Warhol. El arte mecánico cautiva Andalucía

María Esther Beltrán Martínez   Fotos: J.Carlos Santana

Andalucía, España.- El Museo Picasso de Málaga cautiva a los visitantes con la exposición Warhol. El arte  mecánico, incluye un total de 397 piezas entre pinturas, esculturas, dibujos, instalaciones, libros del artista, películas, portadas de discos, carteles, revistas, objetos de diseño y fotografías procedentes de cuarenta y cinco prestadores.   

Cuando se habla de las obras de Andy  Warhol (1928-1987) lo primero que se nos viene a la mente son las obras de retratos creados por él.  Marilyn Monroe, Jackie Kennedy, Elvis Presley o Liz Taylor entre otros así como la emblemática lata de sopa Campbell’s.

La curaduría de la exposición está a cargo del director artístico del Museo Picasso Málaga, José Lebrero Stals, quien presenta una versión amplia y completa  tras haberse presentado en las sedes de CaixaForum de Barcelona y Madrid, con éxito tras sumar 485 mil 875 visitantes.

Siendo Málaga ahora sede de la exposición Lebrero hace una exhaustiva radiografía del artista pop.

La exposición parte de los inicios profesionales de Warhol en la Nueva York de 1949, cuando Andrew Warhola empezaba una exitosa carrera como diseñador gráfico para revistas de gran prestigio, así como grandes sellos discográficos como Columbia Records o Prestige Records, e importantes marcas comerciales.

“Coleccionista empedernido, Warhol también demostró pronto un marcado interés por el arte contemporáneo, que triunfaba por aquel entonces en la ciudad. No tardó en abordar como artista el mundo de las galerías de arte, consagrándose como el artista pop por excelencia en torno a 1960-1961. Lo hizo estetizando productos de consumo, como sus célebres series de las sopas Campbell’s, o transformando en grandes iconos del arte contemporáneo a los mitos del cine de la época, como Marilyn Monroe o Liz Taylor. Con el tiempo Andy Warhol se convierte en un mito capaz de producir una amplia gama productos de consumo masivo: los Rolling Stones, Jean M. Basquiat, Marcel Duchamp o David Bowie son transformados en mercancía cultural por su mano y como tales parecen confirmar la verdad que reside en los principios de Mi filosofí­a de A a la B y de B a la A escrita por Warhol”, explica Lebrero durante la inauguración de la exposición.

Y señala que el singular punto de encuentro que representó The Silver Factory se convirtió en un laboratorio cultural experimental, a la vez que sede de un nuevo tipo de empresa cultural.” Fue el escenario para desarrollar sus radicales proyectos cinematográficos o sus trabajos multimedia como productor musical. Tras superar un intento de asesinato en 1968, Warhol cambió de táctica creativa y se convirtió a sí mismo en personaje. Trasladó la sede de sus operaciones comerciales y estéticas a The Office, un espacio más burgués y ordenado logísticamente. Superada la muerte, se convirtió en un artista-empresario: dirigió la revista Interview, pintó retratos de famosos entre otros, los del boxeador Muhammad Alí o del escultor Miguel Berrocal (presente en esta exposición gracias a la colaboración de la Fundación Escultor Berrocal para las Artes) y respondió a todo tipo de encargos comerciales, hasta su inesperado fallecimiento”.

Todas las etapas de Warhol se pueden ver através de sus obras, desde sus primeros dibujos que datan de los años cincuenta hasta encontrarse con sus obras icónicas como: Before and After (1961), Three Coke Bottles (1962), Brillo Soap Pads Box (1964-1968), Gold Marilyn (1962), Liz (1963), Mao (1973), Cow Wallpaper  (1966), Campbell Soup (1962), Triple Rauschenberg (1962), Nine Jackies (1964) y doce lienzos de Mao (1973), así como los largometrajes Blow Job (1964), Eat (1964) y Sunset (1967) y también obra gráfica y material documental adicional.

Se incluye un espacio de documentación  procedente de la Colección de Paul Maréchal (Canadá), que recoge multitud de colaboraciones de Warhol para portadas de discos, carteles, anuncios, libros o televisión.

Lebrero recalca que la exposición focaliza la atención en cuestiones esenciales para comprender el alcance universal de la obra de Warhol, como por ejemplo la innovadora forma en que aplica la idea de proceso a su polifacética obra seriada, los fuertes vínculos entre biografía personal y producción artística y, por supuesto, su originalidad y talento para combinar de un modo transversal y cíclico diferentes técnicas, medios y repertorios iconográficos.

Con motivo de esta exposición el Museo Picasso Málaga y La Fábrica han editado la publicación Andy Warhol. El arte mecánico, con textos de Robert Rosenblum, John Finlay, Peter Schjeldhal y Rosalind E. Krauss, así como una entrevista que Benjamín H.D. Buchloh realizó al artista en 1985. Profusamente ilustrado, el catálogo se ha editado tanto en español como en inglés, y cuenta con 260 páginas.

Una excelente propuesta es sin duda esta exposición que cautiva a todos sin importar la edad.

Una vez más, ¡Liverpool inaugura el Festival de las Letras!

El día de ayer (jueves 02 de agosto) se llevó a cabo el corte de listón en Liverpool Polanco para dar inicio al Festival de las Letras, el cual consiste en acercar a los mexicanos a la literatura con precios competitivos en todas las tiendas Liverpool.

Durante la inauguración, nos acompañó Anamar Orihuela, autora de “Sana tus heridas en pareja” y Mario Guerra, autor de “No te compliques”; de la misma manera Gustavo López, comprador corporativo, otorgó unas palabras a clientes y medios de comunicación como agradecimiento por acompañarlos en este día tan especial.

Finalmente, los autores invitaron al público a explorar todo lo que la tienda departamental tiene para ofrecerles en cuanto a literatura durante todo el mes de agosto.

El Centre Pompidou ofrece un recorrido por sus

colecciones con la exposición Utopías Modernas

María Esther Beltrán Martínez   Fotos: J.Carlos Santana

Málaga, España.-  El Centre Pompidou Málaga presenta la exposición Utopías Modernas marcadas por seis grandes capítulos . Son 63 obras de sesenta artistas  que estarán hasta marzo del 2020. Con un recorrido de obras vemos relatado la historia de las grandes utopías de los siglos XX y XXI.

Con la llegada del siglo XX se abría un nuevo capítulo en la historia de la humanidad, que dejaba atrás las sombras del pasado y miraba con optimismo y esperanza al futuro, explica la curadora de la exposición  Brigitte Leal.

Las antiguas desigualdades sociales y la decadencia que había desgastado al siglo anterior motivaron una acogida entusiasta de los ideales revolucionarios, que fueron entendidos como una promesa de perfección social en un mundo nuevo y mejor. “La Revolución rusa de 1917, la Primera Guerra Mundial, el auge de los nacionalismos y de los  totalitarismos europeos o la guerra civil española marcaron aquellos tiempos de la revolución, de los que los artistas de la vanguardia se convirtieron en profetas. La romántica reivindicación de autonomía del artista moderno, al margen de la sociedad, dio paso a un compromiso y político, especialmente fuerte en una época en la relación tan directa entre arte y poder impuso la creación artística como instrumento de propaganda.En el seno de los debates entre realismo, surrealismo y  abstracción, ante el dilema entre expresión individual y contribución a la causa, los artistas acabaron proclamando una síntesis de arte y vida: fuerzas opuestas pero en total equilibrio, y al servicio, ante todo, de la revolución del espíritu”.

Brigitte, explica que las exposiciones dedicadas a la historia de las utopías del siglo XX se han servido de las obras de arte para ilustrar sus propósitos y han tratado las imágenes como mensajes ideológicos. Frente a esta concepción, hemos decidido partir de las obras de sí mismas elegidas entre aquellas que pertenecen a las colecciones del Centro Pompidou, para poner de relieve la libertad del artista moderno con respecto a los yugos ideológicos. El recorrido de la exposición temática internacional y multimedia reúne representaciones visionarias que han reformulado los mitos universales emblemáticos de las utopías, como el de la Edad de Oro o el de la Ciudad Radiante.

“Desde la gran utopía de la Revolución Rusa de 1917 hasta las utopías contemporáneas, veremos cómo los artistas perpetuamente divididos entre el sueño y la realidad han respaldado la idea de progreso como horizontes históricos y han opuesto su propio imaginario sus contras utopías a los sistemas autoritarios cómo combatir la tiranía de los autónomos con la convicción de que el arte no es un discurso ni una bandera del arte es la utopía suprema”.

Entre los artistas que podemos disfrutar de sus obras están:Vassily Kandinsky, Marc Chagall, Antonio Saura, Shirley Jaffe,Le Corbusier, Carlos Arroyo, Peter Doing, Tania Bartana, Equipo Crónica, Julio González,Joan Miró, Pablo Picasso, Frank Stella y Martial Raysse, entre otros.

La gran Utopía,El final de las ilusiones,Juntos, La ciudad Radiante,Imaginar el futuro y la Edad de Oro. Son los seis capítulos que forman la exposición.

Homenaje a Leonard Cohen realiza La

Banda del corazón con Flamencohen

María Esther Beltrán Martínez  Fotos:  Daniel Pérez / Teatro Cervantes

Málaga, España.-  En el marco de  Terral 2018, que se realiza este verano en el Teatro Cervantes de Málaga, se presentó la cantante malagueña Paula Domínguez acompañada de estupendos músicos que  forman parte de la Banda del corazón, para ofrecer un espectáculo poético-musical en homenaje al cantautor canadiense Leonard Cohen.

Flamencohen espectáculo donde la buena ejecución musical impera bajo la ejecución de los artistas  flamencos: Alexandru Bublitchi; el bajista, Carlos Ródenas; el guitarrista, Francisco Guisado ‘Rubio’; los percusionistas, Jordi Rallo (tablas y udu) y Josema Martín (cajón y batería) y el propio Alberto Manzano en el rol de rapsoda.

“Flamencohen, subtitulado Homenaje flamenco a Leonard Cohen, es un espectáculo que rinde tributo al legendario cantautor y poeta y al mismo tiempo a los artistas flamencos que lo han versionado a partir de mis adaptaciones al castellano”, explica Alberto Manzano.

Manzano, a quien conocemos al recoger las entradas, expresa la admiración que tiene por Cohen, a quien denomina como ‘genio’. Sencillo y carismatico comenta que tuvo la experiencia de conocerlo así como trabajar en conjunto con Enrique Morente durante la producción  de su legendario álbum Omega, en el que Enrique Morente y Lagartija Nick fundieron flamenco y rock industrial sobre textos de Lorca.

Por más de una hora escuchamos temas de Cohen en español en la voz de Paula Domínguez, quien atrapa la atención del público y a los cinco minutos de escucharla uno se queda atrapado por su entonación y dulce voz con toque flamenco.Su figura en el centro del escenario luce acompañada de muy buenos músicos que dan un toque especial a cada tema. La iluminación es suave predominando los tonos azules.  

