, resaltando que gran parte de su trayectoria la ha realizado en
nuestro país, traspasando a todas las fronteras de América Latina.
Otra
de las invitadas, ya dentro del desarrollo de la fotografía en México,
es Yolanda Andrade, fotógrafa nacional, que desde los tiempos del
llamado Consejo Mexicano de Fotografía, comenzó a registrar momentos con
la entonces técnica análoga, siendo entonces el blanco y negro su forma
de expresión. Ante la llegada de la tecnología digital y el reto de
acceder y dominar las nuevas
formas de captar imágenes, Yolanda Andrade, nos muestra su total
incorporación a las expresiones plásticas del nuevo milenio, no sólo
dominando sus secretos, sino también mostrando un perfecto manejo del
color. Ya que justamente sus fotografías exhiben un gran colorido,
buscando los detalles en los diferentes viajes que ha realizado no sólo
en México sino también por otros países del mundo. Dejando claro en su
obra, que tanto el color que ahora aborda y el blanco y negro del
pasado, han sido la forma de mostrarnos lo que su ojo mira y su mente
piensa.
Como un invitado de lujo, siendo ya una constante del festival, que cada
año, nos regala la oportunidad de conocer y convivir con los
protagonistas de la imagen que han dejado huella en la historia del
arte. El fotógrafo y escritor
catalán, Joan Fontcuberta,
ofrecerá una conferencia magisterial bajo el nombre de“Imágenes ConspirativasContra el Populismo Visual” Sin duda, uno de los momentos clave y
especiales, de la edición 2019 del FINI. Teórico de la imagen,
Fontcuberta es la referencia obligada en la enseñanza de la fotografía y
las charlas de café en torno a ella. Citado en miles de publicaciones,
programas culturales tanto de radio como de televisión, es un acierto su
participación, en uno de los festivales más importantes en torno a la
imagen como lo es el FINI.
Como carta especial, la muestra delhúngaro Adam Magyar titulada “Stainless” en el Museo Casa Grande
de Real del Monte. Nos muestra a un fotógrafo que se negó a ser limitado
por las fotos fijas y se dedicó a experimentar y crear mecanismos para
poder hacer imágenes en movimiento, comenzando con la incorporación de
un escáner a su cámara y de ahí desarrollar su propio equipo,
registrando el andar, expresiones y sentir de la gente que migra
o bien se desplaza de un lugar a otro, tal y como lo muestra su obra en
diferentes estaciones del metro en diversas ciudades del mundo.
Con respecto a su imagen
personal que nos lleva a hacer una similitud de estrella de rock, la
inauguración de su muestra, se caracterizó por su amabilidad y convivio
con la gente, dejando atrás algunos de los protocolos que dictan este
tipo de eventos, para irse a tomar fotos con los jóvenesestudiantes de preparatoria, que se dieron cita y marcaron el
ambiente estudiantil de la inauguración, entre gritosdirigidos a Adam y manifestando la presencia de sus escuelas.
Las actividades del FINI como cada año, se centran en la proyección de
películas, talleres, conferencias magisteriales y la presentación de más
exposiciones con invitados de calidad. Dejando así huella cada año, con
la participación de sus invitados, quedando entonces a la espera y
programación de la edición número 10 del festival, que sin duda será la
cita para todos aquellos amantes e interesados en la forma de crear
imágenes.
Perversidad.
Mujeres fatales en el arte moderno (1880-1950)
se presenta
en el Museo Carmen Thyssen Málaga
María Esther Beltrán Martínez Fotos:
J. Carlos Santana
Málaga, España.- El Museo
Carmen Thyssen Málaga presenta 70 obras reunidas en una exposición que
pone rostro a mujeres, anónimas o con nombre propio,reales o ficticias,
mundanas o idealizadas que muestran la riqueza de puntos de vista sobre
lo femenino en el arte de vanguardia, expresa la curadora de la
exposición y directora Artística del Museo Carmen Thyssen, Lourdes
Moreno, .
Perversidad. Mujeres fatales en el arte
moderno (1880-1950), plasma la evolución de la identidad
femenina a través de más de medio siglo
de imágenes de artistas de los principales nombres de la vanguardia
española e internacional como Klimt, Modigliani, Van Dongen, Man Ray,
Grosz, Picasso, Dalí, Gargallo, Valadon, Mallo, Zuloaga,
Anglada-Camarasa y Romero de Torres, entre otros.
El público puede disfrutar de diversos
géneros artísticos: pintura, escultura, dibujo, grabado, fotografía e
ilustración gráfica; y de numerosos estilos que van desde el simbolismo
y el art déco a las vanguardias internacionales (fauvismo,
expresionismo, surrealismo) y el arte nuevo español.
Moreno explica que la muestra recorre
más de medio siglo de imágenes protagonizadas por mujeres, en un
período, entre finales del XIX y mediados del XX, en que su
representación en el arte mostrará, como reflejo de las realidades
sociales contemporáneas, un cambio de paradigma, ya que el punto de
vista exclusivamente masculino y misógino se enfrentará al planteado por
la mirada femenina sobre su propia identidad.
“Todas ellas se presentan bajo el signo
de una perversidad polisémica: vinculada al pecado, la fatalidad y una
sexualidad destructora en las femmes fatales finiseculares y de
comienzos del XX, y a la subversión del orden patriarcal y hegemónico
que desde los años 20 se ve como una amenaza, desde la óptica masculina,
y como una reivindicación consciente y emancipadora desde la de las
nuevas mujeres que rompen con los estereotipos y reclaman un espacio
propio en la sociedad y el arte. De la belleza perversa y maldita la
representación de la mujer dejará paso, pues, a artistas que reivindican
una nueva forma de mirar y ser vistas. Así en la muestra es fundamental
la presencia de mujeres artistas como Suzanne Valadon, Olga Sacharoff,
Maruja Mallo y Delhy Tejero, y de figuras femeninas rompedoras y que
encarnaron un tipo de mujer avanzada, autoafirmada y protagonista activa
de su tiempo, como las actrices Sarah Bernhardt y Greta Garbo, la
diseñadora Coco Chanel, y las artistas y musas Kiki de Montparnasse y
Gala Dalí. Todas ellas aportan nuevas visiones de la mujer desde un
punto de vista propio y femenino o representan iconos de modernidad y
sientan las bases de la construcción de una nueva identidad femenina”.
Son varios segmentos en los que se
divide la exposición: Belleza Maldita, es la revisión moderna del mito
de la femme fatale surge en la literatura y las artes de finales del
siglo XIX como reacción misógina a la progresiva reivindicación de las
mujeres de un cambio de su papel en la sociedad. La amenaza a la
hegemonía masculina planteada por estas aspiraciones de libertad e
independencia y una visión sexualizada de lo femenino se conjugaron en
esos ámbitos en una imagen de mujer cautivadora y
perversa, encarnación del pecado o
incluso la muerte, con un poder de atracción magnético y fatal para sus
víctimas masculinas.
Reinas del abismo. Mujeres de la noche y
de la vida moderna. Entre finales del siglo XIX y principios del XX, y
surgida de los deseos más íntimos y los temores más ocultos del hombre,
se impone en el ámbito urbano una nueva visión de la mujer, como
protagonista de un universo abisal poblado de ídolos eróticos y
poderosos, de insaciable sexualidad.
Nuevas Mujeres. Activas, creativas e
independientes. Las nuevas mujeres,que desafían el orden establecido por
un patriarcado hegemónico, participan en las reformas sociales y se
muestran libres, desinhibidas, audaces, inteligentes y en constante
búsqueda del éxito profesional y la emancipación económica.
Sin duda la exposición es un cambio de
mirada de los artistas ante la mujer como también para el público que
visita esta exposición.
Guerrero presenta la programación de la XXXII Edición de las Jornadas
Alarconianas en Taxco de Alarcón.
*El evento cultural tendrá como tema principal, "El Mestizaje" y contará
con la presencia de Hidalgo como estado invitado de honor e Italia como
país invitado de honor: Mauricio Leyva Castrejón.
CDMX martes 29 de abril de 2019.- Teniendo como escenario el máximo
recinto de la cultura de México, el Palacio de Bellas Artes, el Gobierno
del Estado de Guerrero que encabeza Héctor Astudillo Flores a través de
la Secretaría de Cultura a cargo de Mauricio Leyva Castrejón y el
Gobierno Municipal de Taxco de Alarcón que preside Marcos Efrén Parra
Gómez, presentaron a los medios de comunicación nacionales la
programación de la XXXII edición de las Jornadas Alarconianas a
celebrarse del 04 al 12 de mayo en la ciudad platera de Taxco de
Alarcón.
En esta edición se contará con el estado de Hidalgo como invitado de
honor y como país invitado de honor a Italia, entidades que presentarán
una selecta programación cultural de sus lugares de origen.
En conferencia de prensa realizada en el Salón "Adamo Boari" del Palacio
de Bellas Artes las autoridades encabezadas por Mauricio Leyva
Castrejón, Secretario de Cultura en representación del Gobernador de
Guerrero, Héctor Astudillo Flores acompañado por Cristina Rascón Castro,
Coordinadora Nacional de Literatura, Marcos Efrén Parra Gómez,
Presidente Municipal de Taxco, Olaf Hernández Sánchez, Secretario de
Cultura de Hidalgo, Mónica Vázquez, representante de Riccardo Canetti,
Director del Instituto Cultural de Italia, René Juárez Albarrán,
Representante del Gobierno de Guerrero en CDMX, Eduardo Álvarez Ortega,
Director de la Orquesta Filarmónica de Acapulco y Leonel Maciel,
Director de las XXXII Jornadas Alarconianas, anunciaron ante la prensa
nacional el programa oficial de las XXXII Jornadas Alarconianas que se
realizarán del 04 al 12 de mayo del 2019 en el municipio guerrerense de
Taxco de Alarcón.
Se espera la presentación un gran programa cultural, en el que se
combinará talento local, nacional e internacional, con presentaciones
artísticas, talleres, exposiciones y presentación de libros,
distribuidos en varias sedes, entre las que destacan Plaza Veracruz,
Depósito de Isotes, Corral Platero, Teatro Juan Ruiz de Alarcón, Grutas
de Cacahuamilpa, además de plazas y callejones.
Durante su participación el titular de la Secretaría de Cultura en
Guerrero, Mauricio Leyva Castrejón, informó que en esta edición el tema
del evento será "El Mestizaje" y por instrucciones del Gobernador Héctor
Astudillo Flores, en esta edición Taxco de Alarcón vivirá de 49
actividades culturales y artísticas que cubrirán las necesidades de la
zona norte, ofreciendo actividades especialmente dirigidas a la
comunidad infantil.