El viaje por la creación de Cohen es cautivadora,  Manzano va marcando el camino con cada tema informa y descubre aspectos que sólo puede conocer quien compartió tiempo con el creador y con algunos de los artistas que han llevado por buen puerto los éxitos del canadiense.

Empezando por Enrique Morente y continuando por Mayte Martín, Duquende, Argentina, Pasión Vega, Son de la Frontera o Rocío Segura.

Por más de varios minutos al término de la velada el público ovacionó a todos los participantes que mostraron la calidad que hay en tierras andaluzas.

Este espectáculo se estrenó el verano pasado en el festival Pirineos Sur con extraordinarias críticas. La prensa destacó los “arreglos imaginativos” de una diferente y “espléndida” celebración flamenca. “El salmo se hizo flamenco y habitó entre nosotros. Al gran Leonardo le habría gustado el homenaje”, escribió Javier Losilla en El Periódico de Aragón.

Manzano quien publicó  en la editorial Planeta el libro Leonard Cohen y el zen ya preparada la traducción del poemario inédito del canadiense, que editará Salamandra próximamente.

El verano llega con notas musicales a

toda España con importantes conciertos

María Esther Beltrán Martínez     Fotos: Teatro Cervantes

Andalucía, España.- El verano llega y los carteles de las principales ciudades presentan excelentes conciertos nacionales e internacionales. Luis Miguel, Salvador Sobral, J.Balvin, Santana, Alejandro Fernández, La niña Pastori y muchos nombres más brillarán en los carteles de los foros españoles.

En el caso de la Costa del Sol como cada año se celebra Terral, en esta edición son diez conciertos en los que se espera.

Voceros del Terral explican que “la programación de Terral evidencia el fuerte impulso de calidad y la proyección internacional de un cartel que apela a las músicas de raíz o del espíritu, a la mezcla de  contemporaneidad, tradición e invocación a los sentidos y las emociones.

En esta edición, estrellas de la música latina como Rubén Blades y Jorge Drexler, los dos vocalistas hoy en día más universales del país vecino, Salvador Sobral y Teresa Salgueiro, el añadido de prestigio que aporta Wim Mertens y la savia nueva de Ala.Ni comparten espacio con algunas de las jóvenes pero consolidadas figuras de nuestra música y danza más inquieta, como Rocío Molina, Sílvia Pérez Cruz, Soleá Morente o Rocío Márquez.

La propuesta de 2018 rubrica una línea de trabajo que apuesta por una programación abierta a figuras de la música mundial: en 2015 vinieron a Málaga Maceo Parker, Lila Downs, The Blow Monkeys y Pablo Milanés; en 2016, lo hicieron Melody Gardot, John Grant, Carminho, Jean-Luc Ponty o Quilapayún, y el año pasado Franco Battiato y James Rhodes figuraron en el cartel con Vicente Amigo, Dulce Pontes o Salif Keita.

Uno de los más esperados en Málaga es Salvador Sobral quién ganará el Festival de Eurovisión 2017 con la canción Amar pelos dois. Cantante de voz suave que basa su música entre los géneros la bossa y el espíritu del fado.

“Me entraron ganas de llorar al llegar al teatro, viéndolo tan bonito y azul, tan italiano y la vez tan distinto a todos los demás, que suelen ser rojos”, comentó el intérprete, entusiasmado por tocar “en el mismo cartel que Jorge Drexler y Rubén Blades”.

“Me gusta ese concepto de tierra y raíces que tiene Terral”, aseguró. “El repertorio consistirá básicamente en ‘Amar pelos dois’ ocho veces, en reggae, en funk, en jazz…”, bromeó Sobral antes de revelar el contenido del concierto, que estará formado por algunos temas del primer disco, composiciones nuevas, boleros y alguna sorpresa relacionada con la música malagueña (“en cada sitio quiero hacer algo típico”). En resumen, canciones en portugués, en español y algunas en inglés.

El portugués ha renacido tras un trasplante de corazón, y tras cantar en Ponta Delgada (capital de Las Azores) y Évora abre en la capital de la Costa del Sol un recorrido por ciudades españolas que también incluye citas en Barcelona, Valencia, San Sebastián, Cartagena, Madrid, Córdoba, Pamplona, Santander, Santiago de Compostela o Palma de Mallorca, la ciudad en la que conoció “la esencia de la música” aprendiendo desde abajo después de haber pasado por Ídolos –el Operación Triunfo portugués-. Allí pudo investigar en el jazz, el bolero y la bossa nova, “por ese orden”, según ha confesado, en su época de Erasmus, cuando actuaba como músico itinerante en bares y pequeños locales.  

Mediterráneo encuentro de tradición

y modernidad en la Costa del Sol

* Más de sesenta obras, entre pintura, escultura, grabado y cerámica.

María Esther Beltrán Martínez   Fotos: J. Carlos Santana

Málaga, España.- Através de 60 obras, el Museo Carmen Thyssen de Málaga presenta la exposición Mediterráneo una arcadia reinventada  de Signac as Picasso. Está exposición  analiza el papel clave que, entre finales del siglo XIX y mediados del XX tuvo el Mediterráneo como punto de encuentro entre tradición y modernidad artística para muchos de los principales artistas españoles y franceses del periodo.

Las obras que se exhiben  revelan cómo el arte y las culturas del Mediterráneo antiguo fueron  estímulo y fuente para la vanguardia, para una nueva revisión y modernización  del clasicismo, a comienzos de la centuria y en el periodo de entreguerras, como sus paisajes  ofrecieron, hasta avanzados los años cincuenta, escenarios para vibrantes experiencias luminosas y coloristas.

Lourdes Moreno, directora Artística del Museo y curadora de la exposición, explica que a través de más de sesenta obras, entre pintura, escultura, grabado y cerámica, que abarca desde el postimpresionismo, el simbolismo, el noucentisme catalán, el fauvismo o un clasicismo revisado en el periodo de entreguerras, está exposición recorrerá ese Mediterráneo entre la tradición y la modernidad, entre la recuperación del clasicismo y el arrebato colorista, através de diversos géneros.

“Los creadores franceses, pioneros en descubrirlo, incidieron en la luz  brillante, en escenarios pletóricos de vegetación y color, para llegar a una renovación plástica desde la expresión. Auguste  Rodin, Aristide Maillol, Paul Signac, Émile Bernard, Henri Matisse, George Braque, Charles Camoin, Pierre Bonnard o Raoul Dufy, entre otros, son los responsables de una mirada emancipada que hunde sus raíces en la tradición. Los artistas españoles, muy de cerca hicieron de esta temática la protagonista de sus obras en escenas plenas de vida y en conjunción con una naturaleza idílica. Joaquim  Mir, Joaquín Sorolla, Hermen Anglada-Camarasa, Darío Regoyos, Santiago Rusiñol, Joaquín Sunyer, Manolo Hugué, Julio González o Pablo Picasso. Reflejaron el paisaje junto a la figura humana en asuntos cotidianos. Su visión renovada ofreció obras con un lenguaje clásico rejuvenecido, un reencuentro con la antigüedad, alejado de la Academia, en la que se vertieron hallazgos del lenguaje de la vanguardia”.

Sin duda explica Moreno que seducidos por la belleza del paisaje, por la luz y sus colores, y por la herencia artística de las antiguas culturas mediterráneas, estos artistas ensalzan y reinterpretan ese espacio como elemento de identificación histórica colectiva y de tradición común.

“En España, la resplandeciente luz mediterránea, con sus distintos matices, se adueña de los paisajes levantinos de Sorolla o de las vistas mallorquinas de Mir y Anglada-Camarasa. Y se convierte, gracias a la lección de artistas como Cézanne, en modelo estético de clasicismo moderno en la Cataluña noucentista de Sunyer y Togores. En Francia, la definitiva renovación formal del paisaje mediterráneo está representada por Signac o por las propuestas fauve de Braque y Dufy. Una visión paradisíaca de la Costa Azul que alcanza el grado de obra maestra en los pinceles de Matisse, Bonnard o Picasso.

Entre las obras que el visitante puede disfrutar  son obras maestras en la producción de sus autores. Destacan La edad se bronce de Rodin, Mediterráneo y Pastoral de Sunyer, Mediterranée de Maillol, Marina L’Estanque de Braque, El abismo. Mallorca de Mir, La nadadora de Sorolla una obra de aspecto simbolista y peculiar ejecución dentro de la realización del pintor valenciano y algunos grabados de la Suite Vollard de Picasso.

Moreno destaca que esta muestra  se trata de un nuevo proyecto de producción propia del Museo Carmen Thyssen Málaga. “Durante sus siete años de historia el Museo ha formado un grupo de trabajo de nivel cientifico y academico capaz de llevar a acabo proyectos expositivos de trascendencia internacional, que ofrece una alternativa singularizada  en la ciudad”.

La Capital Mundial del Diseño 2018 ya tiene un color

·  Celebran la designación de la Ciudad de México como World Design Capital 2018, con la presentación del color Rosa Chilango

·         El objetivo de la designación como Capital Mundial del Diseño es contribuir -a través de la democratización del color y diseño- al impulso del desarrollo económico, social, cultural y ambiental de la Ciudad de México

Bajo el concepto de ‘diseño socialmente responsable’ se designó a la CDMX como World Design Capital 2018, gracias a los programas que en materia de diseño y producción creativa se están implementando en obras de regeneración urbana, a la red de movilidad en la megalópolis y al desarrollo de la marca “CDMX”.

La Ciudad de México es la sexta ciudad en recibir este nombramiento a nivel mundial y la primera en el continente Americano. Es así que, en el marco de esta designación, Comex –una marca de PPG- empresa líder en pinturas y recubrimientos en el país, presentó el color ‘Rosa Chilango’, elemento que da identidad y cohesión a los habitantes de una de las Ciudades más grandes del mundo.

Este color fue elegido para conmemorar a la capital del país, que a lo largo de los años se ha vestido de color rosa a través de elementos característicos como: los techos de los mercados, las buganvilias, sus dulces típicos (algodón de azúcar y merengues), así como de las creaciones de uno de sus máximos exponentes en arquitectura, Luis Barragán.

“Los colores son -en inicio- una herramienta para después convertirse en un símbolo. En esta ocasión ‘Rosa Chilango’ representa el orgullo de ser chilango; vivimos en una ciudad cosmopolita, de las más grandes del mundo con amplia oferta cultural y social. Este rosa tan particular va a tono con el carácter del chilango, así como con la cultura en general del mexicano”, comentó Héctor Escamilla, Director del programa ColorLife® de PPG Comex.

Contribuyendo al objetivo de un ‘diseño socialmente responsable’, Comex busca iniciativas para impulsar el color como elemento primordial en la eficacia del diseño para atender las necesidades de las personas, mejorar su calidad de vida, así como ayudar a mejorar la economía y el desarrollo social de la Ciudad de México.

Durante la presentación, Aurelio Vázquez, Director General de DIN Interiorismo, comentó que “el diseño hoy en día es para todos, quienes estamos en la industria de la creatividad e inspiración, debemos facilitar las herramientas para democratizarlo y que cualquier persona tenga acceso a éste. Los resultados del esfuerzo son innegables: con solo un poco de diseño y color los negocios aumentan su productividad.”

“La CDMX está comprometida con el crucial papel del diseño y la arquitectura, no sólo en la rehabilitación de espacios, sino también como elementos fundamentales en el desarrollo de las comunidades. La iniciativa que estamos presentando hoy pone de manifiesto el compromiso de todos los aquí presentes por transformar vidas a través del diseño y el color”, puntualizó el arquitecto Emilio Cabrero, Director General de Design Week México y World Design Capital CDMX 2018.

Como parte de esta conmemoración, Comex pintará de Rosa Chilango más de 15 mil metros cuadrados en diversos puntos de la Ciudad.

El teatro español renace con la obra

que está de gira  Luces de bohemia

María Esther Beltrán Martínez Fotos: Teatro Clásico de Sevilla

Andalucía, España.-  La versión de Luces de bohemia de Teatro Clásico de Sevilla se encuentra de gira por las principales ciudades de España con gran éxito y cargada de premios, entre los que se encuentran los ocho galardones obtenidos en los VI Premios Loca del Teatro Andaluz 2018 y con la recién anunciada candidatura al Max a la Mejor Dirección de Escena  por el trabajo del director de Alfonso Zurro.

“Está obra revolucionó el teatro. Se inaugura con ella un género nuevo: el espermento, que rompe  con las convenciones escénicas anteriores. Valle Inclán vuelve su mirada a una España caduca, sin aliento, sin ética. Una España que era la caricatura de sí misma. Una España sorprendida en trance de ruina, es desmoronamiento irremediable. Está obra arremete contra toda una sociedad. Luces de Bohemia es un viaje a la muerte... Una época que se descompone ... Unos personajes cuya única ética parece ser la de la subsistencia. Sobrevivir. Un mundo en descomposición.. Espermento como expresionismo hispano. Realismo borracho de tinto peleón. La palabra, la fuerza de la palabra de Valle, como ladridos,o acuchillados, caricias, lametones, aullidos..”

Acompañan a Quintana en este montaje de Luces de bohemia Manuel Monteagudo en el  papel (su ‘Don Latino’ mereció el Lorca al mejor Intérprete Masculino), Juan Motilla (‘Simón’, ‘Zaratrustra’, ‘Valle Inclán’), Antonio Campos (‘Pica Lagartos’, ‘Don Gay’, ‘Clarinito’), Juanfra Juárez (‘Rey Portugal’, ‘Serafín’, ‘Filiberto’), José Luis Bustillo (‘Dorio De Gadex’, ‘Borracho’, ‘Preso’), Amparo Marín (‘Madame Collet’, ‘Ministra’, ‘Vieja’), Rebeca Torres (‘Pisa Bien’, ‘Vecina’, ‘Guardia’, ‘Ujier’) y Silvia Beaterio (‘Claudinita’, ‘Chica’, ‘Chico’, ‘Clarinito’).

Luces de bohemia, piedra fundacional del esperpento, rompió con las convenciones escénicas anteriores con su mezcla del mundo bohemio y literario y de la realidad revolucionaria de su tiempo. Según Teatro Clásico de Sevilla, Luces de bohemia “es un viaje a la muerte” que representa mejor que nadie la problemática del artista moderno y su trágica lucidez. La obra teatral más influyente de Valle es modernidad en estado puro. En ella convergen la ‘deshumanización’ vanguardista con reveladores anticipos de la teoría sobre el ‘distanciamiento’ del teatro de Bertolt Brecht y del teatro del absurdo de postguerra. La alienación del hombre moderno se refleja en un texto que también plantea un ataque feroz contra la España de su época, una obra de teatro que integra el expresionismo y arremete contra toda una sociedad.

“Luces de bohemia es Max Estrella, el visionario poeta ciego que en su propio viacrucis se arrastra hasta el último aliento. Unos personajes cuya única ética parece ser la de la subsistencia. Sobrevivir. Un mundo en descomposición. Un espacio en descomposición. La palabra, la fuerza de la palabra de Valle, como ladridos, o cuchilladas, caricias, lametones, aullidos…

El autor vuelve su mirada a una España caduca, sin aliento, perdida. Una España que era la caricatura de sí misma. Una España sorprendida en trance de ruina, en desmoronamiento irremediable”.

Es una obra cuya producción es sencilla y el peso lo llevan los actores quienes escenifican personajes que muestran una sociedad que no pasa a la historia. Hombres y mujeres que tienen que enfrentarse a la mala política y a la pobreza. Y con ello todo lo que conlleva.

Es sin duda una obra clásica que conquista y reconquista al público.

La mirada viajera que muestran los

artistas rusos en la Costa del Sol

María Esther Beltrán Martínez     Fotos: J.Carlos Santana

Málaga, España.- La Colección del Museo Ruso de San Petersburgo Málaga presenta la exposición titulada La mirada viajera . Artistas  rusos alrededor del mundo, que cuenta con 105 obras en las que se muestran el trabajo de artistas rusos que realizaron bajo la inspiración de sus viajes.

Por medio de esta exposición podemos observar  la impresión que causaron los lugares que visitaron los artistas rusos. En una época que nada tiene que ver con la nuestra. Los tiempos eran distintos y la forma de conservar las imágenes era distinta. Por lo que esta muestra pictórica  enseña una vida distinta a los viajes que podamos realizar a los mismos sitios que visitaron estos rusos.

José María Luna Aguilar, director de la Agencia Pública para la Gestión de la Casa Natal Pablo Ruiz Picasso, expresa  que “Los artistas rusos, situados como los españoles en un extremo de Europa, tuvieron su propia versión del Grand Tour. Enfocados también, como lo europeos del norte, hacia Italia y un Mediterráneo para ellos exótico y ajeno, destellante de luz y sensualidad, tuvieron también un acceso más natural a los países asiáticos que les otorga un marchamos de mayor exotismo frente a sus homólogos europeos. En cualquier  caso, fuese a oriente o a occidente, el viaje los transformó como hace siempre con los temperamentos estéticos. El retorno de la primera generación de artistas viajeros abrió en el rígido armazón  academicista las primera grietas por las que se colaron los aires de libertad e inspiración que darían lugar a la época gloriosa del arte ruso”.

Sobre la exposición Evgenia Petrova, curadora de la exposición expresa  que el viaje refresca, agudiza y enriquece la percepción del mundo, despierta ideas y sentimientos latentes y da luz a otros nuevos. El viaje  puede encender la llamada creatividad incluso en los lugares menos proclives a ello.

“Este es el caso, en no poca medida, de los artistas rusos, sobre todo si tenemos en cuenta  la estricta disciplina académica a la que estuvieron sometidos hasta e pasado el siglo XVIII. Los estudiantes de arte tenían que limitarse a un cierto conjunto de temas históricos mitológicos y bíblicos. El principal punto de referencia para ellos no era tanto la naturaleza  como las muestras del arte antiguo y del Renacimiento, las imágenes de esculturas clásicas, arquitectura y paisajes recogidas en un puñado de libros. También los trabajos de decoración de las numerosas iglesias y catedrales construidas en la época tuvieron que llevar a cabo conforme a estrictas regulaciones tanto de la iglesia como de la academia de las artes. Sólo a mediados del siglo XIX cambió la situación para los artistas, que se encuentran en relativa libertad de elegir sus motivos y su lenguaje artístico, y pudieron marchar a otros países”.

Agrega que no es extraño que las mejores obras de los clásicos del arte ruso de este periódo -Karl Briulov, Silvester Schedrin, Aleksandr Ivánov, entre otros-  fueran ejecutadas en Italia. El temperamento meridional, e interés por la vida, la admiración por la Luna y el Sol que cambian los colores de la Naturaleza se manifiestan en toda su plenitud en cada una de sus obras. La mirada fresca de estos forasteros sobre los países que visitan les permite a menudo, capturar peculiaridades de personajes y comportamientos que escapan al observador local.

“Desde la segunda mitad del siglo XIX los artistas rusos se sintieron en Rusia mucho más libres que antes. Sin embargo en las obras de muchos de ellos se mantiene el entusiasmo por lo que se vio en los viajes, ya sean sólo unas violetas entre hojas verdes en un carro, como sucede con Joseph Krachkovsky (“violetas de Niza”, 1902), París y los parisinos en Clement Redko (1920), El Cairo con su distintivo aire oriental en Konstantin Makovsky (“Traslado de una alfombra Santa en el Cairo”, 1876) o los Estados Unidos en Alexander Deineka (mediados de 1930) con Rascacielos, hermosas avenidas y automóviles.

Italia, Francia, Egipto, Palestina, Japón, China, Marruecos y Estados Unidos... es difícil encontrar un país que no visitan los artistas rusos una vez abierta las puertas. En esta exposición, a partir de los fondos del Museo Ruso, se encuentra una cuidada selección de trabajos”.

CENTRO DE ARTES VIVAS
APERTURA

El domingo 10 de junio, a partir de las12:00 hrs , nuestra primera tarde familiar, con se llevará a cabo la presentación de la compañía de teatro para niños Triciclo Rojo, un bazar de diseño mexicano y un concierto a cargo de Mabe Fratti con Camile Mandoki.

El Centro de Artes Vivas, ubicado en el corazón de Coyoacán, en la zona sur de la Ciudad de México, nace a partir de la necesidad de transformar nuestro entorno por medio del quehacer cultural, el arte, la educación y el cuidado del medio ambiente; a fin de activar el intercambio de conocimiento entre todas las personas, sin distinción de género, edad, o nivel socioeconómico.

Cuenta con una sala de conciertos, un jardín central con área para exposiciones y diversas actividades (desde lúdicas, hasta íntimas o deportivas); aulas y salas abiertas al público general para talleres y laboratorios; así como la terraza que ocupa el restaurante Frida.

ACTIVIDADES

Exposiciones de arte | jóvenes, y de los resultados de los talleres infantiles.

Conciertos | Música académica, música popular, música experimental.

Audiovisuales | Cine, video, multimedia, nuevos medios.

Conversatorios | Conferencias, mesas de diálogo, semi- narios, clases magistrales

Laboratorios | Espacios para el desarrollo de proyectos a largo plazo, con destacados guías

Talleres | Con la participación de una diversa muestra de académicos, profesionistas, artistas.