En coordinación con Hidalgo e Italia estado y país invitado de honor se
presentará una activa participación de artistas y grupos de ambas
entidades esto con la finalidad de fortalecer el magno evento que
durante los ocho días de duración espera un promedio de 40 mil
visitantes.
En esta edición el evento dedicado a "Juan Ruiz de Alarcón" servirá de
escenario en donde se presentará parte de la programación y elenco que
participarán en el Festival Internacional Cervantino que se realizará el
mes de octubre del presente año en Guanajuato y en el cual el estado de
Guerrero, será el Estado Invitado de Honor.
Corral Plateresco
El Corral Plateresco escenario principal de las Jornadas Alarconianas
recibirá un programa variado con artistas como: Anónimo Italiano,
Guillermo Velázquez y Los Leones de la Sierra de Xichú, Cabernet Jazz y
Huapango “La Bella Airosa” (Hidalgo), “La Leyenda de la China Poblana”
Dir. Maricela Lara, ¿Conoces a Wolfy? de Mario Iván Martínez, Larissa,
Grupo Zazhil y el Carro de Comedias de la UNAM.
Grutas de Cacahuamilpa
Así también dentro de las actividades principales durante el cierre de
actividades de XXXII Jornadas Alarconianas se presentará en las Grutas
de Cacahuamilpa el espectáculo interdisciplinario “Matices” en el que
participarán los Hermanos Tavira, la Orquesta Filarmónica de Acapulco y
la Compañía de Danza Contemporánea de Acapulco a cargo del Maestro
Serafín Aponte.
Teatro “Juan Ruiz de Alarcón”
El teatro “Juan Ruiz de Alarcón” ubicado al interior del Hotel Misión
contará con la presentación de las obras teatrales nacionales: “The
Shakespearean TOUR” de la Compañía Parafernalia Teatro (CDMX), BALA.NA
Compañía de teatro Dixhaza (Oaxaca) , “El Rey de sí Mismo”, Dirigida por
Francisco Hernández, “Abrasados” con la Compañía Ranas de Laboratorio
Artes Escénicas (Puebla), “El Desdichado en Fingir” de Juan Ruiz de
Alarcón de la Compañía Colectivo Teatral de Guerrero, “Los Hombres que
miran hacia el norte” de la Compañía Grupo Legión Teatro (Edo de
México), “Hiladores de Sueños” de la Compañía Teatro Ariles (Morelos) y
“El Jinete de la Divina Providencia” de la Compañía La última y nos
vamos (Hidalgo).
Escenario Infantil en “La Plaza de La Veracruz”
Dentro de las Jornadas Alarconianas los niños y niñas podrán disfrutar
del escenario con un programa especialmente dedicado para ellos: “La
Sensacional Orquesta Lavadero”, “El Viaje de Ulises” de la Compañía
Caracol Colectivo Artístico, el Grupo ROCKWELL ROADS, “Niña de la
Guerra” de la Compañía La Gorgona Teatro, “Agua de Coco” de la Compañía
Teatral Matrioska Teatro, “Lechuga Mecánica: Educación Ambiental a
través de la Música”, “Cornudo Imaginario de Moliere” Carro de Comedias
de la UNAM y “Los Juglares”.
Programa Cultural en “Depósito Isotes”
La programación de los diferentes escenarios llegará hasta el escenario
ubicado en Isotes en donde vecinos del lugar podrán disfrutar del
programa: “3 = 9” Malabar Didáctico para Niños, Cuarteto de Clarinetes
del Estado de Hidalgo y el Grupo Sones y Boleros de Hidalgo.
“Actividades Académicas”
Dentro de las actividades la XXXII edición de las Jornadas Alarconianas
se contará con Actividades Académicas con las conferencias: “ALMAGRO
Santuario del Teatro Barroco” a cargo de Ignacio García, Director del
Festival Internacional de Teatro Clásico de ALMAGRO en España,” Italia
Retrato de un País Siglo XX y XXI” que impartirá Ricardo Canetti,
Subdirector del Instituto Italiano de Cultura y el Homenaje a la Doctora
Margarita Peña, con la participación de Federico Campbell, Mauricio
Leyva Selma Beraud, Mario Melgar y Jaime Chaubaud.
Así también dentro del evento se rendirá un homenaje a la Dramaturga
Marisela Lara, por su trayectoria y aportación a las artes escénicas.
Dentro de la Ceremonia Inaugural Gobierno de Guerrero a través de la
Secretaría de Cultura realizará la premiación del Premio Nacional de
Dramaturgia Juan Ruiz de Alarcón, El Bando Alarconiano y Elaboración del
Cartel de la XXXII edición de las Jornadas Alarconianas.
LA UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DEL ESTADO DE HIDALGO (UAEH) INVITA A LA NOVENA
EDICIÓN DEL FESTIVAL INTERNACIONAL DE LA IMAGEN (FINI) 2019
·
En su IX edición, el Festival Internacional de la Imagen (FINI) girará
en torno al tema “Populismo”
·
Del 2 al 10 de mayo: exposiciones, conferencias, ciclos de cine,
presentaciones, talleres, foros de análisis, eventos especiales y
espectáculos
•Hungría, país
Invitado de honor
• Artistas Invitados: Marcos López • Joan Fontcuberta• Adam Magyar•
Yolanda Andrade• Gonzalo Tassier• Tatiana Parcero• “Dr. Alderete”•
Antonio Pérez “Ñiko”• Everardo González• Dana Rotberg• Inti Cordera•
Edgar Ladrón de Guevara
El Festival Internacional de la Imagen (FINI)
2019,
organizado por la Universidad
Autónoma del Estado de Hidalgo (UAEH), es un encuentro
multidisciplinario que tiene como objetivo promover y difundir la
creación artística y el periodismo gráfico, la tecnología y la
comunicación, así como el debate en torno a la estética, los
significados y el valor de las imágenes en sus diversos géneros,
expresiones y aplicaciones.
La IX edición del Festival
Internacional de la Imagen (FINI) tendrá como país invitado de honor
a Hungría y se realizará del 2 al 10 de mayo, en Pachuca,Hidalgo.
Este año el Festival
Internacional de la Imagen (FINI), tiene como eje temático el Populismo, que
en el buen sentido del término se entiende como una doctrina política
que defiende los intereses del pueblo o busca la equidad social. Dentro
del marco cultural, esta palabra se refiere a aquellas tendencias o
manifestaciones hacia lo popular, lo folclórico, tradicional, ritual y
costumbrista. De esta manera, los asistentes podrán apreciar la obra de
destacados artistas invitados en torno a este tema en un amplio programa
artístico y cultural que incluye exposiciones, conferencias, mesas de
debate dentro del Coloquio
Internacional (con destacados especialistas e investigadores
nacionales y extranjeros), ciclos de cine, proyección de documentales,
talleres, cursos, presentaciones y espectáculos.
Una de las actividades más representativas dentro del Festival es el
Concurso Internacional de la
Imagen, que convoca a creadores nacionales y extranjeros en los
géneros de Fotografía, Video Documental, Cartel y Técnicas Alternativas,
y que tuvo gran respuesta en su reciente convocatoria, con cerca de mil
400 trabajos de 70 países. Por tal motivo, la UAEH abre sus puertas para
mostrar las obras seleccionadas como finalistas, el sábado 4 de mayo, a
las 20.00 horas, en el Centro Cultural Universitario “La Garza”.
Cada año el Festival
Internacional de la Imagen (FINI) entrega un
Reconocimiento a la Trayectoria
Profesional de un artista nacional. En esta ocasión dicha distinción
se otorgará a la fotógrafa y artista mexicana
Yolanda Andrade, quien
presentará su exposición “Imágenes de la cultura popular”.
Actualmente los proyectos de esta artista versan sobre la relación de
las personas y su entorno, la cultura popular, el viaje, la memoria y el
paisaje en ciudades como París, México, Las Vegas y Nueva York, entre
otras.
Además, todos los años el FINI realiza un
Homenaje a los creadores que
con su obra han enriquecido el quehacer artístico y cultural de México.
Este año el galardonado será el publicista mexicano
Gonzalo Tassier, quien es
pionero del diseño gráfico en el país y cuenta con una trayectoria de
seis décadas en la comunicación, área en la que se ha destacado en el
desarrollo de la identidad, publicidad, edición, diseño tridimensional y
multimedia de organizaciones y empresas nacionales y extranjeras.
Otros artistas de talla internacional compartirán sus obras en este
encuentro; tal es el caso del reconocido fotógrafo, documentalista y
artista plástico argentino
Marcos López, quien presentará una exposición de su trabajo, dará un
taller especializado e impartirá una conferencia magistral. Este artista
reflexiona y explora los valores y los símbolos que rigen la vida de la
clase media sudamericana, con una mezcla de homenaje y de guiño
humorístico sobre las expresiones de la cultura popular.
Del país invitado de honor en esta edición, llega al FINI 2019 el
reconocido fotógrafo y cineasta húngaro
Adam Magyar, quien
inaugurará su exposición
Stainless en Casa Grande, Real del Monte, y realizará una
presentación de su proceso creativo en el Centro Cultural Universitario
“La Garza”. Las obras de Magyar están incluidas en las colecciones de la
Biblioteca Pública de Nueva York, el Museo de Bellas Artes de Houston,
el Museo del Patrimonio de Hong Kong, entre otras. Sus fotografías han
sido publicadas en libros como In
The Life of Cities, Universidad de Harvard y
Light and Lens, de Robert
Hirsch.
El artista cubano Antonio Pérez
“Ñiko”, uno de los más reconocidos ejecutantes del diseño gráfico en
América Latina, inaugurará una exposición de su trabajo en cartel.
También “Dr. Alderete”,
artista mexicano exhibirá parte de su obra en cartel y ofrecerá una
clase magistral. Asimismo, “NE
UZZ”,
artista visual, realizará una intervención artística en el edificio de
Arquitectura del Instituto de Ciencias Básicas e Ingeniería (ICBI),
ubicado en la Ciudad del Conocimiento; mientras que el fotógrafo,
teórico, ensayista y promotor de arte catalán
Joan Fontcuberta ofrecerá la
conferencia magistral “Imágenes Conspirativas: Contra el Populismo
Visual”.