Biblioteca | Clubs de lectura, comprensión lectora y una explo- ración detallada por la oferta editorial contemporánea comercial e independiente, con un enfoque para bebés, niños, jóvenes y adultos.

Para niños | Cada una de las actividades antes descritas, en versión infantil.

Transformar la forma en que los ciudadanos mexicanos se relacionan con la cultura, alejándose de la acepción solemne que se tiene de ella, y acercándose más a una experiencia amplia, generosa, entretenida y atractiva, al alcance de todos y capaz de transformar nuestro entorno y la forma en que vivimos, con un alto impacto en las relaciones interpersonales y ambientales. Y de esta forma, ayudar a que el centro de Coyoacán sea visto nuevamente como una de las capitales culturales de la Ciudad de México.

www.centrodeartesvivas.com

Despierta el interés por su obra José Luis Puche

en su primera exposición en el CAC de Málaga

María Esther Beltrán Martínez      Fotos: J.Carlos Santana

Málaga, España.- José Luis Puche, artista malagueño, va con paso firme para ser reconocido como un referente de las artes plásticas de Málaga y España. Licenciado  en Historia del Arte ha estado en diversas exposiciones colectivas y por su talento ha destacado en proyectos internacionales y de la Costa del Sol como fue la intervención de las escalera del Museo Pompidou Málaga.

Como nieve que baila es la exposición que Puche presenta por primera vez en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (CAC), son  veintinueve pinturas que muestran un diálogo entre lo natural y lo artificial. El título viene por el gusto del artista de la música clásica y explicó que  Claude Debussy (St. Germain-en-Laye, 1862 - París, 1918) compuso The snow is dancing dentro de una suite en la que Puche encuentra cierta relación con su trabajo.

Detalla, el artista, que compone entre ambientes de bruma como Debussy, muestra de ello es la obra Cómo nieve que baila (2018) donde un paisaje vertical muestra a cuatro soldados, dos de ellos arrodillados, que con un violín parecen tocar para los otros dos compañeros que permanecen de pie. Todo ello conformando una composición en L, desde la montaña más alta a la izquierda, al soldado arrodillado a la derecha. En el fondo, un paisaje nevado, con montañas rocosas.

Para Fernando Francés, director del Centro de Arte Contemporáneo de Málaga y curador de la exposición explica  que Puche muestra unas inquietantes imágenes pop que se presentan como fotogramas de algo ya pasado o soñado: saltos al vacío, coches conducidos  en la noche, un perro en el espacio, escenas de animales y humanos o envoltorios de pastillas que entremezclan con la realidad de los personajes. “Como si de un déjà vu se tratase, su obra se filtra en la mente del espectador con una extraña familiaridad con sutiles matices surrealistas. Imágenes de cine negro como una suerte de reliquias de un mundo perdido. Con una obra de sólida formación académica, Puche se aleja de esa noción de truculencia, oscuridad y cinismo que contamina cierto arte actual, gracias a esa peculiar visión “optimista” que caracteriza sus obras”.

Através del ejercicio del dibujo que domina  toda la obra. Puche incluye en un mismo bucle  narrativo aspectos meramente naturales y otros puramente artificiales o de civilización- agrega Francés- El cine y el pulso silencioso de los parajes naturales se funden en su obra sin solución de conciliación, o quizá armoniosamente reconciliados. Sus escenas componen una arqueología de vestigios visuales, donde el hiperrealismo evoca la inmaterialidad de hábitat contemporáneo mediante el recurso de distintos momentos históricos que dialogan entre sí hacia el pasado y hacia el futuro incierto pero próximo.

José Luis Puche, trabaja sin condiciones no importa el formato ni el tema. Cada uno de los trabajos que realiza entrega la perfección.

Puche indica que “esta exposición es un trabajo completo donde cada cuadro está hecho de un modo personalizado, una exposición hecha golpe a golpe, gota a gota y obra a obra. La violencia en la labor procesual está presente, pero no visto desde el lado perverso humano, sino desde el modo orgánico al que la naturaleza crea sus territorios, desde la belleza, como a la manera en que un volcán con su erupción y lava crea una isla. Son dibujos, que nacen con el espíritu de ser pintura al someterse al agua, pero que finalmente no pueden renunciar a la esencia de para lo que fue creado, que es el dibujo”.

La exposición es una muestra del trabajo y talento que tiene éste malagueño que capta la atención del público en cada uno de sus cuadros y hace posible tener la atención en cada uno de los detalles, en algunas ocasiones roba una sonrisa al ver animales acompañando a personajes o simplemente por ser el eje central de un cuadro. La atención es la misma el los diversos formatos la calidad es la misma y sin duda pone su firma firme para seguir el camino del reconocimiento nacional e internacional.

¿Dejas de valer cuando no produces? es

el cuestionamiento de  Paola Villanueva

María Esther Beltrán Martínez   

Málaga, España.-  En el marco del Festival de Málaga, cine en español se presentó el documental Mientras se espera, producido y dirigido por  la mexicana Paola Villanueva. El trabajo muestra la vida de mujeres  que viven en un asilo público donde comparten todo hasta el único ataúd que se tiene en el lugar.

Durante su visita a Málaga, Paola indicó lo emocionada que estaba de participar en su segunda presentación internacional.

“Mientras se espera abre un espacio de reflexión y diaólogo sobre la calidad de vida en la tercera edad- especialmente en las mujeres- y la relevancia de la memoria en está etapa. La historia se enfoca en la vida de Lola que vive en un asilo de ancianas público donde vemos su día a día y la manera que tienen de vivir. Comparten todo -ropa interior, cepillos, ataúd- . Llamar a su madre por teléfono y cuidar de su marido, ambos fallecidos hace tiempo, son parte de sus esfuerzos para llenar su vida de sentido y enfrentar el final. La memoria de sus grandes amores es la única pertenencia que le queda y el único lugar en el que se reconoce ”,explica emocionada Paola.

Con gran fuerza y ánimo Paola recuerda que durante días de grabación tuvo la oportunidad de convivir con mujeres que se encuentran olvidadas por la sociedad y sus seres queridos. Muchas de ellas viven con sus recuerdos lo cual es su pila para levantarse día a día para, dar algunos paseos por el asilo. Cantar alguna canción con algunas compañeras o simplemente vivir.

En el documental vemos ancianas con diversas capacidades físicas, algunas con menos movilidad y otras que se ocupan de algunas compañeras. Mientras viven en un mundo irreal, comentan entre ellas parte de su historia, de sus amores y de sus sueños. Existen momentos de confesión donde resaltan que están en espera de la muerte. Algunas lo aceptan otras no. Pero en todas ellas lo que las salva de la tristeza es la memoria de sus recuerdos.

Es un documental que enfrenta al público a cuestionarse sobre la existencia y lo que vale la vida en la soledad y sin tener los recursos para sobrevivir y tener una vida digna. Para extranjeros, como sucedió en Málaga, causaba admiración el asilo y preguntaron sobre la calidad de vida que tenían esas mujeres que vieron reflejadas en la pantalla con tantas carencias.

Paola dio respuesta a todos los cuestionamientos y explica que más allá de las salas de cine, busca encontrar espacios alternativos donde pueda acercar a un público preocupado por el tema, para seguir produciendo contenidos que ayuden a afrontar un futuro en el que, según las estadísticas, habrá más adultos mayores de 60 años que niños menores de 15 para el año 2050.

“Y dentro de este panorama de envejecimiento demográfico, pensar en las mujeres en concreto es crucial, ya que llegamos a vivir hasta 20 años más que los hombres y en los países en vías de desarrollo, la gran mayoría formamos parte del comercio informal, somos freelance o amas de casa, por lo que carecemos de acceso a las garantías de salud, sistemas de vivienda y pensiones que el gobierno ofrece. Las mujeres mayores enfrentan la tercera edad siendo dependientes de la pensión de sus esposos, si es que algún día se casaron; sino, envejecen en el desamparo, convertidas en una suerte de “fantasmas en el sistema”, donde su bienestar y salud se ven seriamente comprometidos”, resalta Paola.

Sobre los foros que han visto este documental la directora nos revela que: “ No sólo ha sido visto en el extranjero Mientras se espera participó en el Docs Forum Marke en 2013, donde se le otorgó un fondo de desarrollo. En 2014 formó parte del prestigioso taller de producción Morelia Lab, dentro del marco del Festival Internacional de Cine de Morelia, donde obtuvo un apoyo en especie. Finalmente, en Febrero de 2017, Mientras se espera vio la luz y en marzo de ese año tuvo su estreno mundial en la 32ª edición del Festival Internacional de Cine de Guadalajara, dentro de la sección de competencia. Ese mismo año participó en la 25ª edición de Raindance Film Festival y formó parte del Ciclo de Cine Mexicano organizado por el Cinemes Texas en Barcelona, una cadena de cines de arte del prestigioso director Ventura Pons. En México se ha proyectado en distintos ciclos de cine en varias ciudades del país y formó parte de una función a beneficio para los damnificados del sismo del 19 de Septiembre, organizada por la asociación de alumnos mexicanos de Cambridge, en Inglaterra”.

Después de su presentación en Málaga, Paola está gestionando su asistencia en diversos festivales nacionales y comenzar la distribución a nivel nacional que pueda llevar a diversas pantallas la historia de mujeres que nos hacen reflexionar sobre la vida misma. Y está preparando su próximo trabajo relacionado a la infancia.

CONCURSO UNIVERSITARIO DE DISEÑO Y ARQUITECTURA IMPULSA EL TALENTO DE LOS JÓVENES MEXICANOS

·         Este año #ComexTrends Universitario busca impactar a un universo de 5 mil nuevos talentos

·         Involucrarse en la industria y buscar oportunidades de vinculación para adquirir experiencia profesional, son clave para un posicionamiento exitoso en el ámbito laboral.

En apoyo al talento mexicano Comex, una empresa de PPG, regresa con la 4ta edición del Concurso #ComexTrends Universitario, invitando a los jóvenes a trascender haciéndolo bien, a explotar su creatividad y comenzar a trazar su camino profesional.

Ante un mundo laboral cada vez más competitivo y distinto al de hace unas décadas, la constante actualización y el acercamiento temprano con las empresas son piezas clave para el crecimiento de los estudiantes. Por ello, Stefanie Suárez Carrasco, Gerente de Vinculación con Profesionales y Universitarios de PPG Comex, expuso que, “Para Comex el apoyo a los nuevos talentos resulta fundamental. Como empresa, buscamos impulsarlos a través de la capacitación y alternativas que les permitan complementar su formación profesional y ser más competitivos”

Refirió que de acuerdo con datos del INEGI, 48% de los desempleados en el país cuenta con estudios medio superior o superior, “Lo que demuestra la importancia de involucrase en la industria y buscar oportunidades de vinculación para adquirir experiencia durante la preparación académica, y así lograr posicionarse exitosamente en el ámbito laboral. Es así que, por cuarto año consecutivo acercamos una edición más del Concurso #ComexTrends Universitario, buscando beneficiar a 5 mil jóvenes talentos mexicanos provenientes de 378 universidades”

De esta manera, desde el 6 de febrero y hasta el 1 de junio, estudiantes de entre 18 y 30 años de edad pueden participar en el concurso #ComexTrends Universitario a través de la plataforma digital http://comextrendsconcurso.com.mx/, creando y compartiendo una pieza o espacio inspirado en alguna de las cuatro Tendencias de Color 2018: Reacción, Explosión, Inclusión y Conexión o Locura, el color del año de ColorLife® Trends de Comex, cuyo eje rector es la identidad.

Además, #ComexTrends Universitario ofrece macro talleres en diversas ciudades del país como Guadalajara, Tijuana, Monterrey, CDMX, Xalapa y Puebla, en donde máximos referentes creativos de la industria como Emiliano Godoy, Laura Noriega e Ignacio Cadena, por mencionar algunos, otorgan capacitación profesional en temas de color y diseño a los jóvenes, lo que les brinda experiencia y oportunidad única para su formación. Asimismo, los asistentes a los macro talleres reciben herramientas, producto Comex  y materiales de inspiración para dejar volar su creatividad, contando con los recursos necesarios para crear obras de calidad.  

El Concurso difundirá masivamente los proyectos participantes en medios de comunicación tradicionales y digitales. En esta ocasión, premiará las obras ganadoras en sus dos categorías: Calidad y Popularidad:

·         El premio Calidad se otorgará a la mejor pieza gráfica participante en cada una de las áreas: Espacios, Objetos, Arte/Diseño, Color del Año e Innovación. Los ganadores serán elegidos por un jurado experto y podrán recibir un viaje a una exposición internacional relacionada con arquitectura y diseño o productos de tecnología.

·         El galardón Popularidad se otorgará a la pieza gráfica, fotografía o material que al final del concurso tenga el mayor número de votos en la plataforma digital y el ganador obtendrá una Apple Laptop Macbook Pro de 13 pulgadas.

Por su parte, Arantxa Ximena Rodríguez de la Parra, ganadora del primer lugar por la categoría Tendencia Balance en Dibujo de la 1ra. Edición del Concurso #ComexTrends Universitario 2015, aseguró: Las oportunidades que se presentan, las puertas que te abre y las personalidades a quienes te acerca son enormes. Estoy tremendamente agradecida con Comex no sólo por la posibilidad de magnificar y proyectar mi creatividad, sino por el apoyo que me ha brindado en todo momento, pues además patrocinó la última de mis exposiciones en México para la que intervine 24 fotografías inéditas del fotógrafo Alberto Vázquez, mismas que realizó durante la época del Cine de Oro Mexicano, y con la que me despedí para estudiar la maestría Fine Arts en Nueva York, consecuencia de la participación en #ComexTrends Universitario.

Con iniciativas como ésta, Comex mantiene su compromiso con la sociedad mexicana de apoyar y motivar a las jóvenes promesas mexicanas, para que sean cada vez más los que se dediquen a mejorar la vida de las personas a través del embellecimiento y la protección de los espacios que habitan.

Para más información visita http://comextrendsconcurso.com.mx/

FINI 2018. Derribando Muros

Texto y fotos. Rafael Del Valle Contreras.

En su octava edición el Festival Internacional de la Imagen, centra sus actividades en el tema  “Fronteras” teniendo como invitado especial a la República Checa, dando esta combinación y las ya tradicionales actividades del FINI un festival con una fuerte carga emotiva y cultural.

Comenzando actividades el pasado 26 de abril, con la exposición fotográfica del alemán Kai Wiedenhöfer, la muestra “Confrontier” se instaló en Expobarda de la Ciudad del Conocimiento. Dicha muestra fotográfica, reúne los diversos muros que aún dividen al mundo en específicas poblaciones, como los son la frontera de México con los Estados Unidos, los territorios ocupados en Palestina, la población católica y protestante en Irlanda entre otros igualmente importantes. Destacando la museografía empelada que nos hace sentir por el amplio formato de las imágenes, el estar realmente frente a los muros que conforman la muestra. En la inauguración el artista alemán, relató sus diversas experiencias al recorrer estas zonas de conflicto ideológico, económico y territorial, destacando que las fronteras están en la mente de las personas. Siendo sin duda Wiedenhöfer,  alguien que sabe lo que expresa, al haber sido  testigo de la división que sufrió Berlín con su ya desaparecido muro y  el haber podido captar con su cámara su caída en el año de 1989.

 Otro platillo especial del festival, lo fue la presencia del diseñador checo Aleṧ Najbrt, quien reunió una serie de carteles que abarcan diversas épocas de su actividad artística, muestra que se pudo recorrer con la voz y comentarios del creador,  editor y también actor.

Sin duda una de las joyas del festival, fue la presencia del cineasta checo Jan Ṧvankmajer, cineasta de culto,que ha creado con sus animaciones, un mundo que se origina en los escritos de Lewis Carroll y Edgar Allan Poe, siendo es la base de futuros cineastas que al igual que el han creado un universo único que sorprende y encanta al espectador. Para el casi de Jan Ṧvankmajer, basandose en elementos como la plastilina, juguetes, objetos de la vida diaria e incluso actores, en un mundo surrealista y fantástico, que a la vez conlleva crítica y muestra las características humanas.

 Como parte del festival en la ciudad de México, la Cineteca Nacional ha programado la proyección de los cortos de dicho cineasta durante los primero días del mes de mayo, representando sin duda una buena oportunidad para descubrir o bien reencontrarse con este creador checo.

A las 11:00 horas del viernes 27 de abril, se llevó a cabo el acto inaugural del Festival Internacional de la Imagen,  en el Salón de Actos. Ing. Baltazar Muñoz Lumbier, del Centro Cultural Universitario. La Garza. En dicho acto el Rector de la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo, Adolfo Pontigo Loyola, tras la muy aplaudida presentación de la Orquesta Sinfónica de la Universidad  Autónoma del Estado de Hidalgo. Cuya interpretación de la Marcha Húngara No 2 de Franz Litszt emocionó a todos los asistentes. Dio luz verde a la actividades restantes el FINI En evento posterior, el rector resaltó que la orquesta sinfónica es uno de los tres pilares culturales de la universidad junto al FINI y la Feria Universitaria del Libro.

De regreso a la ceremonia de inauguración, se resaltó el tema central del festival, las Fronteras, dando como ejemplo del saber asimilarlas de manera positiva, justamente el país invitado, quienes realizaron su separación de Eslovaquia de forma pacífica.

Alex Webb, fotógrafo norteamericano y exdirector de la legendaria agencia fotográfica Magnum, fue otro de los invitados especiales. Su exposición titulada “La Calle” montada en Centro Cultural Casa Grande en el pueblo mágico de Real del Monte,  es un trabajo de cerca de tres décadas, que el autor ha llevado a cabo en las calles de diversas ciudades de México, especialmente en el estado de Oaxaca. “México me hizo adoptar la fotografía en color” Comenta Alex Webb a Revista Erre. Sus imágenes ricas en contrastes, sombras marcadas y colores muy saturados, captan como lo hiciera en su tiempo el fundador de Magnum,  Henri Cartier-Bresson, el momento justo. Un vendedor de algodones de dulce, en la ciudad de Oaxaca que divide el campo en dos esferas de intenso color rosa, con un saturado cielo azul de fondo, . Es la foto que cambia la vida del autor y lo hace encontrarse justamente con el color y con su pasión por México. Así, las fotografías que van desde vendedores de aguas frescas, gente comiendo en el rincón de una cortina comercial, ante un desfile de gente que sale movidas  por la baja velocidad empleada en el obturador, figuras humanas dibujadas en negro, sobre una pared amarilla, letreros luminosos, se repiten como la constante técnica y estilo fotográfico de Webb.

En la parte nacional la calidad se hace sentir y se coloca de igual forma a nivel internacional. El fotógrafo Lorenzo Armendáriz, presenta la exposición de su trabajo “Gitanos” una amplia muestra en blanco y negro que refleja la vida de estas personas, con una fuerte tradición e historia, que a lo largo de la historia incluso han sido perseguidos por diferentes gobiernos y regímenes como el caso de la Alemania Nazi.

En la parte cinematográfica, Sergio Arau, músico, artista plástico y cineasta, presenta de acuerdo al tema Fronteras, su película “Un día sin mexicanos” Ficción que paraliza al estado de California, ante la ausencia de trabajadores tanto en el campo como en la ciudad con las consecuentes repercusiones que esto significa en la economía y sociedad norteamericana.

 Finalmente, de acuerdo a Lorena Campbell, directora del FINI, en ocho años de existencia, se tiene una gran satisfacción, en primer lugar  por que una universidad pública se interese en organizar el evento, primero pensando en la comunidad universitaria y habitantes del estado de Hidalgo, además de hacerlo más allá de las fronteras del país, pudiendo llegar a muchos países que uno ni se imagina que tendrían una respuesta y acercamiento, entendiendo que estamos en la era de las comunicaciones. Resaltando también la opción turística que representa el festival para los visitantes de otras ciudades.

El VIII Festival Internacional de la Imagen (FINI) girará en torno al tema Fronteras

•  Del 26 de abril al 4 de mayo: exposiciones, conferencias, ciclos de cine, presentaciones, talleres, foros de análsis, eventos especiales y espectáculos

              •  República Checa, País Invitado de Honor

• Artistas Invitados: Jan Ŝvankmajer / Kai Wiedenhöfer / Aleŝ Najbrt / Alex Webb & Rebeca Norris / Rodrigo Moya / Lorenzo Armendáriz / Fritz Torres - Colectivo Plural / Sergio Arau / José Ramón Alcalá / Benito Cabañas / Eric Olivares / Mathieu Willcocks  / Mariella Furrer / Meggan Gould / James Stone

El Festival Internacional de la Imagen (FINI) es un encuentro multidisciplinario para promover, difundir y apreciar la creación artística y la comunicación visual en un espacio de reflexión y debate en torno a la estética, los significados y el valor de las imágenes en sus diversos géneros, expresiones y aplicaciones.

La VIII Edición del Festival Internacional de la Imagen (FINI), organizado por la Universidad Autónoma de Hidalgo y su Patronato, se llevará a cabo del 26 de abril al 4 de mayo y tiene como País Invitado de Honor a la República Checa.

En esta ocasión, el FINI propone una reflexión y análisis sobre un tema de actualidad y relevancia mundial: Fronteras, en torno al que se desarrollan las diferentes actividades del festival, tales como el Coloquio Internacional (con la presencia de destacados investigadores y especialistas nacionales y extranjeros), conferencias, clases magistrales, ciclos de cine, talleres, conciertos, exposiciones y actividades culturales, entre otras.