Para conocer más del Festival Internacional de la Imagen (FINI) 2019,
está disponible el sitio web y redes sociales:
Con la realización del Festival Internacional de la Imagen, la
Universidad Autónoma de Hidalgo refrenda su compromiso con la comunidad
universitaria y la sociedad en general, al abrir espacios
multidisciplinarios e incluyentes para la creación, la reflexión y el
debate en torno a temas de trascendencia social, para contribuir así al
desarrollo de la cultura local y global.
María Esther Beltrán Martínez Fotos: J.Carlos
Santana
Andalucía, España.-
La Semana Santa termina y con ella deja experiencias visuales en
millones de visitantes y locales. Aunque la actividad frenética de las
calles disminuye considerablemente en Andalucía, se percibe todavía el
olor a incienso y las imágenes comienzan a regresar a sus templos.
Sin ser religioso es innegable la experiencia que se vive en las
diferentes ciudades y pueblos, visitar Andalucía en esta fecha no sólo
permite disfrutar de la maravillosa Naturaleza con la que cuenta y de la
arquitectura que tiene.
Las manifestaciones de arte y cultura que encierra la Semana Santa es
inmensa. Basta ver las procesiones donde lucen extraordinarias imágenes
que datan algunas de la segunda mitad del siglo XVII, XVIII y XIX. Sus
autores son artistas prestigiosos que han dejado huella en las Bellas
Artes española. Juan de Mesa, Antonio Castillo Lastrucci, Manuel
Galiano, Pedro de Mena, Fernando Ortiz, Juan Domingo Olivieri y
Salvador Gutiérrez de León entre otros. Sus obras roban la mirada y no
puedes dejar de ver su rostro que manifiesta tanta dulzura o la peor de
las amarguras y dolor.
Aunque estas imágenes son el centro de toda una procesión hay que ver su
entorno como son las joyas que conservan y son portadas con orgullo por
los elementos de las diferentes cofradías, nombre que se da a la
congregación o hermandad que forman devotos, y que cada primavera
esperan para salir a la calle.
La candelería que es el conjunto de velas o luces que lleva el paso de
imagen, los capirotes de diferentes colores, las cruces principales que
van en cada trono, es la cruz que abre el desfile procesional va
acompañada por dos o cuatro nazarenos. Destacan los estandartes que son
de paño de terciopelo la mayoría ricamente bordados con figuras que son
representativas de cada cofradía.Las peanas son de madera tallada,
algunos revestidos con lámina de oro o plata. .
Pero no sólo se muestran obras antiguas sino que los artistas actuales
participan con sus creaciones como es José Luis Puche, malagueño que
realizó para la cofradía de los Estudiantes, una obra donde se
manifiestan elementos contemporáneos sin perder la esencia de la
cofradía.
Puche explica que con la Semana Santa fue su encuentro con el arte
recuerda cómo el arte cofrade fue su inspiración para pintar.
El arte cofrades y el arte contemporáneo van por distintos caminos,
explica. Aunque la de Estudiantes apuesta por el arte
contemporáneo razón por la que me escogieron para poder hacer esta obra
qué es la imagen de Cristo. Me da gusto poder hacerla, para poder
entregar un poco de lo que el arte cofrade que ha dado. Desde pequeño
siempre estuve muy cerca admirando las los trabajos artesanales los
bordados ... y ahora puedo aportar algo de mi de mi obra.
“Yo he querido hacer un Cristo que se pueda oler, saborear”.
La obra de Puche ha sido utilizada para hacer carteles y uno de los
programas de mano respecto a las actividades de Semana Santa 2019. Sin
duda alguna es una imagen que cautiva y llama la atención y hace una
separación de lo tradicional. En está ocasión se puede disfrutar de una
obra contemporánea que habla de la belleza y la tradición. Es un acierto
de una cofradía que habla a las nuevas generaciones, pero no rompe con
las anteriores.
El cristo que muestra Puche deja huella para un diálogo con todo sin
importar sus creencias es una obra que roba la mirada.
Por lo que que sin duda deja la certeza que la Semana Santa es un
espacio especial para el arte y la cultura.
María Esther Beltrán Martínez Fotos:
J. Carlos Santana
Andalucía, España.- El Domingo
de Ramos da el inicio a las Semana Santa y sin duda alguna las ciudades
como: Granada, Sevilla, Jaén, Málaga y Huelva se desbordan con miles de
visitantes y locales que salen ocupar un lugar en las banquetas de las
principales calles del Centro de la ciudad.
Sevilla destaca por los centenares de
nazarenos que acompañan a sus tronos que son llevados por costaleros
sobre la cerviz, hombres que van debajo del trono;mientras que en
Málaga los lleva los hombres de trono que meten su hombro debajo de los
varales que son las piezas de metales de varios metros de longitud que
sobresalen por delante y detrás de la estructura del trono. Son de gran
tamaño y con diversos pasos llevan.
Son 44 cofradías en Málaga que
procesan desde el Domingo de Ramos por el recorrido oficial, Una de las
cofradías que tiene gran cariño de los malagueños es la de Lágrimas y
Favores. En ella participa el actor Antonio Banderas y pertenecen a la
Cofradía personalidades ilustres de la cultura, como la baronesa Carmen
Thyssen. Este año Málaga cambió el recorrido oficial lo cual permitió
que por primera vez esta Cofradía entrará a la Catedral y su recorrido
se extendiera hasta la noche
Cabe destacar que el sábado anterior al
Domingo de Ramos, Málaga madruga. miles asisten a los alrededores de la
iglesia y el recorrido que cada año tiene la imagen del Cautivo
acompañado de la Virgen vestida de blanco y azul.
Mientras hace el recorrido a su casa de
Hermandad donde se encuentran los tronos y los visten para Semana Santa,
se les lanza claves rojos que serán usados en el trono que lucirá el
lunes Santo.
El Domingo de Ramos salen nueve
cofradías, la primera se conoce como la Pollinica que muestra a Jesús a
su entrada a Jerusalén y María Santísima del Amparo, está procesión van
centenares de niños y es la primera en procesionar.
Cada cofradía sale con colores distintos
lo que es una forma de distinguirlas. Aunque hay localidades que cuestan
dinero y tiene abonados, los visitantes pueden verlas recorriendo las
calles y buscando sitios abiertos.
La Semana Santa se vuelve un maratón si
se quiere ver las procesiones y observar cada detalle. Por cierto que
los nazarenos usan capirotes y van vestidos de túnicas largas y llevan
un cirio entre las manos. La Semana Santa en Andalucía hace que aumente
nuestra visión cultural. No sólo por observar las hermosas imágenes
talladas, los bordados de sus vestidos y tronos como las tallas de
madera. Los arreglos florales que llevan en distintos colores.
El Domingo de Ramos cierra Prendimiento
que luce en su trono un Olivo natural y la virgen luce un manto de más
de cinco metros de largo y bellamente bordado.
· El documental Titixe se lleva una mención especial del jurado y Kyzza
Terrazas se lleva una Biznaga de plata a la mejor dirección por
Bayoneta.
María Esther Beltrán Martínez Foto: J.Carlos Santana
Málaga, España.- Tras finalizar la 22 edición del
Festival de Málaga. Cine en español. Las producciones mexicanas fueron
las mejores del cine iberoamericano recibieron el máximo galardón que
ofrece Málaga que es: la Biznaga de Oro y plata.
Dos películas fueron las galardonadas en varias categoría. Empecemos por
Esto no es Berlín. Se llevó Biznaga de plata premio especial del
jurado, al mejor actor de reparto a Mauro Sánchez Navarro, “Deluxe” a la
mejor fotografía a Alfredo Altamirano y premio especial del jurado de la
crítica de la Sección oficial por su capacidad de captar la época y
contar una historia universal, a través del retrato juvenil de una
generación turbulenta que apostó por el impulso creativo, la rebeldía y
la ruptura del status quo, sin ocultar los estragos que trajo consigo.
traslada a los espectadores a la movida de los 80 para recordarles que
la sociedad les ha adormecido
El largometraje Esto no es Berlín lo dirige el mexicano Hari Sama.
Está basado su autobiografía de Sama quien busca trasladar a
los espectadores a la época más intensa y rebelde de los ochenta. 1986
México celebra un mundial, y la situación que vive la juventud no es de
libertad. Los protagonistas viven experiencias y se enfrenta a una
sociedad donde los tatuajes y cortes de pelo diferentes forma parte de
la discriminación y castigos en la escuela. Es una película
transgresora, una historia que muestra lo que vivieron muchos jóvenes
que lucharon por tener una sociedad diferente y que en la actualidad se
ve como un sueño.
Sama en entrevista manifestó su alegría por ver la reacción que causó la
película en el público malagueño, además de informar que en el mes de
junio se estrenará en diferentes salas de cine de toda España.
La presencia de los actores principales, Daniel Villar y Xabiani Ponce de
León no pasó desapercibido, durante la alfombra roja gozaron del
entusiasmo de las jóvenes malagueñas que pidieron sus autógrafos y se
sacaron fotos con ellos, además de plantarles sendos besos.
Mientras que Las niñas bien, se llevó la Biznaga de oro a la mejor
película iberoamericana, dotada con 12 mil euros, Biznaga de plata al
mejor guión para Alejandra Márquez Abella quién no estuvo presente
debido a su maternidad, pero mandó un vídeo donde agradeció el premio
recibido así como también Miguel Schverdfinger, quien se llevó la
Biznaga de plata al mejor montaje.
La crítica que recibió fue muy favorable, muchos indicaron la calidad de
la película, así como el buen trabajo de la actriz Ilse Salas quien
muestra cómo las mujeres de la llamada sociedad alta se vieron ante la
crisis económica que sufrió México en el sexenio de López Portillo.
Otra Biznaga de Plata a la mejor dirección la recibió Kyzza Terrazas
por Bayoneta en la sección Zonazine. El fue el único que estuvo
presente en la entrega de las Biznaga y agradeció el premio.
Y por último se dio mención especial del
jurado a Titixe de Tania Hernández Velasco. Donde nos muestra el
último campesino de una familia mexicana que ha muerto y con él se ha
ido toda sabiduría para trabajar la tierra. Sin experiencia agrícola, su
hija y su nieta (la directora de esta película) intentarán una última
siembra para convencer a la abuela de quedarse con el terreno familiar.
Juntas encontrarán los vestigios –el titixe– de este hombre y su
trabajo: brotes que bailan al son de norteñas, un árbol de luto, el
lenguaje de las nubes, fantasmas, historias y muchas semillas. Este es
un mosaico intimista de la cosecha final de una familia en un país que
ha dado la espalda a su campo.