La palabra “frontera” se utiliza generalmente para referirse a la delimitación de la soberanía de un país. Como resultado de la globalización, las fronteras en algunos territorios se han flexibilizado; sin embargo, en otros, se han endurecido. Actualmente, las fronteras se encuentran en un proceso de transformación con la participación de diversos actores políticos y sociales, donde la tecnología, la economía y la sociedad del conocimiento tienen un papel protagónico, siendo un desafío para la tolerancia, el respeto al otro y la efectiva aplicación de los derechos humanos.

El FINI 2018 entregará un Reconocimiento por su Trayectoria Profesional al fotógrafo mexicano Lorenzo Armendáriz, especializado en la documentación de grupos étnicos y nómadas, quien presenta la exposición La gente del viaje: Gitanos sin fronteras. De esta manera, Armendáriz se integra a un conjunto de artistas que han recibido esta distinción, como Ariel Guzik, Pedro Valtierra, Ambra Polidori, Elsa Medina, Maya Goded, Francisco Mata Rosas y Alfredo De Stéfano.

Además, el FINI realiza un Homenaje a los creadores que han contribuido con su obra al enriquecimiento cultural de nuestro país. Entre los artistas que han recibido esta distinción están se encuentran Ramón Valdiosera, pintor, ilustrador, caricaturista, diseñador gráfico y de moda; Eduardo Terrazas, arquitecto y artista multidisciplinario; Carlos Jurado, pintor y fotógrafo; Vicente Rojo, artista plástico y diseñador gráfico; Felipe Cazals, director de cine; y Julio Souza, fotógrafo de la Agencia Hermanos Mayo.

En esta edición se rendirá Homenaje al extraordinario reportero gráfico Rodrigo Moya, que se ha distinguido como uno de los fotodocumentalistas más importantes de América Latina por su extraordinario trabajo sobre los movimientos sociales en la segunda mitad del siglo XX. Moya es, sin duda, uno de los protagonistas y precursores de la fotografía contemporánea.

 El FINI 2018 recibe un selecto grupo de Artistas Invitados. Nos acompaña en esta ocasión el galardonado cineasta checo Jan Ŝvankmajer, autor de una obra con gran influencia surrealista, quien por primera vez visita México. El director de cine dictará una Conferencia Magistral y se han programado, como parte de las actividades del festival, su película Alicia así como una selección de sus cortometrajes, obras excepcionales de la animación y el stop-motion.

Por su parte Kai Wiedenhöfer, destacado fotógrafo y diseñador editorial alemán, presentará la exposición Confrontier, una muestra de su trabajo sobre los muros más emblemáticos del mundo que han dividido a naciones y personas.

Gracias a la colaboración de Fundación Televisa, el FINI tendrá la oportunidad de mostrar el trabajo del estadounidense Alex Webb, uno de los fotógrafos contemporáneos más influyentes, integrante de la agencia Magnum, quien presentará La calle, una exposición que da cuenta de la vida cotidiana de algunas ciudades fronterizas en nuestro país, un proyecto excepcional en el que ha trabajado durante más de 30 años.

El diseñador checo Aleŝ Najbrt, egresado de la Academia de Artes, Arquitectura y Diseño de Praga, dirige desde 1994 el reconocido Estudio Najbrt, cuyo trabajo en el diseño gráfico le ha merecido numerosos premios por su calidad en el ámbito editorial, fotográfico, musical y artístico, quien inaugurará una exposición retrospectiva de su trabajo.

Además, entre los Artistas Invitados que nos acompañan en esta edición se encuentra Sergio Arau, artista, pintor y cineasta, de quien se proyectarán su película Un día sin mexicanos y su galardonado cortometraje El Muro; José Ramón Alcalá, artista y académico de la Universidad de Castilla-La Mancha, España quien dictará la Conferencia Magistral “Laboratorio de la mirada en la era de la post-imagen”; los diseñadores gráficos mexicanos Benito Cabañas y Eric Olivares, quien dará un Taller Especializado sobre Cartel; Mathieu Willcocks, fotógrafo ganador del World Press

Photo 2017; Mariella Furrer, fotógrafa suizo-libanesa; Meggan Gould, artista, fotógrafa y académica graduada en Antropología por la Universidad del Norte de Carolina; y James Stone, profesor, escritor y ensayista, Jefe del Departamento de Artes Cinematográficas de la Universidad de Nuevo México, Estados Unidos.

Al finalizar la Clausura del FINI 2018 se presentará el espectáculo multimedia Flujo Natural, producido especialmente para el festival por el Colectivo Plural, dirigido por Fritz Torres, con la participación musical de Pepe Mogt (ambos, creadores del exitoso proyecto Nortec Collective, de gran influencia en la escena musical y visual de Tijuana), Liliana Ospina en la ilustración y Ernesto Aello en animación, cámara y edición. Flujo Natural es un espectáculo audiovisual que reflexiona sobra la vida en la frontera norte de México y los fenómenos trasfronterizos alrededor del muro que nos separa de los Estados Unidos.

Por su parte, el Concurso Internacional de la Imagen 2018, una de las actividades más representativas dentro del festival, que convoca a creadores nacionales y extranjeros para participar en los géneros de Fotografía (análoga y digital), Técnicas Alternativas (collages, montajes o arte digital), Video Documental (corto y largometraje) y Cartel (técnica libre), en las categorías de Estudiantes y Profesionales, tuvo una gran respuesta por parte de los creadores de México y el mundo.

Las obras ganadoras del Concurso se podrán conocer en la Magna Exhibición de los Trabajos Finalistas el sábado 28 de abril del 2018, a las 7:30 horas, en el Patio La Garza del Centro Cultural Universitario La Garza de la UAEH, ubicado en Abasolo 600, Centro, Pachuca de Soto Hidalgo.

Cabe mencionar que los premios ascienden a más $45,000 USD y que la reciente edición contó con la participación de cerca de 1,400 trabajos, provenientes de 78 países alrededor del mundo. La Convocatoria estuvo abierta del 3 octubre de 2017 al 3 de febrero de 2018.

Con la realización del Festival Internacional de la Imagen, la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo refrenda su compromiso con la comunidad universitaria y la sociedad en general al abrir espacios incluyentes y multidisciplinarios para la creación, la reflexión y el debate en torno a temas de trascendencia social, contribuyendo así al desarrollo de la cultura local y global.

Para consultar la información completa: www.fini.mx

Para ver nuestro magazine:
https://www.uaeh.edu.mx/fini/2018/magazine-2018/ 

El MODO presenta su nueva exposición: “Ciudadanía, Democracia,  y Propaganda Electoral en México: 1910 – 2018”

• La exposición es una crónica de los procesos electorales que ha vivido México desde 1910 hasta 2018, narrada a través de más de dos mil objetos de propaganda electoral.
• Es una muestra que acompañará el proceso electoral de 2018 para contribuir a generar una conciencia ciudadana e incentivar la participación democrática.
• La exposición recoge la memoria histórica de los procesos electorales y las luchas por la democracia que ha vivido México a lo largo de su historia.
• El voto de las mujeres, los movimientos ciudadanos, la historia de las instituciones electorales  y la política en la nueva era digital, son algunos de los núcleos que los visitantes encontrarán en esta exposición.

 Fiel a su estilo de buscar siempre una manera original de presentar, a través de objetos, los temas más relevantes de la vida cotidiana de los mexicanos, el Museo del Objeto del Objeto (MODO) presenta su nueva exposición: “Democracia, Ciudadanía y Propaganda Electoral en México de 1910 a 2018”.

La exposición busca acompañar el proceso electoral de 2018 con una muestra que contribuya a generar conciencia ciudadana e incentivar la  participación democrática, a través de la memoria histórica de los procesos electorales y las luchas por la democracia que ha vivido el país a lo largo de su historia

El visitante podrá encontrar en la exposición una crónica de los procesos electorales que ha vivido México desde 1910 hasta 2018, narrada a través de más de dos mil objetos de propaganda electoral, como carteles, gorras, camisetas, botones de campaña, ceniceros y todo tipo de la parafernalia que han repartido candidatos y candidatas en campaña, así como fotografías, videos y aplicaciones digitales que hoy en día son parte esencial de la vida política.

Se podrá ver desde un ejemplar original del libro “La sucesión presidencial de 1910” de Francisco I. Madero, hasta unas botas con las iniciales del candidato Vicente Fox o los paquetes de semillas que repartía Miguel de la Madrid “para el florecimiento de México”; desde los boletos de camión que invitaban a votar por Miguel Alemán hasta el Plan Sexenal con el que se promovió Lázaro Cárdenas; los discos de 45 rpm que regalaba José López Portillo con un corrido alusivo a su vida en una cara y otro dedicado al general Arturo Durazo;  un lápiz labial que invitaba a votar por Felipe Calderón; o un impactante cartel impreso en seda que llamaba al voto por Francisco I. Madero y José María Pino Suárez en 1911.

Objetos de la picaresca popular como un copete de plástico de Peña Nieto, hasta objetos de uso doméstico y cotidiano como llaveros, pastillas de jabón y juegos de geometría marcados con los nombres de diversos partidos y candidatos.

Paulina Newman, Directora del MODO señaló que: “Con esta nueva exposición, el MODO busca contribuir a la revisión de los procesos a través de los cuales nos hemos transformado en una sociedad civil cada vez más movilizada y organizada y el camino que se ha recorrido en búsqueda de una sociedad política más representativa, vigilada, cuestionada y exigida”.

Es por ello que la exposición está dividida en 7 núcleos temáticos: “El sistema político mexicano”, “El voto de las mujeres”, “Movimientos sociales”, “Ciudadanía”, “Los medios digitales”, “La historia electoral en México” y “La evolución del órgano electoral”.

De acuerdo al curador de esta muestra, Juan Manuel Aurrecoechea:  “Las historias de la ciudadanía, la democracia y la propaganda electoral se yuxtaponen y atraviesan todas las historias del México moderno, desde que Francisco I. Madero exigió “Sufragio efectivo, no reelección” en 1909, hasta las competidas y debatidas elecciones políticas de la actualidad”.

Por esta razón, la exposición se complementa con infografías y videos que proporcionan la información necesaria para que el visitante pueda hacer una mejor lectura de los temas que se presentan, por ejemplo: la historia de los partidos políticos, la historia de la participación de las mujeres en la política electoral o las principales reformas electorales de los últimos años.

Se trabajó de la mano del INE, organismo que colaboró prestando objetos de su colección nunca antes mostrados como  boletas electorales, spots de los partidos políticos, actas de escrutinio y cómputo, liquido indeleble, marcador de credenciales, lápices y crayones para votar,   , canceles electorales, urnas, sellos, y credenciales para votar, desde los que se utilizaban en el siglo XIX hasta la credencial actual. Adicionalmente, el INE realizó, para esta muestra, un video con los testimonios de las primeras mujeres que votaron en 1953.