María Esther Beltrán Martínez Fotos:
J.Carlos Santana
Andalucía, España.- El Centre Pompidou Málaga presenta una selección de obras de
Matisse. Un conjunto de 48 obras entre pinturas, esculturas y dibujos
fechadas entre 1900 y 1952. Las creaciones que destacan son:
El violinista en la ventana (1918) yBailarín (1937).
Serge Lasvignes, presidente del Centre Pompidou, indicó en
conferencia de prensa, que la exposición Un país nuevo. Henri
Matisse (1869-1954) es el inicio de la
celebración del 150 Aniversario del nacimiento del artista francés
Henri Matisse.
“Esta
exposición traza la trayectoria del artista gracias a una selección de
obras icónicas que hacen dialogar la pintura, escultura y dibujo. Seis
secuencias cronológicas que rastrean el recorrido de este artista
fundamental de la modernidad, desde sus inicios hacia 1900 hasta sus
últimas obras de principios de la década de 1950, en una evocación de
los interiores de Vence y de su última obra para la Capilla del
Rosario”.
Aurèlie Verdier curadora de la exposición explica que “No abundan
los pintores como Matisse, capaces de llevar a cabo un minucioso
análisis del proceso de elaboración de su propia obra. Hay que volver
una y otra vez a la famosa frase del artista en 1908, según la cual el
arte debería ser como “un buen sillón” en el que el espectador se sienta
a descansar.
Ciertamente su obra emana una forma de dicha, pero el precio
pagan consistió siempre en un arduo trabajo que perseguía ocultar ese
esfuerzo. El arte hecho de “equilibrio, pureza y serenidad” al que
Matisse aspiraba era en realidad el fruto de un forcejeo; un arte
luminoso y simple de contemplar, pero complejo en su génesis. Un año
antes, en 1907, enfrentado a la incomprensión del público y aún a la de
otros artistas, Matisse libró una encarnizada batalla por tu obra, que
le sirvió sobre todo para esforzarse en tomar plena conciencia de su
recorrido pictórico: “Creo que la personalidad del artista se
desenvuelve, se afirma, a través de las luces luchas que tiene que
librar [...]. Sí el combate le es fatal, [...} ese y no otro era su
destino.”
Los visitantes al Centre Pompidou Málaga pueden conocer la posición
de un artista que revolucionó la mirada moderna con una producción
artística que se extiende a lo largo de más de sesenta años y lo sitúa
entre los artistas más destacados del siglo XX.
La muestra, con obras fechadas entre 1900 y 1952 es amplia y
destacan piezas como: El violinista en la
ventana (1918) realizada durante su primera estancia en Niza,
el Desnudo sentado rosa (1935-1936) que muestra la
simplificación radical abordada por el artista desde sus inicios, o uno
de sus primeros papeles recortados, Bailarín (1937).
Son seis secciones que forman la exposición: Con y contra los maestros, inicios y rupturas; “Medios más simples”
El periplo fauve y “ primitivo” (1905-1909),La apuesta por la
radicalidad. Retratos y figuras (1909-1917),Niza, interiores, figuras
(1917-1929),Modernidades, los años 1930 y Una habitación propia, vence
. Los últimos interiores.
“El último período de Matisse, definitivamente instalado en Vence
durante la guerra, fue testigo de un excepcional brotes de creatividad.
Su reinstalación en el Hotel Régina, en 1949, le permitió abordar
proyectos de gran formato a los que destinó una técnica que ya había
ensayado en los años 1930, pero cuyo desarrollo a plenitud se produjo en
el ocaso de su vida: los recortes de papel pintado con gouache. Esta
técnica facilitaba el establecimiento de correspondencias entre el
color, el dibujo y el espacio con la aparente simplicidad que Matisse
busco a lo largo de su vida”, indica Verdier.
· La muestra presenta un recorrido por los colores que por
numerosas décadas han caracterizado a México, desde el arte popular y la
arquitectura, hasta las artes aplicadas y la mercadotecnia.
· En alianza con Comex, la exhibición incluye ocho piezas
creadas especialmente para ésta por reconocidos diseñadores y artistas.
Como un homenaje a la riqueza y diversidad cromática de México, el Museo
del Objeto del Objeto (MODO) presenta su nueva exposición temporal: “México
a COLOR” curada por Ana Elena Mallet y Mariano Marroquín.
Esta exposición es una revisión cultural de la percepción del color en
México y sus consecuencias en las artes y el diseño. Uno de los primeros
acercamientos que experimentará cada visitante es la conceptualización
del color en las artes populares para la creación de identidad.
Posteriormente, este elemento es retomado como un rasgo distintivo en
las artes y finalmente, como un agente para la modernización del país.
A través de sus ocho núcleos temáticos, la muestra permite recrear un
entendimiento a profundidad sobre la gama cromática del país que va
desde el arte popular y los primeros acercamientos que forjaron, una
identidad nacional, hasta diseños contemporáneos que importantes
artistas y diseñadores crearon en exclusiva para esta exposición en
colaboración con Comex.
"En México, la extensión del territorio ha permitido que la gama
cromática del país sea vasta, sin embargo, no fue hasta terminada la
Revolución Mexicana que el régimen emanado sentó las líneas pertinentes
para que intelectuales y artistas consolidarán una clara estética
nacionalista en donde el color jugó un papel de suma importancia",
comentó la curadora Ana Elena Mallet.
"La riqueza y diversidad cromática en los paisajes, las fiestas
tradicionales, la arquitectura vernácula, la artesanía y la cultura
popular suman a la creación del mito de una nación multicolorida,
luminosa y alegre. Desde las artes plásticas y la arquitectura,
hasta el método Best Maugard,llegando al desarrollo y transformación de
la estética mercadotécnica", indicó el curador Mariano Marroquín.
En el recorrido por las salas de la exhibición, el color se convierte en
la materia de estudio que permitirá a los visitantes apreciar y
reconocerse a sí mismos como un componente en la construcción del México
moderno.
“Para
Comex, el color es el vehículo perfecto para liberar lo que deseamos
expresar.
Pasarelas, escaparates, exposiciones, productos, empaques, maquillajes,
accesorios, edificios, obras majestuosas, interiorismo, y muchos otros
espacios, se transforman con la paleta de colores ColorLife de Comex en
este espacio que rinde un homenaje a nuestra esencia: el color.
Un grupo de expertos participaron con nosotros en la generación de las
propuestas que presentamos en este espacio, con el propósito de ser la
referencia que inspira a los mexicanos para embellecer y transformar los
espacios que habitan, convertirlos en escenarios de historias
maravillosas, presentar piezas únicas y cotidianas que nos enseñan a
apreciar la relevancia del color y su presencia constante en nuestra
vida cotidiana” aseguró Hector Escamilla, Director del Programa
ColorLife de Comex
Paulina Newman, directora del MODO, dijo: "A
través de más de 1,000 objetos, instrumentos de pintura, empaques y
envases de la nutrida colección del MODO, a los que se suman obras de
otras importantes colecciones, esta exposición nos acerca a un México
que tradicionalmente se ha distinguido como un país exótico, de intensos
colores"
La Flauta Mágica, según Papageno de W.A. Mozart,
un espectáculo lleno de música y fantasía
• La propuesta es una adaptación de la última ópera del genio de
Salzburgo
• El montaje es traducido completamente al español por el director
Óscar Tapia
• Dos únicas funciones los domingos 17 y 24 de marzo en el Teatro de
la Ciudad Esperanza Iris
La Flauta Mágica, según Papageno de W.A. Mozart es
una divertida ópera que cuenta la historia del príncipe Tamino y del
hombre-ave Papageno, quienes emprenden una aventura para rescatar a la
princesa Pamina. En su travesía, el amor surge entre los principes, son
guiados por el camino del conocimiento de Sarastro y conocen a la
malvada Reina de la Noche, entre otros fascinantes pasajes. Toda la
historia está envuelta en la música de Wolfgang Amadeus Mozart
(1756-1791), mientras la ópera es traducida completamente al español por
el director Óscar Tapia.
La propuesta, que regresará al recinto de Donceles, es una adaptación
contemporánea en versión a piano y flauta desarrollada por Producciones
Arándano A.C. y con la participación de Luís Rodarte, Juan Carlos López,
Graciela Morales, Anabel de la Mora y Daniel Cervantes, entre otros.
Producciones Arándano A.C. fue creada en 2003, en el Estado de México.
Han realizado más 37 títulos y entre 2006 y 2013 producido las
temporadas de Ópera del Desierto en Ciudad Juárez, Chihuahua,
donde estrenaron 21 diferentes títulos, entre ellos, Bodas de Fígaro de
Mozart, Madama Butterfly de Puccini yRigoletto de Verdi,
entre otras
La dirección está a cargo de Óscar Tapia del Castillo, egresado de
Ciencias de la Comunicación en la Universidad Franco Mexicana (UFRAM),
con estudios en fotografía profesional con Rosalío Vera y dirección de
escena con José Caballero en Casa del Teatro. Inició su carrera como
director de escena de ópera en 2003 y hasta la fecha ha realizado más de
35 estrenos que abarcan ópera clásica, bufa, contemporánea e incluso
exitosas adaptaciones para niños.
La Flauta Mágica, según Papageno de W.A. Mozart se
presentará los domingos 17 y 24 de marzo a las 13:30 horas en el Teatro
de la Ciudad Esperanza Iris(Donceles 36, colonia Centro Histórico,
cerca del Metro Allende).Localidades: 200 pesos. Descuentos del
50% a estudiantes de nivel básico, maestros, personas con discapacidad
trabajadores de gobierno y miembros del INAPAM con credencial vigente.
Sujeto a disponibilidad y aplican restricciones.
Para consultar la programación completa de Teatros Ciudad de México visite:www.teatros.cultura.cdmx.gob.mx.
Asimismo, descargue (en sistemas operativos Android e IOS) la aplicación
TeatrosCDMX.
María Esther Beltrán Martínez Fotos:
J.Carlos Santana.
Madrid, España.- En el
Palacio de Neptuno en Madrid se celebró la décima edición de la feria
Justmad. En la que vimos obras de diferentes técnicas y expresiones para
todos los gustos. Entre las galerías estuvieron: Eldevenir Art Gallery,
Heartbeats Art Gallery México,Collblanc espai d’art, Aca artists y
Luciazabidea entre otras.
Justmad durante seis días presentó un
conjunto de obra en las que se encuentran diversos conceptos. Así
es como la galería Eldevenir vimos que sigue con un proyecto centrado en
la difusión cultural y en apoyar el arte contemporáneo. Es una galería
de arte que no tiene espacio físico permanente, pero tiene presencia
tanto online como offline comisariando exposiciones, participando en
workshops, charlas, ferias, dando soporte a los artistas con los que
colaboramos, que son tanto consagrados como emergentes, y asesorando a
coleccionistas, expresa su directora María Rosa Jurado Sánchez,
arquitecta y licenciada en bellas artes.
Entre los artistas que representa
estuvieron presentes en la feria Simón Zabell y Jonathan Notario.
Zabadell presenta Proyecto Our men in
Tahiti se basa en una amplia investigación en torno a la novela tardía
de Robert Louis Stevenson The Ebb-Tide. Emocionado por presentar su obra
en acuarela indica que el proyecto supone un seguimiento de su proceso
creativo y que incluye desde pintura, acuarela hasta un corto
documental.
“Cayó en mis manos este libro de
Stevenson porque compré La Isla del Tesoro para leérselo a mis hijos. La
única edición que encontré traía esta novela, Bajamar. Todo el tiempo
tuve en mente que quería hacer una serie de acuarelas, por aquello del
libro, algo más cercano al propio libro, buscando esa sensación de
saturación de luz, ese exceso de sol que hay cuando se está en una isla,
en un sitio como el Pacífico, en el que a veces el ojo no da para
eliminar suficiente luz. Se produce entonces una sensación de comezón o
de sobreexposición, en términos fotográficos. Hay elementos que salen de
esa sobreexposición porque están muy contrastados, pero hay cosas que se
pierden en la luz”
Y Jonathan Notario ofrece el Proyecto
Arcade Painting. Emocionado e inquieto nos habla de su proyecto además
de la obra que realizó durante la residencia en Justresidence es una
iniciativa por la feria de Justmad. Cada año la residencia se celebra en
una localización diferente, como han sido Avilés, Málaga, Genalguacil o
Madrid, y ayuda a un grupo de artistas jóvenes a realizar nuevos
proyectos artísticos. Este año vuelve a realizarse en Madrid, en Espacio
Oculto, el el barrio de Usera. Durante la celebración de la feria se
pueden ver las obras realizadas por los artistas seleccionados entre los
que se encuentra Notario.
Sobre Arcade Painting indica es un
proyecto basado en la realización de una serie de pinturas de carácter
ilustrativo, inspiradas en universos de videojuego , como pretexto para
poder crear nuevos imaginarios personales que rompen la lógica del
paisaje convencional e incorporan elementos lúdicos. “Arcade paintings
reflexiona a nivel conceptual, sobre el videojuego como evasión de la
realidad en las nuevas generaciones Milennial. Un divertimento que te
hace olvidar las responsabilidades banales de la vida diaria. Superando
obstáculos dentro de un colorista mundo ficticio, mientras dejas de lado
las auténticas responsabilidades del mundo real y adulto. A nivel formal
el mundo de los videojuegos es una interesante inspiración ya que me
permite experimentar mucho con las composiciones, colores y universos de
ficción, reflexionar sobre los límites entre pintura y escultura,
ilustración, diseño, imagen digital y elaboración manual. El proyecto es
una continuación de las investigaciones realizadas en "Realidad
aumentada", mi proyecto anterior, en el que reflexionaba sobre la
relación entre lo analógico y lo digital creando grandes instalaciones
de inspiración informática, pero realizadas a mano con cartón en una
especie de parodia del mundo digital y la realidad”.
Los visitantes de Justmad con Lucía
Zalbidea se enfrentaron a la obra de Mi otra piel,Collblanc espai
d’art con Yo soy. Memoria de las rapadas, nos presenta las
artistas gemelas Mónica y Gema Del Rey Jordá aúnan las distintas líneas
de trabajo que las caracterizan: la reflexión sobre la intimidad en la
idea de doble está muy presente, el análisis de las imágenes como
portadoras de ideología y la búsqueda de la justicia social. El proyecto
homenajea a las rapadas, mujeres represaliadas por el franquismo por sus
ideas políticas o por sus actitudes liberales. El despojamiento del
cabello era sólo una de las vejaciones sufridas. Se utilizaba a los
vecinos para maltratarlas, creando un ritual de humillación, al estilo
del inquisitorial, explica Mariano Poyatos Mora.
México no podía faltar, la galería Heartbeats
presentó obras de Horacio Quiroz, Paulina Jaimes, Mateo Pizarro, Anahi
H. Galaviz y Abraham Jiménez.
Jiménez desarrolla en torno a la figura
humana. El proceso de su pintura es muy lento, a veces cambia de tema y
después de años regresa a un tema anterior. Evoca a Johannes Vermeer que
pintó 34 obras. Establece un diálogo con distintas técnicas
pictográficas para atrapar la luz, el color, y el dramatismo y el
transmitirlo a su pintura.
Teatro con cifras superadas de ediciones anteriores
María Esther Beltrán Martínez Fotos: Daniel
Pérez
Málaga, España.-
El 36 Festival de Teatro de Málaga cierra con broche de oro y con la
satisfacción de superar sus cifras de asistencia. Fueron más de 34 mil
espectadores que acudieron a las 91 funciones de 43 obras programadas
en los teatros municipales malagueños, superando las cifras de
anteriores ediciones.
Con la presencia de la actriz Concha Velasco, quien recibió el premio
Málaga de Teatro, se cerró la edición.
Sin duda este año deja el listón muy en alto el festival. Grandes
producciones cautivaron al público con la presencia de primeros actores
como fue Juan Echanove transmutado en Mark Rothko en Rojo.
O la fiesta escénica que nos tiene acostumbrado al público la compañía
de La Cubana, aunque este año con Adiós Arturo
se cae un poco el clímax y el desenlace queda bajo en comparación a
otras presentaciones. La Fura dels Baus sin duda robo el aliento hasta
el final con su montaje de Carmina Burana.
¿Quién es el señor Schmitt?,
cautivo y dejó mucho para pensar, además que la actuación del primer
actor Javier Gutiérrez, ganador de Goya y próximamente recibirá el
premio Málaga- Sur.
Con la presencia de Concha Velasco, el festival baja el telón y aunque
para muchos la obra de
el Funeral dejó mucho que desear, la primera actriz demostró
que cuando se tiene la trayectoria que ella lleva y se tiene el cariño
del público se pueden hacer lo que quiera.
Y así lo hizo, montó un espectáculo donde ella brilla con su vestimenta
blanca y se despide del público.Asiste a su propio funeral y se despide
con los brazos abiertos del público que la ha visto en decenas de obras
donde ha robado la atención y sacado las emociones. Para los exquisitos
críticos del teatro la devoraron en sus escritos, yo me quedo con el
cariño que el público le muestra cada vez que la ven en el escenario.
Esperamos verla nuevamente robando la escena.
Y también hay que sumar el esfuerzo que tiene la organización para
apoyar nuevos talentos. Este año hubo varios estrenos de compañías
malagueñas que demostraron su talento y algunas ya tienen nuevas
funciones durante el año. Lo que demuestra que si se trabaja en las
nuevas generaciones seguramente habrá mucho talento que seguir
cosechando para el disfrute del público.
Finalmente un aplauso a los que hacen el teatro infantil, vaya trabajo
el hacer que los niños se mantengan atentos por una hora o más. Este año
tuvimos un crisol de trabajo escénico. Disfrutaron adultos y niños y
salieron la mayoría de las veces con una sonrisa. Y con ganas de repetir
la experiencia, lo cual demuestra que si se hace un trabajo bueno con
los niños se está trabajando para que sea el próximo público adulto que
llene las salas y siga dando mucho que decir las artes escénicas
españolas
El Jurado del Premio Nacional de las Artes Gráficas 2019 ya seleccionó a
los ganadores de la edición número 39
El Premio Nacional de las Artes Gráficas (PNAG), galardón consolidado
como el reconocimiento más importante para la industria de la impresión
en México, otorgado por La Unión, Empresarios de la Comunicación
Gráfica, finalizó este viernes 15 de febrero su proceso de evaluación de
los más de 840 trabajos que fueron registrados este año. Durante un
evento en agradecimiento a la participación del jurado organizado en La
Casa de Cultura, Canon Academy; se reconoció todo el esfuerzo invertido
por el jurado en esta semana de evaluación y aprovechó para extender la
invitación a la ceremonia de premiación que tendrá lugar el próximo 6 de
marzo en Centro Citibanamex en el marco de Expográfica.
Uno de los objetivos principales del Premio Nacional de las Artes
Gráficas es construir vínculos institucionales entre líderes
empresariales, organizaciones y responsables de la comunicación gráfica
del país, con el fin de generar proyectos de valor encaminados al
desarrollo de la comunidad gráfica en México. Para lograrlo, cuentan con
un jurado calificador experto en la industria de la comunicación
gráfica, merecedores de todo el reconocimiento por su trayectoria, para
fungir como tomadores de la decisión final para la entrega del Premio.
Enrique Sánchez Rebollar, Presidente de La Unión externó su
agradecimiento a los invitados y entregó reconocimientos a los
profesionales de la industria gráfica que formaron parte de un gran
equipo calificador… “Hubo grandes cambios, y grandes retos para las
empresas que presentaron proyectos, pero estamos seguros que nos
sorprenderemos con la calidad, el profesionalismo, la creatividad de los
proyectos, sin duda, será uno de los mejores eventos que el premio ha
tenido en mucho tiempo”.
Todos los miembros del jurado estuvieron presentes en el evento, entre
los que se encuentran: Enrique Somohano, Presidente egresado del Centro
de Capacitación de la UILMAC donde estuvo como instructor en esta
Institución. Laboró como Gerente de Producción en diversas imprentas en
la Ciudad de México y en Oaxaca donde radica actualmente. Es
representante comercial en Oaxaca y Chiapas de empresas dedicadas a la
venta de equipos e insumos para las Artes Gráficas. Fue Presidente de
CANAGRAF Delegación Oaxaca y Consejero Nacional. Ha participado en el
Premio Nacional de las Artes Gráficas desde hace 8 años.