Cabe señalar que para Lorenzo Córdova, Consejero Presidente del INE, “Las campañas electorales constituyen el lapso estelar para la confrontación política y el debate informado en una sociedad democrática. Es por ello que los carteles, slogans y materiales repartidos durante las campañas no sólo reflejan el tipo de propaganda política, sino la creatividad y las estrategias de los competidores para acercarse a la ciudadanía en una elección específica. De ahí que para recordar una elección tengamos al menos, dos formas: revisar los resultados electorales y, hurgar en la propaganda política y los materiales utilizados en las campañas.”

Se mostrará también, video integrado con imágenes de actos de campaña de prácticamente todos los candidatos que han alcanzado la presidencia en los últimos cien años —de Porfirio Díaz a Enrique Peña Nieto—, así como de sus principales opositores, para mostrar una historia panorámica del país, en poco más de diez minutos.

“Democracia, Ciudadanía y Propaganda Electoral en México de 1910 a 2018” estará presente en El MODO hasta el próximo 29 de julio de 2018.

El Centre Pompidou Málaga nos descubre

al artista rumano Constantin Brancusi

María Esther Beltrán Martínez    Fotos: J. Carlos Santana

Andalucía, España.- En la Costa del Sol conocida actualmente como la ciudad de los museos, Málaga, se exhibe la diversidad de obras del artista Constantin Brancusi (Hobita, 1876- París, 1957), rumano de nacimiento, pero parisino de adopción.

Brancusi destaca como uno de los artistas más singulares de su generación y es en el Centre Pompidou donde se exhiben un centenar de fotografías, negativos y grabaciones así como esculturas y dibujos.

Son cinco partes en las que se observan: la figura de Brancusi, su taller, el diálogo entre la forma en bruto y la forma lisa, lo orgánico y finalmente un homenaje a La Columna sin fin, que es un rombo que aparece como aislado en un primer momento de la obra de este artista. Para luego transformarse en pedestal y en 1918 gana protagonismo con la primera escultura de La columna sin fin.

Julie Jones curadora de la exposición indica que a pesar de trabajar solo, sin asistente, el artista no se encuentra aislado de los creadores de su época: cuando se muda a Parçis en 1907, se hace  íntimo amigo de personalidades entre los que figuran: el compositor y pianista; Erik Satie, el artista; Marcel Duchamp, el poeta; Tristan Tzara, el fotógrafo Edward Steichen, además de frecuentar a las bailarinas

contemporáneas Lizica Codrano o Florence Meyer.

“Si bien su actividad como escultor es la más prolífica, Brancusi también dibuja, filma y fotografía  regularmente, eligiendo como temas principales sus esculturas, y el taller que ellas habitan. Estas imágenes del pasado  devienen instrumentos inestimables para apreciar la obra de un artista enteramente apegado a expresar el principio generador de la vida. A partir de 1914, Brancusi  declara que las reproducciones fotográficas de sus obras no le satisfacen y decide realizar el mismo fotos de esculturas. Según Él, sus fotografías nos hacer “ver” más su escultura que un comentario escrito”.

Explica la curadora que el movimiento, su principio y su filmación, revela la obsesión constante del escultor por el proceso natural de la metamorfosis.  

“Metamorfosis. La vida es fermentación y debe  transformarse para seguir viva”, afirmaba el artista. Julia señala que el interés por la energía generadora, en movimiento perpetuo, es ampliamente compartido por sus contemporáneos de principio  del siglo XX.

“La época está marcada por un  interés sin precedentes por los estudios  sobre el tiempo, el movimiento y la desmaterialización  de la materia, tanto en el ámbito de la filosofía como en los de las ciencias exactas, el arte o el esoterismo. De hecho, los nombres de algunas esculturas  Móviles como Leda, hace directamente referencia a la metamorfosis. La transformación se observa en la obra. en las diferentes versiones realizadas a partir de un mismo motivo, en mármol, madera o bronce”.

Un aspecto que presenta la exposición es que a menudo Brancusi posa como modelo para sus fotografías y películas, lo cual observamos durante el recorrido por la exposición que nos envuelve con la creación del artista. Observamos un hombre despeinado y  cubierto de yeso. Otro aspecto que nos presentan es que es un hombre que le gusta la música y en su taller cuentan tenía una buena colección de discos y que fue siempre un espléndido anfitrión en su taller para sus amigos, músicos, bailarines y escritores. Un amante de las mascotas, descubrimos varias fotos de sus dos perros uno blanco y otro negro.  

La madera es el material favorito del artista, lo que se confirma al ver sus esculturas, pedestales y muebles domésticos que él artista confeccionará para su taller algunos  con motivos del arte tradicional rumano por lo que dejan entrever el interés de Brancusi por el arte fuera de los cánones occidentales, especialmente el africano.

La exposición ha editado un catálogo en donde se puede apreciar las obras del artista, además que cuenta con textos muy bien explicados de los curadores sobre la obra y vida del artista. Se cuenta con la recopilación de afirmaciones de amigos del artista que dan cuenta de la vida y obra de Brancusi.

la actriz española Neus Sanz

María Esther Beltrán Martínez   Fotos: Moises Fernandez

Málaga, España.- Se presenta en gira el monólogo Un pedacito de mi, escrito por la actriz Neus Sanz. En una hora y con el sólo uso de fotografías, Sanz se descubre ante el público y nos habla de su vida.

Sanz quien ha participado en diversos proyectos como: Los hombres de Paco, Águila Roja o  la película Volver, se pone frente al público en un monólogo con un porcentaje de comedia y habla de su vida.

Es extraño que una obra empiece con agradecimientos y Neus rompe el patrón e inicia su monólogo con una decena de agradecimientos a familiares, amigos y compañeros de trabajo  por medio de un vídeo. Lo cual sorprende como espectador. Seguidamente sale al escenario y pide disculpas por los más de cinco minutos de agradecimientos.

“Siguen ahí”, dice sorprendida. Y comienza por explicar su decisión de agradecer a todos los que la han ayudado en su vida y empieza a narrar anécdotas de su infancia, juventud y vida.

El hilo conductor son fotografías que al verlas ella narra lo que hay alrededor de la imágen. El público se convierte en cómplice de sus aventuras. Mini historias que son como las que se cuentan muchas veces en reuniones de amigos y familiares. Recordando esos momentos de la juventud e infancia. Cuando los padres, amigos o conocidos actuaban de tal o cual manera, que causaban el dolor, la pena o la alegría de quien lo cuenta.

Y sin duda alguna es así como nace este proyecto. Así lo comenta Neus que “un día le contó la historia de una foto a una amiga y está le dijo que, tanto esa historia como todas las que siempre cuenta, da para un monólogo de comedia donde todo el mundo pudiese disfrutar de sus alocadas historias y las de su familia”.

Es un monólogo íntimo y en algún momento se siente uno incómodo o simplemente sorprendido. Es tal vez de esas veces que se acerca alguien y te cuenta alguna situación familiar que no entiendes porque lo hace o qué espera de tí.

Neus termina por agradecer la asistencia de todos. Y sale al vestíbulo al dar abrazos al público. Antes de que salga los asistentes le dan una gran ovación.

MEXICRÁNEOS, SUBASTA CON CAUSA

·        2 cráneos monumentales y 12 litocráneos forman parte de Esto es Ahora Subasta de Arte Contemporáneo de Morton Subastas.

·        Lo recaudado beneficiará a fundaciones y comunidades indígenas del país.

Tal como anunció J. García López durante la presentación de la edición de MEXICRÁNEOS de este año, algunas de las piezas que formaron parte en 2017 se subastarán en beneficio de la Fundación “Un Granito de Arena” en pro de la asistencia a personas mayores; “Casa Hogar Pas”  para menores de escasos recursos; “Fundación Juntos para el Bienestar de Niños Contra el Cáncer IAP”; así como para la comunidad Huichol de la zona de Jalisco y la comunidad de artesanos de alebrijes de San Martín Tilcajete, Ocotlán en Oaxaca.

El próximo 19 de abril Morton Subastas, subastará 12 litocráneos. Entre los artistas se encuentran Gaby Villanueva, Marco Zamudio, Cocolvú; Sofía Castellanos e Ignacio Villanueva, por mencionar algunos. Además de dos cráneos monumentales, Mexicolor del artista Lao Gabrielli y Buenas Intenciones de Ángel Ricardo Ricardo Ríos.

Estas piezas que lograron gran sorpresa entre los asistentes a la muestra en Paseo de la Reforma, la cual fue visitada por mas de dos millones de personas. Los amantes del arte y coleccionistas podrán encontrar dichas obras en el catálogo Esto es Ahora Subasta de Arte Contemporáneo de la reconocida casa de subastas.

Antonio Banderas soñó con el

último paseo de Picasso por Málaga

María Esther Beltrán Martínez   Fotos: J. Carlos Santana

Málaga, España.-  Antonio Banderas lleva la mirada internacional a su ciudad natal, Málaga. Con el preestreno de la serie Genius. Y su cita del domingo de ramos para salir como todos los años junto con la cofradía de Lágrimas y Favores.

Después de superar los problemas de salud que tuvo de corazón, vemos un Antonio Banderas dando todo y trabajando continuamente. Ha sacado sus productos de diseño, viaja continuamente para filmar y está presente en los proyectos culturales como es el centro de Teatro en el Soho de Málaga.

Como cada año hace una parada en su Málaga en Semana Santa para estar junto con su Virgen de Lágrimas y Favores. Este año ha llegado antes para presentar  la serie de Genius.

Antes de su llegada estuvo en Madrid para dar diversas entrevistas a medios nacionales españoles y fue  Málaga, la protagonista para hacer el preestreno. Estuvo en el Auditorio del Museo Picasso donde dio una rueda de prensa y habló del trabajo tan arduo que realizó para interpretar un Picasso de los 40 años a los 80.

Ha reiterado que está  en el momento para representar a Picasso.  Y que deseaba que hubiera un reencuentro de Picasso con su Málaga. “No quería que Málaga fuera la niña tonta en la vida de Picasso”

A declarado que no ha sido fácil sacar las flaquezas del artista malagueño, sin embargo ha sido un placer encarnar un hombre con tanto talento.

Después de cumplir con el compromiso del reestreno. Se sumó a las actividades de cofrade. Participó en un coloquio durante la presentación de un corto sobre la Semana Santa Malagueña, además de estar en las diversas actividades de su cofradía que presta atención a diversas actividades sociales durante todo el año.

Para Antonio Banderas, indicó que es muy importante saber que se quiere hacer de la Semana Santa de Málaga. Si se considera que debe promocionarse más o perfeccionar lo que se tiene.  Además de señalar que para muchos es un acto de fe, mientras para otros una forma de espectáculo.

Antonio recalcó su compromiso porque está Semana Santa 2018 sea buena para todos las cofradías, que son más de cuarenta las que hay en la capital de Málaga.

Con un retraso de casi una hora salió la procesión a causa de la lluvia. Banderas ejerce como mayordomo, quien se encarga de dar toques de campana, de guiar el trono por las calles del centro de Málaga. También participa  su hermano Francisco Javier. La noche del sábado colocaron un crespón negro en la campana del trono para recordar a su madre Ana Banderas, que fue camarera de la Virgen y es de las que se encargan de vestir y ornamentar a la Virgen para salir en procesión.

El joyero de Málaga salió dirigido por Antonio. En la salida del desfile  estuvo a su lado su compañera Nicole Kimpel, el director de la serie de Genius Ken Biller, como familiares y amigos.

Al finalizar y regresar a la iglesia de San Juan, Banderas abrazado por todos los cofrades emocionados   cantaron la marcha Lágrimas de San Juan escrita por el propio actor.

Le seguimos echando cráneo a México…

ARTE, CULTURA Y TRADICIÓN CONQUISTARÁN LA CIUDAD DE MÉXICO

CON LA EDICIÓN DE MEXICRÁNEOS 2018

·  En conjunto con el Gobierno de la Ciudad de México, J. García López y Operadora Locos por el Arte, se desarrollaráMEXICRÁNEOS 2018.

·  Luego del éxito de la exposición con 54 cráneos monumentales y visitados por más de dos millones de personas,MEXICRÁNEOS inaugura su Galería de Arte en Pabellón Altavista, compuesta por más de 400 litocráneos intervenidos

El pasado mes de noviembre en conjunto con el Gobierno de la Ciudad de México, J. García López y Operadora Locos por el Arte se presentó en Paseo de la Reforma la exposición MEXICRÁNEOS “Orgullo de México”, la cual fue visitada por más de dos millones de personas; siendo esto un parteaguas en la difusión activa de la cultura y tradiciones de nuestro país. De ahí que MEXICRÁNEOS2018 sea una realidad, con el reto de acercar la cultura a todos y abrir la oportunidad a los artistas emergentes.

El desafío de MEXICRÁNEOS 2018 es superar las 54 obras monumentales de la primera edición en una de las avenidas más importantes de la CDMX, intervenidos por artistas con amplia trayectoria y nuevos talentos. El objetivo es integrar nuevas experiencias interactivas, sin perder la esencia de nuestra cultura y tradición; además de incluir la realidad aumentada a través de dispositivos móviles y contenido multimedia.

Al respecto, Óscar Padilla, director general de J. García López subrayó “gracias al apoyo del Gobierno de la CDMX será posible esta segunda edición, por que estamos convencidos de que el arte y la cultura deben estar al alcance de todos; siendo las tradiciones el ADN de nuestro pueblo, por lo que debemos trasmitirlas a las nuevas generaciones en el contexto tecnológico en el que hoy vivimos”.

Asimismo, en el marco del evento se anunció que luego del éxito de la primera edición, MEXICRÁNEOS inaugura su Galería de Arte en Pabellón Altavista, donde los amantes del arte contemporáneo podrán deleitarse con los litocráneos exhibidos o adquirir alguna de estas piezas únicas, acompañadas por su título de autenticidad.

Durante su participación, Paul Zarkin, director de Operadora Locos por el Arte, subrayó que las obras reflejan la grandeza de nuestro país y forman parte de todos los mexicanos, por lo que a partir del 15 de marzo, los visitantes de Pabellón Altavista podrán disfrutar de la Galería de Arte MEXICRÁNEOS. 

Asimismo, añadió “el aprendizaje obtenido el año pasado, fue en el sentido de que la interacción con los artistas y sus obras es fundamental para crear esa conexión de la cultura con los visitantes, así como la importancia de incluir la parte tecnológica para generar interés por el arte entre los más jóvenes; de ahí la importancia de contextualizar MEXICRÁNEOS 2018 con nuevas experiencias interactivas”.

#AnimalesDeLaNada

Un libro para fortalecer los valores de amor y respeto hacia la vida animal

Sabías que… por cada 7 habitantes que hay en la Ciudad de México existe un perro abandonado.

Para concientizar a los niños sobre la difícil situación que viven los animales de la calle, Funeral Pet, de la mano de Figallo No Format Agency, creó #AnimalesDeLaNada, una campaña social dividida en tres fases.

La primera etapa consistió en convocar al público en general para que compartiera su historia sobre cómo rescató a un animalito sin hogar. Para ello, se habilitó el site http://www.animalesdelanada.com/, una página que albergó más de 2000 anécdotas y que tuvo un alcance de más de 600 mil personas.

En la segunda fase se eligieron las 10 historias más conmovedoras y éstas fueron transformadas en cuentos por los escritores Libia Ortiz, Aydeé Bravo, Carlos Camaleón, Gerardo Castillo, Guillermo Murray y Mirella Rivera.

Posteriormente los cuentos fueron ilustrados por Tabata Bandin, Aarón Martínez, Alex Arizmendi, Fernanda Castro, Miguel Cárdenas, Eugenia Cano, Mariana Pliego, Efren Victoria, Lucero Martínez y Mariana González.

Para cerrar con broche de oro esta iniciativa, se creó el libro #AnimalesDeLaNada, el cual no sólo busca entretener a los niños, sino que a partir de sus cuentos quiere concientizar a los pequeños sobre la difícil situación que viven los animales de la calle y fortalecer los valores de amor y respeto hacia la vida animal.

De acuerdo con el Instituto Nacional de Estadística y Geografía (Inegi), en México 70% de los hogares cuenta con una mascota, pero el 40% de ellos los abandona. Asimismo, por cada 7 habitantes que hay en la Ciudad de México existe un perro abandonado.

Con #AnimalesDeLaNada será más fácil explicarle a un niño la difícil situación que viven los animales de la calle; pero también los niños –y los adultos- verán la adopción de una manera diferente, pues en el amor no hay razas y menos precios.

Por otro lado, con el libro se pretende reducir un problema de salud que tenemos en la CDMX; en la actualidad hay 1.3 millones de perros defecando en las calles, si las heces brillaran no necesitaríamos luz. Al adoptar a canes sin hogar también se podrá hacer frente a esta situación.

#AnimalesDeLaNada fue presentado este 28 de febrero en KidZania Cuicuilco. Al evento de lanzamiento asistió Miguel Ángel Cancino Aguilar, Procurador Ambiental y del Ordenamiento Territorial (PAOT); Alejandro García, director general de Funeral Pet; el Youtuber “Yorsh de Polanco” y Beto Castillo, presidente de El Muro A.C.

El libro está disponible en Gandhi, Kichink y en la página oficial de la campaña.

Un cuento forma parte importante en la vida de un niño y pronto también lo será para un animalito abandonado, Funeral Pet.

Historias ganadoras

·        Ximena De Anda López

·        Flor Nayelli Carreón García

·        Kitzia Mitre Jiménez O’farrill

·        Marco Antonio Beltrán García

·        Rodolfo Daniel Noriega Legorreta

·        Jorge Luis Gómez-Pimienta Meneses

·        Iliana Karina Ramírez Espinosa De Los Monteros

·        Óscar Daniel Torres Juárez

·        Leticia Muñoz Cruz

Y Fellini soñó con Picasso exposición

de dos talentos unidos por el arte

María Esther Beltrán Martínez  Fotos: J.Carlos Santana

Andalucía, España.-  El Museo Picasso Málaga inicia el año con la exposición Y Fellini soñó con Picasso. Los visitantes disfrutan de la obra de dos grandes figuras del siglo XX: Pablo Ruiz Picasso y Federico Fellini.

La curadora es Audrey Norcia, doctora en Historia del Arte. Muestra el mundo del cineasta italiano Fellini en torno a los sueños que tuvo con el artista español Pablo Ruiz Picasso.

La exposición contiene el mundo de Fellini con una selección de dibujos, películas, fotografías y otros documentos del director de cine italiano que, junto a pinturas, esculturas, dibujos y obra gráfica de Pablo Picasso. Que pone de manifiesto  la similitud de abordar temas como la sexualidad, la exaltación de a vida, la exuberancia y la metamorfosis.

La curadora explica  que el encuentro que se presenta de éstos artistas  no es una comparación sino por el contrario forma un diálogo: “Son estos  los elementos que le unen a Picasso, sin duda alguna, , aunque estén sumidos en los sueños. Lo mismo que su amor a la vida”.

“Una mañana de 1962, el célebre director italiano Federico Fellini (1920-1993) se levantó y describió un encuentro con Picasso en El libro de los sueños, cuadernos en los que -a modo de antología onírica- escribía y dibujaba sus ensoñaciones a petición de su psicoanalista, Ernst Bernhardt, discípulo de Carl Gustav Jung. Así, entre noviembre de 1960 y agosto de 1990, Federico Fellini completó dos gruesos volúmenes con un extenso imaginario de personajes e imágenes, germen de escenas inolvidables en sus películas”, explica.

No fue un sólo sueño hubo varios. Un primer sueño del 22 de enero de 1962, en el que Fellini y su esposa Giuletta Masina visitan la casa de Picasso, se reúnen en su cocina donde comparten una confortable escena de amistad. En sus memorias, el director afirma que “estábamos en una cocina, era claramente la cocina de su casa, una enorme cocina repleta de comida, de cuadros, de colores… Hablamos toda la noche”.

Norcia revela que el 18 de enero de 1967, el cineasta  sueña de nuevo con Picasso y anota en su cuaderno: “Toda la noche con Picasso, que me hablaba, me hablaba… Éramos muy amigos, me mostraba un gran cariño, como un hermano mayor, un padre artístico, un colega que me coloca a su altura, alguien de la misma familia, de la misma casta…”. Hay un nuevo sueño en 1968, que no dibuja pero sí redacta, en relación a una falsa noticia sobre la muerte de Picasso. Finalmente, en julio de 1980, Fellini describe su cuarta y última ensoñación, en la que asegura que éste vuelve a hablarle como un amigo y un maestro: “Sueño con Picasso (un poco más desmejorado, consumido, pero todavía muy vital) que me habla sin parar”.  

La exposición cuenta con un audiovisual  del director español Isaki Lacuesta con voz de la actriz Emma Suárez. Es un film de 22 minutos  en el que se han insertado fragmentos de películas de Fellini. Y se ha realizado un cartel del artista Curro González que es a la vez una hoja de sala ilustrada por el artista. En el anverso, a modo de pequeño cartel de cine felliniano, un dibujo nos muestra personajes, escenarios y elementos en los que  coexisten ambos artistas, mientras que en el reverso se reproducen los textos introductorios de las diversas secciones de esta exposición.