Como jurado técnico: Ing. Kay Ávila, Ing. Luis Ángel García, Ing. Javier
Navarro, Ing. Salvador Durán, Prof. Carlos Alvarado, Lic. Eduardo
Cisneros, Ángel Flores Guerra, Alfonso Hidalgo y Sergio Tellez,
También asistieron los 2 jurados especiales conformados por Sergio
Rangel y Alfredo Cottin.
Este año, en su edición número 39, se rompió récord en registro de
proyectos y las categorías que serán evaluadas son:
·
Comercial
·
Editorial
·
Empaques y etiquetas
·
Punto de venta
·
Promocionales
·
Transaccional
·
Acabados especiales
·
Categorías especiales
La Unión, premiará a los mejores proyectos de la comunicación gráfica de
mayor calidad durante la Edición 39 del PNAG el próximo 6 de marzo en el
Centro CitiBanamex de la Ciudad de México. Boletos en 56115911
Ambiance toda una obra de arte presente en Zona Maco
·
La marca Premium de baños Ambiance, con más de 20años de experiencia en el mercado mexicano, presenta “su obra de
arte” en Zona Maco,
·
En esta obra de arte se ven plasmadas las cuatro inspiraciones de la
marca: Moderna, Minimalista, Zen y Atemporal.
Ambiance
la marca Premium de baños, con más de 20años de experiencia en el mercado mexicano, presenta “su obra de
arte” en Zona Maco, la ventana al diseño y arte en donde la marca
muestra su sello distintivo que tanto la caracteriza: la innovación,
estilo, funcionalidad, tecnología ydiseño que se funden en productos para transforman espacios
genéricos en un lugar especial y único.
Juan Carlos Suarez Pérez, director de mercadotecnia, dijo: “En cada uno
de los productos del portafolio Ambiance se ve reflejado el proceso
creativo en donde la inspiración es uno de los elementos fundamentales.
Es por este motivo que para todos nosotros es un orgullo estar presente
en Zona Maco, siendo parte de este tipo de proyectos que promueven e
impulsan el arte y diseño en México”
Ambiance ofrece Productos con diseños que
los hacen únicos para que los arquitectos, especificadores, diseñadores
y consumidores, puedan dar a sus proyectos un toque especial de
diferenciación, uniendo al mismo tiempo lo mejor del diseño y tecnología
para garantizar un óptimo funcionamiento.
Para ser capaz de transformar un objeto en arte es necesario
desprenderse de lo que no necesitamos, entender la pureza de los
elementos y volver al origen, bajo esa premisa, Ambiance en Zona Maco,
invita a la audiencia a adentrarse en un espacio de sensaciones
infinitas, que recrea un “templo” moderno donde se le rinde tributo a la
inspiración.
La presencia de Ambiance en Zona Maco se traduce en esta pieza artística
“templo”, en el cual se ven plasmadas las cuatro inspiraciones:
Zen, Atemporal, Minimalista y
Moderna que constituyen y representan la esencia de la marca. Estos
cuatro estilos se ven plasmados en las trece series
coordinadas de diseño de productos para baños en las áreas del sanitario
y lavamanos que constituyen Ambiance y que brindan diversas alternativas
y versatilidad para satisfacer todos los gustos y tipos de baño.
Camilo Moreno, arquitecto del estudio arquitectónico Lateral,
colaboradores del proyecto, comentó: “En el “templo” los asistentes
vivirán una experiencia multisensorial, adentrándose a un recorrido
donde se reinterpretará cada inspiración y se podrán ver en su máxima
expresión. En él, se muestra la evolución desde la inspiración y el
proceso creativo del diseño a través de su origen artístico”.
El espacio Ambiance, fusiona el diseño, la pureza de las formas, la
elegancia y la inspiración, con el video arte, la escultura, la luz y la
contemplación. Refleja lugares emblemáticos de México, formas
abstractas, detalles, naturaleza, todo es inspiración.
Con la participación en Zona Maco, Ambiance quiere dejar su sello
demostrando a través de sus inspiraciones que sus productos son arte,
somos Arte.
+ La entrega que duró más de tres horas
reivindicó varios sectores sociales.
María Esther Beltrán Martínez Fotos
Cortesía Goya
Sevilla, España.- La película
de Alfonso Cuarón Roma se lleva el Goya por Mejor película
Latinoamericana en su 33 edición de los Goya.
La película más premiada fue El Reino,
de Rodrigo Sorogoyen, quien obtiene el Goya a Mejor director. Mientras
el de Mejor película es para Campeones, de Javier Fesser.
En la 33 edición de los Goya, galardones
creados para reconocer a los mejores artistas y técnicos de la
industria cinematográfica española. Por segunda vez en su historia se
celebran fuera de Madrid. La primera vez tuvo como sede Barcelona y en
esta ocasión es Sevilla.
Los conductores de la gala fue el
matrimonio formado por la actriz Silvia Abril y el humorista,
presentador y productor Andreu Buenafuente, durante más de tres horas
tomaron las riendas de la Gala y mostraron su profesionalismo y las
tablas que tienen en el escenario.
La parte musical estuvo a cargo de
Rosalía y el trío formado por Amaia Romero,Rozalén y-Judit Neddermann,
que interpretaron una pieza compuesta por Manu Guix en la que se
incluyeron los cuatro temas nominados a Mejor Canción Original.
Goya de Honor se le entregó a Narciso
Ibáñez Serrador, creador de películas como La Residencia y ¿Quién puede
matar a un niño?,un maestro del cine del terror y suspenso.Alejandro
Amenábar, Jaume Balagueró, Juan Antonio Bayona, Rodrigo Cortés, Álex de
la Iglesia, Juan Carlos Fresnadillo, Paco Plaza y Nacho Vigalondo
rindieron un homenaje.
Sin duda alguna el discurso más emotivo
fue el de Jesús Vidal, quién se llevó el Goya a Mejor actor revelación
por la película Campeones.
“Señoras y señores de la Academia,
ustedes han distinguido como mejor actor revelación a un actor con
discapacidad, ustedes no saben lo que han hecho. Me vienen a la cabeza
tres palabras: inclusión, diversidad, visibilidad. ¡Qué emoción!
¡Muchísimas gracias!..
Begoña León, donde estáis vosotros, mi
familia. Primero, gracias a mi hermana, por ser la mejor hermana del
mundo y querer y cuidar tanto a nuestros padres. Mamá, gracias por darme
la vida, por dármelo todo, porque hiciste nacer en mí el amor hacia las
artes y porque me enseñaste a ver la vida con los ojos de la
inteligencia y del corazón. Te quiero todo. Don José Vidal Conde,
gracias por haber venido, por luchar tanto por mí y por ser la persona
con más ternura del planeta. Y porque sin saberlo, con solo una sonrisa,
cambias y cambias el mundo. Queridos padres, a mí sí me gustaría tener
un hijo como yo porque tengo unos padres como vosotros, muchísimas
gracias”.
Asimismo existió la reivindicación al
feminismo tanto por Silvia Abril como por Eva Llorach, ganadora de Goya
a la mejor actriz revelación por Quién te cantará, quien invitó a poner
de pie por una mayor representación femenina en el cine después de los
40, 50 y 60 y por un pago más igualitario.
En la alfombra roja lucieron diseños de
los diseñadores Carla Ruiz, Bvlgari, Martinelli, Oscar de la Renta,
Dsquared2, Paco Varela,Cortana, Duyos, Armani, Manolo Blahnik, Christian
Dior, Agatha Ruiz de la Prada, Juan Vidal, entre otros.
Entre los asistentes estuvieron:
Penélope Cruz, Lola Dueñas, Eduard Fernández, Natalia Molina, Anna
Castillo, Carlos Acosta, Javier Gutiérrez, Antonio de la Torre, José
Coronado, Rossy de Palma, David Trueba, Nora Navas, Belén Rueda, Pedro
Almodóvar, entre otros.
La 33 entrega de los Goya deja aspectos
cómicos y visibilidad a la lucha por la propuesta de las mujeres y
personas con discapacidad que ahora se conocen como Campeones.
28 PREMIADOS
MEJOR PELÍCULA: “Campeones”
MEJOR DIRECCIÓN: Rodrigo Sorogoyen,
por “El reino”
MEJOR ACTOR PROTAGONISTA: Antonio de
la Torre, por “El reino”
MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA: Susi
Sánchez, por “La enfermedad del domingo”
MEJOR GUIÓN ADAPTADO: Álvaro Brechner,
por “La noche de 12 años”
MEJOR GUIÓN ORIGINAL: Isabel Peña y
Rodrigo Sorogoyen, por “El reino”
MEJOR ACTOR DE REPARTO: Luis Zahera,
por “El reino”
MEJOR ACTRIZ DE REPARTO: Carolina
Yuste por “Carmen y Lola”
MEJOR ACTOR REVELACIÓN: Jesús Vidal,
por “Campeones”
MEJOR ACTRIZ REVELACIÓN: Eva Llorach
“Quién te cantará”
MEJOR DIRECCIÓN NOVEL: Arantxa
Echevarría, por “Carmen y Lola”
MEJOR PELÍCULA EUROPEA: “Cold War"
MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN: “Un día
más con vida”
MEJOR DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN: Yousaf
Bokhari, por “El hombre que mató a Don Quijote”
MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL: “El
silencio de los otros”
MEJORES EFECTOS ESPECIALES: Lluís
Rivera y Laura Pedro, por “Superlópez”
MEJOR SONIDO: Roberto Fernández y
Alfonso Raposo, por “El reino”
MEJOR DISEÑO VESTUARIO: Clara Bilbao,
por “La sombra de la ley”
MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA: “Roma”
MEJOR CANCIÓN ORIGINAL: “Este es el
momento”, por Coque Malla de “Campeones”
MEJOR MÚSICA ORIGINAL: Olivier Arson,
por “El reino”
MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA: Sylvie
Imbert, Amparo Sánchez y Pablo Perona, por “El hombre que mató a Don
Quijote”
MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Juan Pedro
Gaspar, por “La sombra de la ley”
MEJOR DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Josu
Incháustegui “La sombra de la ley”
MEJOR MONTAJE: Alberto del Campo “El
reino”
MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN:
“Cerdita”
MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL: “Gaza”
MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN:
“Cazatalentos”
PREMIO ARIEL: La película española que
representará a nuestro país en la 60 edición de los Premios Ariel es
“Campeones”
María Esther Beltrán Martínez Fotos: Cortesía Festival de Teatro
Málaga, España.- El 36
Festival de Teatro de Málaga continúa con éxito, a pesar del mal tiempo
y bajas temperaturas, el público disfruta de buenas producciones. La
calidad de la esta edición deja buenos momentos para recordar. La Strada, Euria y Juntos han sido ovacionadas y destacan por la calidad actoral y su
producción.
Con dos
funciones La Strada, dirigida por Mario Gas, introduce al público a la
cinta de Federico Fellini. Gerard Vázquez adapta el guión original de
la película, firmado por Fellini y Tullio Pinelli Verónica Echegui y
Alfonso Lara abordan el reto de emular las memorables interpretaciones
de Giuletta Massina y Anthony Quinn.
Desde
que se entra al patio de butacas nos reciben Gelsomina, Zampanó y El
Loco. Entre ellos usan la mímica para señalar al público que va buscando
sus lugares. Bajan del escenario y interactúa con el público.
No
hay tercera llamada, la historia que vive el público comienza
cuando una muchacha ingenua y tranquila es vendida por su madre a
Zampanó, un forzudo de circo, bravucón y violento, para que le ayude en
su espectáculo ambulante. Entre ellos surge un atisbo de amor que no
consigue aflorar a causa del orgullo de él y de la timidez de ella.
Ambos comparten una profunda soledad y una vida de marginación,
desarraigo y miseria, hasta que se encuentran con El Loco, otro artista
circense que provocará los celos de Zampanó y, con ello, un trágico
desenlace. La poesía y la miseria para reflejar la Italia de la
posguerra.
La
actuación es soberbia que nos muestra la vida trágica de tres personajes
que sobreviven del teatro ambulante. Verónica Echegui, transmite la
inocencia, el dolor, el amor y la desesperanza. Mientras que Alfonso
Lara nos muestra un hombre violento que vive en la lucha por el pan
diario y por temor a la responsabilidad pierde la oportunidad de
compartir su vida con una mujer. Alberto Iglesias es equilibrista quién
da respuestas a la existencia de Gelsomina.
Gas
expresa que trata de poner en escena la triste y demoledora historia de
tres personajes perdidos en sí mismos y en el mundo que les ha tocado
vivir. El circo como metáfora. La tierra deprimida como argolla que
atenaza, La supervivencia, el miedo, la alineación, el hambre, la
desolación. Tres personajes enfrentándose a la miseria y convertidos en
juguetes que aman , poseen, temen y se diluyen en la nada...
Euria (Lluvia) es un montaje de Markeliñe etiquetado con el prestigioso Premio
FETEN 2017 al Mejor Espectáculo. Teatro visual y danza para todos los
públicos que con metáforas visuales, humor y poesía. Un paraguas colgado
como recuerdo en un perchero. Un personaje sumido en la tristeza por la
pérdida de un ser querido. Otro paraguas, roto y abandonado, que nuestro
personaje decide arreglar sin saber que, desde ese momento, su vida
empieza a cambiar.
Fernando Barrado, Natalia García y Loar Fernández llevan al público, y
al más estricto de todos: los niño. Lluvia habla de lo que sentimos cuando queremos
algo y lo perdemos. Y que estas circunstancias de la vida también
deberían ser explicadas en la infancia.
Una
buena producción con elementos visuales que mantiene la atención del
público, y hacen posible que disfruten de casi una hora de movimientos y
se mantenga el silencio en la sala.
Y
Juntos una comedia de calidad con el tema central del
cuidado de enfermos mentales. Una obra francesa que es adaptada y
dirigida por Juan Carlos Rubio y Luis Miguel Serrano. Carlos Rubio.
Melani Olivares, Gorka Oxoa, Kiti Mánver e Inés Sánchez dan vida a una
familia que nos lleva a meditar sobre las relaciones familiares y los
problemas que tienen que enfrentar cuando la falta de comunicación hacen
que se malentiendan acciones que son difíciles de comprender.
En un
escenario rotativo, el público observa la vida de una madre que vive con
su hijo enfermo y cómo con la llegada de su hija, que no ve desde hace
años, se ve obligada a vivir momentos difíciles que tienen que superar
juntos.
Juntos es la comedia que hace que el público se mantenga atento y
cambie de estados de actitud: de risas, a un silencio extremo o dejar
escapar una lágrima.
El
Festival de Teatro de Málaga sigue con éxito y sin duda alguna muestra
lo mejor de las artes escénicas de España.
María Esther Beltrán Martínez Fotos: Cortesía Teatro Cervantes
Málaga, España.-
Los dos teatros municipales de la ciudad de Málaga; Cervantes y
Echegaray, viven con intensidad la tercera llamada de la 36 edición del
Festival de Teatro.. El fin de semana se presentaron tres producciones
que deleitaron al público.
Empezaré por la producción infantil. Usted que me lee posiblemente
comparta la opinión que es difícil encontrar buenas producciones
infantiles que sean del gusto de los niños y capte su atención por más
de una hora.
Teatro de Malta es la primera opción infantil del festival. Presenta
Cenicienta siglo XXI, música y clowns para subvertir los roles de
género presentes en los cuentos clásicos. La responsable de la
dirección es Marta Torres quien define los personajes de: Delfín Caset,
Oti Manzano, David Bueno y Paloma Vidal, responsables de mantener la
atención de infantes y adultos con la historia de Cenicienta, pero con
el argumento cambiado, adecuado a los cambios sociales que vivimos.. Con
temas musicales muy rítmicos, coreografías y diálogos cortos y
entretenidos, la familia disfrutan de entretenimiento y de una historia
divertida. La producción es sencilla y usa recursos visuales que
refuerzan la historia y los diálogos de los personajes.
La segunda producción que cautivó al público adulto fue A secreto
agravio, secreta venganza. Es un montaje de Jóvenes Clásicos que
ya ha sido premiada y presentada en diversas ciudades españolas. En
Uruguay la Asociación de Críticos de Teatro la reconoció con el Premio
Florencio al mejor espectáculo extranjero en 2018 y en el Festival de
Almagro ganó el Premio al mejor espectáculo de la sección Off. El
protagonista José Carlos Cuevas, recibió el premio al Mejor Actor en
los galardones teatrales del Ateneo de Málaga.
Con estos reconocimientos comprenderá que la obra tiene sello de
calidad. Sobre el original de Calderón de la Barca versionado por el
periodista y escritor malagueño Pablo Bujalance. Es una puesta en escena
que atrapa por la la calidad actoral y la fluidez que tienen los textos
en verso. Y si en verso. Sin embargo, es una obra que capta al público y
cautiva. La dirección corre a cargo de Pedro Hofhuis y José Manuel
Padilla, está a cargo de la composición y dirección musical que seduce
con el ritmo del fado.
Los actores José Carlos Cuevas, David Mena, Pilar Aguilar, Mai Martín
y Rubén del Castillo dan vida a los personajes de la creación de
Calderon de la Barca que narra la historia de los inspectores Delgado y
Ferrer, quiénes investigan la aparición de un cuerpo sin vida en un
puerto de Lisboa. Los interrogatorios y recuerdos de los personajes
apuntarán a don Lope de Almeida, noble portugués, cuya mujer murió en un
terrible incendio pocos días antes de la aparición del cadáver.
La tercera producción es super recomendable. El título ¿Quíen es el
señor Schmith? Si la llegas a ver en cartelera no dudes en verla. El
montaje que se presenta en España está dirigido por Sergio Peris-
Mencheta y actúa Javier Gutiérrez ganador de Goya y excelente actor.
Lo acompaña los actores Cristina Castaño, Xabier Murua, Ouique Fernández
y Armando Buika. Es una obra que de comedia pasa al absurdo y el final
es sorpresivo. Nos habla de la identidad y de la lucha por descubrir lo
que verdaderamente son los personajes. Y muchas veces vemos cómo podemos
caer en la confusión no sólo de lo que se vive sino de lo que se ve. El
propio público se ve sorprendido al ver el cambio de la escenografía
ante sus propios ojos.
Es una obra que ha tenido éxito en Argentina y ahora lo hace en España.
El señor y la señora Carnero cenan tranquilamente en su casa; en ese
momento suena el teléfono. Pero los Carnero no tienen teléfono. El
misterioso interlocutor insiste en hablar con un tal señor Schmitt...
Más extraño aún, los Carnero descubren que están encerrados en una casa
que no parece su casa, los cuadros han cambiado, los libros no son sus
libros, la ropa de sus armarios no les pertenece... El pánico se apodera
de ellos. ¿Son acaso el señor y la señora Carnero, sin saberlo, el señor
y la señora Schmitt? ¿Quién está loco? ¿Quién está en posesión de la
verdad? ¿Él? ¿Ella? ¿Los 'otros'? ¿El espectador? ¿Quién es el señor
Schmitt?
María Esther Beltrán Martínez Fotos: Cortesía del Teatro Cervantes
Málaga, España.-
El 36 Festival de Teatro en Málaga tiene previsto la presentación de 42
obras con 90 pases que disfrutará el público. Los escenarios del Teatro
Cervantes y Echegaray está listo para recibir a las compañías como: La
Fura, Teatro de la Abadía, La Cubana e intérpretes de la altura de la
primera actriz; Concha Velasco, el primer actor; José Sacristán, Kiti
Mánver, Javier Gutiérrez, Juan Echanove, entre otros.
Como sucede a principio de año Málaga presenta su festival de teatro
para deleitar al público con las puestas en escena de buenas compañías y
talento de primeros actores y actrices como de los jóvenes que destellan
en el escenario.
La capital de la Costa del Sol recibirá en poco más de cinco semanas una
buena parte de lo mejor de la cartelera nacional, una densa programación
de comedias, dramas y adaptaciones literarias y cinematográficas para la
escena que coincidirá con siete estrenos absolutos.
Las premières de El Espejo Negro (Espejismo), Tenemos Gato (La
perra), Caramala (La plaga), Nuevo Teatro Musical (Verne: futuro y
ficción) o La Teta Calva (Qué pasó con Michael Jackson) comparten cartel
con montajes muy esperados en la ciudad.
En ésta edición, se ha empezado con un plato fuerte Señora de
rojo sobre fondo gris del escritor español Miguel Delibes.
La historia nos presenta a Nicolás, un pintor con años en el oficio,
lleva tiempo sumido en una crisis creativa y personal. Desde que murió
de forma imprevista su mujer no ha podido volver a pintar. En el
escenario bien plantado vemos al primer actor José Sacristán en un
monólogo de más de una hora nos introduce a la vida del `pintor que
sufre y vive la pena de ver como su esposa se le declara una repentina
enfermedad que le condujo, sin nadie poder suponerlo a una muerte
inesperada a los 48 años.
Sacristán vive el papel y transmite la alegría de los días felices que
vivió Nicolás, como el dolor y la angustia ante la pérdida de su joven
esposa. Se reencarna en el personaje y transmite los sentimientos
vividos hace cómplice al público.
Durante más de una hora describe a su mujer y deja ver lo fuerte que
era, una dama que impresionaba en los negocios y era fuerte en
situaciones desesperadas como las que vivieron cientos de familias al
ver a sus hijos arrestados durante el mandato de Franco.
Una mujer que no se quejó y llevó con tranquilidad su destino, mientras
que Nicolás sufría el no poder dar una respuesta a la situación que
pasaban.
Es un monólogo lleno de temperamento, emociones y talento. Sacristán,
sin duda primer actor de la escena española que es un lujo ver en
escena. Un hombre con temperamento y con la casta de los buenos actores.
El público disfruta, ríe, llora y guarda silencio (si la tos se lo
permite) en momentos claves del monólogo. Una puesta en escena adaptada
, dirigida y producida por José Sámano. Aunque en los créditos de
adaptación también aparece Sacristán.
Sin duda disfrutar de la buena actuación es punto de referencia para
este festival que tiene preparado obras que han llenado salas en
diferentes ciudades de España.
Sacristán fue ovacionado por varios minutos y agradeció el cariño del
público y recomendó se cuidarán debido que un elemento que sobresalió
por parte del público fueron los tocidos y qué decir de alguno que no
apaga el celular y deja que suene durante la función. Sin duda es una
falta de respeto que aún no entienden muchos.
Andalucía España.- Este año la
Junta de Andalucía ha conmemorado IV Centenario del nacimiento del
artista sevillano, Bartolomé Esteban Murillo. Han efectuado
exposiciones y restaurado dos obras de gran formato. Los lienzos:
Moisés haciendo brotar el agua de la roca y Milagro de la
multiplicación de los panes y los peces; son obras cumbres de
Murillo creadas en su ciudad natal y han permanecido hasta el día de
hoy.
Los dos cuadros, ambos de iguales
dimensiones (333 x 550 centímetros aproximadamente), son óleos sobre
lienzo con marco de madera tallada y dorada. La intervención del IAPH ha
permitido mejorar la apreciación e interpretación formal de las obras,
logrando un resultado estético acorde a su gran valor patrimonial y sus
características materiales. Así, se ha actuado sobre los elementos
degradados realizando acciones curativas, incidiendo en las causas del
problema más que en los efectos y limitando la actuación al mínimo, para
garantizar su seguridad y perdurabilidad.
Con esta conmemoración se tiene la oportunidad de ver obras que se
encuentran en colecciones privadas o museos extranjeros. Las obras de
Murillo fueron cotizadas y salieron de España. Con la exposición
Murillo. IV Centenario integrada por 55 lienzos procedentes de
Inglaterra, Francia, Alemania, México y Estados Unidos se tiene la
oportunidad de verlas reunidas en el Museo de Bellas de Sevilla.Además
se suman 17 de la exposición de Capuchinos dando un total de 72 obras.
Es la mayor y más completa exposición de
Murillo celebrada hasta la fecha en nuestro país. La muestra nos ofrece
una visión global de una de las figuras maestras del Barroco español y
de la Escuela pictórica sevillana.
La exposición permite al visitante
abordar la trayectoria del pintor y nos muestra diferentes temáticas,
desmontando determinados prejuicios simplistas en torno a Murillo, pues
su estilo, sus propuestas, y el conjunto su obra, que va mucho más allá
de la temática religiosa, marcó un hito en la historia de la pintura
española, proyectando su arte desde Sevilla al conjunto de Europa.
La curadora es la directora del Museo de Bellas Artes de Sevilla, Valme
Muñoz, y por el jefe de Conservación del centro, Ignacio Cano.
Actualmente en el mercado de obras de
arte, el sevillano se ha revalorizado y ha alcanzando más de los 700
mil euros. Y los que gustan del arte pueden descubrir las obras de
Murillo que han permanecido en colecciones privadas o museos
extranjeros.
Respecto a las restauraciones de los
lienzos pertenecientes a la Iglesia de San Jorge en Sevilla fueron
trasladadas en diciembre de 2016 al Instituto Andaluz del Patrimonio
Histórico para su estudio e intervención.
“Constituyen una de las aportaciones más
monumentales al catálogo murillesco y su estudio ha supuesto una
importante contribución para conocer el proceso creativo de Murillo. Su
restauración ha hecho posible la consolidación de la iglesia de San
Jorge como uno de los espacios Murillo por excelencia, de gran interés
para la oferta turística y patrimonial de la ciudad en el marco de la
celebración del Año Murillo.
En torno a la restauración de los
lienzos se ha desarrollado un programa de comunicación y difusión con el
fin de acercar a la ciudadanía este proyecto. Con la exposición
Murillo cercano. Miradas cruzadas, el público disfrutó las obras
con tal cercanía que jamás podría imaginar, debido que estas se
encuentran siempre a seis metros de distancia.
El consejero de Cultura en funciones de
la Junta de Andalucía, Miguel Ángel Vázquez, ha valorado de forma muy
positiva estos datos que “reflejan el éxito de una propuesta que nos
permite disfrutar de lo más selecto de la extensa producción de Murillo.
La aceptación por parte de público viene a reconocer el esfuerzo
realizado para reunir en Sevilla la mayor concentración de ‘Murillos’
realizada hasta el momento se demuestra que estamos ante un magnífico
cierre para el ‘Año Murillo’, un gran evento cultural de carácter
internacional con el que Sevilla ha homenajeado al pintor desde todas
las perspectivas: artística, científica, cultural, patrimonial y también
social”.
María Esther Beltrán Martínez Fotos:
J.Carlos Santana
Andalucía, España.- El Museo
Carmen Thyssen Málaga presenta medio centenar de obras en la exposición
La furia del color. Francisco Iturrino (1864-1924). Artista
español renovador singular de la plástica española de la primera década
del siglo XX, introdujo una nueva manera de interpretar la figura
femenina en relación con la Naturaleza, coherente con la corriente
internacional.
“Aportó una visión distinta de los temas
tradicionales, con una pintura gozosa y vitalista, y lo hizo desde un
tratamiento técnico que mostraba recursos novedoso, con una pincelada
líquida, alargada y gestual y una cromática intensa y exaltada su obra
supuso la fusión de elementos heredados de maestros del
postimpresionismo con la aventura regionalista. En la temática escogida,
mostró un paralelismo con su tiempo. Cuando Iturrino comenzó a pintar,
hacia 1982, confluye en el ámbito internacional un gusto por este
asunto. En otros aspectos tuvo una estrecha vecindad con el fauvismo,
llegando a ser considerado un precursor del mismo, pero Iturrino, nómada
de espiritu viajero incansable realizó su obra en soledad”, explica la
curadora de la exposición Lourdes Moreno.
Agrega que nacido en Santander en 1864,
pero vasco de adopción, a pesar del gusto artístico de la burguesía
local e Bilbao no optó por la temática realista y rural en torno al
caserío o de arrantzales y remeros, a la manera Anselmo Guinea o Manuel
Lozada; tampoco se vinculó al compromiso social de autores como Adolfo
Guiard. Su aportación fue otra, desde una perspectiva más radical e
innovadora.
Recibió una formación cosmopolita e
internacional. Estudió en Bélgica y trabajó en París y recorrió de forma
intensa toda la geografía española, expuso con Picasso y pintó mano a
mano con Matisse y fue uno de los artistas españoles de su tiem`po que
trabajo con mayor libertad en sus obras. Rindió culto al color y estuvo
cercano a miembros del grupo fauvista, pero Iturrino fue un creador que
mantuvo una clara independencia estilística y vital. Un autor de
compleja clasificación, entonces y ahora.
Sin duda alguna, la exposición revisa
una perspectiva inédita, la pintura de Iturrino. La muestra ahonda en
la reivindicación de su arte, destacando el carácter marcadamente
personal de su obra, pero sobre todo las numerosas influencias e
intercambios con el poliédrico contexto nacional y europeo de su tiempo,
que le sitúa en una renovadora corriente internacional de exaltación del
color como elemento expresivo y compositivo.
Junto con los mejores lienzos de
Iturrino se muestran obras de otros doce artistas, entre los que se
encuentran Matisse, Derain, Maurice de Vlaminck, Zuloaga, Anglada-
Camarasa, Regoyos, Nonell, Juan de Echevarría, Vázquez Díaz, Ismael
Smith, Fernando de Amárica y Manuel Ortiz de Zárate.
Se exhibe un retrato que le hizo en
1914 su amigo André Derain, uno de los iniciadores del fauvismo, abre la
exposición La furia del color, ilustrando las conexiones que
Iturrino estableció en París con los protagonistas de las corrientes
renovadoras del arte de su tiempo, y que en esta muestra se presentan
como fundamentales para su pintura.
Moreno enfatiza que todas las amistades
del pintor entre las que se incluyen los principales protagonistas de
las vanguardias de comienzos del siglo XX o literatos como Unamuno y
Gómez de la Serna, y sus puntos de encuentro muestran, en definitiva,
que Iturrino, pese a su absoluta singularidad den la España de su
tiempo, no fue un artista aislado o al margen de las grandes corrientes
pictóricas.
En la inauguración de la exposición se
contó con familiares del artista entre los que se encuentra su nieto.
La
novena edición del Festival Internacional de la Imagen, llegó a su fin,
la pasada noche del 10 de mayo de 2019, en el Centro Cultural
Universitario “La Garza” de la Universidad Autónoma del Estado de
Hidalgo, a manos del rector de dicha universidad. Adolfo Pontigo Loyola.
Ya
por la noche, antes del fin del festival, nuevamente en el Centro
Cultural Universitario “La Garza” la directora
del FINI Lorena Capmbell,
agradeció a todas aquellas personas que intervienen en la construcción
del evento, resaltando la labor y el esfuerzo de cada uno de ellos.
El
pasado 3 de mayo de 2019 en las instalaciones del Centro Cultural
Otra
de las invitadas, ya dentro del desarrollo de la fotografía en México,
es Yolanda Andrade, fotógrafa nacional, que desde los tiempos del
llamado Consejo Mexicano de Fotografía, comenzó a registrar momentos con
la entonces técnica análoga, siendo entonces el blanco y negro su forma
de expresión. Ante la llegada de la tecnología digital y el reto de
acceder y dominar 
